Paul Bilhaud, Combate de negros durante la noche , 1882
La pintura monocromática se inició en la primera exposición de Artes incoherentes en 1882 en París, con una pintura negra del poeta Paul Bilhaud titulada Combat de Nègres colgante la nuit ("Batalla de negros durante la noche"). Desaparecida desde 1882, esta pintura fue encontrada por el experto Johann Naldi en 2017-2018 en una colección privada. [2] Ha sido clasificado como Tesoro Nacional por el estado francés. [3] Aunque Bilhaud no fue el primero en crear una obra de arte completamente negra: por ejemplo, Robert Fludd publicó una imagen de la Oscuridad en su libro de 1617 sobre el origen y la estructura del cosmos; y Bertall publicó su Vue de La Hogue (effet de nuit) en negro en 1843. En las exposiciones posteriores de Artes incoherentes (también en la década de 1880) el escritor Alphonse Allais propuso otras pinturas monocromáticas, como Première communion de jeunes filles chlortiques par un temps de neige ("Primera comunión de jóvenes anémicas en la nieve", blanco), o Récolte de la tomate par des cardinaux apoplectiques au bord de la Mer Rouge ("Cosecha de tomates por cardenales apopléjicos en la orilla del Mar Rojo", rojo). Allais publicó su Album primo-avrilesque en 1897, una monografía con siete obras de arte monocromáticas. Sin embargo, este tipo de actividad tiene más similitud con el dadaísmo o neodadá del siglo XX , y particularmente con las obras del grupo Fluxus de la década de 1960, que con la pintura monocromática del siglo XX desde Malevich.
Los cubistas sólo hemos cumplido con nuestro deber de crear un nuevo ritmo en beneficio de la humanidad. Después de nosotros vendrán otros que harán lo mismo. ¿Qué encontrarán? Ése es el tremendo secreto del futuro. Quién sabe si algún día, un gran pintor, mirando con desprecio el juego muchas veces brutal de los supuestos coloristas y llevando los siete colores a la unidad blanca primordial que los engloba a todos, no expondrá lienzos completamente blancos, sin nada, absolutamente nada sobre ellos. . (Jean Metzinger, 29 de mayo de 1911) [4] [5]
La (entonces) audaz predicción de Metzinger de que los artistas llevarían la abstracción a su conclusión lógica, abandonando por completo el tema representacional y volviendo a lo que Metzinger llama la "unidad blanca primordial", un "lienzo completamente blanco" se haría realidad dos años después. El autor de un manifiesto satírico titulado Manifeste de l'école amorphiste , publicado en Les Hommes du Jour (3 de mayo de 1913), puede haber tenido en mente la visión de Metzinger cuando el autor justificó los lienzos en blanco del amorfismo afirmando que "la luz es suficiente para nosotros". [5] [6] [7] Con perspectiva, escribe el historiador de arte Jeffery S. Weiss, " Vers Amorphisme puede ser un galimatías, pero también fue un lenguaje fundamental suficiente para anticipar las implicaciones reductivistas extremas de la no objetividad". [8]
Se podría decir que la amplia gama de posibilidades (incluida la imposibilidad) de interpretación de las pinturas monocromáticas es la razón por la que el monocromo resulta tan atractivo para tantos artistas, críticos y escritores. Aunque el monocromo nunca ha llegado a ser dominante y pocos artistas se han comprometido exclusivamente con él, nunca ha desaparecido. Reaparece como un espectro que acecha al alto modernismo , o como un símbolo del mismo, apareciendo en tiempos de agitaciones estéticas y sociopolíticas. [12]
En 1921, el artista constructivista Alexander Rodchenko exhibió Color rojo puro, Color azul puro y Color amarillo puro : tres pinturas juntas, cada una de ellas monocromática de uno de los tres colores primarios . Su intención era que esta obra representara la "muerte de la pintura". [15] Mientras que Rodchenko pretendía que su monocromo fuera un desmantelamiento de los supuestos típicos de la pintura, Malevich vio su trabajo como una concentración en ellos, una especie de meditación sobre la esencia del arte (“sentimiento puro”).
Estos dos enfoques articularon muy temprano en su historia la dinámica casi paradójica de este tipo de trabajo: que uno puede leer un monocromo como una superficie plana (entidad material o “pintura como objeto”) que no representa nada más que sí mismo y, por lo tanto, representa un final. en la evolución del ilusionismo en la pintura (es decir, Rodchenko); o como una representación del espacio multidimensional (infinito), una realización de la pintura ilusionista , que representa una nueva evolución, un nuevo comienzo, en la historia de la pintura occidental (Malevich). Además, muchos han señalado que puede resultar difícil deducir las intenciones del artista a partir de la pintura misma, sin hacer referencia al comentario del artista.
Artistas
Nueva York
Expresionistas abstractos
Milton Resnick tuvo una larga carrera como pintor expresionista abstracto . Inicialmente, durante la década de 1940, exploró el estilo entonces vigente de Action Painting . Su obra posterior, desde la década de 1950 hasta la de 1970, se caracteriza a menudo como impresionista abstracta , en gran parte porque construyó sus composiciones con pinceladas múltiples, repetitivas y de valor cercano, a la manera de Claude Monet en la famosa serie Waterlilies . Durante las últimas dos décadas y media de su carrera pictórica, las pinturas de Resnick se volvieron monocromáticas, [16] aunque con superficies densamente cepilladas y en capas.
Ad Reinhardt fue un artista expresionista abstracto que se destacó por pintar monocromos casi "puros" durante un período de tiempo considerable (aproximadamente desde 1952 hasta su muerte en 1967), en rojo o azul, y por último y más famoso, en negro. Al igual que las obras de Johns que se mencionan a continuación, las pinturas negras de Reinhardt [17] contenían débiles indicaciones de forma geométrica, pero las delineaciones reales no son fácilmente visibles hasta que el espectador pasa tiempo con la obra. Esto tiende a fomentar un estado de meditación contemplativa en el espectador y a crear incertidumbre sobre la percepción; En términos de la famosa cita de Frank Stella, es posible que usted se pregunte si "lo que ve" es en realidad lo que está viendo. [18]
Richard Pousette-Dart creó varias series distintas de pinturas durante su larga carrera como pintor expresionista abstracto; su serie monocromática llamada Presencias [19], que abarca desde finales de los años cincuenta hasta principios de los noventa, fue una de las más poderosas.
Una de las pinturas casi monocromáticas de Barnett Newman generó indignación y ridículo generalizado (y discusión) en Canadá cuando la Galería Nacional compró su pintura de 1967 Voice of Fire por 1,8 millones de dólares en la década de 1980. Otra de las muy escasas (aunque técnicamente no monocromáticas) abstracciones geométricas de Barnett Newman fue cortada con un cuchillo por un espectador enfurecido en la década de 1980 en el Museo Stedelijk de Ámsterdam .
Desde la década de 1960, artistas tan diversos como Frank Stella , Ellsworth Kelly , Ronald Davis , David Novros , Paul Mogensen, Patricia Johanson y otros realizaron pinturas monocromáticas sobre lienzos de diversas formas. Si bien algunas de sus obras monocromáticas estaban relacionadas con el minimalismo, ninguna de ellas era minimalista.
Neo-Dada
Robert Rauschenberg : "Un lienzo nunca está vacío" . [20] A principios de la década de 1950, se hizo conocido por sus lienzos monocromáticos blancos, luego negros y, finalmente, rojos. En la serie Pinturas blancas [21] (1951), Rauschenberg aplicó pintura doméstica cotidiana con rodillos para lograr superficies lisas "en blanco". Los paneles blancos se exhibieron solos o en agrupaciones modulares. Las Pinturas Negras (1951-1953) incorporaron textura debajo de la superficie pintada a modo de collage de periódico que a veces indica una estructura en forma de cuadrícula. Las Pinturas Rojas (1953-1954) incorporan aún más materiales como madera y tela bajo la superficie pintada intensamente trabajada, y parecen presagiar el desarrollo del ensamblaje de Rauschenberg en sus "Combine Paintings", así como su intención declarada de actuar en "la brecha". " entre "Arte" y "Vida".
Los lienzos blancos se asociaron con la obra 4'33" del compositor John Cage , que constaba de tres movimientos de silencio y se inspiró, al menos en parte, en el estudio de Cage sobre el budismo zen. En ambas obras se llama la atención sobre los elementos de la escucha. / visualización que escapa al control del artista: por ejemplo, los sonidos del entorno del concierto, o el juego de sombras y partículas de polvo que se acumulan en las superficies "en blanco" del lienzo ("pistas de aterrizaje" – Cage).
En una obra relacionada, su Dibujo borrado de Kooning de 1953, Rauschenberg borró un dibujo del artista expresionista abstracto Willem de Kooning . Quizás sorprendentemente, De Kooning simpatizaba con los objetivos de Rauschenberg e implícitamente respaldó este experimento al proporcionarle al artista más joven uno de sus propios dibujos que estaba muy densamente trabajado, y Rauschenberg tardó dos meses y muchos borradores en borrarlo (de manera incompleta).
Jasper Johns era amigo de Rauschenberg, y ambos fueron a menudo categorizados como neodadaístas, señalando su rechazo a la estética expresionista abstracta dominante en la década de 1950. Johns pintó una serie de obras como Bandera Blanca , Blanco Verde , [22] y Tango, en las que sólo hay una ligera indicación de una imagen, que en técnica se asemeja al Cuadrado Blanco sobre un Campo Blanco de Malevich.
Estas obras a menudo muestran más evidencia de pincelada de la que normalmente se asocia con la pintura monocromática. Muchas otras obras también se acercan al monocromo, como las melancólicas obras "grises" de principios de la década de 1960, pero con objetos reales ("ensamblaje") o texto añadido.
Minimalistas
Ellsworth Kelly pasó mucho tiempo tanto en París como en Nueva York. No estrictamente minimalista, ha realizado una serie de pinturas monocromáticas sobre lienzos perfilados y paneles rectangulares de un solo color. Sus abstracciones [23] estaban "abstraídas" de la naturaleza. Su interés por la naturaleza llega hasta tal punto que ha realizado una serie de litografías vegetales [24] de un estilo impresionante y sinceramente realista.
Las pinturas monótonas de Mino Argento , blanco sobre blanco, eran variaciones de los temas cuadriculados, rectángulo sobre rectángulo, pero estaban animadas con diferencias en ritmo y concepción. Una composición incluía cuadrículas grises y rectángulos verticales en varios blancos más opacos, agrupados en el centro. [25]
Agnes Martin , cuyas obras de las décadas de 1950 y 1960 son serenas meditaciones sobre la "perfección" y, por tanto, la "belleza", son lienzos típicamente blancos, blanquecinos o gris pálido con una leve evidencia de lápiz arrastrado en líneas o cuadrículas sobre la superficie pintada. [26]
Robert Ryman, en obras como Ledger (1982) [27], llama deliberadamente la atención sobre los soportes, los marcos y la firma del artista como elementos importantes de obras que suelen ser blancas o blanquecinas y de formato cuadrado. La pincelada expresionista abstracta se utiliza como material formal en estas construcciones minimalistas. Ryman exhibe un tour de force de variación sobre un tema deliberadamente limitado.
Brice Marden en sus primeras obras maduras exploró una estrategia reduccionista que parecía similar a la de las obras contemporáneas de Jasper Johns y Ellsworth Kelly, pero más formalista: pinturas como Return 1 [28] consisten en campos sutilmente grises pintados en encáustica (medio de cera). con una franja estrecha a lo largo de la parte inferior del lienzo donde Marden dejó evidencia desnuda del proceso (es decir, gotas y salpicaduras de pintura). A finales de la década de 1980, Brice Marden, que tenía una visión espiritual y emocional de la abstracción, comenzó una forma de pintura abstracta más multicolor y caligráfica .
Frank Stella se hizo eco de la famosa afirmación del compositor Igor Stravinsky de que "la música es incapaz de expresar nada más que ella misma" cuando dijo "Lo que ves es lo que ves", comentario que luego matizó diciendo que sus primeras pinturas fueron influenciadas hasta cierto punto por los escritos de Samuel Beckett (ver arriba). En su trabajo intentaba minimizar cualquier inferencia de respuesta "espiritual" o incluso "emocional" por parte del espectador, y esto es quizás más sorprendente en su tela a rayas [29] de finales de la década de 1950, donde las telas a rayas se articulan por lienzo sin pintar. Más tarde, Stella abandonó no solo la pintura monocromática, sino también, eventualmente, la geométrica.
John McCracken es característicamente minimalista en el sentido de que sus "objetos" no se clasifican adecuadamente como "pintura" o "escultura". Famoso desde 1965 por sus "losas, columnas, tablones... Formas neutras", sus objetos monocromáticos pulidos y meticulosamente acabados [30] a menudo simplemente se apoyan contra las paredes de la galería, en lo que algunos críticos describen como un estilo casual "de la costa oeste". . Aunque se basa en técnicas características de la fabricación de tablas de surf, sus obras están hechas a mano de manera personal y meticulosa, a diferencia de las de John M. Miller y otros artistas más recientes, que típicamente se fabrican en fábrica según las especificaciones del artista.
Allan McCollum, Colección de cien sustitutos de yeso , 1982/1990, Esmalte sobre Hydrostone fundido. Colección: Museum van Hedendaagse Kunst Amberes , Bélgica
Allan McCollum determinó a mediados de la década de 1970 que las fuerzas sociales que dan significado a las pinturas podrían entenderse mejor si la "pintura" misma pudiera reducirse a una forma genérica: una pintura que pudiera leerse como un "signo" de una pintura", que podría funcionar como un "marcador de posición" o una especie de " accesorio ". En los años 1970 y principios de los 80 pintó lo que llamó Pinturas Sustitutas , y finalmente comenzó a moldearlas en yeso, con marco y todo. Estos cientos de objetos que parecían enmarcados Los campos enmarañados de negrura pintada funcionaban como "signos genéricos" neutros que podían inspirar al espectador a pensar en las expectativas sociales que construyeron la "idea" de una pintura, más que en la pintura misma. McCollum convirtió la galería y el museo en una especie de teatro, destacando el drama de presentar, exhibir, comprar y vender, intercambiar, fotografiar, evaluar, criticar, elegir y escribir sobre las obras; las pinturas-objeto en El centro de la acción se hizo deliberadamente irrelevante, para centrar la atención en los dispositivos complementarios y las prácticas sociales que, al final, otorgan valor a la obra. Paradójicamente, con el paso del tiempo, estos objetos neutros se volvieron valiosos en sí mismos, como símbolos de una manera antropológica de ver el arte.
Anne Truitt fue una artista estadounidense de mediados del siglo XX; está asociada tanto con el minimalismo como con artistas de Color Field como Morris Louis y Kenneth Noland . Principalmente considerada una escultora minimalista y una colorista que pintaba su escultura, a lo largo de su carrera Truitt produjo varias series de pinturas monocromáticas.
Realizó lo que se considera su trabajo más importante a principios de la década de 1960, anticipando en muchos aspectos el trabajo de minimalistas como Donald Judd y Ellsworth Kelly . Ella se diferenciaba de los minimalistas en algunos aspectos importantes. Por ejemplo, nombró a muchas de sus obras en honor a lugares y eventos que eran importantes para ella, una práctica que sugiere una narrativa más allá de la escultura y, sin embargo, de alguna manera contenida en ella.
Las esculturas que la hicieron importante para el desarrollo del minimalismo fueron estructuras agresivamente sencillas y pintadas, a menudo de gran tamaño. La plataforma recesiva debajo de su escultura los elevaba lo suficiente del suelo como para que parecieran flotar sobre una delgada línea de sombra. La frontera entre escultura y suelo, entre gravedad y verticalidad, se volvió ilusoria. Esta ambivalencia formal se refleja en su insistencia en que el color en sí contenía una vibración psicológica que, cuando se purifica, como ocurre en una obra de arte, aísla el evento al que se refiere como una cosa en lugar de un sentimiento. El evento se convierte en una obra de arte, una sensación visual entregada por el color.
Europa
Lucio Fontana inició a partir de 1949 el llamado Concepto Espacial o serie slash, consistente en agujeros o cortes en la superficie de pinturas monocromáticas , dibujando un signo de lo que denominó "un arte para la Era Espacial" (Concetto spaziale (50-B. 1), 1950, MNAM , París).
Yves Klein : aunque Klein había pintado monocromos ya en 1949 y realizó la primera exposición privada de esta obra en 1950, su primera exposición pública fue la publicación del libro de artista Yves: Peintures en noviembre de 1954. Parodiando un catálogo tradicional, el libro presentaba una serie de intensos monocromos vinculados a varias ciudades en las que había vivido durante los años anteriores. Yves: Peintures anticipó sus dos primeras exposiciones de pinturas al óleo, en el Club des Solitaires, París, octubre de 1955 e Yves: Proposition monocromos en la Galería Colette Allendy, febrero de 1956. Estas exposiciones, que muestran monocromos naranja, amarillo, rojo, rosa y azul, Klein decepcionó profundamente, ya que la gente iba de pintura en pintura, uniéndolas como una especie de mosaico.
A partir de las reacciones de la audiencia, [Klein] se dio cuenta de que... los espectadores pensaban que sus diversos lienzos de colores uniformes equivalían a un nuevo tipo de decoración interior abstracta y brillante. Sorprendido por este malentendido, Klein supo que tendría que dar un paso más y decisivo en la dirección del arte monocromático... A partir de ese momento se concentraría en un solo color primario: el azul.
—Hannah Weitemeier [31]
La siguiente exposición, Proposte Monochrome, Epoca Blu (Proposition Monochrome; Blue Epoch) en la Galería Apollinaire de Milán (enero de 1957), presentó 11 lienzos azules idénticos, utilizando pigmento ultramar suspendido en una resina sintética Rhodopas . Descubierto con la ayuda de Edouard Adam, un comerciante de pintura parisino, el efecto era retener el brillo del pigmento que tendía a volverse opaco cuando se suspendía en aceite de linaza. Posteriormente, Klein patentó esta receta para mantener la "autenticidad de la idea pura". [32] Este color, que recuerda al lapislázuli utilizado para pintar las túnicas de la Virgen en las pinturas medievales, se hizo famoso como " Azul Klein Internacional " (IKB). Las pinturas fueron fijadas a postes colocados a 20 cm de las paredes para aumentar sus ambigüedades espaciales.
El espectáculo fue un éxito comercial y de crítica y viajó a París, Düsseldorf y Londres. La exposición parisina, en la galería Iris Clert , mayo de 1957, se convirtió en un acontecimiento fundamental; [33] Además de lanzarse 1.001 globos azules para marcar la inauguración, se enviaron postales azules utilizando sellos de IKB que Klein había sobornado al servicio postal para que los aceptara como legítimos. [34] Simultáneamente se llevó a cabo en la Galería Collette Allendy una exposición de recipientes de pigmento azul y pinturas sobre fuego.
Gerhard Richter es un artista probablemente mejor conocido por sus pinturas fotorrealistas técnicamente impresionantes, que eclipsan sus obras abstractas y monocromáticas. Tanto sus obras abstractas como representativas parecen cubrir un terreno emocional similar, una especie de pesimismo irónico que puso su obra muy de moda a finales de los años ochenta. Sus pinturas grises están realizadas dibujando gestos "expresivos" en pintura húmeda.
Olivier Mosset también ha pasado un tiempo considerable en Nueva York y París. En el París de los años 1960 formó parte del grupo BMPT, junto con Daniel Buren , Michel Parmentier y Niele Toroni. El grupo planteó preguntas sobre las nociones de autoría y originalidad, implicando que a menudo hacían las obras de los demás y que el objeto de arte era más importante que su autoría. Posteriormente, en Nueva York a finales de los años 1970, Mosset emprendió una larga serie de pinturas monocromáticas, durante el apogeo del neoexpresionismo . Se convirtió en miembro fundador del grupo de Pintura Radical de Nueva York, radical que se refiere tanto a una postura social radical implícita como a un regreso a la "raíz" radical de la pintura. Esta reafirmación de la relevancia social de la abstracción, e incluso de lo monocromático, no había sido enfatizada hasta tal punto desde Malevich y Rodchenko. Los artistas neogeo de la década de 1980, como Peter Halley , que afirman un papel crítico y socialmente relevante para la abstracción geométrica , citan a Mosset como una influencia. [35]
Otros
Sally Hazelet Drummond (n. 1924, EE. UU.), expuso sus pinturas monocromáticas a finales de la década de 1950 en la ciudad de Nueva York en la Galería Tanager, una de las primeras galerías cooperativas de la Calle Décima . A partir de 2007 continúa pintando cuadros monocromáticos. [36]
Alan Ebnother es un pintor estadounidense que explora la herencia de la pintura momocromática, limitándose al color único verde . [37]
Florence Miller Pierce fue miembro del Grupo de Pintura Trascendental TAOS en la década de 1930 y actualmente reside en Albuquerque, Nuevo México. Sus monocromos cuadrados, [38] hechos con resina translúcida vertida sobre plexiglás espejado, parecen brillar por sí solos.
Blažej Baláž con su "doble monocromático". Color frente a limaduras de monedas, chatarra, tierra o semillas de amapola. Pintura Campo de semillas de amapola / Makové pole 2001/02. [39]
Marcia Hafif ha expuesto pinturas monocromáticas durante más de 50 años en Nueva York, Los Ángeles y Europa. Ha creado obras monocromáticas con óleo, esmalte, temple al huevo, acuarela, vidriado, acrílico y tinta. Su trabajo fue incluido en la bienal de 2014 en el Museo Hammer donde la artista exhibió 24 pinturas monocromáticas, cada una teñida de negro. [40] [41] [42]
La pintura monocromática en la cultura popular
La obra de Broadway 'Art', ganadora del premio Tony en 1998 , empleó una pintura monocromática blanca como accesorio para generar un argumento sobre la estética que constituía la mayor parte de la obra.
Monocromos: de Malevich al presente de Barbara Rose
En la era de lo monocromático - Arte en América - enero de 2005 por Terry Berne - Buscar artículos
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enlaces externos
Medios relacionados con pinturas monocromáticas en Wikimedia Commons
En exposición en el MoMA: Kazimir Malevich. Composición suprematista: blanco sobre blanco. 1918
Enrique Matisse. Vista de Notre Dame. 1914. Óleo sobre lienzo. Museo de Arte Moderno, Nueva York, NY, Estados Unidos.
Enrique Matisse. Ventana francesa en Collioure. 1914. Óleo sobre lienzo. Musée National d'Art Moderne, Centro Georges Pompidou, París, Francia.
Formas singulares (a veces repetidas): Robert Rauschenberg
Colección Guggenheim - Arte pop - Rauschenberg - Sin título (Pintura roja)
Sitio dedicado a la obra de Gerhard Richter
Johannes Meinhardt: La pintura como espacio vacío: la subversión del último cuadro de Allan McCollum. AURA. Secesión de Viena. Viena, Austria, 1994
La galería Charlotte Jackson
Olivier Mosset en la galería Spencer Brownstone
Conversación entre Alan Ebnother y Chris Ashley del 17 de abril al 4 de mayo de 2005
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