La música barroca ( Reino Unido : / b ə ˈ r ɒ k / o EE. UU. : / b ə ˈ r oʊ k / ) se refiere al período o estilo dominante de la música clásica occidental compuesta aproximadamente entre 1600 y 1750. [1] Le siguió el estilo barroco el Renacimiento , y fue seguido a su vez por el Clásico tras una breve transición (el estilo galante ). El período barroco se divide en tres grandes fases: temprana, media y tardía. Superpuestas en el tiempo, se fechan convencionalmente entre 1580 y 1650, entre 1630 y 1700 y entre 1680 y 1750. La música barroca forma una parte importante del canon de la " música clásica " y es ampliamente estudiada, interpretada y escuchada. El término " barroco " proviene de la palabra portuguesa barroco , que significa " perla deforme ". [2] Las obras de Antonio Vivaldi , George Frideric Handel y Johann Sebastian Bach se consideran el pináculo del período barroco. Otros compositores clave de la época barroca incluyen a Claudio Monteverdi , Domenico Scarlatti , Alessandro Scarlatti , Alessandro Stradella , Tomaso Albinoni , Johann Pachelbel , Henry Purcell , Georg Philipp Telemann , Jean-Baptiste Lully , Jean-Philippe Rameau , Marc-Antoine Charpentier , Arcangelo Corelli , François Couperin , Johann Hermann Schein , Heinrich Schütz , Samuel Scheidt , Dieterich Buxtehude , Gaspar Sanz , José de Nebra , Antonio Soler , Carlos Seixas y otros.
El Barroco vio la creación de la tonalidad de práctica común , un enfoque para escribir música en el que una canción o pieza se escribe en una tonalidad particular ; este tipo de armonía ha seguido utilizándose ampliamente en la música clásica y popular occidental . Durante la época barroca, se esperaba que los músicos profesionales fueran hábiles improvisadores tanto de líneas melódicas solistas como de partes de acompañamiento . Los conciertos barrocos solían estar acompañados por un grupo de bajo continuo (compuesto por instrumentistas que tocaban acordes, como clavecinistas y laudistas , que improvisaban acordes a partir de una parte de bajo figurada ), mientras que un grupo de instrumentos de bajo ( viola , violonchelo , contrabajo) tocaban la línea de bajo . Una forma barroca característica fue la suite de danza . Si bien las piezas de una suite de baile se inspiraron en la música de baile real, las suites de baile se diseñaron exclusivamente para escuchar, no para acompañar a los bailarines.
Durante el período, los compositores experimentaron para encontrar un sonido más completo para cada parte instrumental (creando así la orquesta), [2] hicieron cambios en la notación musical (el desarrollo del bajo figurado como una forma rápida de anotar la progresión de acordes de una canción o pieza). y desarrolló nuevas técnicas de interpretación instrumental. La música barroca amplió el tamaño, el alcance y la complejidad de la interpretación instrumental, y también estableció las formas mixtas vocales/instrumentales de ópera , cantata y oratorio y las formas instrumentales del concierto solista y la sonata como géneros musicales. La música polifónica densa y compleja , en la que se interpretaban simultáneamente múltiples líneas melódicas independientes (un ejemplo popular de esto es la fuga ), fue una parte importante de muchas obras corales e instrumentales del Barroco. En general, la música barroca fue una herramienta de expresión y comunicación. [1]
La etimología de barroco probablemente proviene del barroco francés (que originalmente significaba perla de forma irregular) y del barroco portugués ("perla irregular"); también están relacionados el barrueco español y el barocco italiano . El término tiene un origen último incierto, pero posiblemente del latín verrūca ("verruga") o posiblemente de Baroco , un término técnico de la lógica escolástica. [3]
Los historiadores de la música suelen utilizar el término "barroco" para describir una amplia gama de estilos de una amplia región geográfica, principalmente en Europa, compuestos durante un período de aproximadamente 150 años. [1] Aunque durante mucho tiempo se pensó que la palabra como término crítico se aplicó por primera vez a la arquitectura, de hecho aparece antes en referencia a la música, en una reseña anónima y satírica del estreno en octubre de 1733 de Hippolyte et Aricie de Rameau, impresa en el Mercure de France en mayo de 1734. El crítico dio a entender que la novedad en esta ópera era "du barrocque", quejándose de que la música carecía de una melodía coherente, estaba llena de incesantes disonancias, cambiaba constantemente de tono y compás y repasaba rápidamente todas las composiciones. dispositivo. [4]
Jean-Jacques Rousseau , que fue músico y compositor además de filósofo, escribió en 1768 en la Encyclopédie : "La música barroca es aquella en la que la armonía está confusa y cargada de modulaciones y disonancias. El canto es áspero y antinatural, el la entonación difícil y el movimiento limitado. Parece que el término proviene de la palabra 'baroco' utilizada por los lógicos." [5] Rousseau se refería al término filosófico baroco , en uso desde el siglo XIII para describir un tipo de argumento académico elaborado y, para algunos, innecesariamente complicado. [6] [7]
La aplicación sistemática por parte de los historiadores del término "barroco" a la música de este período es un desarrollo relativamente reciente. En 1919, Curt Sachs se convirtió en el primero en aplicar sistemáticamente a la música las cinco características de la teoría del Barroco de Heinrich Wölfflin . [8] Sin embargo, los críticos se apresuraron a cuestionar el intento de transponer las categorías de Wölfflin a la música, y en el segundo cuarto del siglo XX, Manfred Bukofzer (en Alemania y, después de su inmigración, en América) y Suzanne Clercx-Lejeune (en Bélgica) a utilizar análisis técnicos autónomos en lugar de abstracciones comparadas, para evitar la adaptación de teorías basadas en las artes plásticas y la literatura a la música. Todos estos esfuerzos dieron como resultado un desacuerdo apreciable sobre los límites temporales del período, especialmente en cuanto a cuándo comenzó. En inglés, el término adquirió vigencia recién en la década de 1940, en los escritos de Bukofzer y Paul Henry Lang . [1]
Todavía en 1960, todavía había una considerable disputa en los círculos académicos, particularmente en Francia y Gran Bretaña, sobre si tenía sentido agrupar música tan diversa como la de Jacopo Peri , Domenico Scarlatti y Johann Sebastian Bach bajo una sola rúbrica. Sin embargo, el término se ha vuelto ampliamente utilizado y aceptado para esta amplia gama de música. [1] Puede resultar útil distinguir el Barroco de los períodos anterior ( Renacimiento ) y posterior ( Clásico ) de la historia musical.
A lo largo de la era barroca, los nuevos desarrollos en la música se originaron en Italia, después de lo cual pasaron hasta 20 años antes de que fueran adoptados ampliamente en el resto de la práctica de la música clásica occidental . Por ejemplo, los compositores italianos cambiaron al estilo galante alrededor de 1730, mientras que los compositores alemanes como Johann Sebastian Bach continuaron escribiendo en gran medida en el estilo barroco hasta 1750. [9] [10]
La Camerata florentina fue un grupo de humanistas, músicos, poetas e intelectuales de la Florencia del Renacimiento tardío que se reunieron bajo el patrocinio del Conde Giovanni de' Bardi para discutir y orientar las tendencias en las artes, especialmente la música y el teatro . En referencia a la música, basaron sus ideales en una percepción del drama musical clásico (especialmente el griego antiguo ) que valoraba el discurso y la oración. [11] En consecuencia, rechazaron el uso de la polifonía (múltiples líneas melódicas independientes) y la música instrumental por parte de sus contemporáneos, y discutieron dispositivos musicales griegos antiguos como la monodia , que consistía en un canto solista acompañado de una kithara (un antiguo instrumento de cuerda rasgueado). ). [12] Las primeras realizaciones de estas ideas, incluidas Dafne y L'Euridice de Jacopo Peri , marcaron el comienzo de la ópera, [13] que fue un catalizador de la música barroca. [14]
En cuanto a la teoría musical, el uso más extendido del bajo figurado (también conocido como bajo completo ) representa la creciente importancia de la armonía como fundamento lineal de la polifonía. [15] La armonía es el resultado final del contrapunto , y el bajo figurado es una representación visual de las armonías comúnmente empleadas en la interpretación musical. En el bajo figurado, se colocaban números, alteraciones o símbolos encima de la línea de bajo que leían los intérpretes de instrumentos de teclado , como los clavecinistas o los organistas de tubos (o laudistas ). Los números, alteraciones o símbolos indicaban al teclista qué intervalos debían tocarse encima de cada nota de bajo. El teclista improvisaba una voz de acorde para cada nota de bajo. [16] Los compositores comenzaron a preocuparse por las progresiones armónicas , [17] y también emplearon el tritono , percibido como un intervalo inestable, [18] para crear disonancia (se usó en el acorde de séptima dominante y en el acorde disminuido ). También había existido interés por la armonía entre ciertos compositores del Renacimiento, en particular Carlo Gesualdo ; [19] Sin embargo, el uso de la armonía dirigida hacia la tonalidad (un enfoque en una clave musical que se convierte en la "nota inicial" de una pieza), en lugar de la modalidad , marca el cambio del período del Renacimiento al Barroco. [20] Esto llevó a la idea de que ciertas secuencias de acordes, en lugar de solo notas, podían proporcionar una sensación de cierre al final de una pieza , una de las ideas fundamentales que se conoció como tonalidad . [ cita necesaria ]
Al incorporar estos nuevos aspectos de la composición, Claudio Monteverdi impulsó la transición del estilo musical renacentista al del período barroco. Desarrolló dos estilos individuales de composición: la herencia de la polifonía renacentista ( prima pratica ) y la nueva técnica de bajo continuo del Barroco ( segunda práctica ). En el bajo continuo, un pequeño grupo de músicos tocaba la línea de bajo y los acordes que formaban el acompañamiento de una melodía . El grupo de bajo continuo normalmente usaría uno o más teclistas y un laudista que tocaría la línea de bajo e improvisaría los acordes y varios instrumentos de bajo (p. ej., viola bajo, violonchelo , contrabajo ) que tocarían la línea de bajo. Con la escritura de las óperas L'Orfeo y L'incoronazione di Poppea , entre otras, Monteverdi atrajo considerable atención a este nuevo género. [21] Este estilo veneciano fue llevado cómodamente a Alemania por Heinrich Schütz , cuyo estilo diverso también evolucionó en el período posterior.
Las texturas instrumentales idiomáticas se volvieron cada vez más prominentes. En particular, el estilo luthé (la ruptura irregular e impredecible de progresiones de acordes, en contraste con el patrón regular de acordes rotos), denominado desde principios del siglo XX estilo brisé , fue establecido como una textura consistente en la música francesa por Robert Ballard. , [22] [23] en sus libros sobre laúd de 1611 y 1614, y por Ennemond Gaultier . [24] Esta figuración idiomática del laúd se transfirió más tarde al clavecín, por ejemplo en la música para teclados de Louis Couperin y Jean-Henri D'Anglebert , y continuó siendo una influencia importante en la música para teclados a lo largo del siglo XVIII y principios del XIX (en , por ejemplo, la música de Johann Sebastian Bach y Frédéric Chopin ). [23]
El ascenso de la corte centralizada es una de las características económicas y políticas de lo que a menudo se denomina la Era del Absolutismo , personificada por Luis XIV de Francia. El estilo del palacio y el sistema cortesano de costumbres y artes que fomentó se convirtieron en el modelo para el resto de Europa. Las realidades del creciente patrocinio de la iglesia y el estado crearon la demanda de música pública organizada, a medida que la creciente disponibilidad de instrumentos creó la demanda de música de cámara , que es música para un pequeño conjunto de instrumentistas. [25]
Un ejemplo destacado de compositor de estilo cortesano es Jean-Baptiste Lully . Compró patentes de la monarquía para ser el único compositor de óperas para el rey francés y para evitar que otros hicieran representar óperas. Completó 15 tragedias líricas y dejó inacabado Achille et Polyxène . [26] Lully fue uno de los primeros ejemplos de director de orquesta ; marcaría el ritmo con un gran personal para mantener unidos sus conjuntos.
Musicalmente, no estableció la norma dominada por las cuerdas para las orquestas, que fue heredada de la ópera italiana, y la disposición característicamente francesa de cinco voces (violines, violas -en tamaños de alto contra, tailles y quintes- y violines bajos ) había Se ha utilizado en el ballet desde la época de Luis XIII. Sin embargo, introdujo este conjunto en el teatro lírico, con las partes superiores a menudo dobladas por flautas dulces, flautas y oboes, y el bajo por fagotes. Con frecuencia se añadían trompetas y timbales en las escenas heroicas. [26]
El período barroco medio en Italia se define por el surgimiento de los estilos vocales de cantata , oratorio y ópera durante la década de 1630, y un nuevo concepto de melodía y armonía que elevó el estatus de la música a uno de igualdad con las palabras, que anteriormente se había considerado preeminente. La monodia florida y coloratura del Barroco temprano dio paso a un estilo melódico más simple y pulido. Estas melodías se construyeron a partir de ideas breves, cadencialmente delimitadas, a menudo basadas en patrones de danza estilizados extraídos de la sarabanda o la courante . Las armonías también podrían ser más simples que en la monodia del Barroco temprano, para mostrar una expresión más ligera en las cuerdas y crescendos y diminuendos en las notas más largas. Las líneas de bajo que las acompañaban estaban más integradas con la melodía, produciendo una equivalencia contrapuntística de las partes que luego condujo al dispositivo de una anticipación inicial del bajo de la melodía del aria. Esta simplificación armónica también condujo a un nuevo dispositivo formal de diferenciación de recitativo (una parte más hablada de la ópera) y aria (una parte de la ópera que utilizaba melodías cantadas). Los innovadores más importantes de este estilo fueron los romanos Luigi Rossi y Giacomo Carissimi , principalmente compositores de cantatas y oratorios, respectivamente, y el veneciano Francesco Cavalli , que fue principalmente compositor de ópera. Entre los practicantes importantes posteriores de este estilo se encuentran Antonio Cesti , Giovanni Legrenzi y Alessandro Stradella , quienes además originaron el estilo concerto grosso en su Sonate di viole. [27]
Arcangelo Corelli es recordado como influyente por sus logros en el otro lado de la técnica musical (como violinista que organizó la técnica y la pedagogía del violín) y en la música puramente instrumental, particularmente su defensa y desarrollo del concerto grosso . [28] Mientras que Lully estaba instalado en la corte, Corelli fue uno de los primeros compositores en publicar ampliamente y hacer interpretar su música en toda Europa. Al igual que con la estilización y organización de la ópera por parte de Lully, el concerto grosso se basa en fuertes contrastes: las secciones se alternan entre las interpretadas por la orquesta completa y las interpretadas por un grupo más pequeño. Se yuxtaponen secciones rápidas y secciones lentas. Entre sus alumnos se encuentra Antonio Vivaldi , quien más tarde compuso cientos de obras basadas en los principios de las sonatas en trío y los conciertos de Corelli. [28]
A diferencia de estos compositores, Dieterich Buxtehude no era una criatura de la corte, sino que era un músico de iglesia y ocupaba los puestos de organista y Werkmeister en la Marienkirche de Lübeck. Sus deberes como Werkmeister implicaban actuar como secretario, tesorero y director comercial de la iglesia, mientras que su puesto como organista incluía tocar en todos los servicios principales, a veces en colaboración con otros instrumentistas o vocalistas, que también eran pagados por la iglesia. Totalmente fuera de sus deberes oficiales en la iglesia, organizó y dirigió una serie de conciertos conocidos como Abendmusiken , que incluía representaciones de obras dramáticas sagradas consideradas por sus contemporáneos como el equivalente de las óperas. [29]
Francia:
El trabajo de George Frideric Handel, Johann Sebastian Bach y sus contemporáneos, incluidos Domenico Scarlatti, Antonio Vivaldi , Tomaso Albinoni , Jean-Philippe Rameau, Georg Philipp Telemann y otros, llevaron la era del Barroco a su clímax, [34] el Alto Barroco.
Italia:
Francia:
Italia:
Proliferación:
Francia:
Hijos mayores y alumnos de Bach :
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Una característica de la forma barroca fue la suite de danza . Algunas suites de danza de Bach reciben el nombre de partitas , aunque este término también se utiliza para otras colecciones de piezas. Si bien las piezas de una suite de baile se inspiraron en la música de baile real, las suites de baile estaban destinadas a escuchar, no a acompañar a los bailarines. Los compositores utilizaron una variedad de movimientos diferentes en sus suites de danza. Una suite de baile suele tener estos movimientos :
Los cuatro tipos de danza (alemande, courante, sarabande y gigue) constituyen la mayoría de las suites del siglo XVII. Las suites posteriores interpolan uno o más bailes adicionales entre la zarabanda y la giga:
Hay muchas otras formas de danza así como otras piezas que podrían incluirse en una suite, como polonesa , Loure , Scherzo , Air , etc.
