Michelangelo Merisi da Caravaggio (también Michele Angelo Merigi o Amerighi da Caravaggio ; / ˌ k ær ə ˈ v æ dʒ i oʊ / , EE. UU. : /- ˈ v ɑː dʒ ( i ) oʊ / , italiano: [mikeˈlandʒelo meˈriːzi da (k) karaˈvaddʒo] ; 29 de septiembre de 1571 [2] – 18 de julio de 1610), conocido como Caravaggio , fue un pintor italiano activo en Roma durante la mayor parte de su vida artística. Durante los últimos cuatro años de su vida, se trasladó entre Nápoles , Malta y Sicilia hasta su muerte. Sus pinturas han sido caracterizadas por los críticos de arte por combinar una observación realista del estado humano, tanto físico como emocional, con un uso dramático de la iluminación, que tuvo una influencia formativa en la pintura barroca . [3] [4] [5]
Caravaggio empleó una observación física minuciosa con un uso dramático del claroscuro que llegó a conocerse como tenebrismo . Hizo de la técnica un elemento estilístico dominante, paralizando a los sujetos en brillantes rayos de luz y sombras oscuras. Caravaggio expresó vívidamente momentos y escenas cruciales, a menudo presentando luchas violentas, tortura y muerte. Trabajó rápidamente con modelos vivos, prefiriendo renunciar a los dibujos y trabajar directamente sobre el lienzo. Su efecto inspirador en el nuevo estilo barroco que surgió del manierismo fue profundo. Su influencia se puede ver directa o indirectamente en la obra de Peter Paul Rubens , Jusepe de Ribera , Gian Lorenzo Bernini y Rembrandt . Los artistas fuertemente influenciados por él fueron llamados " caravaggisti " (o "caravagescos"), así como tenebristas o tenebrosi ("sombras").
Caravaggio se formó como pintor en Milán antes de trasladarse a Roma cuando tenía veintitantos años. Desarrolló un nombre considerable como artista y como hombre violento, susceptible y provocativo. Mató a Ranuccio Tommasoni en una pelea, lo que le llevó a ser condenado a muerte por asesinato y le obligó a huir a Nápoles. Allí volvió a consolidarse como uno de los pintores italianos más destacados de su generación. Viajó a Malta y luego a Sicilia en 1607 y solicitó el perdón papal por su sentencia. En 1609 regresó a Nápoles, donde se vio envuelto en un violento enfrentamiento; su rostro quedó desfigurado y circularon rumores de su muerte. Las preguntas sobre su estado mental surgieron a partir de su comportamiento errático y extraño. Murió en 1610 en circunstancias inciertas mientras se dirigía de Nápoles a Roma. Los informes indicaron que murió de fiebre, pero se ha sugerido que fue asesinado o que murió por envenenamiento por plomo.
Las innovaciones de Caravaggio inspiraron la pintura barroca , pero esta última incorporó el dramatismo de su claroscuro sin el realismo psicológico. [ dudoso ] El estilo evolucionó y las modas cambiaron, y Caravaggio cayó en desgracia. En el siglo XX, revivió el interés por su obra y se reevaluó su importancia para el desarrollo del arte occidental. El historiador del arte del siglo XX André Berne-Joffroy afirmó: "Lo que comienza en la obra de Caravaggio es, simplemente, pintura moderna". [6]
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Caravaggio (Michelangelo Merisi o Amerighi) nació en Milán , donde su padre, Fermo (Fermo Merixio), era administrador de la casa y arquitecto-decorador del marqués de Caravaggio , localidad a 35 km al este de Milán y al sur de Bérgamo . [7] En 1576 la familia se mudó a Caravaggio (Caravaggius) para escapar de una plaga que asoló Milán, y el padre y el abuelo de Caravaggio murieron allí el mismo día de 1577. [8] [9] Se supone que el artista creció en Caravaggio, pero su familia mantuvo conexiones con los Sforza y la poderosa familia Colonna , que estaban aliados por matrimonio con los Sforza y destinados a desempeñar un papel importante más adelante en la vida de Caravaggio.
La madre de Caravaggio tuvo que criar a sus cinco hijos en la pobreza. [10] Ella murió más tarde en 1584, el mismo año en que comenzó su aprendizaje de cuatro años con el pintor milanés Simone Peterzano , descrito en el contrato de aprendizaje como alumno de Tiziano . Caravaggio parece haberse quedado en la zona de Milán-Caravaggio después de terminar su aprendizaje, pero es posible que visitara Venecia y viera las obras de Giorgione , a quien Federico Zuccari más tarde le acusó de imitar, y de Tiziano. [11] También se habría familiarizado con los tesoros artísticos de Milán, incluida la Última Cena de Leonardo da Vinci , y con el arte regional lombardo, un estilo que valoraba la simplicidad y la atención al detalle naturalista y estaba más cerca del naturalismo de Alemania. que a la estilizada formalidad y grandeza del manierismo romano . [12]
Tras su formación inicial con Simone Peterzano , en 1592, Caravaggio abandonó Milán hacia Roma huyendo tras "ciertas disputas" y la herida de un oficial de policía. El joven artista llegó a Roma "desnudo y extremadamente necesitado... sin domicilio fijo y sin provisiones... falto de dinero". [13] Durante este período, permaneció con el avaro Pandolfo Pucci, conocido como "monseñor Insalata". [14] Unos meses más tarde estaba realizando trabajos de hacking para el exitoso Giuseppe Cesari , el artista favorito del Papa Clemente VIII , "pintando flores y frutas" [15] en su taller parecido a una fábrica.
En Roma, había una demanda de pinturas para llenar las numerosas iglesias y palacios nuevos y enormes que se estaban construyendo en ese momento. También fue un período en el que la Iglesia buscaba una alternativa estilística al manierismo en el arte religioso que tenía la tarea de contrarrestar la amenaza del protestantismo . [16] La innovación de Caravaggio fue un naturalismo radical que combinaba una observación física cercana con un uso dramático, incluso teatral, del claroscuro que llegó a conocerse como tenebrismo (el cambio de la luz a la oscuridad con poco valor intermedio).
Las obras conocidas de este período incluyen un pequeño niño pelando una fruta (su pintura más antigua conocida), un niño con una canasta de frutas y el joven enfermo Baco , supuestamente un autorretrato realizado durante la convalecencia de una grave enfermedad que puso fin a su empleo con Cesari. Los tres demuestran la particularidad física por la que Caravaggio se hizo famoso: los productos del frutero han sido analizados por un profesor de horticultura, que pudo identificar cultivares individuales hasta "... una gran hoja de parra con una Lesión prominente por quemaduras fúngicas que se asemeja a la antracnosis ( Glomerella cingulata )". [17]
Caravaggio dejó a Cesari, decidido a abrirse camino después de una acalorada discusión. [18] En este punto forjó algunas amistades extremadamente importantes, con el pintor Prospero Orsi , el arquitecto Onorio Longhi y el artista siciliano de dieciséis años Mario Minniti . Orsi, establecido en la profesión, le presentó a coleccionistas influyentes; Longhi, más siniestramente, lo introdujo en el mundo de las peleas callejeras romanas. [19] Minniti sirvió a Caravaggio como modelo y, años más tarde, contribuiría decisivamente a conseguir importantes encargos en Sicilia. Aparentemente, la primera referencia de archivo a Caravaggio en un documento contemporáneo de Roma es la inclusión de su nombre, con el de Prospero Orsi como socio, como "asistente" en una procesión en octubre de 1594 en honor de San Lucas. [20] El relato informativo más antiguo de su vida en la ciudad es una transcripción judicial fechada el 11 de julio de 1597, cuando Caravaggio y Prospero Orsi fueron testigos de un crimen cerca de San Luigi de' Francesi. [21]
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El adivino , su primera composición con más de una figura, muestra a un niño, probablemente Minniti, a quien una niña romaní le lee la palma de la mano, quien le quita sigilosamente el anillo mientras le acaricia la mano. El tema era bastante nuevo para Roma y resultó inmensamente influyente durante el siglo siguiente y más allá. Sin embargo, en su momento Caravaggio lo vendió prácticamente por nada. The Cardsharps , que muestra a otro ingenuo joven privilegiado que es víctima de trampas con cartas, es aún más complejo psicológicamente y quizás sea la primera verdadera obra maestra de Caravaggio. Al igual que El adivino , fue inmensamente popular y sobrevivieron más de 50 copias. Más importante aún, atrajo el patrocinio del cardenal Francesco María del Monte , uno de los principales conocedores de Roma. Para Del Monte y su rico círculo amante del arte, Caravaggio ejecutó una serie de piezas de cámara íntimas: Los músicos , El laudista , un Baco borracho , un niño alegórico pero realista mordido por un lagarto , con Minniti y otros modelos adolescentes.
Las primeras pinturas de Caravaggio sobre temas religiosos volvieron al realismo y al surgimiento de una notable espiritualidad. La primera de ellas fue la Magdalena penitente , que muestra a María Magdalena en el momento en que ha abandonado su vida de cortesana y se sienta llorando en el suelo, con sus joyas esparcidas a su alrededor. "No parecía una pintura religiosa en absoluto... una niña sentada en un taburete bajo de madera secándose el cabello... ¿Dónde estaba el arrepentimiento... el sufrimiento... la promesa de salvación?" [22] Fue discreto, al estilo lombardo, no histriónico al estilo romano de la época. Le siguieron otras del mismo estilo: Santa Catalina ; Marta y María Magdalena ; Judith decapitando a Holofernes ; un sacrificio de Isaac ; un San Francisco de Asís en éxtasis ; y un descanso en la huida a Egipto . Estas obras, si bien fueron vistas por un círculo comparativamente limitado, aumentaron la fama de Caravaggio tanto entre los conocedores como entre sus colegas artistas. Pero una verdadera reputación dependería de encargos públicos, para los cuales era necesario recurrir a la Iglesia.
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Ya era evidente el intenso realismo o naturalismo por el que ahora es famoso Caravaggio. Prefería pintar a sus sujetos tal como los ve el ojo, con todos sus defectos y defectos naturales, en lugar de como creaciones idealizadas. Esto permitió una demostración completa de sus talentos virtuosos. Este cambio de la práctica estándar aceptada y el idealismo clásico de Miguel Ángel fue muy controvertido en ese momento. Caravaggio también prescindió de los largos preparativos tradicionales en el centro de Italia en ese momento. En cambio, prefirió la práctica veneciana de trabajar al óleo directamente del sujeto: figuras de medio cuerpo y naturalezas muertas. Cena en Emaús , del c. 1600-1601 , es una obra característica de este período que demuestra su talento virtuoso.
En 1599, presumiblemente por influencia de Del Monte, Caravaggio fue contratado para decorar la Capilla Contarelli en la iglesia de San Luigi dei Francesi . Las dos obras que componían el encargo, El martirio de San Mateo y La vocación de San Mateo , entregadas en 1600, causaron sensación inmediata. A partir de entonces nunca le faltaron encargos ni mecenas.
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El tenebrismo de Caravaggio (un claroscuro intensificado ) aportaba un gran dramatismo a sus sujetos, mientras que su realismo agudamente observado aportaba un nuevo nivel de intensidad emocional. La opinión entre sus pares artistas estaba polarizada. Algunos lo denunciaron por varios defectos percibidos, en particular su insistencia en pintar del natural, sin dibujos, pero en su mayor parte fue aclamado como un gran visionario artístico: "Los pintores que entonces estaban en Roma quedaron muy cautivados por esta novedad, y los jóvenes quienes se reunieron particularmente a su alrededor, lo elogiaron como el único imitador de la naturaleza y consideraron su trabajo como milagros". [23]
Caravaggio consiguió una serie de prestigiosos encargos de obras religiosas que presentaban luchas violentas, decapitaciones grotescas, tortura y muerte. Los más notables y técnicamente magistrales fueron La incredulidad de Santo Tomás (hacia 1601) y La toma de Cristo (hacia 1602) para la familia Mattei , que no fueron redescubiertos hasta la década de 1990 en Trieste y Dublín después de permanecer desconocidos durante dos siglos. [24] En su mayor parte, cada nueva pintura aumentó su fama, pero algunas fueron rechazadas por los distintos organismos a quienes estaban destinadas, al menos en sus formas originales, y tuvieron que ser repintadas o encontrar nuevos compradores. La esencia del problema era que, si bien se apreciaba la intensidad dramática de Caravaggio, algunos consideraban su realismo como inaceptablemente vulgar. [25]
Su primera versión de San Mateo y el ángel , que presentaba al santo como un campesino calvo con las piernas sucias atendido por un niño ángel demasiado familiar y ligeramente vestido, fue rechazada y se tuvo que pintar una segunda versión como La inspiración de San Mateo . De manera similar, La conversión de San Pablo fue rechazada, y aunque se aceptó otra versión del mismo tema, La conversión en el camino a Damasco , presentaba las ancas del caballo del santo de manera mucho más prominente que el propio santo, lo que provocó este intercambio entre el artista. y un funcionario exasperado de Santa María del Popolo : "¿Por qué habéis puesto un caballo en medio y San Pablo en el suelo?" "¡Porque!" "¿Es el caballo Dios?" "¡No, pero él está bajo la luz de Dios!" [26]
El coleccionista aristocrático Ciriaco Mattei , hermano del cardenal Girolamo Mattei , amigo del cardenal Francesco Maria Bourbon Del Monte , ofreció La cena en Emaús para el palacio de la ciudad que compartía con su hermano, 1601 ( National Gallery, Londres ), La incredulidad de San Tomás, c. 1601 , "Versión Eclesiástica" (Colección Privada, Florencia), La Incredulidad de Santo Tomás c. 1601 , 1601 "Versión secular" (Palacio Sanssouci, Potsdam), Juan Bautista con el Carnero, 1602 ( Museos Capitolinos, Roma ) y La Toma de Cristo , 1602 ( Galería Nacional de Irlanda , Dublín) encargados por Caravaggio. [27]
Algunos expertos creen que la segunda versión de La toma de Cristo , que fue saqueada del Museo de Odessa en 2008 y recuperada en 2010, es una copia contemporánea. [28]
La Incredulidad de Santo Tomás es una de las pinturas más famosas del maestro barroco italiano Caravaggio, alrededor de 1601-1602. Hay dos versiones autógrafas de " La incredulidad de Santo Tomás " de Caravaggio, una versión eclesiástica de "Trieste" para Girolamo Mattei ahora en una colección privada y una versión secular de " Potsdam " para Vincenzo Giustiniani (Pietro Bellori) y que luego entró en la Colección Real de Prusia. Sobrevivió ileso a la Segunda Guerra Mundial y se puede admirar en el Palacio de Sanssouci , Potsdam.
Representa el episodio que dio lugar al término "Tomás el incrédulo", conocido oficialmente como " La incredulidad de Santo Tomás ", que ha sido representado y utilizado con frecuencia para hacer diversas declaraciones teológicas en el arte cristiano desde al menos el siglo V. Según el Evangelio de Juan , el apóstol Tomás se perdió una de las apariciones de Jesús a los apóstoles después de su resurrección y dijo: "Si no veo en sus manos las marcas de los clavos, y no pongo mi dedo donde estaban los clavos, y no meto mi mano en su costado, no lo creeré." Una semana después, Jesús apareció y le dijo a Tomás que lo tocara y dejara de dudar. Entonces Jesús dijo: "Porque me has visto, has creído; bienaventurados los que sin haber visto, han creído".
Las dos imágenes muestran con un gesto demostrativo cómo el apóstol incrédulo mete el dedo en la herida del costado de Cristo, guiando éste su mano. El incrédulo es representado como un campesino, vestido con una túnica rasgada en los hombros y con suciedad debajo de las uñas. La composición de la imagen está diseñada de tal manera que el espectador se involucra directamente en el evento y siente su intensidad. [29]
También cabe señalar que en la versión eclesiástica del incrédulo Tomás, el muslo de Cristo se muestra cubierto, mientras que en la versión secular de la pintura, el muslo de Cristo es visible. [30] [31]
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Otras obras incluyeron el Entierro , la Madonna di Loreto ("Madonna de los Peregrinos"), la Madonna de los Novios y la Muerte de la Virgen . La historia de estos dos últimos cuadros ilustra la acogida que tuvo parte del arte de Caravaggio y la época en la que vivió. La Virgen de los Novios , también conocida como Madonna dei palafrenieri , pintada para un pequeño altar en la Basílica de San Pedro de Roma, permaneció allí sólo dos días y luego fue retirada. El secretario de un cardenal escribió: "En este cuadro no hay más que vulgaridad, sacrilegio, impiedad y repugnancia... Se diría que es una obra de un pintor que sabe pintar bien, pero de espíritu oscuro, y que ha sido durante mucho tiempo mucho tiempo lejos de Dios, de su adoración y de cualquier buen pensamiento..."
La Muerte de la Virgen , encargada en 1601 por un rico jurista para su capilla privada en la nueva iglesia carmelita de Santa Maria della Scala, fue rechazada por los carmelitas en 1606. Giulio Mancini , contemporáneo de Caravaggio , registra que fue rechazada porque Caravaggio había utilizado un pozo. -Conocida prostituta como su modelo para la Virgen. [32] Giovanni Baglione , otro contemporáneo, cuenta que se debió a las piernas desnudas de María [33] —cuestión de decoro en ambos casos. El estudioso de Caravaggio, John Gash, sugiere que el problema para los carmelitas puede haber sido más teológico que estético, en el sentido de que la versión de Caravaggio no afirma la doctrina de la Asunción de María , la idea de que la Madre de Dios no murió en ningún sentido ordinario, sino que fue asumido en el Cielo. [34] El retablo de reemplazo encargado (a uno de los seguidores más capaces de Caravaggio, Carlo Saraceni ), mostraba a la Virgen no muerta, como la había pintado Caravaggio, sino sentada y moribunda; e incluso esto fue rechazado y reemplazado por una obra que muestra a la Virgen no muriendo, sino ascendiendo al cielo con coros de ángeles. En cualquier caso, el rechazo no significó que Caravaggio o sus pinturas estuvieran en desgracia. La Muerte de la Virgen apenas fue sacada de la iglesia cuando fue comprada por el duque de Mantua, por consejo de Rubens , y posteriormente adquirida por Carlos I de Inglaterra antes de entrar en la colección real francesa en 1671.
Una pieza secular de estos años es Amor Vincit Omnia , en inglés también llamado Amor Victorious , pintado en 1602 para Vincenzo Giustiniani , un miembro del círculo de Del Monte. El modelo fue nombrado en una memoria de principios del siglo XVII como "Cecco", el diminutivo de Francesco. Posiblemente se trate de Francesco Boneri, identificado con un artista activo en el período 1610-1625 y conocido como Cecco del Caravaggio ('Cecco de Caravaggio'), [35] portando un arco y flechas y pisoteando símbolos de las artes y ciencias bélicas y pacíficas. . Está desnudo, y es difícil aceptar a este pilluelo sonriente como el dios romano Cupido , tan difícil como lo fue aceptar a los otros adolescentes semidesnudos de Caravaggio como los diversos ángeles que pintó en sus lienzos, con las mismas alas de utilería escénica. . El punto, sin embargo, es la intensa pero ambigua realidad de la obra: es simultáneamente Cupido y Cecco, como las Vírgenes de Caravaggio fueron simultáneamente la Madre de Cristo y las cortesanas romanas que las modelaron.
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Caravaggio llevó una vida tumultuosa. Era famoso por sus peleas, incluso en una época y lugar en que ese comportamiento era común, y las transcripciones de sus registros policiales y procedimientos judiciales ocupan muchas páginas. [36]
Bellori afirma que alrededor de 1590-1592, Caravaggio, ya conocido por pelearse con bandas de jóvenes, cometió un asesinato que lo obligó a huir de Milán, primero a Venecia y luego a Roma. [37]
El 28 de noviembre de 1600, mientras vivía en el Palazzo Madama con su patrón, el cardenal Del Monte, Caravaggio golpeó con un garrote al noble Girolamo Stampa da Montepulciano, huésped del cardenal, lo que dio lugar a una denuncia oficial ante la policía. Los episodios de riñas, violencia y tumulto se hicieron cada vez más frecuentes. [38] Caravaggio fue arrestado y encarcelado a menudo en Tor di Nona . [39]
Después de salir de la cárcel en 1601, Caravaggio volvió a pintar primero La toma de Cristo y luego Amor Vincit Omnia . En 1603 fue arrestado nuevamente, esta vez por difamación de otro pintor, Giovanni Baglione , quien demandó a Caravaggio y sus seguidores Orazio Gentileschi y Onorio Longhi por escribir poemas ofensivos sobre él. El embajador francés intervino y Caravaggio fue trasladado a arresto domiciliario tras un mes de cárcel en Tor di Nona.
Entre mayo y octubre de 1604, Caravaggio fue arrestado varias veces por posesión de armas ilegales y por insultar a los guardias de la ciudad. También fue demandado por un camarero de taberna por haberle arrojado a la cara un plato de alcachofas . [40]
Una de las primeras noticias publicadas sobre Caravaggio, que data de 1604 y que describe su estilo de vida tres años antes, relata que "después de quince días de trabajo, se pavonea durante uno o dos meses con una espada al costado y un sirviente siguiéndolo, de una bola a otra". tribunal a otro, siempre dispuesto a entablar una pelea o una discusión, de modo que resulta sumamente incómodo llevarse bien con él". [41]
En 1605, Caravaggio se vio obligado a huir a Génova durante tres semanas después de herir gravemente a Mariano Pasqualone di Accumoli, un notario, en una disputa sobre Lena, modelo y amante de Caravaggio. El notario denunció haber sido atacado el 29 de julio con una espada, provocándole un grave traumatismo craneoencefálico. [42] [43] Los patrocinadores de Caravaggio intervinieron y lograron encubrir el incidente.
A su regreso a Roma, Caravaggio fue demandado por su casera Prudenzia Bruni por no haber pagado el alquiler. Por despecho, Caravaggio arrojó piedras por la ventana por la noche y fue demandado nuevamente.
En noviembre, Caravaggio fue hospitalizado por una lesión que, según afirmó, se había causado él mismo al caer sobre su propia espada.
El 29 de mayo de 1606, Caravaggio mató a un joven, posiblemente sin querer, lo que le hizo huir de Roma con una sentencia de muerte sobre él. Ranuccio Tommasoni era un gángster de familia adinerada. Los dos habían discutido muchas veces, y muchas veces terminaron a golpes. Las circunstancias no están claras, si se trató de una reyerta o de un duelo a espadas en Campo Marzio , pero el asesinato pudo haber sido involuntario.
En ese momento circularon muchos rumores sobre la causa de la pelea. Varios avvisi contemporáneos se refirieron a una disputa por una deuda de juego y un juego de palacorda , una especie de tenis, y esta explicación se ha consolidado en la imaginación popular. [44] Otros rumores, sin embargo, afirmaban que el duelo se debió a los celos por Fillide Melandroni , una conocida prostituta romana que había modelado para él en varias pinturas importantes; Tommasoni era su proxeneta. Según tales rumores, Caravaggio castró a Tommasoni con su espada antes de matarlo deliberadamente, mientras que otras versiones afirman que la muerte de Tommasoni fue causada accidentalmente durante la castración. El duelo pudo haber tenido una dimensión política, ya que la familia de Tommasoni era notoriamente proespañola, mientras que Caravaggio era cliente del embajador francés.
Hasta entonces, los patrocinadores de Caravaggio habían podido protegerlo de las consecuencias graves de sus frecuentes duelos y peleas, pero la rica familia de Tommasoni estaba indignada por su muerte y exigió justicia. Los patrocinadores de Caravaggio no pudieron protegerlo. Caravaggio fue condenado a decapitación por asesinato y se decretó una recompensa abierta que permitía a cualquiera que lo reconociera ejecutar legalmente la sentencia. En esta época, las pinturas de Caravaggio comenzaron a representar obsesivamente cabezas cortadas, a menudo las suyas propias.
Se pueden encontrar buenos relatos modernos en M de Peter Robb y Caravaggio: A Life de Helen Langdon . El historiador de arte Andrew Graham-Dixon ha propuesto una teoría que relaciona la muerte con las nociones renacentistas de honor y herida simbólica . [45] Cualesquiera que sean los detalles, era un asunto serio. [46] [47]
Caravaggio se vio obligado a huir de Roma. Se mudó justo al sur de la ciudad, luego a Nápoles , Malta y Sicilia .
Tras la muerte de Tomassoni, Caravaggio huyó primero a las propiedades de la familia Colonna al sur de Roma y luego a Nápoles, donde Costanza Colonna Sforza, viuda de Francesco Sforza, en la casa de cuyo marido el padre de Caravaggio había ocupado un puesto, mantenía un palacio. En Nápoles, fuera de la jurisdicción de las autoridades romanas y protegido por la familia Colonna, el pintor más famoso de Roma se convirtió en el más famoso de Nápoles.
Sus conexiones con los Colonna llevaron a una serie de importantes encargos eclesiásticos, entre ellos la Virgen del Rosario y Las Siete Obras de Misericordia . [48] Las Siete Obras de Misericordia describen las siete obras de misericordia corporales como un conjunto de actos de compasión relacionados con las necesidades materiales de los demás. La pintura fue realizada y todavía se encuentra en la iglesia de Pio Monte della Misericordia en Nápoles . Caravaggio combinó las siete obras de misericordia en una sola composición, que se convirtió en el retablo de la iglesia . [49] Alessandro Giardino también ha establecido la conexión entre la iconografía de "Las Siete Obras de Misericordia" y los círculos culturales, científicos y filosóficos de los encargados del cuadro . [50]
A pesar de su éxito en Nápoles, después de sólo unos meses en la ciudad, Caravaggio partió hacia Malta , la sede de los Caballeros de Malta . Fabrizio Sforza Colonna, hijo de Costanza, fue Caballero de Malta y general de galeras de la Orden . Parece haber facilitado la llegada de Caravaggio a la isla en 1607 (y su fuga al año siguiente). Es de suponer que Caravaggio esperaba que el patrocinio de Alof de Wignacourt , Gran Maestre de los Caballeros de San Juan , pudiera ayudarle a conseguir el perdón por la muerte de Tomassoni. [27] Wignacourt quedó tan impresionado por tener al famoso artista como pintor oficial de la Orden que lo nombró Caballero, y el primer biógrafo Bellori registra que el artista estaba muy satisfecho con su éxito. [27]
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Las principales obras de su período en Malta incluyen la Decapitación de San Juan Bautista , su obra más grande hasta la fecha, y la única pintura a la que puso su firma, San Jerónimo escribiendo (ambas ubicadas en la Concatedral de San Juan , La Valeta , Malta ) y una Retrato de Alof de Wignacourt y su paje , así como retratos de otros destacados Caballeros. [27] Según Andrea Pomella, La decapitación de San Juan Bautista es ampliamente considerada "una de las obras más importantes de la pintura occidental". [28] Terminada en 1608, la pintura había sido encargada por los Caballeros de Malta como retablo [28] [51] y medía 370 por 520 centímetros (145 x 205 pulgadas) y era el retablo más grande que pintó Caravaggio. [52] Todavía cuelga en la Concatedral de San Juan , para la cual fue encargado y donde el propio Caravaggio fue admitido y sirvió brevemente como caballero. [53] [52]
Sin embargo, a finales de agosto de 1608, fue arrestado y encarcelado, [27] probablemente como resultado de otra pelea, esta vez con un caballero aristocrático, durante la cual la puerta de una casa fue derribada y el caballero resultó gravemente herido. [27] [54] Caravaggio fue encarcelado por los Caballeros en La Valeta , pero logró escapar. En diciembre, había sido expulsado de la Orden "por ser un miembro asqueroso y podrido", frase formal utilizada en todos esos casos. [55]
Caravaggio se dirigió a Sicilia , donde conoció a su viejo amigo Mario Minniti, que ahora estaba casado y vivía en Siracusa . Juntos emprendieron lo que fue una gira triunfal desde Siracusa a Messina y, tal vez, a la capital de la isla, Palermo . En Siracusa y Messina, Caravaggio siguió obteniendo encargos prestigiosos y bien remunerados. Entre otras obras de este período se encuentran El entierro de Santa Lucía , La resurrección de Lázaro y La Adoración de los pastores . Su estilo continuó evolucionando, mostrando ahora frisos de figuras aisladas sobre vastos fondos vacíos. "Sus grandes retablos sicilianos aíslan sus figuras sombrías y lastimosamente pobres en vastas áreas de oscuridad; sugieren los miedos desesperados y la fragilidad del hombre, y al mismo tiempo transmiten, con una ternura nueva pero desolada, la belleza de la humildad y de la mansedumbre. , quién heredará la tierra." [56] Los informes contemporáneos describen a un hombre cuyo comportamiento se estaba volviendo cada vez más extraño, que incluía dormir completamente armado y vestido, romper una pintura ante una leve palabra de crítica y burlarse de los pintores locales.
Caravaggio mostró un comportamiento extraño desde muy temprano en su carrera. Mancini lo describe como "extremadamente loco", una carta de Del Monte señala su extrañeza y el biógrafo de Minniti de 1724 dice que Mario abandonó Caravaggio debido a su comportamiento. La extrañeza parece haber aumentado después de Malta. Le vite de' pittori Messinesi ("Vidas de los pintores de Messina") de Susinno, de principios del siglo XVIII, ofrece varias anécdotas coloridas del comportamiento errático de Caravaggio en Sicilia, y éstas se reproducen en biografías completas modernas como Langdon y Robb. Bellori escribe sobre el "miedo" de Caravaggio que lo llevó de ciudad en ciudad a través de la isla y finalmente, "sintiendo que ya no era seguro quedarse", de regreso a Nápoles. Baglione dice que Caravaggio estaba siendo "perseguido por su enemigo", pero al igual que Bellori no dice quién era este enemigo.
Después de sólo nueve meses en Sicilia, Caravaggio regresó a Nápoles a finales del verano de 1609. Según su primer biógrafo, estaba siendo perseguido por enemigos mientras estaba en Sicilia y consideró que lo más seguro era ponerse bajo la protección de los Colonna hasta que pudiera asegurar su perdón del Papa (ahora Pablo V ) y su regreso a Roma. [57] En Nápoles pintó La negación de san Pedro , un último Juan Bautista (Borghese) , y su último cuadro, El martirio de santa Úrsula . Su estilo continuó evolucionando: Santa Úrsula está atrapada en un momento de máxima acción y dramatismo, cuando la flecha disparada por el rey de los hunos la golpea en el pecho, a diferencia de pinturas anteriores que tenían toda la inmovilidad de los modelos posados. La pincelada también era mucho más libre e impresionista.
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En octubre de 1609, se vio envuelto en un enfrentamiento violento, un atentado contra su vida, quizás emboscado por hombres a sueldo del caballero que había herido en Malta o de alguna otra facción de la Orden. Su rostro quedó gravemente desfigurado y en Roma circularon rumores de que estaba muerto. Pintó una Salomé con la cabeza de Juan Bautista (Madrid) , mostrando su propia cabeza en una bandeja, y se la envió a Wignacourt como petición de perdón. Quizás en esta época también pintó un David con la cabeza de Goliat , mostrando al joven David con una expresión extrañamente triste contemplando la cabeza cortada del gigante, que es nuevamente Caravaggio. Es posible que haya enviado esta pintura a su mecenas, el cardenal Scipione Borghese , sin escrúpulos y amante del arte, sobrino del Papa, que tenía el poder de conceder o denegar indultos. [58] Caravaggio esperaba que Borghese pudiera mediar en un perdón a cambio de obras del artista.
Las noticias de Roma animaron a Caravaggio y, en el verano de 1610, tomó un barco hacia el norte para recibir el perdón, que parecía inminente gracias a sus poderosos amigos romanos. Con él estaban los tres últimos cuadros, los obsequios para el cardenal Scipione. [59] Lo que sucedió a continuación es objeto de mucha confusión y conjeturas, envuelto en mucho misterio.
Los hechos desnudos parecen ser que el 28 de julio, un avviso (boletín privado) anónimo de Roma al tribunal ducal de Urbino informó que Caravaggio estaba muerto. Tres días después, otro aviso dijo que había muerto de fiebre en el camino de Nápoles a Roma. Un poeta amigo del artista indicó más tarde el 18 de julio como fecha de muerte, y un investigador reciente afirma haber descubierto una esquela que muestra que el artista murió ese día de fiebre en Porto Ercole , cerca de Grosseto en Toscana . [60]
Caravaggio tenía fiebre en el momento de su muerte, y lo que lo mató fue motivo de controversia y rumor en ese momento y ha sido motivo de debate y estudio histórico desde entonces. [61] Los rumores contemporáneos sostenían que la familia Tommasoni o los Caballeros lo habían matado en venganza. Tradicionalmente, los historiadores han pensado durante mucho tiempo que murió de sífilis . [61] Algunos han dicho que tenía malaria , o posiblemente brucelosis por productos lácteos no pasteurizados . [61] Algunos estudiosos han argumentado que Caravaggio en realidad fue atacado y asesinado por los mismos "enemigos" que lo habían estado persiguiendo desde que huyó de Malta, posiblemente Wignacourt y/o facciones de los Caballeros. [62]
Los restos de Caravaggio fueron enterrados en el cementerio de San Sebastiano de Porto Ercole, que cerró en 1956, y luego se trasladaron al cementerio de San Erasmo, donde, en 2010, los arqueólogos llevaron a cabo una investigación de un año de duración de los restos encontrados en tres criptas y después de usar ADN, datación por carbono. , y otros métodos, creen con un alto grado de confianza que han identificado los de Caravaggio. [63] [64] Las pruebas iniciales sugirieron que Caravaggio podría haber muerto por envenenamiento por plomo : las pinturas utilizadas en ese momento contenían altas cantidades de sales de plomo, y se sabe que Caravaggio tuvo un comportamiento violento, causado por el envenenamiento por plomo. [65] Investigaciones posteriores concluyeron que murió como resultado de una herida sufrida en una pelea en Nápoles, específicamente por sepsis causada por Staphylococcus aureus . [66]
Los documentos del Vaticano publicados en 2002 apoyan la teoría de que la rica familia Tommasoni hizo que lo persiguieran y mataran como venganza por el asesinato del gángster Ranuccio Tommasoni por parte de Caravaggio, en un intento fallido de castración después de un duelo por el afecto de la modelo Fillide Melandroni. [67]
Desde la década de 1970, estudiosos e historiadores del arte han debatido las inferencias de homoerotismo en las obras de Caravaggio como una forma de comprender mejor al hombre. [68] Caravaggio nunca se casó y no tuvo hijos conocidos, y Howard Hibbard observó la ausencia de figuras femeninas eróticas en la obra del artista: "En toda su carrera no pintó un solo desnudo femenino", [69] y las piezas de gabinete del período Del Monte están repletos de "muchachos lánguidos y de labios carnosos... que parecen solicitar al espectador con sus ofertas de fruta, vino, flores... y a ellos mismos", sugiriendo un interés erótico por la forma masculina. [70] El modelo de Amor vincit omnia , Cecco del Caravaggio , vivió con el artista en Roma y permaneció con él incluso después de que se vio obligado a abandonar la ciudad en 1606. Los dos pueden haber sido amantes. [71]
Una conexión con cierta Lena se menciona en una declaración judicial de 1605 de Pasqualone, donde se la describe como "la niña de Miguel Ángel". [72] Según GB Passeri, esta 'Lena' fue el modelo de Caravaggio para la Madonna di Loreto ; y según Catherine Puglisi, 'Lena' pudo haber sido la misma persona que la cortesana Maddalena di Paolo Antognetti, quien nombró a Caravaggio como un "amigo íntimo" según su propio testimonio en 1604. [ 73] [74] También se rumoreaba que Caravaggio Estar perdidamente enamorado de Fillide Melandroni, una conocida prostituta romana que modeló para él en varios cuadros importantes. [75]
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La sexualidad de Caravaggio también recibió especulaciones tempranas debido a las afirmaciones sobre el artista de Honoré Gabriel Riqueti, conde de Mirabeau . Escribiendo en 1783, Mirabeau contrastó la vida personal de Caravaggio directamente con los escritos de San Pablo en el Libro de Romanos , [76] argumentando que los " romanos " practican excesivamente la sodomía o la homosexualidad . Las enseñanzas de la Santa Madre Iglesia Católica sobre moralidad (y así sucesivamente; título breve del libro) contienen la frase en latín " Et fœminæ eorum immutaverunt naturalem usum in eum usum qui est contra naturam. " ("Y sus mujeres cambiaron su hábito natural por el que es contra natura”). [77] La frase, según Mirabeau, entró en el pensamiento de Caravaggio, quien afirmó que tal "abominación" podía ser testimoniada a través de una particular pintura conservada en el Museo del Gran Duque de Toscana —que presenta un rosario de naturaleza blasfema , en en el que un círculo de treinta hombres ( turpiter ligati ) se entrelazan en un abrazo y se presentan en una composición desenfrenada. Mirabeau señala que la naturaleza afectuosa de la representación de Caravaggio refleja el brillo voluptuoso de la sexualidad del artista. [78] A finales del siglo XIX, Sir Richard Francis Burton identificó la pintura como la pintura de San Rosario de Caravaggio. Burton también identifica tanto a San Rosario como a esta pintura con las prácticas de Tiberio mencionadas por Séneca el Joven . [79] Se desconoce el estado de supervivencia y la ubicación de la pintura de Caravaggio. Ninguna pintura de este tipo aparece en los catálogos de su escuela. [80]
Aparte de las pinturas, también hay pruebas del juicio por difamación iniciado contra Caravaggio por Giovanni Baglione en 1603. Baglione acusó a Caravaggio y sus amigos de escribir y distribuir tonterías difamatorias que lo atacaban; Los panfletos, según el amigo y testigo de Baglione, Mao Salini, habían sido distribuidos por un tal Giovanni Battista, un bardassa , o niño prostituto, compartido por Caravaggio y su amigo Onorio Longhi. Caravaggio negó conocer a algún joven con ese nombre y la acusación no tuvo seguimiento. [81]
La pintura de Baglione de "Divine Love" también ha sido vista como una acusación visual de sodomía contra Caravaggio. [75] Tales acusaciones fueron dañinas y peligrosas ya que la sodomía era un delito capital en ese momento. Aunque era poco probable que las autoridades investigaran a una persona tan bien relacionada como Caravaggio, "cuando un artista era tildado de pederasta, su obra también era desprestigiada". [71] Francesco Susino en su biografía posterior también relata la historia de cómo el artista fue perseguido por un maestro de escuela en Sicilia por pasar demasiado tiempo mirando a los niños a su cuidado. Susino lo presenta como un malentendido, pero algunos autores han especulado que Caravaggio pudo haber estado buscando sexo con los niños, utilizando el incidente para explicar algunas de sus pinturas que creen que son homoeróticas. [82]
El historiador de arte Andrew Graham-Dixon ha resumido el debate:
Se ha hablado mucho de la presunta homosexualidad de Caravaggio, que en más de un relato anterior de su vida ha sido presentada como la única clave que lo explica todo, tanto el poder de su arte como las desgracias de su vida. No hay pruebas absolutas de ello, sólo fuertes pruebas circunstanciales y muchos rumores. El balance de probabilidades sugiere que Caravaggio efectivamente tuvo relaciones sexuales con hombres. Pero ciertamente tenía amantes femeninas. A lo largo de los años que pasó en Roma, mantuvo estrecha compañía con varias prostitutas. La verdad es que Caravaggio se sentía tan incómodo en sus relaciones como en la mayoría de los demás aspectos de la vida. Probablemente se acostó con hombres. Se acostó con mujeres. No se conformó con nadie... [pero] la idea de que fue uno de los primeros mártires de los impulsos de una sexualidad poco convencional es una ficción anacrónica. [71]
El crítico de arte del Washington Post, Philip Kennicott, ha discrepado con lo que consideraba una minimización de la homosexualidad de Caravaggio por parte de Graham-Dixon:
Había cierta inquietud en el tono cada vez que un académico o curador se veía obligado a lidiar con la sexualidad transgresora, y todavía se puede encontrar incluso en historias relativamente recientes, incluida la biografía de Caravaggio escrita por Andrew Graham-Dixon en 2010, que sólo reconoce que "probablemente durmió". con los hombres". [83] El autor señala los fluidos deseos sexuales del artista, pero ofrece algunas de las pinturas más explícitamente homoeróticas de Caravaggio lecturas torturadas para mantenerlas seguras en la categoría de mera "ambigüedad".
Caravaggio "puso lo oscuro (sombras) en claroscuro ". [84] El claroscuro se practicaba mucho antes de que él apareciera en escena, pero fue Caravaggio quien hizo de la técnica un elemento estilístico dominante, oscureciendo las sombras y paralizando al sujeto en un rayo de luz cegador. Con esto vino la aguda observación de la realidad física y psicológica que formó la base tanto de su inmensa popularidad como de sus frecuentes problemas con sus encargos religiosos.
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Trabajó a gran velocidad, a partir de modelos vivos, marcando guías básicas directamente sobre el lienzo con el extremo del mango del pincel; Parece que muy pocos dibujos de Caravaggio han sobrevivido y es probable que prefiriera trabajar directamente sobre el lienzo. El enfoque fue un anatema para los hábiles artistas de su época, quienes denunciaron su negativa a trabajar a partir de dibujos e idealizar sus figuras. Sin embargo, los modelos eran básicos para su realismo. Algunos han sido identificados, entre ellos Mario Minniti y Francesco Boneri , ambos artistas compañeros, Minniti apareciendo como varias figuras en las primeras obras seculares, el joven Boneri como una sucesión de ángeles, bautistas y David en los lienzos posteriores. Entre sus modelos femeninas se encuentran Fillide Melandroni , Anna Bianchini y Maddalena Antognetti (la "Lena" mencionada en los documentos judiciales del caso "alcachofa" [85] como concubina de Caravaggio), todas ellas conocidas prostitutas, que aparecen como figuras religiosas femeninas, incluida la Virgen y varios santos. [86] El propio Caravaggio aparece en varias pinturas, siendo su último autorretrato como testigo de extrema derecha del Martirio de Santa Úrsula . [87]
Caravaggio tenía una capacidad notable para expresar en una escena de viveza insuperable el paso de un momento crucial. La Cena de Emaús representa el reconocimiento de Cristo por parte de sus discípulos: un momento antes es un compañero de viaje, lamentando la muerte del Mesías, como nunca deja de serlo a los ojos del posadero; el segundo después, él es el Salvador. En La Vocación de San Mateo , la mano del Santo se señala a sí mismo como si dijera: "¿quién, yo?", mientras sus ojos, fijos en la figura de Cristo, ya han dicho: "Sí, te seguiré". ". Con La resurrección de Lázaro , va un paso más allá y deja entrever el proceso físico real de la resurrección. El cuerpo de Lázaro todavía está sumido en el rigor mortis, pero su mano, frente a la de Cristo y reconociéndola, está viva. Otros grandes artistas del Barroco recorrerían el mismo camino, por ejemplo Bernini , fascinado por los temas de Las Metamorfosis de Ovidio . [88]
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La instalación de las pinturas de San Mateo en la Capilla Contarelli tuvo un impacto inmediato entre los artistas más jóvenes de Roma, y el caravaggismo se convirtió en la vanguardia para todo pintor joven ambicioso. Los primeros caravaggisti incluyeron a Orazio Gentileschi y Giovanni Baglione . La fase Caravaggio de Baglione duró poco; Caravaggio más tarde lo acusó de plagio y los dos se vieron envueltos en una larga disputa. Baglione escribió la primera biografía de Caravaggio. En la siguiente generación de Caravaggisti estaban Carlo Saraceni , Bartolomeo Manfredi y Orazio Borgianni . Gentileschi, a pesar de ser considerablemente mayor, fue el único de estos artistas que vivió mucho más allá de 1620 y acabó como pintor de la corte de Carlos I de Inglaterra . Su hija Artemisia Gentileschi también era estilísticamente cercana a Caravaggio y una de las más talentosas del movimiento. Sin embargo, en Roma e Italia, no fue Caravaggio, sino la influencia de su rival Annibale Carracci , mezclando elementos del Alto Renacimiento y el realismo lombardo, lo que finalmente triunfó.
La breve estancia de Caravaggio en Nápoles produjo una notable escuela de caravaggisti napolitanos, entre ellos Battistello Caracciolo y Carlo Sellitto . El movimiento caravaggista allí terminó con un terrible brote de peste en 1656, pero la conexión española (Nápoles era una posesión de España) fue fundamental para formar la importante rama española de su influencia.
Rubens fue probablemente uno de los primeros artistas flamencos en verse influenciado por Caravaggio, cuya obra conoció durante su estancia en Roma en 1601. Más tarde pintó una copia (o más bien una interpretación) del Entierro de Cristo de Caravaggio y recomendó a su mecenas, el Duque de Mantua , compra Muerte de la Virgen ( Louvre ). Aunque parte de este interés por Caravaggio se refleja en sus dibujos durante su residencia italiana, no fue hasta después de su regreso a Amberes en 1608 que las obras de Rubens muestran rasgos abiertamente caravaggescos, como en Caín matando a Abel (1608-1609) ( Instituto Courtauld de Arte ) y La anciana y el niño con velas (1618-1619) ( Mauritshuis ). Sin embargo, la influencia de Caravaggio en la obra de Rubens sería menos importante que la de Rafael , Correggio , Barocci y los venecianos. Los artistas flamencos, que fueron influenciados por Rubens, como Jacob Jordaens , Pieter van Mol , Gaspar de Crayer y Willem Jacob Herreyns , también utilizaron cierto realismo crudo y fuertes contrastes de luces y sombras, comunes al estilo caravaggesco. [89]
Varios artistas católicos de Utrecht , entre ellos Hendrick ter Brugghen , Gerrit van Honthorst y Dirck van Baburen, viajaron a Roma en las primeras décadas del siglo XVII. Aquí quedaron profundamente influenciados por el trabajo de Caravaggio y sus seguidores. A su regreso a Utrecht, sus obras caravaggescas inspiraron un breve pero influyente florecimiento de obras de arte inspiradas indirectamente en estilo y temática en las obras de Caravaggio y los seguidores italianos de Caravaggio. Este estilo de pintura se denominó más tarde caravaggismo de Utrecht . En la siguiente generación de artistas holandeses los efectos de Caravaggio, aunque atenuados, se pueden ver en las obras de Vermeer y Rembrandt, ninguno de los cuales visitó Italia. [90]
Las innovaciones de Caravaggio inspiraron el barroco, pero éste tomó el dramatismo de sus claroscuros sin el realismo psicológico. [ dudoso ] Si bien influyó directamente en el estilo de los artistas mencionados anteriormente y, a distancia, en los franceses Georges de La Tour y Simon Vouet , y en el español Giuseppe Ribera , al cabo de unas décadas sus obras fueron atribuidas a menos Artistas escandalosos, o simplemente pasados por alto. El Barroco, al que tanto contribuyó, había evolucionado y las modas habían cambiado, pero quizás lo más pertinente es que Caravaggio nunca estableció un taller como lo hizo los Carracci y, por lo tanto, no tuvo una escuela para difundir sus técnicas. Tampoco expuso nunca su enfoque filosófico subyacente del arte, el realismo psicológico que sólo puede deducirse de su obra superviviente.
Así, su reputación era doblemente vulnerable a las críticas poco comprensivas de sus primeros biógrafos, Giovanni Baglione , un pintor rival con una venganza, y el influyente crítico del siglo XVII Gian Pietro Bellori , que no lo había conocido pero estaba bajo la influencia del anterior Giovanni . Battista Agucchi y el amigo de Bellori, Poussin , al preferir la tradición "clásica-idealista" de la escuela boloñesa dirigida por los Carracci. [91] Baglione, su primer biógrafo, jugó un papel considerable en la creación de la leyenda del carácter inestable y violento de Caravaggio, así como de su incapacidad para dibujar. [92]
En la década de 1920, el crítico de arte Roberto Longhi volvió a poner en primer plano el nombre de Caravaggio y lo situó en la tradición europea: " Ribera , Vermeer , La Tour y Rembrandt nunca podrían haber existido sin él. Y el arte de Delacroix , Courbet y Manet habría existido". han sido completamente diferentes". [93] El influyente Bernard Berenson estuvo de acuerdo: "Con la excepción de Miguel Ángel , ningún otro pintor italiano ejerció una influencia tan grande". [94]
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El epitafio de Caravaggio fue compuesto por su amigo Marzio Milesi. [95] Dice:
"Michelangelo Merisi, hijo de Fermo di Caravaggio – en pintura no igual a un pintor, sino a la naturaleza misma – murió en Port' Ercole – viniendo aquí desde Nápoles – regresando a Roma – 15 de agosto – En el año de Nuestro Señor 1610 – Vivió treinta y seis años, nueve meses y veinte días – Marzio Milesi, Jurisconsulto – Dedicó esto a un amigo de genio extraordinario." [96]
Fue conmemorado en el anverso del billete de 100.000 liras de la Banca d'Italia en las décadas de 1980 y 1990 (antes de que Italia cambiara al euro), con el reverso mostrando su cesta de frutas .
Hay desacuerdo en cuanto al tamaño de la obra de Caravaggio, con recuentos tan bajos como 40 y tan altos como 80. En su biografía, el estudioso de Caravaggio Alfred Moir escribe: "Las cuarenta y ocho láminas en color de este libro incluyen casi todas las obras supervivientes. aceptado como autógrafo por todos los expertos de Caravaggio, e incluso el menos exigente añadiría menos de una docena más". [97] Uno, La vocación de los santos Pedro y Andrés , fue autenticado y restaurado en 2006; había estado almacenado en Hampton Court , mal etiquetado como una copia. Richard Francis Burton escribe sobre un "cuadro de San Rosario (en el museo del Gran Duque de Toscana), que muestra un círculo de treinta hombres turpiter ligati " ("con bandas lascivas"), que no se sabe que haya sobrevivido. La versión rechazada de San Mateo y el Ángel , destinada a la Capilla Contarelli de San Luigi dei Francesi en Roma , fue destruida durante el bombardeo de Dresde , aunque existen fotografías en blanco y negro de la obra. En junio de 2011 se anunció que se había descubierto en una colección privada de Gran Bretaña una pintura de Caravaggio de San Agustín, previamente desconocida, que databa de alrededor de 1600. Calificada como un "descubrimiento significativo", la pintura nunca había sido publicada y se cree que fue encargada por Vincenzo Giustiniani , mecenas del pintor en Roma. [98]
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Una pintura que representa a Judith decapitando a Holofernes supuestamente fue descubierta en un ático de Toulouse en 2014. En abril de 2016, el experto y comerciante de arte a quien se mostró la obra anunció que se trataba de una pintura perdida hace mucho tiempo, obra del propio Caravaggio. Ese cuadro perdido de Caravaggio sólo era conocido hasta esa fecha por una presunta copia del mismo realizada por el pintor flamenco Louis Finson , que había compartido estudio con Caravaggio en Nápoles. [99] El gobierno francés impuso una prohibición de exportación de la pintura recién descubierta mientras se llevaban a cabo pruebas para establecer si era una pintura auténtica de Caravaggio. [100] [101] En febrero de 2019 se anunció que la pintura se vendería en una subasta después de que el Louvre rechazara la oportunidad de comprarla por 100 millones de euros. [102] Después de que se consideró una subasta, la pintura finalmente se vendió en una venta privada al multimillonario estadounidense administrador de fondos de cobertura J. Tomilson Hill . [103] [104] El mundo de la historia del arte no está unido en torno a la atribución de la obra, ya que el marchante de arte que vendió la obra promueve su autenticidad con el apoyo de historiadores del arte a quienes se les dio acceso privilegiado a la obra, mientras que otros historiadores del arte no nos convencen principalmente por consideraciones estilísticas y de calidad. [105] [106] Algunos historiadores del arte creen que puede ser una obra del propio Louis Finson . [107]
En abril de 2021, una obra menor que se cree pertenece al círculo de un seguidor español de Caravaggio, Jusepe de Ribera , fue retirada de la venta en la casa de subastas madrileña Ansorena cuando el Museo del Prado alertó al Ministerio de Cultura , que impuso una prohibición preventiva de exportación. en la pintura. El cuadro, de 111 centímetros por 86 centímetros, pertenece a la familia Pérez de Castro desde 1823, cuando fue canjeado por otra obra de la Real Academia de San Fernando . Había sido catalogado como "Ecce-Hommo con dos saiones de Carabaggio" antes de que la atribución se perdiera o cambiara al círculo de Ribera. La evidencia estilística, así como la similitud de los modelos con los de otras obras de Caravaggio, ha convencido a algunos expertos de que la pintura es el ' Ecce Homo ' original de Caravaggio para el encargo de Massimo Massimi de 1605. Otros expertos cuestionan la atribución a Caravaggio. La pintura está ahora siendo restaurada por Colnaghis , quien también se encargará de la futura venta de la obra. [108] [109] [110] [111] [112]
En octubre de 1969, dos ladrones entraron en el Oratorio de San Lorenzo en Palermo , Sicilia , y robaron de su marco la Natividad de Caravaggio con San Francisco y San Lorenzo . [113] Los expertos estimaron su valor en 20 millones de dólares. [114] [115]
Tras el robo, la policía italiana creó un grupo de trabajo contra el robo de arte con el objetivo específico de recuperar obras de arte perdidas y robadas. Desde la creación de este grupo de trabajo, se han seguido muchas pistas con respecto a la Natividad . Antiguos miembros de la mafia italiana han declarado que la mafia siciliana robó la Natividad con San Francisco y San Lorenzo y la exhibió en importantes reuniones de la mafia. [116] Ex miembros de la mafia han dicho que la Natividad resultó dañada y desde entonces ha sido destruida. [116]
Aún se desconoce el paradero del cuadro. Actualmente una reproducción cuelga en su lugar en el Oratorio de San Lorenzo. [116]
En diciembre de 1984, la Escritura de San Jerónimo (Caravaggio, La Valeta) fue robada de la Concatedral de San Juan, Malta. El lienzo fue cortado del marco. El cuadro fue recuperado dos años después, tras negociaciones entre los ladrones y el P. Marius J. Zerafa, entonces director de museos de Malta. El P. Marius J. Zerafa en su libro Diarios de Caravaggio.
El trabajo de Caravaggio ha tenido una gran influencia en la cultura gay estadounidense de finales del siglo XX, con frecuentes referencias a imágenes sexuales masculinas en pinturas como Los músicos y Amor victorioso . [117] El cineasta británico Derek Jarman hizo una película biográfica aplaudida por la crítica titulada Caravaggio en 1986. [118] Varios poemas escritos por Thom Gunn fueron respuestas a pinturas específicas de Caravaggio. [117]
En 2013, se inauguró una exposición itinerante de Caravaggio llamada "Burst of Light: Caravaggio and His Legacy" en el Museo de Arte Wadsworth Atheneum en Hartford, Connecticut. [119] La muestra incluyó cinco pinturas del maestro artista que incluían a San Juan Bautista en el desierto (1604-1605) y Marta y María Magdalena (1589). El conjunto viajó a Francia y también a Los Ángeles, California. También se incluyeron en las exposiciones otros artistas barrocos como Georges de La Tour , Orazio Gentileschi y el trío español formado por Diego Velázquez, Francisco de Zurbarán y Carlo Saraceni.
En 2022 se estrenó una nueva película biográfica sobre Caravaggio: L'Ombra di Caravaggio , una película italo-francesa dirigida por Michele Placido . [120]
{{cite book}}: Mantenimiento CS1: posdata ( enlace )Las principales fuentes primarias de la vida de Caravaggio son:
Todos han sido reimpresos en Caravaggio de Howard Hibbard y en los apéndices de Caravaggio de Catherine Puglisi .
