El laudista es una composición delmaestro barroco italiano Caravaggio . Solía existir en dos versiones, una en la Colección Wildenstein y otra en el Museo del Hermitage de San Petersburgo . Una tercera versión, que estuvo guardada durante 275 años en Badminton House , Gloucestershire, salió a la luz en 2001, y que hoy se entiende como la versión original. Las versiones Hermitage y Badminton House se exhibieron juntas en 2020 en la Galería Borghese.
El primer biógrafo de Caravaggio, Giovanni Baglione , da la siguiente descripción de una pieza realizada por el artista para su mecenas, el cardenal Francesco Del Monte :
E dipinse [per il Cardinale Del Monte]… anche un giovane, che sonava il Lauto, che vivo, e vero il tutto parea con una caraffa di fiori piena d'acqua, che dentro il reflesso d'ua fenestra eccelentemente si scorgeva con altri ripercotimenti di quella camera dentro l'acqua, e sopra quei fiori eravi una viva rugiada con ogni esquisita diligenza finta. E questo (disse) che fu il piu bel pezzo, che facesse mai. ("También pintó [para el cardenal Del Monte] a un joven, tocando el laúd, que parecía completamente vivo y real con una garrafa de flores llena de agua, en la que se podía ver perfectamente el reflejo de una ventana y otros reflejos de aquella habitación dentro del agua, y sobre aquellas flores había un rocío vivo representado con todo cuidado exquisito. Y ésta (dijo) fue la mejor pieza que jamás pintó.)" [ 1]
La pintura existe en tres versiones. Todos muestran a un niño de rasgos faciales suaves y cabello castaño y espeso, acompañándose con el laúd mientras canta un madrigal sobre el amor. Como en los Uffizi Baco , el artista coloca un tablero delante de la figura. En las versiones Hermitage y Badminton House es mármol desnudo, con un violín a un lado y una naturaleza muerta de flores y frutas al otro. En la versión de Wildenstein, la mesa está cubierta con una alfombra y extendida hacia adelante para sostener una flauta dulce , mientras que la naturaleza muerta es reemplazada por una espineta (un pequeño instrumento de teclado) y un pájaro cantor enjaulado. Los instrumentos musicales son valiosos y probablemente proceden de la colección personal de Del Monte.
Las versiones Hermitage y Badminton House muestran madrigales de Jacques Arcadelt (1515-1568), y el texto visible dice en parte: "Vous savez que je vous aime et vous adore...Je fus vôtre". ("Sabes que te amo y te adoro...yo era tuyo"). La versión de Wildenstein muestra canciones de un florentino nativo ( Francesco de Layolle ) sobre un texto de Petrarca : Laisse le voile ('Suelta el velo') y Pourquoi ne vous donnez-vous pas? ('¿Por qué no te entregas?') de Giachetto Berchem (Jacquet de Berchem). Las flores y los frutos dañados, y el cuerpo agrietado del laúd, sugieren el tema de la fugacidad: el amor, como todas las cosas, es fugaz y mortal. La elección de compositores franco-flamencos sobre los italianos nativos (sólo Layolle era italiano nativo) refleja sin duda las afiliaciones culturales (y políticas) del círculo profrancés de Del Monte-Giustiniani.
Los elementos de la naturaleza muerta son de un nivel extremadamente alto en todas las versiones, las frutas y flores finamente representadas en dos versiones igualadas por las texturas de espineta y flauta en la otra, y el artista ha reproducido las notas iniciales de los madrigales con tanta exactitud que una Podemos reconocer al impresor romano Valerio Dorica.
El modelo bastante andrógino podría ser Pedro Montoya, un castrato conocido por haber sido miembro de la familia Del Monte y cantante en la Capilla Sixtina en esa época; los castrati eran muy apreciados y el cardenal era un mecenas de la música y de la música. cuadro. Más recientemente, el biógrafo de Caravaggio, Peter Robb, lo ha identificado como el compañero de Caravaggio, Mario Minniti , modelo para varias otras pinturas de este período, incluidas Los tarotes y una de las dos versiones de El adivino .
Las tres versiones demuestran el enfoque innovador de la luz que adoptó Caravaggio en ese momento. El método de Caravaggio, tal como lo describe su contemporáneo Giulio Mancini , consistía en utilizar "una luz fuerte desde arriba con una sola ventana y las paredes pintadas de negro, de modo que al tener las luces brillantes y las sombras oscuras, se da profundidad al cuadro, pero con un método que no es natural ni hecho o pensado por ningún pintor de otro siglo o más antiguo como Rafael, Tiziano, Correggio y otros." La sala en sí parece ser la misma que la de la Capilla Contarelli de la Vocación de San Mateo , y el haz de luz que atraviesa la pared trasera tiene un límite superior que parecería ser la contraventana de la ventana sobre la mesa de la Vocación. La jarra es un motivo de "corta y pega" de otra imagen, donde la luz principal provenía de una ventana más o menos al mismo nivel que la propia jarra. [2] Una ilustración tan compleja de la luz refractada no tiene precedentes en el Cinquecento y puede haber sido el resultado de la colaboración con científicos del círculo de Del Monte, incluido Giovanni Battista della Porta , quien fue el espíritu guía detrás de la fundación en 1603 de la Academia. dei Lincei. Su multivolumen De Refractione Optices (1593) se preocupó particularmente por cuestiones ópticas, dedicándose el segundo volumen por completo a la incidencia de la luz sobre esferas de vidrio y llenas de agua. El círculo de Della Porta fue significativo para Caravaggio más tarde en Nápoles, donde el encargo de los Siete Actos de Misericordia parece haber emanado de Giovanni Battista Manso , marqués de Villa, cuyo amigo, el alquimista Colantonio Stigliola, era miembro de la Academia. dei Lincei.
La aparición de segundos originales es una característica de una nueva comprensión de la obra de Caravaggio y, de hecho, Vincenzo Giustiniani, cuya experiencia estuvo estrechamente relacionada con la carrera del artista, describe en su Discorso sulla pittura que el desarrollo del pintor comenzó con la copia de la obra de otros: "Proceder". Además, también puede copiar su propio trabajo, de modo que la réplica sea tan buena, e incluso a veces mejor, que la primera». Sin embargo, el procedimiento para realizar una segunda versión fue sustancialmente diferente de la tarea, a veces muy ardua, de formar un grupo a partir de muchas observaciones separadas de la realidad, de figuras y objetos; es natural que el "segundo original" sea a veces más fluido que el primero. Las anomalías anatómicas de los cuadros de Wildenstein y Badminton House, como los ojos ligeramente desencajados o las vacilaciones en el perfil de la mano, se resuelven en el cuadro del Hermitage. Por el contrario, la versión del Hermitage es más superficial en las cortinas, menos insistente en los detalles y no tiene los magníficos reflejos en la garrafa, que eran específicos del contexto alquímico del original. Ésta es también la razón de los celos con que el mecenas de Caravaggio, Del Monte, miraba el grupo de cuadros, y del malentendido que incurrió en la Roma de su época la búsqueda de la filosofía natural.
La versión de Wildenstein fue vendida por los herederos de Del Monte al cardenal Antonio Barberini en 1628, cuando fue descrita como "Un giovane che sona di clevo" (sin atribución) y incluida con Santa Catalina y los Tiburadores (nombrada específicamente por Caravaggio) y varias otras pinturas. La pintura está iluminada por un suave claroscuro inspirado en los maestros de Brescia del siglo XVI y característico de la fase inicial del desarrollo de Caravaggio. El catálogo de la exposición de 1990 celebrada para marcar la identificación del laudista Wildenstein -que ya era conocido pero que se pensaba que era una copia de otra mano- comentaba la iluminación marcadamente diferente utilizada para esta versión, afirmando que "marca un paso significativo hacia el estilo más dramáticamente iluminado y altamente centrado de la madurez de Caravaggio", es decir, hacia el contraste intensificado entre sombras y luces ( tenebrismo ) que marcaría pinturas como El martirio de San Mateo . Sin embargo, el crítico Jason Kaufman consideró que la interpretación del niño en la versión de Wildenstein era estéticamente inferior a la del Hermitage, "... el rostro... duro y la expresión menos dulce que la bovina... [los] rasgos... .más definidamente definidas, las cejas severamente geometrizadas y la tez rosada, en lugar de tono carne", y David Van Edwards, notando errores aparentes en la representación del laúd en la versión de Wildenstein, la fuente de luz secundaria y las perspectivas inconsistentes de la mesa y niñera, concluyó que el cuadro no es de Caravaggio. [3]
La versión del Hermitage pertenece a la colección del otro importante mecenas del artista de la época, el amigo y vecino de Del Monte, el marqués Vincenzo Giustiniani .
Fue adquirido en 1808 en la subasta de París por el emperador ruso Alejandro I a través de su asesor artístico personal Valily Rudanovsky. Las compras contaron con el apoyo de Dominique Vivant Denon.
El cuadro Badminton House salió a la luz en una subasta en Sotheby's , Nueva York (25 de enero de 2001, lote 179); El cuadro se vendió atribuido al círculo de Caravaggio, posiblemente de Carlo Magnone. Clovis Whitfield, un comerciante de arte afincado en Londres, cuestionó la atribución y sugirió que la pintura de Badminton House en realidad podría ser de Caravaggio. [4] Esta conclusión fue confirmada posteriormente por varias investigaciones y análisis.
Originalmente cubierto con un espeso barniz amarillo, corresponde en todos los detalles a la descripción hecha por Baglione de la obra que vio en el palacio del cardenal Del Monte. Las flores están salpicadas de gotas de rocío, como comenta Baglione, y la jarra de agua refleja la ventana y otras características de la habitación. Estos elementos, y el considerable número de pentimenti (incisiones realizadas en la pintura con el mango del pincel), diferencian el cuadro de Badminton House de la versión del Hermitage. Es ligeramente mayor que la obra del Hermitage, en cuyo borde original recortan las flores de la izquierda y la voluta del violín, y está pintado con pincelada más densa.
Esta pintura parecería ser la descrita en el inventario de 1627 de la colección de Del Monte. No fue el cuadro descrito en 1628 por los herederos como 'Un giovane che sona di clevo' (sin atribución) el que se vendió junto con Santa Catalina y los naipes de Caravaggio (nombrado específicamente como por Caravaggio) y varios otros cuadros al cardenal Antonio . Barberini , que nos ha llegado en la obra de la colección Wildenstein .
La pieza floral tiene una gran importancia para la tradición de las naturalezas muertas, no sólo en Italia, sino también en los Países Bajos, y existe un cierto vínculo con la pintura flamenca anterior; por ejemplo, muchos de los pintores de flores flamencos, desde Jan Brueghel hasta Ambrosius Bosschaert y Van der Ast, a menudo esperaban para estudiar especímenes separados en distintas estaciones del año, pero los incluían a todos en un conjunto ficticio. Los frutos del Luteplayer, sin embargo, no son de la misma estación que las flores, lo que sugiere un enfoque interestacional similar al de Brueghel y Bosschaert.
Las flores se corresponden con las ilustradas por Giovanni Battista della Porta en su Magia Naturale (Nápoles, 1589) como correspondientes a la visión, desde la caléndula que se parece al sol, el aciano amarillo que se parece al ojo, hasta otra flor que se parece al Eufrasia que desde la Edad Media era un ingrediente en los remedios para los ojos. Esto explicaría en cierta medida la naturaleza de la elección de las flores, que están dominadas por los lirios en la parte superior, y Iris no sólo era la mensajera de los dioses, sino que en el marco óptico representaba el arco iris y el espectro de Colores que representan las distintas flores. Una vez más, De refractione ópticas de Della Porta tiene un libro completo dedicado a 'De Iride et colore', un intento de llegar a una comprensión del arco iris. Pero el naturalismo de las flores, incluidas las vainas del iris y los floretes arrugados, muestra que Caravaggio las estaba observando a partir de especímenes reales, y no mejoraba lo que la Naturaleza podría haber logrado si las circunstancias hubieran sido diferentes. La expresión tácita de la teoría de la segnatura, la correspondencia de ciertas formas del mundo natural con las del hombre, es algo que vincula el pensamiento detrás de la pintura con la creencia paracelsiana. El interés de Del Monte en esto se manifiesta en el grupo de retratos que colgaban en su Casino alquímico, que son de las mismas siete luminarias que se ilustran en la portada de la Basílica Chymica de Oswald Croll (Frankfurt, 1609). Sabemos que el Casino del Pincio era el centro en Roma de la práctica de la iatroquimia o medicina química, aunque este tipo de filosofía natural estaba cada vez más mal vista y bien pudo haber desempeñado un papel en la damnation memoriae a la que fue sometido Del Monte. Pero Federico Cesi y su Accademia dei Lincei también fueron seguidores dedicados de lo que percibían como disciplinas paracelsianas.
Parece probable que el Laudista estuviera pensado originalmente como decoración para el estudio del primer piso del Casino del Pincio que Del Monte había adquirido en 1596, y donde Guercino pintaría más tarde su fresco de Aurora para los Ludovisi. En la planta baja Del Monte realizó sus trabajos de alquimia y química; arriba, en el techo del studiolo, Caravaggio pintó a los dioses Neptuno, Júpiter y Plutón , representando los Elementos. Apolo habría tocado la fibra sensible al representar la armonía del universo, en un lugar frente a la ventana única. [5] La fuerza de su estilo pictórico ya estaba en pintar temas clásicos de la vida que lo rodeaba, como el Baco en la pintura de los Uffizi, sus rasgos a veces estaban disfrazados por su apariencia contemporánea. Dado que Giordano Bruno había escrito que era apropiado representar a Apolo , siempre joven, tocando el laúd, en contraposición a su lira más convencional, esta puede haber sido la intención de Del Monte en este cuadro, y los rayos de sol que lo caracterizan. de la esfera de cristal tienen este significado. Apolo está muy presente en una sala dedicada a los elementos, como se da a entender en la pintura del techo, ya que la Stanza degli Elementi que Vasari hizo en el Palazzo Vecchio tiene a Apolo con el Carro del Sol en el medio, y Del Monte tenía este. Tema como pieza central del techo de su nuevo estudio en el Palazzo Avogadro, pintado por Andrea Sacchi . De hecho, una de las imágenes más copiadas en la decoración del Palazzo del Te de Giulio Romano es el techo, que tal vez Caravaggio pudo haber conocido por un dibujo.
El studiolo tenía espacio también para otro de los cuadros de Del Monte, El pastor Corydon . Esta obra, ahora en el Museo Capitolino, ha sido malinterpretada durante mucho tiempo como San Juan Bautista, pero aparte del tema exhibicionista del niño, el carnero (en lugar de un cordero) es una contradicción para ese tema. En cambio, la obra es un tema emblemático: el carnero representa el primer signo del Zodíaco, Aries, en el período del equinoccio de primavera y la energía de esa estación. En la combinación de temas, la armonía de las esferas está representada figurativamente por Apolo laudista, donde el equinoccio de primavera y las flores primaverales se equilibran con los frutos del otoño en la mesa -desde el equinoccio de otoño- bajo el signo de Libra, cuando Las fuerzas de la naturaleza vuelven a estar en equilibrio. Es más fácil ver la belleza afeminada del pastor como correspondiente al gusto estético personal de Del Monte, que como la obra que Ciriaco Mattei encargó poco después para su hijo primogénito, llamado precisamente Giovanni Battista, pintura que hay que buscar en uno de los muchos cuadros de San Juan Bautista que ejecutó Caravaggio. Existió un cuadro de este tipo, pintado para la familia Mattei y más tarde también comprado por el cardenal Pío de la colección Del Monte, una composición oblonga con San Juan jugando con un cordero y con una cruz de caña en el hombro, que finalmente se vendió a Gavin. Hamilton en 1777.
La idea de "correspondencias" que tanto inspiró la filosofía natural contemporánea significa que el globo de la garrafa con sus reflejos, como una bola de cristal, habría sido visto como un paralelo con el globo celeste en el techo con los Elementos arriba. Este rasgo, descrito en la pintura del Laudista que Baglione vio presumiblemente in situ con el Cardenal Del Monte, está ausente en la versión del Hermitage. Elementos de la composición del laudista Apolo se repiten no sólo en la obra del Hermitage (con varias variaciones de contrapunto), sino también en la jarra de cristal de la parte inferior de los dos cuadros Un niño mordido por un lagarto , especialmente en la versión en la National Gallery de Londres. Allí, la rosa central y el jazmín blanco se acercan bastante a estos elementos en la presente obra, mientras que en el cuadro de la Fundación Longhi la rosa es blanca. La margarita inferior en la presente obra ha sido reposicionada, y de hecho existe un pentimiento prominente 3 cm arriba, y esa es la posición que tiene en el cuadro del Laudista del Hermitage. Bien podría ser que la pieza floral original que sabemos que Del Monte poseía de Caravaggio, que parece haber comprado incluso antes de conocerlo, probablemente a través del comerciante de cuadros local Maestro Valentino, podría haber sido la fuente continua de estas variaciones. Se trataba de un cuadro descrito como una garrafa de flores, de dos palmos de altura, que se compró en la venta de 1628 de la colección Del Monte en un lote que incluía a los Músicos, pero del que no se ha vuelto a saber desde entonces. Es interesante que dedicara tanto cuidado a un cuadro de flores, como también a la Cesta de frutas de la Ambrosiana, y que no fuera reacio a hacerlo, como lo ilustra el hecho de que introdujo la garrafa de agua con los mismos reflejos en los lienzos de Un niño mordido por un lagarto , sin tener en cuenta la posición de la figura frente a las fuentes de luz.
Dado que el artista pasó, según Bellori, cuatro o cinco años en Roma realizando repetitivas imágenes devocionales y copias de cabezas de retratos 'un grosso l'uno', era natural que repitiera sus propios inventos cuando llegó a esta nueva y sensacional obra. Técnica de copiar la realidad, a partir de una imagen virtual, en lugar de composiciones de otras personas. El espejo parabólico, probablemente el mismo que Della Porta había hecho construir en Venecia en 1580, que produjo algunos efectos sensacionales y condujo al desarrollo de la cámara oscura, probablemente no era mayor que un anteojo, pero permitió hacer un mosaico de imágenes naturalistas que fuera extremadamente convincente; La técnica también explica la poca profundidad de las composiciones de Caravaggio.
{{cite news}}: Mantenimiento CS1: varios nombres: lista de autores ( enlace )
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