Un dibujo de figura es un dibujo de la forma humana en cualquiera de sus diversas formas y posturas , utilizando cualquiera de los medios de dibujo . El término también puede referirse al acto de producir dicho dibujo . El grado de representación puede variar desde representaciones muy detalladas y anatómicamente correctas hasta bocetos sueltos y expresivos. Un dibujo del natural es un dibujo de la figura humana, tradicionalmente desnuda , a partir de la observación de un modelo vivo . La creación de dibujos del natural, o estudios de la vida , en una clase de vida , ha sido un elemento importante en la formación tradicional de los artistas en el mundo occidental desde el Renacimiento.
Un dibujo de figura puede ser una obra de arte compuesta o un estudio de figura realizado en preparación para una obra más terminada, como una pintura. [1] : Cap. 8 El dibujo de figuras es posiblemente el tema más difícil con el que se enfrenta un artista , y cursos completos están dedicados a este tema. La figura humana es uno de los temas más perdurables en las artes visuales, y la figura humana puede ser la base del retrato , la ilustración , la escultura , la ilustración médica y otros campos.
Los artistas adoptan una variedad de enfoques para dibujar la figura humana. Pueden dibujar a partir de modelos vivos o de fotografías, [2] de modelos esqueléticos o de la memoria y la imaginación. La mayor parte de la instrucción se centra en el uso de modelos en cursos de "dibujo natural". El uso de referencias fotográficas, aunque común desde el desarrollo de la fotografía , a menudo es criticado o desalentado por su tendencia a producir imágenes "planas" que no logran capturar los aspectos dinámicos del sujeto. El dibujo a partir de la imaginación a menudo es elogiado por la expresividad que fomenta y criticado por las imprecisiones introducidas por la falta de conocimiento o la memoria limitada del artista al visualizar la figura humana; la experiencia del artista con otros métodos tiene una gran influencia en la eficacia de este enfoque.
Al desarrollar la imagen, algunos artistas se centran en las formas creadas por la interacción de valores claros y oscuros en las superficies del cuerpo. Otros adoptan un enfoque anatómico, comenzando por aproximarse al esqueleto interno de la figura, superponiendo los órganos internos y la musculatura , y cubriendo esas formas con la piel y, finalmente (si corresponde) con la ropa; El estudio de la anatomía interna humana suele estar involucrado en esta técnica. Otro método consiste en construir el cuerpo a partir de formas geométricas , por ejemplo, una esfera para el cráneo, un cilindro para el torso, etc. Luego refinar esas formas para que se parezcan más a la forma humana.
Para quienes trabajan sin referencia visual (o como medio para comprobar el trabajo), las proporciones comúnmente recomendadas en el dibujo de figuras son: [3]
Estas proporciones son más útiles para un modelo de pie. Las posturas que introducen escorzos en varias partes del cuerpo harán que difieran.
El Salón Francés del siglo XIX recomendaba el uso de crayones Conté , que son barras de cera, aceite y pigmento, combinados con papel especialmente formulado. No se permitía el borrado; en cambio, se esperaba que el artista describiera la figura con trazos ligeros antes de hacer marcas más oscuras y visibles.
Una técnica moderna popular es el uso de una barra de carbón , preparada a partir de enredaderas especiales, y una forma de papel más rugosa. El carbón se adhiere libremente al papel, lo que permite borrarlo muy fácilmente, pero el dibujo final se puede conservar usando un "fijador" en aerosol para evitar que el carbón se borre. El carbón comprimido más duro puede producir un efecto más deliberado y preciso, y se pueden producir tonos graduados difuminados con los dedos o con una herramienta de papel cilíndrica llamada muñón .
También se suele utilizar un lápiz de grafito para dibujar figuras. Para ello, los lápices de artista se venden en varias formulaciones, que van desde 9B (muy blando) hasta 1B (medio blando), y desde 1H (medio duro) hasta 9H (muy duro). Al igual que el carbón, se puede borrar y manipular con un muñón.
La tinta es otro medio popular. El artista a menudo comienza con un lápiz de grafito para esbozar o delinear el dibujo, luego la línea final trabaja con un bolígrafo o pincel y tinta permanente. La tinta se puede diluir con agua para producir gradaciones, una técnica llamada lavado de tinta. Las marcas de lápiz se pueden borrar después de aplicar la tinta o dejarlas en su lugar con las tintas oscuras superándolas.
Algunos artistas dibujan directamente con tinta sin preparar un boceto a lápiz, prefiriendo la espontaneidad de este enfoque a pesar de que limita la capacidad de corregir errores. Matisse es un artista conocido por haber trabajado de esta manera.
Un método preferido de Watteau y otros artistas de las épocas barroca y rococó de los siglos XVII y XVIII era comenzar con una base de color de tono a medio camino entre el blanco y el negro, y agregar sombra en negro y reflejos en blanco, usando pluma y tinta o "lápiz de color".
La figura humana ha sido objeto de dibujos desde tiempos prehistóricos. Si bien las prácticas de estudio de los artistas de la antigüedad son en gran medida una cuestión de conjeturas, la sofisticación anatómica de sus obras sugiere que a menudo dibujaban y modelaban a partir de modelos desnudos. Una anécdota relatada por Plinio describe cómo Zeuxis revisó desnudas a las jóvenes de Agrigentum antes de seleccionar cinco cuyos rasgos combinaría para pintar una imagen ideal. [4] El uso de modelos desnudos en el taller del artista medieval está implícito en los escritos de Cennino Cennini , y un manuscrito de Villard de Honnecourt confirma que dibujar del natural era una práctica establecida en el siglo XIII. [4] Los Carracci , que abrieron su Accademia degli Incamminati en Bolonia en la década de 1580, establecieron el patrón para las escuelas de arte posteriores al hacer del dibujo natural la disciplina central. [5] El curso de formación comenzaba con la copia de grabados, luego procedía al dibujo a partir de modelos de yeso, tras lo cual los estudiantes aprendían a dibujar a partir de un modelo vivo.
A finales del siglo XVIII, los estudiantes del estudio de Jacques-Louis David seguían un riguroso programa de instrucción. El dominio del dibujo se consideraba un requisito previo para la pintura. Durante unas seis horas cada día, los estudiantes dibujaron a partir de un modelo que permaneció en la misma pose durante una semana. [6] "Los dibujos del siglo XVIII, como el atribuido a Jacques-Louis David, generalmente se ejecutaban sobre papel teñido con tiza roja o negra con reflejos blancos y un fondo oscuro. Las poses de los modelos tendían a ser activas: las figuras de pie parecen aproximadamente para moverse e incluso las figuras sentadas gesticulan dramáticamente. La observación minuciosa del cuerpo del modelo era secundaria a la representación de su gesto, y muchos dibujos - consistentes con la teoría académica - parecen presentar una figura representativa en lugar de un cuerpo o rostro específico. Las academias producidas en el siglo XIX [...] se ejecutaban típicamente con tiza negra o carboncillo sobre papel blanco y son representaciones meticulosas de las particularidades e idiosincrasias del cuerpo del modelo vivo. La evidencia de la mano del artista se minimiza y, aunque reclinada o las posturas sentadas son raras, incluso las posturas de pie son comparativamente estáticas..." [7] Antes de finales del siglo XIX, las mujeres generalmente no eran admitidas en clases de dibujo artístico. [8] [9]
Una figura de la academia es un dibujo o pintura cuidadosamente ejecutado del cuerpo humano desnudo, generalmente a la mitad del tamaño natural, completado como un ejercicio en una escuela o academia de arte. [10]
Los relatos históricos revelan que los modelos desnudos para las aspirantes a artistas femeninas no estaban disponibles en gran medida. A las mujeres se les prohibió la entrada a ciertas instituciones porque se consideraba inadecuado y posiblemente incluso peligroso que estudiaran con modelos desnudas. [9] Aunque los hombres tuvieron acceso a desnudos masculinos y femeninos, las mujeres se vieron limitadas a aprender anatomía a partir de moldes y modelos. No fue hasta 1893 que a las alumnas se les permitió acceder al dibujo del natural en la Royal Academy de Londres, [11] e incluso entonces se exigía que la modelo estuviera parcialmente cubierta. [12]
El acceso limitado a figuras desnudas impidió la carrera y el desarrollo de las artistas femeninas. Las formas más prestigiosas de pintura requerían un conocimiento profundo de la anatomía que se les negaba sistemáticamente a las mujeres, [12] quienes quedaban relegadas a formas de pintura menos consideradas, como el género , la naturaleza muerta , el paisaje y el retrato . En el ensayo de Linda Nochlin , "¿Por qué no ha habido grandes mujeres artistas?", identifica el acceso restringido que tenían las mujeres al dibujo de figuras desnudas como una barrera históricamente significativa para el desarrollo artístico de las mujeres. [12]
La instrucción de dibujo de figuras es un elemento de la mayoría de los programas de bellas artes e ilustración . Las academias de bellas artes en Italia tienen una scuola libera del nudo ("escuela libre del desnudo") que forma parte del programa de estudios pero que también está abierta a estudiantes externos. [13] En un típico salón de clases de dibujo de figuras, los estudiantes se sientan alrededor de un modelo, ya sea en un semicírculo o en un círculo completo. No hay dos estudiantes que tengan exactamente la misma vista, por lo que su dibujo reflejará la perspectiva de la ubicación única del artista en relación con el modelo. El modelo suele posar sobre un soporte para permitir a los estudiantes encontrar más fácilmente una vista sin obstáculos. Dependiendo del tipo de pose, se podrán utilizar muebles y/o accesorios. Por lo general, estos se incluyen en el dibujo, en la medida en que sean visibles para el artista. Sin embargo, los fondos suelen ignorarse a menos que el objetivo sea aprender sobre la ubicación de las figuras en un entorno. Los modelos individuales son los más comunes, pero se pueden usar varios modelos en clases más avanzadas. Muchos estudios están equipados para permitir una variedad de arreglos de iluminación.
Cuando se enseña a nivel universitario, los modelos de dibujo de figuras suelen estar desnudos (pero no siempre) (aparte de pequeñas joyas, accesorios u otros elementos discretos). Mientras posa, normalmente se le pide a la modelo que permanezca perfectamente quieta. Debido a la dificultad de hacer esto durante un período prolongado de tiempo, generalmente se incluyen descansos periódicos para que el modelo descanse y/o se estire en sesiones más largas y para posturas más difíciles.
Al comienzo de una sesión de dibujo de figuras, a menudo se le pide al modelo que haga una serie de poses breves en rápida sucesión. Estas se denominan posturas de gestos y suelen durar entre uno y tres minutos cada una. El dibujo de gestos es un ejercicio de calentamiento para muchos artistas, aunque algunos dibujan el gesto como el primer paso en cada dibujo de figura. Estos trazos amplios no se realizan simplemente con un movimiento de muñeca, sino que se utiliza todo el brazo para capturar el movimiento del modelo. También ayuda a mantener al artista concentrado en el modelo en lugar del papel. Cuando se trata del cuerpo humano, los artistas son dolorosamente críticos; Las proporciones de una naturaleza muerta no tienen que estar perfectamente dibujadas para que parezcan auténticas, pero incluso el más mínimo error en las proporciones humanas se detectará fácilmente.
Los artistas modernos y contemporáneos pueden optar por exagerar o distorsionar las proporciones para enfatizar el gesto o el estado de ánimo percibido en la pose de los modelos. Los resultados pueden considerarse como una obra de arte terminada, que expresa tanto el tema como la respuesta observacional, emocional y de marca a la experiencia de dibujo de figuras del artista.
La anatomía es sólo el primer nivel de preocupación en las clases de vida. También se consideran las relaciones figura-fondo y otros aspectos de la composición. El equilibrio de una composición se vuelve más crucial y, por tanto, más comprendido a través del dibujo natural. La respuesta cinestésica del artista a la pose y cómo ésta se transmite a través de una elección de medios artísticos es una preocupación más avanzada. Dado que el propósito de las clases de dibujo de figuras es aprender a dibujar humanos de todo tipo, generalmente se buscan modelos masculinos y femeninos de todas las edades, formas y etnias, en lugar de seleccionar solo modelos hermosos o aquellos con figuras "ideales" . Algunos instructores buscan específicamente evitar el tipo de modelos preferidos por los fotógrafos de moda, buscando ejemplos más "realistas" y evitando cualquier implicación de cosificación sexual. Los instructores también pueden preferir modelos de tipos de cuerpo particulares en función de los contornos o texturas de superficie únicos que proporcionan. La variedad de modelos contratados puede verse limitada por la necesidad de que mantengan una pose durante períodos prolongados (eliminando a niños inquietos y personas mayores frágiles) y preocupaciones sobre la modestia y la legalidad cuando los modelos posan desnudos (restringiendo el uso de menores).
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