El dibujo es un arte visual que utiliza un instrumento para marcar papel u otra superficie bidimensional . El instrumento puede ser lápices , crayones , bolígrafos con tinta , pinceles con pinturas o combinaciones de estos y, en tiempos más modernos, lápices ópticos de computadora con tabletas gráficas .
Un instrumento de dibujo libera una pequeña cantidad de material sobre una superficie, dejando una marca visible. El soporte más habitual para el dibujo es el papel , aunque se han utilizado otros materiales, como cartón , vitela , madera , plástico, cuero , lienzo y cartón . Se podrán realizar dibujos temporales en un pizarrón o pizarra . El dibujo ha sido un medio de expresión pública popular y fundamental a lo largo de la historia de la humanidad. Es uno de los medios más simples y eficientes para comunicar ideas. [1] La amplia disponibilidad de instrumentos de dibujo hace que el dibujo sea una de las actividades artísticas más comunes.
Además de sus formas más artísticas, el dibujo se utiliza frecuentemente en ilustración comercial , animación , arquitectura , ingeniería y dibujo técnico . Un dibujo rápido a mano alzada, que generalmente no se considera un trabajo terminado, a veces se denomina boceto . A un artista que practica o trabaja en el dibujo técnico se le puede llamar dibujante , dibujante o dibujante. [2]
El dibujo es una de las formas más antiguas de expresión humana dentro de las artes visuales. Generalmente se ocupa del marcado de líneas y áreas de tono en papel u otro material, donde la representación precisa del mundo visual se expresa sobre una superficie plana. [3] Los dibujos tradicionales eran monocromáticos , o al menos tenían poco color, [4] mientras que los dibujos modernos a lápiz de colores pueden acercarse o cruzar una frontera entre el dibujo y la pintura . En la terminología occidental, el dibujo es distinto de la pintura, aunque a menudo se emplean medios similares en ambas tareas. En las pinturas al pastel se pueden utilizar medios secos, normalmente asociados con el dibujo, como la tiza . El dibujo se puede realizar con un medio líquido, aplicado con pinceles o bolígrafos. Soportes similares también pueden servir para ambas cosas: pintar generalmente implica la aplicación de pintura líquida sobre lienzos o paneles preparados, pero a veces se dibuja primero un dibujo inferior sobre ese mismo soporte.
El dibujo suele ser exploratorio, con considerable énfasis en la observación, la resolución de problemas y la composición. El dibujo también se utiliza habitualmente en la preparación de una pintura, lo que oscurece aún más su distinción. Los dibujos creados para estos fines se llaman sexo.
Hay varias categorías de dibujo, incluido el dibujo de figuras , caricaturas , garabatos y mano alzada. También hay muchos métodos de dibujo, como el dibujo lineal , el punteado, el sombreado , el método surrealista de la grafomanía entópica (en el que se hacen puntos en los lugares de impurezas en una hoja de papel en blanco y luego se hacen líneas entre los puntos), y calco (dibujar en un papel translúcido, como papel de calco , alrededor del contorno de formas preexistentes que se ven a través del papel).
Un dibujo rápido y sin refinar puede denominarse boceto .
En campos ajenos al arte, los dibujos técnicos o planos de edificios, maquinaria, circuitos y otras cosas a menudo se denominan "dibujos" incluso cuando han sido transferidos a otro medio mediante impresión.
hhhjhjhj es una de las formas más antiguas de expresión humana, y la evidencia de su existencia precede a la de la comunicación escrita. [5] Se cree que el dibujo se utilizaba como una forma especializada de comunicación antes de la invención del lenguaje escrito, [5] [6] demostrado por la producción de pinturas rupestres y rupestres hace unos 30.000 años ( Arte del Paleolítico superior ) . [7] Estos dibujos, conocidos como pictogramas, representaban objetos y conceptos abstractos. [8] Los bocetos y pinturas producidos en el Neolítico finalmente se estilizaron y simplificaron en sistemas de símbolos ( protoescritura ) y, finalmente, en sistemas de escritura tempranos .
Antes de la disponibilidad generalizada de papel en Europa, los monjes de los monasterios europeos utilizaban dibujos, ya sea como base para manuscritos iluminados sobre vitela o pergamino, o como imagen final. El dibujo también se ha utilizado ampliamente en el campo de la ciencia, como método de descubrimiento, comprensión y explicación.
Dibujar diagramas de observaciones es una parte importante del estudio científico.
En 1609, el astrónomo Galileo Galilei explicó las fases cambiantes de Venus y también las manchas solares mediante sus dibujos telescópicos de observación. [9] En 1924, el geofísico Alfred Wegener utilizó ilustraciones para demostrar visualmente el origen de los continentes :3. [9]
El dibujo se utiliza para expresar la creatividad y, por lo tanto, ha tenido un lugar destacado en el mundo del arte. A lo largo de gran parte de la historia, el dibujo fue considerado la base de la práctica artística. [10] Inicialmente, los artistas utilizaban y reutilizaban tablillas de madera para la producción de sus dibujos. [11] Tras la amplia disponibilidad de papel en el siglo XIV, aumentó el uso del dibujo en las artes. En este punto, el dibujo se utilizaba habitualmente como herramienta de pensamiento e investigación, actuando como medio de estudio mientras los artistas se preparaban para sus trabajos finales. [12] [13] El Renacimiento trajo una gran sofisticación en las técnicas de dibujo, permitiendo a los artistas representar las cosas de manera más realista que antes, [14] y revelando un interés por la geometría y la filosofía. [15]
La invención de la primera forma de fotografía ampliamente disponible provocó un cambio en la jerarquía de las artes. [16] La fotografía ofreció una alternativa al dibujo como método para representar con precisión los fenómenos visuales, y la práctica tradicional del dibujo recibió menos énfasis como una habilidad esencial para los artistas, particularmente en la sociedad occidental. [9]
El dibujo adquirió importancia como forma de arte a finales del siglo XV, con artistas y maestros grabadores como Alberto Durero y Martín Schongauer ( c. 1448-1491 ), el primer grabador del Norte conocido por su nombre. Schongauer procedía de Alsacia y nació en una familia de orfebres. Alberto Durero, un maestro de la siguiente generación, también era hijo de un orfebre. [17] [18]
Los dibujos de antiguos maestros a menudo reflejan la historia del país en el que fueron producidos y las características fundamentales de una nación en ese momento. En la Holanda del siglo XVII, un país protestante, casi no había obras de arte religiosas y, sin rey ni corte, la mayor parte del arte se compraba de forma privada. Los dibujos de paisajes o escenas de género a menudo no se consideraban bocetos sino obras de arte muy acabadas. Los dibujos italianos, sin embargo, muestran la influencia del catolicismo y de la Iglesia, que desempeñó un papel importante en el mecenazgo artístico. Lo mismo ocurre a menudo con los dibujos franceses, aunque en el siglo XVII las disciplinas del clasicismo francés [19] hicieron que los dibujos fueran menos barrocos que los más libres homólogos italianos, que transmitían una mayor sensación de movimiento. [20]
En el siglo XX, el modernismo fomentó la "originalidad imaginativa" [21] y el enfoque del dibujo de algunos artistas se volvió menos literal y más abstracto. Artistas de renombre mundial como Pablo Picasso, Andy Warhol y Jean-Michel Basquiat ayudaron a desafiar el status quo, con el dibujo en el centro de su práctica y, a menudo, reinterpretando la técnica tradicional. [22]
Los dibujos de Basquiat se produjeron en muchos medios diferentes, más comúnmente tinta, lápiz, rotulador o marcador y barra de aceite, y dibujaba en cualquier superficie que tenía a mano, como puertas, ropa, refrigeradores, paredes y cascos de béisbol. [23]
Los siglos han producido un canon de artistas y dibujantes notables, cada uno con su propio lenguaje de dibujo distintivo, que incluye:
El medio es el medio por el cual la tinta, el pigmento o el color se depositan en la superficie de dibujo. La mayoría de los medios de dibujo son secos (p. ej. , grafito , carbón , pasteles , Conté , punta de plata ) o utilizan un disolvente o soporte fluido ( marcador , bolígrafo y tinta ). Los lápices de acuarela se pueden usar secos como lápices comunes y luego humedecidos con un pincel húmedo para obtener diversos efectos pictóricos. Muy raramente, los artistas han dibujado con tinta invisible (generalmente decodificada) . El dibujo con punta de metal generalmente emplea cualquiera de dos metales: plata o plomo. [25] Los más raramente utilizados son el oro, el platino, el cobre, el latón, el bronce y la punta de estaño.
El papel viene en una variedad de diferentes tamaños y calidades, desde calidad de periódico hasta papel de alta calidad y relativamente caro que se vende en hojas individuales. [26] Los papeles varían en textura, tono, acidez y resistencia cuando están mojados. El papel liso es bueno para representar detalles finos, pero un papel con más "dientes" retiene mejor el material de dibujo. Por tanto, un material más grueso es útil para producir un contraste más profundo.
El papel periódico y el papel para mecanografiar pueden resultar útiles para practicar y realizar bocetos . El papel de calco se utiliza para experimentar sobre un dibujo a medio terminar y para transferir un diseño de una hoja a otra. El papel de cartucho es el tipo básico de papel de dibujo que se vende en blocs. El cartón Bristol y los tableros sin ácido aún más pesados, frecuentemente con acabados lisos, se utilizan para dibujar detalles finos y no se distorsionan cuando se aplican medios húmedos (tinta, aguadas). La vitela es extremadamente suave y adecuada para detalles muy finos. El papel de acuarela prensado en frío puede ser el preferido para dibujar con tinta debido a su textura.
El papel sin ácido y de calidad de archivo mantiene su color y textura mucho más tiempo que el papel a base de pulpa de madera , como el papel de periódico , que se vuelve amarillo y quebradizo mucho antes.
Las herramientas básicas son un tablero o mesa de dibujo , un sacapuntas y una goma de borrar , y para el dibujo con tinta, papel secante . Otras herramientas utilizadas son el compás circular , la regla y la escuadra . El fijador se utiliza para evitar que las marcas de lápiz y crayón se corran. La cinta de dibujo se utiliza para fijar el papel a la superficie de dibujo y también para enmascarar un área y mantenerla libre de marcas accidentales, como materiales y lavados rociados o salpicados. Se utiliza un caballete o mesa inclinada para mantener la superficie de dibujo en una posición adecuada, que generalmente es más horizontal que la posición utilizada para pintar.
Casi todos los dibujantes utilizan las manos y los dedos para aplicar los medios, con la excepción de algunas personas discapacitadas que dibujan con la boca o los pies. [27]
Antes de trabajar en una imagen, el artista suele explorar cómo funcionan varios medios. Pueden probar diferentes instrumentos de dibujo en hojas de práctica para determinar el valor y la textura, y cómo aplicar el instrumento para producir diversos efectos.
La elección del artista de los trazos de dibujo afecta la apariencia de la imagen. Los dibujos con pluma y tinta suelen utilizar sombreados : grupos de líneas paralelas. [28] El rayado cruzado utiliza el rayado en dos o más direcciones diferentes para crear un tono más oscuro. Los sombreados discontinuos, o líneas con cortes intermitentes, forman tonos más claros y al controlar la densidad de los cortes se logra una gradación de tono. El punteado utiliza puntos para producir tono , textura y sombra . Se pueden lograr diferentes texturas dependiendo del método utilizado para generar tono. [29]
Los dibujos en medios secos a menudo utilizan técnicas similares, aunque los lápices y palitos de dibujo pueden lograr variaciones continuas de tono. Por lo general, un dibujo se completa según la mano que prefiera el artista. Un artista diestro dibuja de izquierda a derecha para evitar manchar la imagen. Los borradores pueden eliminar líneas no deseadas, aclarar tonos y limpiar marcas perdidas. En un boceto o dibujo de contorno, las líneas dibujadas a menudo siguen el contorno del sujeto, creando profundidad al parecer sombras proyectadas por una luz en la posición del artista.
A veces, el artista deja intacta una sección de la imagen mientras completa el resto. La forma del área a preservar se puede pintar con líquido enmascarador o cortar de un frisket y aplicar a la superficie de dibujo, protegiendo la superficie de marcas perdidas hasta que se retire la máscara.
Otro método para preservar una sección de la imagen es aplicar un fijador en aerosol a la superficie. Esto sujeta el material suelto más firmemente a la lámina y evita que se manche. Sin embargo, el spray fijador suele utilizar productos químicos que pueden dañar el sistema respiratorio, por lo que debe utilizarse en un área bien ventilada, como el exterior.
Otra técnica es el dibujo sustractivo en el que la superficie de dibujo se cubre con grafito o carbón y luego se borra para crear la imagen. [30]
El sombreado es la técnica de variar los valores tonales del papel para representar el tono del material, así como la ubicación de las sombras. Una atención cuidadosa a la luz reflejada, las sombras y las luces puede dar como resultado una interpretación muy realista de la imagen.
La fusión utiliza un instrumento para suavizar o extender los trazos del dibujo original. La fusión se realiza más fácilmente con un medio que no se fija por sí solo de inmediato, como el grafito, la tiza o el carbón, aunque la tinta recién aplicada puede correrse, mojada o seca, para algunos efectos. Para sombrear y difuminar, el artista puede utilizar un muñón , un pañuelo de papel , un borrador amasado , la punta de un dedo o cualquier combinación de ellos. Un trozo de gamuza es útil para crear texturas suaves y para retirar material para aclarar el tono. Se puede lograr un tono continuo con grafito sobre una superficie lisa sin difuminarse, pero la técnica es laboriosa y requiere pequeños trazos circulares u ovalados con una punta algo roma.
Las técnicas de sombreado que también introducen textura al dibujo incluyen el sombreado y el punteado . Varios otros métodos producen textura. Además de la elección del papel, el material y la técnica de dibujo afectan la textura. Se puede hacer que la textura parezca más realista cuando se dibuja junto a una textura contrastante; una textura gruesa es más obvia cuando se coloca junto a un área suavemente mezclada. Se puede lograr un efecto similar acercando diferentes tonos. Un borde claro junto a un fondo oscuro destaca a la vista y casi parece flotar sobre la superficie.
Medir las dimensiones de un sujeto mientras se bloquea el dibujo es un paso importante para producir una interpretación realista del sujeto. Se pueden utilizar herramientas como una brújula para medir los ángulos de diferentes lados. Estos ángulos se pueden reproducir en la superficie de dibujo y luego volver a verificarlos para asegurarse de que sean precisos. Otra forma de medición es comparar los tamaños relativos de diferentes partes del sujeto entre sí. Se puede utilizar un dedo colocado en un punto a lo largo del instrumento de dibujo para comparar esa dimensión con otras partes de la imagen. Una regla se puede utilizar como regla y como dispositivo para calcular proporciones.
Al intentar dibujar una forma complicada, como una figura humana, al principio resulta útil representar la forma con un conjunto de volúmenes primitivos. Casi cualquier forma puede representarse mediante alguna combinación de cubo, esfera, cilindro y cono. Una vez que estos volúmenes básicos se han ensamblado para crear una imagen, el dibujo se puede refinar hasta lograr una forma más precisa y pulida. Las líneas de los volúmenes primitivos son eliminadas y reemplazadas por la semejanza final. Dibujar la construcción subyacente es una habilidad fundamental para el arte representacional y se enseña en muchos libros y escuelas. Su correcta aplicación resuelve la mayoría de las incertidumbres sobre detalles más pequeños y hace que la imagen final parezca consistente. [31]
Un arte más refinado del dibujo de figuras depende de que el artista posea un profundo conocimiento de la anatomía y las proporciones humanas. Un artista capacitado está familiarizado con la estructura del esqueleto, la ubicación de las articulaciones, la ubicación de los músculos, el movimiento de los tendones y cómo las diferentes partes trabajan juntas durante el movimiento. Esto permite al artista realizar poses más naturales que no parecen artificialmente rígidas. El artista también sabe cómo varían las proporciones según la edad del sujeto, especialmente cuando se trata de un retrato.
La perspectiva lineal es un método para representar objetos sobre una superficie plana de modo que las dimensiones se reducen con la distancia. Cada conjunto de bordes rectos y paralelos de cualquier objeto, ya sea un edificio o una mesa, sigue líneas que eventualmente convergen en un punto de fuga. Normalmente, este punto de convergencia se encuentra en algún lugar del horizonte, ya que los edificios se construyen al nivel de la superficie plana. Cuando varias estructuras están alineadas entre sí, como edificios a lo largo de una calle, las partes superiores e inferiores horizontales de las estructuras generalmente convergen en un punto de fuga.
Cuando se dibujan tanto los frentes como los lados de un edificio, las líneas paralelas que forman un lado convergen en un segundo punto a lo largo del horizonte (que puede estar fuera del papel de dibujo). Esta es una perspectiva de dos puntos. [32] La convergencia de las líneas verticales en un tercer punto por encima o por debajo del horizonte produce una perspectiva de tres puntos.
La profundidad también se puede representar mediante varias técnicas además del enfoque de perspectiva anterior. Los objetos de tamaño similar deberían parecer cada vez más pequeños cuanto más lejos estén del espectador. Así, la rueda trasera de un carro parece ligeramente más pequeña que la rueda delantera. La profundidad se puede representar mediante el uso de textura . A medida que la textura de un objeto se aleja, se vuelve más comprimida y ocupada, adquiriendo un carácter completamente diferente que si estuviera cerca. La profundidad también se puede representar reduciendo el contraste en objetos más distantes y haciendo que sus colores estén menos saturados. Esto reproduce el efecto de la neblina atmosférica y hace que el ojo se centre principalmente en los objetos dibujados en primer plano.
_-_Study_of_a_Seated_Veiled_Female_Figure_(19th_Century).png/1280px-William-Adolphe_Bouguereau_(1825-1905)_-_Study_of_a_Seated_Veiled_Female_Figure_(19th_Century).png)
La composición de la imagen es un elemento importante a la hora de producir una obra interesante y de mérito artístico . El artista planifica la colocación de elementos en el arte para comunicar ideas y sentimientos al espectador. La composición puede determinar el enfoque del arte y dar como resultado un todo armonioso que sea estéticamente atractivo y estimulante.
La iluminación del sujeto también es un elemento clave en la creación de una obra artística, y la interacción de luces y sombras es un método valioso en la caja de herramientas del artista. La ubicación de las fuentes de luz puede marcar una diferencia considerable en el tipo de mensaje que se presenta. Múltiples fuentes de luz pueden eliminar las arrugas del rostro de una persona, por ejemplo, y darle una apariencia más juvenil. Por el contrario, una única fuente de luz, como la luz natural intensa, puede servir para resaltar cualquier textura o elemento interesante.
Al dibujar un objeto o figura, el artista experto presta atención tanto al área dentro de la silueta como a lo que hay afuera. El exterior se denomina espacio negativo y puede ser tan importante en la representación como la figura. Los objetos colocados en el fondo de la figura deben aparecer correctamente colocados dondequiera que se puedan ver.
Un estudio es un borrador de dibujo que se realiza como preparación para una imagen final planificada. Los estudios se pueden utilizar para determinar la apariencia de partes específicas de la imagen completa o para experimentar con el mejor enfoque para lograr el objetivo final. Sin embargo, un estudio bien elaborado puede ser una obra de arte en sí mismo, y se pueden necesitar muchas horas de trabajo cuidadoso para completarlo.
Los individuos muestran diferencias en su capacidad para producir dibujos visualmente precisos. [33] Un dibujo visualmente preciso se describe como "reconocido como un objeto particular en un momento particular y en un espacio particular, representado con poca adición de detalles visuales que no se pueden ver en el objeto representado o con poca eliminación de detalles visuales". ". [34]
Los estudios de investigación han tenido como objetivo explicar las razones por las que algunas personas dibujan mejor que otras. Un estudio postuló cuatro habilidades clave en el proceso de dibujo: las habilidades motoras necesarias para hacer marcas, la propia percepción del dibujante de su dibujo, la percepción de los objetos que se dibujan y la capacidad de tomar buenas decisiones de representación. [34] Siguiendo esta hipótesis, varios estudios han tratado de concluir cuáles de estos procesos son más significativos a la hora de afectar la precisión de los dibujos.
_03.jpg/1280px-Ingres_Academic_Study_(detail)_03.jpg)
El control del motor es un componente físico importante en la "fase de producción" del proceso de dibujo. [35] Se ha sugerido que el control motor desempeña un papel en la capacidad de dibujo, aunque sus efectos no son significativos. [34]
Se ha sugerido que la capacidad de un individuo para percibir un objeto que está dibujando es la etapa más importante en el proceso de dibujo. [34] Esta sugerencia está respaldada por el descubrimiento de una relación sólida entre la percepción y la capacidad de dibujo. [36]
Esta evidencia sirvió de base para el libro de Betty Edwards sobre cómo dibujar, Dibujando en el lado derecho del cerebro . [37] Edwards tenía como objetivo enseñar a sus lectores a dibujar, basándose en el desarrollo de las habilidades de percepción del lector.
Además, el influyente artista y crítico de arte John Ruskin enfatizó la importancia de la percepción en el proceso de dibujo en su libro The Elements of Drawing . [38] Afirmó que "Estoy casi convencido de que una vez que vemos con suficiente atención, hay muy pocas dificultades para dibujar lo que vemos".
También se ha demostrado que esto influye en la capacidad de crear dibujos visualmente precisos.La memoria a corto plazo juega un papel importante en el dibujo cuando la mirada cambia entre el objeto que se está dibujando y el dibujo mismo. [39]
Algunos estudios que comparan a artistas con no artistas han descubierto que los artistas dedican más tiempo a pensar estratégicamente mientras dibujan. En particular, los artistas dedican más tiempo a actividades "metacognitivas", como considerar diferentes planes hipotéticos sobre cómo podrían progresar con un dibujo. [40]
Notas
Otras lecturas
