Los músicos o concierto de jóvenes (c. 1595) es una pintura del maestro barroco italiano Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610). [1] La obra fue encargada por el cardenal Francesco María del Monte , que tenía un ávido interés por la música. [2] Es una de las pinturas más complejas de Caravaggio, con cuatro figuras que probablemente fueron pintadas del natural. [1]
Caravaggio entró en la casa del cardenal Francesco María Del Monte en algún momento de 1595, y se cree que Los músicos fue su primer cuadro realizado expresamente para el cardenal. [2] Su biógrafo, el pintor Baglione , dice que "pintó para el Cardenal, jóvenes tocando música muy bien extraída de la naturaleza y también un joven tocando un laúd", siendo este último presumiblemente El laudista , que parece formar un compañero- pieza para Los Músicos . [2]
El cardenal Del Monte poseía varios instrumentos musicales, que Caravaggio podía utilizar como modelos en sus obras para el rico mecenas. [2] Durante esta época, los instrumentos musicales a menudo se asociaban con propietarios y estatus ricos debido a que los instrumentos eran caros y muy buscados para su uso o colección". [2]
El impacto del cardenal del Monte en la carrera artística de Caravaggio durante sus primeras etapas ha sido muy estudiado debido a su importante participación como partidario. [2] Además, se reconoce comúnmente su preferencia por artistas particulares, como Andrea Sacchi , y su participación activa en la Accademia di San Luca . [2]
El gran entusiasmo de Del Monte por la música fue visto como un aspecto vital de la educación de las personas del Renacimiento de alto estatus social. [2] Según un manuscrito del siglo XVI que detalla la vida de un respetado noble y soldado italiano, la música se consideraba necesaria para el comportamiento aristocrático. [2] Esto proporcionaría motivación para encargar obras de arte y ayudar a Caravaggio a sumergirse en la escena musical barroca. [2] El impacto de los encargos de Del Monte crearía una salida para que Caravaggio obtuviera experiencia de primera mano en escenas que a menudo estaban destinadas al disfrute de la aristocracia. Darle a Caravaggio esta perspectiva proporcionó una fuente precisa para representar y capturar los estados de ánimo y las emociones asociados al movimiento y la música barrocos. [2]
Después de la muerte del cardenal Del Monte , esta pintura fue vendida el 8 de mayo de 1628 y cambió de manos algunas veces más antes de ser inventariada en 1638 por el cardenal Richelieu y por la duquesa de Aiguillon en cuya colección permaneció hasta 1657. [ 3 ] La pintura desapareció en un momento dado y se desconocía su paradero. [4] Según la entrada del catálogo del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York , un benefactor del museo, Jacob S. Rogers , lo compró en la venta de una casa en 1952. [5]
Actualmente se conserva en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York , donde se encuentra desde 1952. Fue objeto de una extensa restauración en 1983. [4]
La imagen muestra a cuatro niños vestidos con trajes clásicos ( túnicas griegas o romanas ): tres figuras tocando varios instrumentos musicales o cantando y el cuarto vestido como Cupido y acercándose a unas uvas. [6] La imagen es una alegoría que relaciona la música con el sustento del amor de la misma manera que la comida es el sustento de la vida. [7]
Esta fue una de las composiciones más desafiantes de Caravaggio y el artista colocó las cuatro figuras muy juntas dentro del pequeño espacio del lienzo; la ubicación de las figuras en la composición muestra una formación relajada de frente y espalda de los sujetos masculinos. [4] La pintura estaba en malas condiciones y la música del manuscrito ha resultado gravemente dañada por restauraciones pasadas, aunque se pueden distinguir una parte de tenor y una de contralto. [4] Andrew Graham-Dixon señala que a pesar de este daño, la originalidad de la obra permanece intacta. [6]
A menudo se hace referencia a Cupido como una alegoría del amor; en esta pieza, su presencia lo transmite distraído mientras recoge sus uvas. [8] Quizás esto sea una indicación de la necesidad de sustento de Cupido y un posible mensaje sobre la necesidad de amor de la figura central. [9]
Las figuras están pintadas sentadas muy juntas para crear un ambiente íntimo, pero esto también proporciona una perspectiva personal para el espectador. [8] Los detalles de cada figura se pueden ver más claramente, suciedad debajo de sus uñas y sus rostros sonrojados y rojos. [8]
Los manuscritos muestran que los niños practican madrigales celebrando el amor, y los ojos del laudista, la figura principal, están húmedos de lágrimas; las canciones presumiblemente describen el dolor del amor más que sus placeres. [4] El violín en primer plano sugiere un quinto participante, incluyendo implícitamente al espectador en el cuadro. [4]
Caravaggio parece haber compuesto el cuadro a partir de estudios de dos figuras. [10] La figura central con el laúd ha sido identificada como el compañero de Caravaggio, Mario Minniti , y el individuo junto a él y de cara al espectador es posiblemente un autorretrato del artista. [4] El Cupido guarda parecido con el niño de Niño pelando fruta , realizada unos años antes, y también con el ángel de San Francisco de Asís en Éxtasis . [10]
Las personas que modelaron para Caravaggio fueron esenciales para su obra de arte. [10] Las representaciones que creó a partir de modelos vivos mantuvieron las características únicas de cada individuo incluso cuando retrataban personajes de historias bíblicas o mitológicas. [11] Caravaggio creía en el concepto de "ritrarre dal naturale", o pintura de la vida, en lugar de utilizar el intelecto o la idea como inspiración. Caravaggio a menudo pintaba figuras de aspecto natural de la vida cotidiana en lugar de figuras idealizadas de la imaginación. [11] El estilo de Caravaggio no siempre fue aceptado por las élites , los compradores y los compañeros artistas debido a esto. [11]
Era conocido por pintar a sus sujetos y modelos directamente en sus lienzos sin realizar bocetos primero. [1] Esto se consideró poco convencional para su época, pero rompería los límites de la pintura tradicional del Renacimiento al crear obras de arte que representaban a las personas de una manera natural y reflejaban a la gente común. [1]
Caravaggio aplicó un enfoque preciso al pintar los modelos de sus piezas, incluidos temas no humanos como la naturaleza muerta. [11] Estos modelos compartían el mismo nivel de individualidad que los modelos humanos, pero estaban sujetos a revisión por parte del artista. [11] La selección de modelos humanos parecía basarse en sus rasgos faciales y las características asociadas con su apariencia. Caravaggio utilizó a sus modelos en roles repetitivos, asignándoles roles que contradecían su fisonomía . [11]
Las escenas que mostraban a músicos eran un tema popular en ese momento: la Iglesia apoyaba un resurgimiento de la música y se estaban probando nuevos estilos y formas, especialmente por parte de prelados educados y progresistas como Del Monte. [6] Esta escena, sin embargo, es claramente más secular que religiosa, y se remonta a la larga tradición de las imágenes de "concierto", un género originado en Venecia y ejemplificado en su forma anterior por Le concert champêtre de Tiziano . [6]
Esta pintura se encuadra en el periodo del arte barroco , que tuvo una rica relación con el teatro y la música. La música y los conciertos se convirtieron en entretenimiento para personas pertenecientes a clases altas, como la aristocracia o personas que ocupaban un alto cargo o rango. Ir a la ópera o poder ver un concierto en directo era muy popular durante el Período Barroco . [12]
La idea de que experimentar diversos estados de ánimo a través de la música puede promover la estabilidad emocional y el bienestar general estaba ampliamente extendida en esa época. [13] Esto es importante en la pintura; El estado de ánimo y las emociones transmitidas por el rostro de la figura centrada hablan en gran medida de la importancia de la música barroca . [13] La interpretación de los instrumentos en la pieza y las partituras mostradas son indicadores de la capacidad de Caravaggio para representar los importantes cambios que tienen lugar dentro de la música y el amor del Cardenal del Monte por la emoción en la música barroca . [13]
La importancia de la música fue vital y creó un camino para que Caravaggio navegara por la música barroca con la ayuda de Del Monte. [13] La música demostró ser importante tanto para el artista como para el mecenas cuando se trataba de representación artística debido a la capacidad del movimiento para mostrar la riqueza y los intereses del mecenas cuando recibía visitas en su casa. [13] Cuando los visitantes vieran esta pintura u otras, incluido El laudista , hablarían en gran medida del gusto, la riqueza y los intereses del cardenal. Esto también impulsó a Caravaggio en el género de la pintura musical y benefició su carrera. [13]
Un proyecto que tuvo lugar en 1997, de los artistas contemporáneos Kathleen Gilje y Joseph Grigely . [14] Su proyecto exploró la historia de esta pieza y reveló información a través de rayos X e investigación de otra historia de la pintura no conocida anteriormente. [14] Su trabajo revela que hubo más de una copia de esta pintura. También transmite la relación entre la primera y la segunda pintura. [14] Su investigación también exploró las radiografías tomadas de la versión de Del Monte, que revelaron que Caravaggio había pintado sobre una escena original que se describe como un incidente entre los músicos. [14] El proyecto también incluyó una instalación creada por los artistas que mostraban sus investigaciones y recursos como radiografías, monografías y registros relacionados con la restauración de la pintura. La instalación se colocó junto a la pintura para su exposición que se desarrolló del 9 de octubre al 28 de diciembre de 1997. [14] Este proyecto también estuvo acompañado de la publicación del libro Recuperando ficciones perdidas: los músicos de Caravaggio. El libro fue publicado por el MIT List Visual Arts Center en 1997 e incluye un ensayo de Joseph Grigely. [14]
Durante la pandemia de COVID-19 , el museo inició un proyecto de reemplazo de tragaluces que resultó en el cierre de galerías; en respuesta, el Met prestó obras importantes de la colección europea, incluida 'Los músicos', a Qagoma en una exposición titulada 'Obras maestras europeas'. [15] [16]
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