Las artes visuales son formas de arte como la pintura , el dibujo , el grabado , la escultura , la cerámica , la fotografía , el vídeo , el cine , los cómics , el diseño , la artesanía y la arquitectura . Muchas disciplinas artísticas, como las artes escénicas , el arte conceptual y las artes textiles , también involucran aspectos de las artes visuales así como artes de otros tipos. También se incluyen dentro de las artes visuales [1] las artes aplicadas , [2] como el diseño industrial , el diseño gráfico , el diseño de moda , el diseño de interiores y las artes decorativas . [3]
El uso actual del término "artes visuales" incluye tanto las bellas artes como las artes y artesanías aplicadas o decorativas , pero no siempre fue así. Antes del movimiento Arts and Crafts en Gran Bretaña y en otros lugares a principios del siglo XX, el término " artista " se había restringido durante algunos siglos a una persona que trabajaba en las bellas artes (como pintura, escultura o grabado) y no las artes decorativas, la artesanía o los medios de artes visuales aplicadas. La distinción fue enfatizada por los artistas del Movimiento de Artes y Oficios, que valoraban las formas de arte vernáculo tanto como las formas elevadas. [4] Las escuelas de arte hacían una distinción entre bellas artes y artesanías, manteniendo que un artesano no podía ser considerado un practicante de las artes.
La creciente tendencia a privilegiar la pintura, y en menor grado la escultura, por encima de otras artes ha sido una característica del arte occidental así como del arte de Asia oriental . En ambas regiones, se consideraba que la pintura dependía en gran medida de la imaginación del artista y era la más alejada del trabajo manual; en la pintura china , los estilos más valorados eran los de la "pintura erudita", al menos en Teoría practicada por caballeros aficionados. La jerarquía occidental de géneros reflejaba actitudes similares.
La formación en artes visuales se ha realizado generalmente a través de variaciones de los sistemas de aprendiz y taller. En Europa, el movimiento renacentista para aumentar el prestigio del artista condujo al sistema académico para la formación de artistas, y hoy en día la mayoría de las personas que siguen una carrera en las artes se forman en escuelas de arte de nivel terciario . Las artes visuales se han convertido ahora en una materia optativa en la mayoría de los sistemas educativos. [5] [6]
En Asia Oriental , la educación artística para artistas no profesionales normalmente se centraba en la pincelada; la caligrafía se contaba entre las Seis Artes de los caballeros de la dinastía Zhou china , y la caligrafía y la pintura china se contaban entre las cuatro artes de los eruditos-funcionarios de la China imperial. [7] [8] [9]
País líder en el desarrollo de las artes en América Latina , en 1875 creó la Sociedad Nacional de Estímulo de las Artes, fundada por los pintores Eduardo Schiaffino , Eduardo Sívori , y otros artistas. Su gremio fue reconstituido como Academia Nacional de Bellas Artes en 1905 y, en 1923, por iniciativa del pintor y académico Ernesto de la Cárcova , como departamento de la Universidad de Buenos Aires , Escuela Superior de Arte de la Nación. Actualmente, la organización educativa de las artes líder en el país es la UNA Universidad Nacional de las Artes . [10]
El dibujo es un medio para crear una imagen , ilustración o gráfico utilizando cualquiera de una amplia variedad de herramientas y técnicas disponibles en línea y fuera de línea. Generalmente implica hacer marcas en una superficie aplicando presión con una herramienta o moviendo una herramienta a través de una superficie usando medios secos como lápices de grafito , pluma y tinta , pinceles entintados , lápices de cera , crayones , carboncillos , pasteles y marcadores . También se utilizan herramientas digitales, incluidos bolígrafos, stylus , que simulan los efectos de estos. Las principales técnicas utilizadas en el dibujo son: dibujo lineal, rayado , rayado cruzado, rayado aleatorio, sombreado , garabato, punteado y fusión. Se hace referencia como dibujante o dibujante a un artista que destaca en el dibujo . [11]
El dibujo y la pintura se remontan a decenas de miles de años. El arte del Paleolítico superior incluye el arte figurativo que comenzó hace entre 40.000 y 35.000 años. Las pinturas rupestres no figurativas, compuestas por plantillas de manos y formas geométricas simples, son aún más antiguas. Se encuentran representaciones de animales en cuevas paleolíticas en áreas como Lascaux, Francia y Altamira, España en Europa, Maros, Sulawesi en Asia y Gabarnmung , Australia.
En el antiguo Egipto , los dibujos a tinta sobre papiro , que a menudo representaban personas, se utilizaban como modelos para pintura o escultura. Los dibujos de vasijas griegas , inicialmente geométricos, evolucionaron más tarde hacia la forma humana con cerámica de figuras negras durante el siglo VII a.C. [12]
Cuando el papel se volvió común en Europa en el siglo XV, el dibujo fue adoptado por maestros como Sandro Botticelli , Rafael , Miguel Ángel y Leonardo da Vinci , quienes a veces trataban el dibujo como un arte en sí mismo en lugar de una etapa preparatoria para la pintura o la escultura. .
La pintura, tomada literalmente, es la práctica de aplicar pigmento suspendido en un soporte (o medio ) y un agente aglutinante (un pegamento ) a una superficie (soporte) como papel , lienzo o una pared. Sin embargo, cuando se usa en un sentido artístico significa el uso de esta actividad en combinación con el dibujo , la composición u otras consideraciones estéticas con el fin de manifestar la intención expresiva y conceptual del practicante. La pintura también se utiliza para expresar motivos e ideas espirituales; Los sitios de este tipo de pintura van desde obras de arte que representan figuras mitológicas en cerámica hasta la Capilla Sixtina y el cuerpo humano mismo. [13]
Al igual que el dibujo, la pintura tiene sus orígenes documentados en cuevas y paredes rocosas. Los mejores ejemplos, que algunos creen que tienen 32.000 años de antigüedad, se encuentran en las cuevas de Chauvet y Lascaux , en el sur de Francia. En tonos de rojo, marrón, amarillo y negro, las pinturas de las paredes y techos representan bisontes, ganado vacuno, caballos y ciervos.
Se pueden encontrar pinturas de figuras humanas en las tumbas del antiguo Egipto. En el gran templo de Ramsés II , se representa a Nefertari , su reina, dirigida por Isis . [14] Los griegos contribuyeron a la pintura, pero gran parte de su trabajo se ha perdido. Una de las mejores representaciones que quedan son los retratos helenísticos de las momias de Fayum . Otro ejemplo es el mosaico de la batalla de Issus en Pompeya , que probablemente se basó en una pintura griega. El arte griego y romano contribuyó al arte bizantino en el siglo IV a. C., que inició una tradición en la pintura de iconos. [15]
Aparte de los manuscritos iluminados producidos por los monjes durante la Edad Media , la siguiente contribución significativa al arte europeo fue la de los pintores renacentistas italianos . Desde Giotto en el siglo XIII hasta Leonardo da Vinci y Rafael a principios del siglo XVI, este fue el período más rico del arte italiano , ya que se utilizaron técnicas de claroscuro para crear la ilusión de un espacio tridimensional. [dieciséis]
Los pintores del norte de Europa también fueron influenciados por la escuela italiana. Jan van Eyck de Bélgica, Pieter Bruegel el Viejo de los Países Bajos y Hans Holbein el Joven de Alemania se encuentran entre los pintores más exitosos de la época. Utilizaron la técnica del vidriado con óleos para conseguir profundidad y luminosidad.
El siglo XVII fue testigo del surgimiento de grandes maestros holandeses como el versátil Rembrandt , especialmente recordado por sus retratos y escenas bíblicas, y Vermeer , que se especializó en escenas interiores de la vida holandesa.
El Barroco se inició después del Renacimiento, desde finales del siglo XVI hasta finales del siglo XVII. Los principales artistas del Barroco incluyeron a Caravaggio , que hizo un uso intensivo del tenebrismo . Peter Paul Rubens , un pintor flamenco que estudió en Italia, trabajó para iglesias locales en Amberes y también pintó una serie para María de Médicis . Annibale Carracci tomó influencias de la Capilla Sixtina y creó el género de pintura de techo ilusionista . Gran parte del desarrollo que ocurrió en el Barroco se debió a la Reforma Protestante y la Contrarreforma resultante . Gran parte de lo que define el barroco es una iluminación espectacular y efectos visuales generales. [17]
El impresionismo comenzó en Francia en el siglo XIX con una asociación informal de artistas como Claude Monet , Pierre-Auguste Renoir y Paul Cézanne , quienes aportaron a la pintura un nuevo estilo de pincel libre, eligiendo a menudo pintar escenas realistas de la vida moderna al aire libre en lugar de en el estudio. . Esto se logró a través de una nueva expresión de rasgos estéticos demostrados por las pinceladas y la impresión de realidad. Lograron una intensa vibración del color mediante el uso de colores puros y sin mezclar y pinceladas cortas. El movimiento influyó en el arte como una dinámica, moviéndose a través del tiempo y ajustándose a las nuevas técnicas y la percepción del arte. La atención al detalle se volvió menos prioritaria a la hora de lograrlo, mientras se exploraba una visión sesgada de los paisajes y la naturaleza a los ojos del artista. [18] [19]
Hacia finales del siglo XIX, varios pintores jóvenes llevaron el impresionismo un paso más allá, utilizando formas geométricas y colores antinaturales para representar emociones mientras buscaban un simbolismo más profundo. De particular interés son Paul Gauguin , que estuvo fuertemente influenciado por el arte asiático, africano y japonés, Vincent van Gogh , un holandés que se mudó a Francia donde se basó en la fuerte luz del sol del sur, y Toulouse-Lautrec , recordado por sus vívidas pinturas. de la vida nocturna en el distrito parisino de Montmartre . [20]
Edvard Munch , artista noruego, desarrolló su enfoque simbólico a finales del siglo XIX, inspirándose en el impresionista francés Manet . El Grito (1893), su obra más famosa, es ampliamente interpretada como la representación de la ansiedad universal del hombre moderno. En parte como resultado de la influencia de Munch, el movimiento expresionista alemán se originó en Alemania a principios del siglo XX cuando artistas como Ernst Kirschner y Erich Heckel comenzaron a distorsionar la realidad para lograr un efecto emocional.
Paralelamente, el estilo conocido como cubismo se desarrolló en Francia cuando los artistas se centraron en el volumen y el espacio de las estructuras nítidas dentro de una composición. Pablo Picasso y Georges Braque fueron los principales defensores del movimiento. Los objetos se dividen, analizan y vuelven a ensamblar de forma abstracta. En la década de 1920, el estilo se había convertido en surrealismo con Dalí y Magritte . [21]
El grabado consiste en crear, con fines artísticos, una imagen en una matriz que luego se transfiere a una superficie bidimensional (plana) mediante tinta (u otra forma de pigmentación). Excepto en el caso de un monotipo , se puede utilizar la misma matriz para producir muchos ejemplos de la impresión.
Históricamente, las principales técnicas (también llamadas medios) involucradas son la xilografía , el grabado lineal , el aguafuerte , la litografía y la serigrafía (serigrafía, serigrafía), pero hay muchas otras, incluidas las técnicas digitales modernas. Normalmente, la impresión se realiza sobre papel , pero otros soportes van desde tela y vitela hasta materiales más modernos.
Los grabados de tradición occidental producidos antes de 1830 aproximadamente se conocen como grabados de maestros antiguos . En Europa, alrededor del año 1400 d.C. , la xilografía se utilizó para impresiones maestras sobre papel utilizando técnicas de impresión desarrolladas en los mundos bizantino e islámico. Michael Wolgemut mejoró la xilografía alemana aproximadamente en 1475, y Erhard Reuwich , un holandés, fue el primero en utilizar el rayado cruzado. A finales de siglo, Alberto Durero llevó la xilografía occidental a un nivel nunca superado, aumentando el estatus de la xilografía de una sola hoja. [22]
En China, el arte del grabado se desarrolló hace unos 1.100 años como ilustraciones junto con textos cortados en bloques de madera para imprimir en papel. Inicialmente las imágenes eran principalmente religiosas pero en la dinastía Song , los artistas comenzaron a recortar paisajes. Durante las dinastías Ming (1368-1644) y Qing (1616-1911), la técnica se perfeccionó para grabados tanto religiosos como artísticos. [23] [24]
La impresión en madera en Japón (japonés: 木版画, moku hanga) es una técnica más conocida por su uso en el género artístico ukiyo-e ; sin embargo, también se utilizó mucho para imprimir libros ilustrados en el mismo período. La impresión xilográfica se había utilizado en China durante siglos para imprimir libros, mucho antes de la llegada de los tipos móviles, pero sólo se adoptó ampliamente en Japón durante el período Edo (1603-1867). [25] [26] Aunque similar al grabado en madera en el grabado occidental en algunos aspectos, moku hanga difiere mucho en que se utilizan tintas a base de agua (a diferencia del grabado en madera occidental, que utiliza tintas a base de aceite), lo que permite una amplia gama de Color vivo, veladuras y transparencia de color.
Después del declive del ukiyo-e y la introducción de tecnologías de impresión modernas, la impresión en madera continuó como método para imprimir textos y también para producir arte, tanto dentro de modos tradicionales como el ukiyo-e como en una variedad de formas más radicales u occidentales que podría interpretarse como arte moderno . A principios del siglo XX, se hizo popular el shin-hanga que fusionaba la tradición del ukiyo-e con las técnicas de la pintura occidental, y las obras de Hasui Kawase y Hiroshi Yoshida ganaron popularidad internacional. [27] [28] Institutos como el "Instituto Adachi de Grabados en Madera" y "Takezasado" continúan produciendo grabados ukiyo-e con los mismos materiales y métodos que se utilizaban en el pasado. [29] [30]
La fotografía es el proceso de realizar imágenes mediante la acción de la luz. Los patrones de luz reflejados o emitidos por los objetos se registran en un medio sensible o chip de almacenamiento mediante una exposición cronometrada . El proceso se realiza a través de obturadores mecánicos o exposición de fotones cronometrada electrónicamente en dispositivos de procesamiento químico o digitalización conocidos como cámaras .
La palabra proviene del griego φως phos ("luz"), y γραφις graphis ("stylus", "pincel") o γραφη graphê , que juntos significan "dibujar con luz" o "representación mediante líneas" o "dibujo". Tradicionalmente se ha denominado fotografía al producto de la fotografía . El término fotografía es una abreviatura; mucha gente también los llama imágenes. En fotografía digital, el término imagen ha comenzado a sustituir a fotografía. (El término imagen es tradicional en óptica geométrica .)
La arquitectura es el proceso y el producto de planificar , diseñar y construir edificios o cualquier otra estructura. Las obras arquitectónicas, en forma material de edificios, a menudo se perciben como símbolos culturales y obras de arte. Las civilizaciones históricas a menudo se identifican con los logros arquitectónicos que han sobrevivido.
La obra escrita más antigua que se conserva sobre el tema de la arquitectura es De Architectura , del arquitecto romano Vitruvio a principios del siglo I d.C. Según Vitruvio, un buen edificio debe satisfacer los tres principios de firmitas, utilitas, venustas, comúnmente conocidos por la traducción original: firmeza, comodidad y deleite. Un equivalente en inglés moderno sería:
La construcción primero evolucionó a partir de la dinámica entre necesidades (refugio, seguridad, culto, etc.) y medios ( materiales de construcción disponibles y habilidades necesarias). A medida que las culturas humanas se desarrollaron y el conocimiento comenzó a formalizarse a través de tradiciones y prácticas orales, la construcción se convirtió en un oficio , y "arquitectura" es el nombre que se le da a las versiones más formalizadas y respetadas de ese oficio.
La realización cinematográfica es el proceso de realización de una película , desde una concepción e investigación inicial, pasando por la escritura del guión, el rodaje y la grabación, la animación u otros efectos especiales, la edición, el trabajo de sonido y música y finalmente la distribución a una audiencia; se refiere ampliamente a la creación de todo tipo de películas, abarcando documentales, variedades de teatro y literatura en el cine, y prácticas poéticas o experimentales, y a menudo también se utiliza para referirse a procesos basados en video.
Los artistas visuales ya no se limitan a los medios tradicionales de artes visuales . Las computadoras se han utilizado como una herramienta cada vez más común en las artes visuales desde la década de 1960. Los usos incluyen la captura o creación de imágenes y formas, la edición de esas imágenes (incluida la exploración de múltiples composiciones ) y la representación o impresión final (incluida la impresión 3D ).El arte informático es cualquier arte en el que las computadoras desempeñaron un papel en la producción o exhibición. Dicho arte puede ser una imagen, sonido, animación , vídeo , CD-ROM , DVD , videojuego , sitio web , algoritmo , actuación o instalación de galería.
Muchas disciplinas tradicionales ahora integran tecnologías digitales , por lo que las líneas entre las obras de arte tradicionales y las obras de nuevos medios creadas con computadoras se han desdibujado. Por ejemplo, un artista puede combinar pintura tradicional con arte algorítmico y otras técnicas digitales. Como resultado, definir el arte informático por su producto final puede resultar difícil. Sin embargo, este tipo de arte está comenzando a aparecer en las exhibiciones de los museos de arte, aunque aún tiene que demostrar su legitimidad como una forma en sí misma y esta tecnología se ve ampliamente en el arte contemporáneo más como una herramienta que como una forma, como ocurre con la pintura. Por otro lado, hay obras de arte basadas en computadora que pertenecen a una nueva corriente conceptual y posdigital , que asume las mismas tecnologías y su impacto social como objeto de investigación.
El uso de computadoras ha desdibujado las distinciones entre ilustradores , fotógrafos , editores de fotografías , modeladores 3D y artistas artesanales. El sofisticado software de renderizado y edición ha llevado a desarrolladores de imágenes con múltiples habilidades. Los fotógrafos pueden convertirse en artistas digitales . Los ilustradores pueden convertirse en animadores . La artesanía puede ser asistida por computadora o utilizar imágenes generadas por computadora como plantilla. El uso de imágenes prediseñadas por computadora también ha hecho que la distinción clara entre artes visuales y diseño de página sea menos obvia debido al fácil acceso y edición de las imágenes prediseñadas en el proceso de paginación de un documento, especialmente para el observador no calificado.
Artes plásticas es un término para formas de arte que implican la manipulación física de un medio plástico mediante moldeo o modelado, como la escultura o la cerámica . El término también se ha aplicado a todas las artes visuales (no literarias, no musicales) . [31] [32]
Los materiales que pueden tallarse o moldearse, como la piedra o la madera, el hormigón o el acero, también se han incluido en la definición más estricta, ya que, con las herramientas adecuadas, dichos materiales también son capaces de modularse. [ cita necesaria ] Este uso del término "plástico" en las artes no debe confundirse con el uso de Piet Mondrian , ni con el movimiento que denominó, en francés e inglés, " neoplasticismo ".
La escultura es una obra de arte tridimensional creada al dar forma o combinar material duro o plástico , sonido o texto o luz, comúnmente piedra (ya sea roca o mármol ), arcilla , metal , vidrio o madera . Algunas esculturas se crean directamente encontrando o tallando; otros se ensamblan, construyen juntos y se cuecen , sueldan , moldean o funden . Las esculturas suelen estar pintadas . [33] Una persona que crea esculturas se llama escultor.
Los primeros ejemplos indiscutibles de escultura pertenecen a la cultura auriñaciense , que se ubicó en Europa y el suroeste de Asia y estuvo activa a principios del Paleolítico superior . Además de producir algunas de las primeras obras de arte rupestre conocidas , la gente de esta cultura desarrolló herramientas de piedra finamente elaboradas, fabricando colgantes, pulseras, cuentas de marfil y flautas de hueso, así como figuras tridimensionales. [34] [35] [36]
Debido a que la escultura implica el uso de materiales que pueden ser moldeados o modulados, se considera una de las artes plásticas . La mayor parte del arte público es escultura. Muchas esculturas juntas en un jardín pueden denominarse jardín de esculturas . Los escultores no siempre hacen esculturas a mano. Con la creciente tecnología en el siglo XX y la popularidad del arte conceptual sobre el dominio técnico, más escultores recurrieron a los fabricantes de arte para producir sus obras de arte. Con la fabricación, el artista crea un diseño y paga a un fabricante para que lo produzca. Esto permite a los escultores crear esculturas más grandes y complejas a partir de materiales como cemento, metal y plástico, que no podrían crear a mano. También se pueden realizar esculturas con tecnología de impresión 3D .
En los Estados Unidos, la ley que protege los derechos de autor sobre una obra de arte visual da una definición más restrictiva de "arte visual". [37]
Una "obra de arte visual" es:
(1) una pintura, dibujo, grabado o escultura, existente en una sola copia, en una edición limitada de 200 copias o menos, firmadas y numeradas consecutivamente por el autor, o, en el caso de en el caso de una escultura, en múltiples esculturas fundidas, talladas o fabricadas de 200 o menos que estén numeradas consecutivamente por el autor y lleven la firma u otra marca de identificación del autor; o
(2) una imagen fotográfica fija producida únicamente con fines de exhibición, existente en una sola copia firmada por el autor, o en una edición limitada de 200 copias o menos firmadas y numeradas consecutivamente por el autor.
Una obra de arte visual no incluye:
(A)(i) ningún cartel, mapa, globo terráqueo, gráfico, dibujo técnico , diagrama, modelo, arte aplicado, película u otra obra audiovisual, libro, revista, periódico, publicación periódica o datos. base, servicio de información electrónica, publicación electrónica o publicación similar;
(ii) cualquier artículo de merchandising o material o envase publicitario, promocional, descriptivo, de cobertura o de embalaje;
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