La ópera es una forma de teatro en el que la música es un componente fundamental y los papeles dramáticos son asumidos por los cantantes . Tal "obra" (la traducción literal de la palabra italiana "ópera") es típicamente una colaboración entre un compositor y un libretista [1] e incorpora varias artes escénicas , como la actuación , la escenografía , el vestuario y, a veces, la danza. o ballet . La representación suele realizarse en un teatro de ópera , acompañada por una orquesta o un conjunto musical más pequeño , que desde principios del siglo XIX ha sido dirigido por un director . Aunque el teatro musical está estrechamente relacionado con la ópera, se considera que ambos son distintos entre sí. [2]
La ópera es una parte clave de la tradición de la música clásica occidental . [3] Originalmente entendida como una pieza enteramente cantada, en contraste con una obra de teatro con canciones, la ópera ha llegado a incluir numerosos géneros , incluidos algunos que incluyen diálogos hablados como el Singspiel y la Opéra comique . En la ópera numérica tradicional , los cantantes emplean dos estilos de canto: recitativo , un estilo con inflexión del habla, [4] y arias autónomas . El siglo XIX vio el surgimiento del drama musical continuo .
La ópera se originó en Italia a finales del siglo XVI (con Dafne , casi perdida, de Jacopo Peri , producida en Florencia en 1598), especialmente a partir de obras de Claudio Monteverdi , en particular L'Orfeo , y pronto se extendió por el resto de Europa: Heinrich Schütz en Alemania, Jean-Baptiste Lully en Francia y Henry Purcell en Inglaterra ayudaron a establecer sus tradiciones nacionales en el siglo XVII. En el siglo XVIII, la ópera italiana siguió dominando la mayor parte de Europa (excepto Francia), atrayendo a compositores extranjeros como George Frideric Handel . La ópera seria era la forma más prestigiosa de ópera italiana, hasta que Christoph Willibald Gluck reaccionó contra su artificialidad con sus óperas "reformistas" en la década de 1760. La figura más reconocida de la ópera de finales del siglo XVIII es Wolfgang Amadeus Mozart , quien comenzó con la ópera seria pero es más famoso por sus óperas cómicas italianas , especialmente Las bodas de Fígaro ( Le nozze di Figaro ), Don Giovanni y Così fan tutte . así como Die Entführung aus dem Serail ( El rapto del serrallo ) y La flauta mágica ( Die Zauberflöte ), hitos de la tradición alemana.
El primer tercio del siglo XIX vio el punto culminante del estilo bel canto , con Gioachino Rossini , Gaetano Donizetti y Vincenzo Bellini creando obras emblemáticas de ese estilo. También vio el advenimiento de la gran ópera representada por las obras de Daniel Auber y Giacomo Meyerbeer , así como la introducción de Carl Maria von Weber de la German Romantische Oper (Ópera romántica alemana). La mitad y finales del siglo XIX fue una época dorada de la ópera, dirigida y dominada por Giuseppe Verdi en Italia y Richard Wagner en Alemania. La popularidad de la ópera continuó durante la era del verismo en Italia y la ópera francesa contemporánea hasta Giacomo Puccini y Richard Strauss a principios del siglo XX. Durante el siglo XIX, surgieron tradiciones operísticas paralelas en Europa central y oriental, particularmente en Rusia y Bohemia . El siglo XX vio muchos experimentos con estilos modernos, como la atonalidad y el serialismo ( Arnold Schoenberg y Alban Berg ), el neoclasicismo ( Igor Stravinsky ) y el minimalismo ( Philip Glass y John Adams ). Con el auge de la tecnología de grabación , cantantes como Enrico Caruso y Maria Callas se hicieron conocidos por un público mucho más amplio que iba más allá del círculo de aficionados a la ópera. Desde la invención de la radio y la televisión, también se representaron óperas en estos medios (y se escribieron para ellos). A partir de 2006, varios teatros de ópera importantes comenzaron a presentar transmisiones de vídeo en directo de alta definición de sus actuaciones en cines de todo el mundo. Desde 2009, las actuaciones completas se pueden descargar y transmitir en directo .
.jpg/1280px-Bouffes_parisiens_(cropped).jpg)
Las palabras de una ópera se conocen como libreto (que significa "libro pequeño"). Algunos compositores, en particular Wagner, han escrito sus propios libretos; otros han trabajado en estrecha colaboración con sus libretistas, por ejemplo Mozart con Lorenzo Da Ponte . La ópera tradicional, a menudo denominada " ópera numérica ", consta de dos modos de canto: recitativo , los pasajes que impulsan la trama cantados en un estilo diseñado para imitar y enfatizar las inflexiones del habla, [4] y aria (un "aire" o canción formal) en la que los personajes expresan sus emociones en un estilo melódico más estructurado. A menudo se producen dúos vocales, tríos y otros conjuntos, y se utilizan coros para comentar la acción. En algunas formas de ópera, como el singspiel , la opéra comique , la opereta y la semiópera , el recitativo se reemplaza principalmente por el diálogo hablado. Los pasajes melódicos o semimelódicos que ocurren en medio o en lugar del recitativo también se denominan arioso . La terminología de los distintos tipos de voces operísticas se describe en detalle a continuación. [5]
Tanto durante el Barroco como en el Clásico , el recitativo podía aparecer en dos formas básicas, cada una de las cuales iba acompañada de un conjunto instrumental diferente: recitativo secco (seco), cantado con un ritmo libre dictado por el acento de las palabras, acompañado únicamente de bajo . continuo , que solía ser un clavicémbalo y un violonchelo; o accompagnato (también conocido como strumentato ) en el que la orquesta brindaba acompañamiento. A lo largo del siglo XVIII, las arias fueron cada vez más acompañadas por la orquesta. En el siglo XIX, el acompañamiento había ganado ventaja, la orquesta jugó un papel mucho más importante y Wagner revolucionó la ópera al abolir casi toda distinción entre aria y recitativo en su búsqueda de lo que Wagner denominó "melodía sin fin". Los compositores posteriores han tendido a seguir el ejemplo de Wagner , aunque algunos, como Stravinsky en su El progreso del libertino, se han opuesto a la tendencia. El papel cambiante de la orquesta en la ópera se describe con más detalle a continuación.
La palabra italiana ópera significa "trabajo", tanto en el sentido del trabajo realizado como del resultado producido. La palabra italiana deriva del vocablo latino opera , sustantivo singular que significa "trabajo" y también plural del sustantivo opus . Según el Oxford English Dictionary , la palabra italiana se utilizó por primera vez en el sentido de "composición en la que se combinan poesía, danza y música" en 1639; el primer uso registrado en inglés en este sentido data de 1648. [6]
Dafne de Jacopo Peri fue la primera composición considerada ópera, tal como se entiende hoy. Fue escrito alrededor de 1597, en gran parte bajo la inspiración de un círculo de élite de humanistas florentinos alfabetizados que se reunieron como la " Camerata de' Bardi ". Significativamente, Dafne fue un intento de revivir el drama griego clásico , parte del resurgimiento más amplio de la antigüedad característico del Renacimiento . Los miembros de la Camerata consideraron que originalmente se cantaban las partes "coro" de los dramas griegos, y posiblemente incluso el texto completo de todos los papeles; La ópera fue así concebida como una forma de "restaurar" esta situación. Dafne , sin embargo, está perdida. Una obra posterior de Peri, Euridice , que data de 1600, es la primera partitura de ópera que ha sobrevivido hasta nuestros días. Sin embargo, el honor de ser la primera ópera que todavía se representa regularmente corresponde a L'Orfeo de Claudio Monteverdi , compuesta para la corte de Mantua en 1607. [7] La corte mantuana de los Gonzaga , empleadores de Monteverdi, desempeñó un importante papel papel en el origen de la ópera empleando no sólo cantantes de la corte del concerto delle donne (hasta 1598), sino también una de las primeras "cantantes de ópera", Madama Europa . [8]
La ópera no permaneció mucho tiempo confinada al público de la corte. En 1637, surgió en Venecia la idea de una "temporada" (a menudo durante el carnaval ) de óperas con asistencia pública y financiadas con la venta de entradas . Monteverdi se había trasladado a la ciudad desde Mantua y compuso sus últimas óperas, Il ritorno d'Ulisse in patria y L'incoronazione di Poppea , para el teatro veneciano en la década de 1640. Su seguidor más importante, Francesco Cavalli , ayudó a difundir la ópera por toda Italia. En estas primeras óperas del Barroco, la comedia amplia se mezclaba con elementos trágicos en una mezcla que sacudió algunas sensibilidades educadas, lo que provocó el primero de los muchos movimientos reformistas de la ópera, patrocinado por la Academia Arcadia , que llegó a asociarse con el poeta Metastasio , cuyos libretos ayudaron cristalizó el género de la ópera seria , que se convirtió en la forma principal de la ópera italiana hasta finales del siglo XVIII. Una vez que el ideal metastasiano estuvo firmemente establecido, la comedia en la ópera de la época barroca quedó reservada para lo que llegó a llamarse ópera buffa . Antes de que tales elementos fueran expulsados de la ópera seria, muchos libretos presentaban una trama cómica que se desarrollaba por separado como una especie de "ópera dentro de otra ópera". Una de las razones de esto fue un intento de atraer a los teatros de ópera públicos a miembros de la creciente clase mercantil, recientemente ricos, pero aún no tan cultos como la nobleza . Estas tramas separadas resucitaron casi de inmediato en una tradición que se desarrolló por separado y que en parte derivó de la commedia dell'arte , una tradición escénica de improvisación de larga data en Italia. Así como alguna vez se representaron intermedi entre actos de obras de teatro, las óperas del nuevo género cómico de intermezzi , que se desarrolló principalmente en Nápoles en las décadas de 1710 y 1720, se representaron inicialmente durante los intermedios de la ópera seria. Sin embargo, se hicieron tan populares que pronto se ofrecieron como producciones independientes.
La ópera seria tenía un tono elevado y una forma muy estilizada, y generalmente consistía en recitativo secco intercalado con largas arias da capo . Estos ofrecían grandes oportunidades para el canto virtuoso y durante la época dorada de la ópera seria el cantante se convertía realmente en la estrella. El papel del héroe generalmente se escribía para la voz aguda del castrato masculino , que se producía por la castración del cantante antes de la pubertad , lo que impedía que la laringe del niño se transformara en la pubertad. Castrati como Farinelli y Senesino , así como sopranos como Faustina Bordoni , tuvieron una gran demanda en toda Europa a medida que la ópera seria dominaba los escenarios en todos los países excepto Francia. Farinelli fue uno de los cantantes más famosos del siglo XVIII. La ópera italiana marcó el estándar del Barroco. Los libretos italianos eran la norma, incluso cuando un compositor alemán como Handel se encontraba componiendo a artistas como Rinaldo y Giulio Cesare para el público de Londres. Los libretos italianos siguieron siendo dominantes también en el período clásico , por ejemplo en las óperas de Mozart , que escribió en Viena hacia finales de siglo. Los principales compositores de ópera seria nacidos en Italia incluyen a Alessandro Scarlatti , Antonio Vivaldi y Nicola Porpora . [9]
.jpg/1280px-Gluck's_Orph%C3%A9e_-_title_page_illustration_(lightened_and_cropped).jpg)
La ópera seria tuvo sus debilidades y críticas. El gusto por el adorno por parte de cantantes magníficamente formados y el uso del espectáculo como sustituto de la pureza y la unidad dramáticas provocaron ataques. El Ensayo sobre la ópera (1755) de Francesco Algarotti resultó ser una inspiración para las reformas de Christoph Willibald Gluck . Abogó por que la ópera seria tenía que volver a lo básico y que todos los diversos elementos (música (tanto instrumental como vocal), ballet y puesta en escena) debían estar subordinados al drama predominante. En 1765 Melchior Grimm publicó " Poème lyrique ", un influyente artículo para la Encyclopédie sobre libretos líricos y de ópera . [10] [11] [12] [13] [14] Varios compositores de la época, incluidos Niccolò Jommelli y Tommaso Traetta , intentaron poner estos ideales en práctica. Sin embargo, el primero en lograrlo fue Gluck. Gluck se esforzó por lograr una "hermosa simplicidad". Esto es evidente en su primera ópera reformada, Orfeo ed Euridice , donde sus melodías vocales no virtuosas están respaldadas por armonías simples y una presencia orquestal más rica en todo momento.
Las reformas de Gluck han tenido resonancia a lo largo de la historia de la ópera. Weber, Mozart y Wagner, en particular, fueron influenciados por sus ideales. Mozart, en muchos sentidos sucesor de Gluck, combinó un soberbio sentido del drama, la armonía, la melodía y el contrapunto para escribir una serie de óperas cómicas con libretos de Lorenzo Da Ponte , en particular Le nozze di Figaro , Don Giovanni y Così fan tutte , que siguen estando entre las óperas más queridas, populares y conocidas. Pero la contribución de Mozart a la ópera seria fue más variada; en su época estaba desapareciendo y, a pesar de obras tan hermosas como Idomeneo y La clemenza di Tito , no logró devolverle la vida a esta forma de arte. [15]
El movimiento de ópera bel canto floreció a principios del siglo XIX y está ejemplificado por las óperas de Rossini , Bellini , Donizetti , Pacini , Mercadante y muchas otras. Literalmente "canto hermoso", la ópera bel canto deriva de la escuela de canto estilística italiana del mismo nombre. Las líneas del bel canto son típicamente floridas e intrincadas, y requieren una agilidad y un control del tono supremos. Ejemplos de óperas famosas en el estilo bel canto incluyen Il barbiere di Siviglia y La Cenerentola de Rossini, así como Norma , La sonnambula y I puritani de Bellini y Lucia di Lammermoor , L'elisir d'amore y Don Pasquale de Donizetti .
Después de la era del bel canto, Giuseppe Verdi popularizó rápidamente un estilo más directo y contundente , comenzando con su ópera bíblica Nabucco . Esta ópera, y las que seguirían en la carrera de Verdi, revolucionaron la ópera italiana, transformándola de un simple espectáculo de fuegos artificiales vocales, con obras de Rossini y Donizetti, a una narración dramática. Las óperas de Verdi resonaron con el creciente espíritu del nacionalismo italiano en la era posnapoleónica , y rápidamente se convirtió en un ícono del movimiento patriótico por una Italia unificada. A principios de la década de 1850, Verdi produjo sus tres óperas más populares: Rigoletto , Il trovatore y La traviata . El primero de ellos, Rigoletto , resultó el más atrevido y revolucionario. En él, Verdi desdibuja la distinción entre aria y recitativo como nunca antes, lo que lleva a la ópera a ser "una serie interminable de duetos". La traviata también fue novedosa. Cuenta la historia de una cortesana e incluye elementos de verismo u ópera "realista", [16] porque en lugar de presentar grandes reyes y figuras de la literatura, se centra en las tragedias de la vida y la sociedad ordinarias. Después de esto, continuó desarrollando su estilo, componiendo quizás la mayor gran ópera francesa , Don Carlos , y finalizando su carrera con dos obras inspiradas en Shakespeare , Otello y Falstaff , que revelan hasta qué punto había crecido la sofisticación de la ópera italiana desde principios del siglo XIX. siglo. Estas dos últimas obras mostraron a Verdi en su forma más magistralmente orquestada y son increíblemente influyentes y modernas. En Falstaff , Verdi establece el estándar preeminente para la forma y el estilo que dominarían la ópera a lo largo del siglo XX. En lugar de melodías largas y suspendidas, Falstaff contiene muchos pequeños motivos y lemas que, en lugar de ampliarse, se introducen y posteriormente se eliminan, para volver a aparecer más tarde. Estos motivos nunca se amplían, y justo cuando el público espera que un personaje se lance a entonar una larga melodía, un nuevo personaje habla, introduciendo una nueva frase. Esta forma de ópera dirigió la ópera desde Verdi en adelante, ejerciendo una tremenda influencia en sus sucesores Giacomo Puccini , Richard Strauss y Benjamin Britten . [17]
Después de Verdi, apareció en Italia el melodrama sentimental "realista" del verismo . Este fue un estilo introducido por Cavalleria rusticana de Pietro Mascagni y Pagliacci de Ruggero Leoncavallo que llegó a dominar los escenarios de ópera del mundo con obras tan populares como La bohème , Tosca y Madama Butterfly de Giacomo Puccini . Compositores italianos posteriores, como Berio y Nono , experimentaron con el modernismo . [18]
La primera ópera alemana fue Dafne , compuesta por Heinrich Schütz en 1627, pero la partitura no se ha conservado. La ópera italiana ejerció una gran influencia en los países de habla alemana hasta finales del siglo XVIII. Sin embargo, las formas nativas se desarrollarían a pesar de esta influencia. En 1644, Sigmund Staden produjo el primer Singspiel , Seelewig , una forma popular de ópera en lengua alemana en la que el canto se alterna con el diálogo hablado. A finales del siglo XVII y principios del XVIII, el Theatre am Gänsemarkt de Hamburgo presentó óperas alemanas de Keizer , Telemann y Handel . Sin embargo, la mayoría de los principales compositores alemanes de la época, incluido el propio Handel, así como Graun , Hasse y más tarde Gluck , optaron por escribir la mayoría de sus óperas en lenguas extranjeras, especialmente en italiano. A diferencia de la ópera italiana, que generalmente se componía para la clase aristocrática, la ópera alemana se componía generalmente para las masas y tendía a presentar melodías simples de tipo folk, y no fue hasta la llegada de Mozart que la ópera alemana pudo igualar su Homólogo italiano en sofisticación musical. [19] La compañía de teatro de Abel Seyler fue pionera en la ópera seria en lengua alemana en la década de 1770, marcando una ruptura con el entretenimiento musical anterior, más simple. [20] [21]
Los Singspiele , Die Entführung aus dem Serail (1782) y Die Zauberflöte (1791) de Mozart supusieron un avance importante para lograr el reconocimiento internacional de la ópera alemana. La tradición fue desarrollada en el siglo XIX por Beethoven con su Fidelio (1805), inspirado en el clima de la Revolución Francesa . Carl Maria von Weber estableció la ópera romántica alemana en oposición al predominio del bel canto italiano . Su Der Freischütz (1821) muestra su genio para crear una atmósfera sobrenatural. Otros compositores de ópera de la época incluyen a Marschner , Schubert y Lortzing , pero la figura más significativa fue sin duda Wagner .
Wagner fue uno de los compositores más revolucionarios y controvertidos de la historia de la música. Comenzando bajo la influencia de Weber y Meyerbeer , desarrolló gradualmente un nuevo concepto de ópera como Gesamtkunstwerk (una "obra de arte completa"), una fusión de música, poesía y pintura. Aumentó enormemente el papel y el poder de la orquesta, creando partituras con una compleja red de leitmotivs , temas recurrentes a menudo asociados con los personajes y conceptos del drama, de los cuales se pueden escuchar prototipos en sus óperas anteriores como Der fliegende Holländer , Tannhäuser . y Lohengrin ; y estaba dispuesto a violar las convenciones musicales aceptadas, como la tonalidad , en su búsqueda de una mayor expresividad. En sus dramas musicales de madurez, Tristan und Isolde , Die Meistersinger von Nürnberg , Der Ring des Nibelungen y Parsifal , abolió la distinción entre aria y recitativo en favor de un flujo continuo de "melodía sin fin". Wagner también aportó una nueva dimensión filosófica a la ópera en sus obras, que generalmente se basaban en historias de leyendas germánicas o artúricas . Finalmente, Wagner construyó su propio teatro de ópera en Bayreuth con parte del mecenazgo de Luis II de Baviera , dedicándose exclusivamente a interpretar sus propias obras en el estilo que deseaba.
La ópera nunca volvió a ser la misma después de Wagner y para muchos compositores su legado resultó una pesada carga. Por otro lado, Richard Strauss aceptó las ideas wagnerianas pero las llevó en direcciones completamente nuevas, además de incorporar la nueva forma introducida por Verdi. Primero saltó a la fama con la escandalosa Salomé y la oscura tragedia Elektra , en la que la tonalidad se llevaba al límite. Luego Strauss cambió de rumbo en su mayor éxito, Der Rosenkavalier , donde Mozart y los valses vieneses se convirtieron en una influencia tan importante como Wagner. Strauss continuó produciendo un conjunto muy variado de obras operísticas, a menudo con libretos del poeta Hugo von Hofmannsthal . Otros compositores que hicieron contribuciones individuales a la ópera alemana a principios del siglo XX incluyen a Alexander von Zemlinsky , Erich Korngold , Franz Schreker , Paul Hindemith , Kurt Weill y el italiano Ferruccio Busoni . Las innovaciones operísticas de Arnold Schoenberg y sus sucesores se analizan en la sección sobre modernismo. [22]
A finales del siglo XIX, el compositor austríaco Johann Strauss II , admirador de las operetas en francés compuestas por Jacques Offenbach , compuso varias operetas en alemán, la más famosa de las cuales fue Die Fledermaus . [23] Sin embargo, en lugar de copiar el estilo de Offenbach, las operetas de Strauss II tenían un claro sabor vienés .
En rivalidad con las producciones de ópera italianas importadas, el compositor francés de origen italiano Jean-Baptiste Lully fundó una tradición francesa separada en la corte del rey Luis XIV . A pesar de su lugar de nacimiento en el extranjero, Lully estableció una Academia de Música y monopolizó la ópera francesa a partir de 1672. Comenzando con Cadmus et Hermione , Lully y su libretista Quinault crearon la tragédie en musique , una forma en la que la música de baile y la escritura coral eran particularmente prominentes. Las óperas de Lully también muestran una preocupación por el recitativo expresivo que se adaptaba a los contornos de la lengua francesa. En el siglo XVIII, el sucesor más importante de Lully fue Jean-Philippe Rameau , quien compuso cinco tragedias en música así como numerosas obras de otros géneros como la ópera-ballet , todas notables por su rica orquestación y audacia armónica. A pesar de la popularidad de la ópera seria italiana en gran parte de Europa durante el período barroco, la ópera italiana nunca logró mucho afianzamiento en Francia, donde su propia tradición operística nacional era más popular. [24] Después de la muerte de Rameau, el alemán Gluck fue persuadido para producir seis óperas para los escenarios parisinos en la década de 1770. Muestran la influencia de Rameau, pero de forma simplificada y con mayor foco en el dramatismo. Al mismo tiempo, a mediados del siglo XVIII otro género iba ganando popularidad en Francia: la opéra comique . Este era el equivalente del singspiel alemán , donde las arias se alternaban con el diálogo hablado. Ejemplos notables de este estilo fueron producidos por Monsigny , Philidor y, sobre todo, Grétry . Durante el período revolucionario y napoleónico , compositores como Étienne Méhul , Luigi Cherubini y Gaspare Spontini , seguidores de Gluck, aportaron una nueva seriedad al género, que en cualquier caso nunca había sido enteramente "cómico". Otro fenómeno de este período fue la "ópera de propaganda" que celebraba los éxitos revolucionarios, por ejemplo, Le triomphe de la République (1793) de Gossec .
En la década de 1820, la influencia gluckiana en Francia había dado paso al gusto por el bel canto italiano , especialmente después de la llegada de Rossini a París . Guillaume Tell de Rossini ayudó a fundar el nuevo género de la gran ópera , una forma cuyo exponente más famoso fue otro extranjero, Giacomo Meyerbeer . Las obras de Meyerbeer, como Los hugonotes , enfatizaban el canto virtuoso y los extraordinarios efectos escénicos. La ópera cómica más ligera también disfrutó de un tremendo éxito en manos de Boïeldieu , Auber , Hérold y Adam . En este clima, las óperas del compositor francés Héctor Berlioz lucharon por ganar audiencia. La obra maestra épica de Berlioz, Les Troyens , la culminación de la tradición gluckiana, no se representó plenamente durante casi cien años.
En la segunda mitad del siglo XIX, Jacques Offenbach creó operetas con obras ingeniosas y cínicas como Orphée aux enfers , así como la ópera Les Contes d'Hoffmann ; Charles Gounod obtuvo un gran éxito con Fausto ; y Georges Bizet compuso Carmen , que, una vez que el público aprendió a aceptar su mezcla de romanticismo y realismo, se convirtió en la más popular de todas las óperas cómicas. Jules Massenet , Camille Saint-Saëns y Léo Delibes compusieron obras que todavía forman parte del repertorio estándar, como por ejemplo Manon de Massenet , Samson et Dalila de Saint-Saëns y Lakmé de Delibes . Sus óperas formaron otro género, la opéra lyrique , que combinaba la opéra comique y la gran ópera. Es menos grandiosa que la gran ópera, pero sin el diálogo hablado de la opèra comique . Al mismo tiempo, la influencia de Richard Wagner se sintió como un desafío a la tradición francesa. Muchos críticos franceses rechazaron airadamente los dramas musicales de Wagner, mientras que muchos compositores franceses los imitaron de cerca con éxito variable. Quizás la respuesta más interesante provino de Claude Debussy . Como en las obras de Wagner, la orquesta desempeña un papel principal en la singular ópera Pelléas et Mélisande (1902) de Debussy y no hay arias reales, sólo recitativas. Pero el drama es sobrio, enigmático y completamente antiwagneriano.
Otros nombres notables del siglo XX incluyen Ravel , Dukas , Roussel , Honegger y Milhaud . Francis Poulenc es uno de los pocos compositores de posguerra de cualquier nacionalidad cuyas óperas (entre las que se incluyen Dialogues des Carmélites ) se han afianzado en el repertorio internacional. El extenso drama sagrado de Olivier Messiaen Saint François d'Assise (1983) también ha atraído una amplia atención. [25]
En Inglaterra, el antecedente de la ópera fue la jig del siglo XVII . Esta fue una pieza posterior que llegó al final de una obra. Con frecuencia era difamatorio y escandaloso y consistía principalmente en diálogos con música arreglada a partir de melodías populares. En este sentido, los jigs anticipan las baladas-óperas del siglo XVIII. Al mismo tiempo, la máscara francesa estaba ganando terreno en la Corte Inglesa, con un esplendor aún mayor y un escenario altamente realista que el que se había visto antes. Iñigo Jones se convirtió en el diseñador por excelencia de estas producciones, y este estilo dominaría los escenarios ingleses durante tres siglos. Estos espectáculos contenían canciones y bailes. En Lovers Made Men (1617), de Ben Jonson , "toda la mascarada se cantó al estilo italiano, stilo recitativo". [26] El acercamiento de la Commonwealth inglesa cerró los teatros y detuvo cualquier desarrollo que pudiera haber llevado al establecimiento de la ópera inglesa. Sin embargo, en 1656, el dramaturgo Sir William Davenant produjo El asedio de Rodas . Dado que su teatro no tenía licencia para producir drama, pidió a varios de los principales compositores ( Lawes , Cooke , Locke , Coleman y Hudson ) que pusieran música a secciones del mismo. A este éxito le siguieron La crueldad de los españoles en el Perú (1658) y La historia de Sir Francis Drake (1659). Estas piezas fueron alentadas por Oliver Cromwell porque eran críticas con España. Con la Restauración inglesa , los músicos extranjeros (especialmente franceses) fueron acogidos de nuevo. En 1673, Psique de Thomas Shadwell , inspirada en la 'comédie-ballet' de 1671 del mismo nombre producida por Molière y Jean-Baptiste Lully . William Davenant produjo La tempestad ese mismo año, que fue la primera adaptación musical de una obra de Shakespeare (compuesta por Locke y Johnson). [26] Alrededor de 1683, John Blow compuso Venus y Adonis , a menudo considerada como la primera verdadera ópera en inglés.
El sucesor inmediato de Blow fue el más conocido Henry Purcell . A pesar del éxito de su obra maestra Dido y Eneas (1689), en la que la acción se potencia mediante el uso de recitativo al estilo italiano, gran parte de la mejor obra de Purcell no estuvo relacionada con la composición de ópera típica, sino que generalmente trabajó dentro de las limitaciones del formato de semiópera , donde escenas aisladas y máscaras están contenidas dentro de la estructura de una obra hablada, como Shakespeare en La reina de las hadas de Purcell (1692) y Beaumont y Fletcher en La profetisa (1690) y Bonduca (1696 ). ). Los personajes principales de la obra no suelen participar en las escenas musicales, lo que significa que Purcell rara vez pudo desarrollar sus personajes a través de la canción. A pesar de estos obstáculos, su objetivo (y el de su colaborador John Dryden ) era establecer la ópera seria en Inglaterra, pero estas esperanzas terminaron con la temprana muerte de Purcell a la edad de 36 años.
Después de Purcell, la popularidad de la ópera en Inglaterra disminuyó durante varias décadas. En la década de 1730 se produjo un renovado interés por la ópera que se atribuye en gran parte a Thomas Arne , tanto por sus propias composiciones como por alertar a Handel sobre las posibilidades comerciales de las obras de gran escala en inglés. Arne fue el primer compositor inglés que experimentó con la ópera cómica totalmente cantada al estilo italiano, siendo su mayor éxito Thomas y Sally en 1760. Su ópera Artajerjes (1762) fue el primer intento de establecer una ópera seria en toda regla en inglés y fue un gran éxito y se mantuvo en escena hasta la década de 1830. Aunque Arne imitó muchos elementos de la ópera italiana, fue quizás el único compositor inglés en ese momento que fue capaz de ir más allá de las influencias italianas y crear su propia voz, única y claramente inglesa. Su ópera balada modernizada, Love in a Village (1762), inició una moda de ópera pastiche que duró hasta bien entrado el siglo XIX. Charles Burney escribió que Arne introdujo "una melodía ligera, aireada, original y agradable, totalmente diferente de la de Purcell o Handel, a quienes todos los compositores ingleses habían saqueado o imitado".
Además de Arne, la otra fuerza dominante en la ópera inglesa de esa época fue George Frideric Handel , cuyas óperas serias llenaron los escenarios operísticos de Londres durante décadas e influyeron en la mayoría de los compositores locales, como John Frederick Lampe , que escribía utilizando modelos italianos. Esta situación continuó a lo largo de los siglos XVIII y XIX, incluso en la obra de Michael William Balfe , y las óperas de los grandes compositores italianos, así como las de Mozart, Beethoven y Meyerbeer, continuaron dominando el escenario musical en Inglaterra.
Las únicas excepciones fueron las baladas , como The Beggar's Opera (1728) de John Gay , los burlescos musicales, las operetas europeas y las óperas ligeras de finales de la época victoriana , en particular las óperas de Saboya de WS Gilbert y Arthur Sullivan , todas ellas tipos de óperas musicales. Los entretenimientos frecuentemente falsificaban las convenciones operísticas. Sullivan escribió sólo una gran ópera, Ivanhoe (tras los esfuerzos de varios jóvenes compositores ingleses a partir de 1876), [26] pero afirmó que incluso sus óperas ligeras constituían parte de una escuela de ópera "inglesa", destinada a suplantar a la Operetas francesas (normalmente interpretadas con malas traducciones) que habían dominado los escenarios de Londres desde mediados del siglo XIX hasta la década de 1870. El Daily Telegraph de Londres estuvo de acuerdo y describió a The Yeomen of the Guard como "una auténtica ópera inglesa, precursora de muchas otras, esperemos, y posiblemente un avance significativo hacia un escenario lírico nacional". [27] Sullivan produjo algunas óperas ligeras en la década de 1890 que eran de naturaleza más seria que las de la serie G&S, incluidas Haddon Hall y The Beauty Stone , pero Ivanhoe (que tuvo 155 representaciones consecutivas, utilizando elencos alternos, un récord hasta La bohème de Broadway ) sobrevive como su única gran ópera .
En el siglo XX, la ópera inglesa comenzó a afirmar más independencia, con obras de Ralph Vaughan Williams y en particular de Benjamin Britten , quien en una serie de obras que permanecen en el repertorio estándar hoy en día, reveló un excelente talento para el dramatismo y una soberbia musicalidad. Más recientemente, Sir Harrison Birtwistle se ha convertido en uno de los compositores contemporáneos más importantes de Gran Bretaña, desde su primera ópera Punch and Judy hasta su éxito crítico más reciente con The Minotaur . En la primera década del siglo XXI, el libretista de una de las primeras óperas de Birtwistle, Michael Nyman , se ha centrado en componer óperas, entre ellas Facing Goya , Man and Boy: Dada y Love Counts . Hoy en día, compositores como Thomas Adès siguen exportando ópera inglesa al extranjero. [28]
También en el siglo XX, compositores estadounidenses como George Gershwin ( Porgy and Bess ), Scott Joplin ( Treemonisha ), Leonard Bernstein ( Candide ), Gian Carlo Menotti , Douglas Moore y Carlisle Floyd comenzaron a contribuir con óperas en inglés con toques de Estilos musicales populares. Les siguieron compositores como Philip Glass ( Einstein en la playa ), Mark Adamo , John Corigliano ( Los fantasmas de Versalles ), Robert Moran , John Adams ( Nixon en China ), André Previn y Jake Heggie . Han surgido muchos compositores de ópera contemporáneos del siglo XXI, como Missy Mazzoli , Kevin Puts , Tom Cipullo , Huang Ruo , David T. Little , Terence Blanchard , Jennifer Higdon , Tobias Picker , Michael Ching , Anthony Davis y Ricky Ian Gordon .
La ópera fue llevada a Rusia en la década de 1730 por las compañías operísticas italianas y pronto se convirtió en una parte importante del entretenimiento de la corte imperial y la aristocracia rusa . Muchos compositores extranjeros como Baldassare Galuppi , Giovanni Paisiello , Giuseppe Sarti y Domenico Cimarosa (entre otros) fueron invitados a Rusia para componer nuevas óperas, principalmente en lengua italiana . Al mismo tiempo, algunos músicos nacionales como Maxim Berezovsky y Dmitry Bortniansky fueron enviados al extranjero para aprender a escribir óperas. La primera ópera escrita en ruso fue Tsefal i Prokris del compositor italiano Francesco Araja (1755). El desarrollo de la ópera en ruso fue apoyado por los compositores rusos Vasily Pashkevich , Yevstigney Fomin y Alexey Verstovsky .
Sin embargo, el verdadero nacimiento de la ópera rusa se produjo con Mikhail Glinka y sus dos grandes óperas Una vida para el zar (1836) y Ruslan y Lyudmila (1842). Después de él, durante el siglo XIX, en Rusia se escribieron obras maestras operísticas como Rusalka y El invitado de piedra de Alexander Dargomyzhsky , Boris Godunov y Khovanshchina de Modest Mussorgsky , El príncipe Igor de Alexander Borodin , Eugene Onegin y La dama de espadas de Pyotr Tchaikovsky. y La doncella de nieve y Sadko, de Nikolai Rimsky-Korsakov . Estos desarrollos reflejaron el crecimiento del nacionalismo ruso en todo el espectro artístico, como parte del movimiento eslavofilista más general .
En el siglo XX, las tradiciones de la ópera rusa fueron desarrolladas por muchos compositores, entre ellos Sergei Rachmaninoff en sus obras El caballero avaro y Francesca da Rimini , Igor Stravinsky en Le Rossignol , Mavra , Edipo Rey y El progreso del libertino , Sergei Prokofiev en El jugador , El amor por las tres naranjas , El ángel de fuego , Los esponsales en un monasterio y Guerra y paz ; así como Dmitri Shostakovich en La nariz y Lady Macbeth del distrito de Mtsensk , Edison Denisov en L'écume des jours , y Alfred Schnittke en La vida con un idiota e Historia von D. Johann Fausten . [29]
Los compositores checos también desarrollaron un próspero movimiento de ópera nacional propio en el siglo XIX, comenzando con Bedřich Smetana , quien escribió ocho óperas , incluida la internacionalmente popular La novia vendida . Las ocho óperas de Smetana crearon la base del repertorio de ópera checa, pero de ellas sólo La novia vendida se representa regularmente fuera de la tierra natal del compositor. Después de llegar a Viena en 1892 y a Londres en 1895, rápidamente pasó a formar parte del repertorio de todas las compañías de ópera más importantes del mundo.
.png/1280px-Le%C3%B3%C5%A1_Jan%C3%A1%C4%8Dek_(1917).png)
Las nueve óperas de Antonín Dvořák , excepto la primera, tienen libretos en checo y pretendían transmitir el espíritu nacional checo, al igual que algunas de sus obras corales. Con diferencia, la ópera de mayor éxito es Rusalka , que contiene la conocida aria "Měsíčku na nebi hlubokém" ("Canción a la luna"); Se representa frecuentemente en escenarios de ópera contemporánea fuera de la República Checa . Esto se debe a su invención y libretos desiguales, y quizás también a sus requisitos de puesta en escena: The Jacobin , Armida , Vanda y Dimitrij necesitan escenarios lo suficientemente grandes como para representar ejércitos invasores.
Leoš Janáček obtuvo reconocimiento internacional en el siglo XX por sus obras innovadoras. Sus obras posteriores, de madurez, incorporan sus estudios anteriores sobre la música folclórica nacional en una síntesis moderna y muy original, evidente por primera vez en la ópera Jenůfa , estrenada en 1904 en Brno . El éxito de Jenůfa (a menudo llamada la " ópera nacional de Moravia ") en Praga en 1916 dio a Janáček acceso a los grandes escenarios de ópera del mundo. Las últimas obras de Janáček son las más célebres. Incluyen óperas como Káťa Kabanová y La zorrita astuta , la Sinfonietta y la Misa glagolítica .
España también produjo su propia forma distintiva de ópera, conocida como zarzuela , que tuvo dos florecimientos separados: uno desde mediados del siglo XVII hasta mediados del siglo XVIII, y otro que comenzó alrededor de 1850. Desde finales del siglo XVIII hasta mediados del siglo XVIII. En el siglo XIX, la ópera italiana fue inmensamente popular en España, suplantando a la forma nativa.
En la Europa del Este rusa comenzaron a surgir varias óperas nacionales. La ópera ucraniana fue desarrollada por Semen Hulak-Artemovsky (1813-1873), cuya obra más famosa Zaporozhets za Dunayem (Un cosaco más allá del Danubio) se representa regularmente en todo el mundo. Otros compositores de ópera ucranianos incluyen a Mykola Lysenko ( Taras Bulba y Natalka Poltavka ), Heorhiy Maiboroda y Yuliy Meitus . A principios de siglo, también comenzó a surgir en Georgia un movimiento de ópera nacional distinto bajo el liderazgo de Zacharia Paliashvili , quien fusionó canciones e historias populares locales con temas clásicos románticos del siglo XIX .
La figura clave de la ópera nacional húngara del siglo XIX fue Ferenc Erkel , cuyas obras trataban principalmente de temas históricos. Entre sus óperas más representadas se encuentran Hunyadi László y Bánk bán . La ópera húngara moderna más famosa es El castillo del duque de Barba Azul de Béla Bartók .
La ópera Straszny Dwór (en inglés The Haunted Manor ) (1861-1864) de Stanisław Moniuszko representa un apogeo de la ópera nacional polaca del siglo XIX . [30] En el siglo XX, otras óperas creadas por compositores polacos incluyeron King Roger de Karol Szymanowski y Ubu Rex de Krzysztof Penderecki .
La primera ópera conocida de Turquía (el Imperio Otomano ) fue Arshak II , que era una ópera armenia compuesta por un compositor étnico armenio Tigran Chukhajian en 1868 y representada parcialmente en 1873. Se representó íntegramente en 1945 en Armenia.
Los primeros años de la Unión Soviética vieron el surgimiento de nuevas óperas nacionales, como Koroğlu (1937) del compositor azerbaiyano Uzeyir Hajibeyov . La primera ópera kirguisa , Ai-Churek , se estrenó en Moscú en el Teatro Bolshoi el 26 de mayo de 1939, durante la Década del Arte Kirguís. Fue compuesta por Vladimir Vlasov , Abdylas Maldybaev y Vladimir Fere . El libreto fue escrito por Joomart Bokonbaev, Jusup Turusbekov y Kybanychbek Malikov. La ópera está basada en la epopeya heroica kirguisa Manas . [31] [32]
En Irán, la ópera ganó más atención después de la introducción de la música clásica occidental a finales del siglo XIX. Sin embargo, hubo que esperar hasta mediados del siglo XX para que los compositores iraníes comenzaran a experimentar con este campo, especialmente cuando la construcción de la Sala Roudaki en 1967 hizo posible la puesta en escena de una gran variedad de obras para teatro. Quizás la ópera iraní más famosa sea Rostam y Sohrab de Loris Tjeknavorian, que no se estrenó hasta principios de la década de 2000.
La ópera clásica china contemporánea , una forma de ópera de estilo occidental en idioma chino que se distingue de la ópera tradicional china , ha tenido óperas que se remontan a La chica de pelo blanco en 1945. [33] [34] [35]
En América Latina, la ópera comenzó como resultado de la colonización europea. La primera ópera escrita en América fue La púrpura de la rosa , de Tomás de Torrejón y Velasco , aunque Partenope , del mexicano Manuel de Zumaya , fue la primera ópera escrita por un compositor nacido en América Latina (música ahora perdida). La primera ópera brasileña con libreto en portugués fue A Noite de São João , de Elias Álvares Lobo . Sin embargo, Antônio Carlos Gomes es generalmente considerado como el compositor brasileño más destacado, teniendo un éxito relativo en Italia con sus óperas de temática brasileña con libretos italianos, como Il Guarany . La ópera en Argentina se desarrolló en el siglo XX tras la inauguración del Teatro Colón de Buenos Aires, siendo la ópera Aurora , de Ettore Panizza , fuertemente influenciada por la tradición italiana, debido a la inmigración. Otros compositores importantes de Argentina incluyen a Felipe Boero y Alberto Ginastera .
Quizás la manifestación estilística más obvia del modernismo en la ópera sea el desarrollo de la atonalidad . El alejamiento de la tonalidad tradicional en la ópera había comenzado con Richard Wagner , y en particular con el acorde de Tristán . Compositores como Richard Strauss , Claude Debussy , Giacomo Puccini , [36] Paul Hindemith , Benjamin Britten y Hans Pfitzner impulsaron la armonía wagneriana más allá con un uso más extremo del cromatismo y un mayor uso de la disonancia. Otro aspecto de la ópera modernista es el cambio de melodías largas y suspendidas a lemas breves y rápidos, como lo ilustró por primera vez Giuseppe Verdi en su Falstaff . Compositores como Strauss, Britten, Shostakovich y Stravinsky adoptaron y ampliaron este estilo.
El modernismo operístico realmente comenzó en las óperas de dos compositores vieneses, Arnold Schoenberg y su alumno Alban Berg , ambos compositores y defensores de la atonalidad y su desarrollo posterior (tal como lo desarrolló Schoenberg), la dodecafonía . Las primeras obras músico-dramáticas de Schoenberg, Erwartung (1909, estrenada en 1924) y Die glückliche Hand muestran un uso intensivo de la armonía cromática y la disonancia en general. Schoenberg también utilizó ocasionalmente Sprechstimme .
Las dos óperas del alumno de Schoenberg, Alban Berg, Wozzeck (1925) y Lulu (incompleta a su muerte en 1935) comparten muchas de las mismas características descritas anteriormente, aunque Berg combinó su interpretación muy personal de la técnica dodecafónica de Schoenberg con pasajes melódicos de una naturaleza tonal más tradicional (de carácter bastante mahleriano) que quizás explica en parte por qué sus óperas han permanecido en el repertorio estándar, a pesar de su música y tramas controvertidas. Las teorías de Schoenberg han influido (directa o indirectamente) en un número significativo de compositores de ópera desde entonces, incluso si ellos mismos no compusieron utilizando sus técnicas.
Los compositores así influenciados incluyen al inglés Benjamin Britten , el alemán Hans Werner Henze y el ruso Dmitri Shostakovich . ( Philip Glass también hace uso de la atonalidad, aunque su estilo generalmente se describe como minimalista , generalmente considerado como otro desarrollo del siglo XX) .
Sin embargo, el uso de la atonalidad por parte del modernismo operístico también provocó una reacción violenta en forma de neoclasicismo . Uno de los primeros líderes de este movimiento fue Ferruccio Busoni , quien en 1913 escribió el libreto de su ópera numérica neoclásica Arlecchino (estrenada por primera vez en 1917). [38] También entre la vanguardia estaba el ruso Igor Stravinsky . Después de componer música para los ballets Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (1913), producidos por Diaghilev , Stravinsky recurrió al neoclasicismo, desarrollo que culminó con su ópera-oratorio Edipo Rey (1927). Stravinsky ya se había alejado de las tendencias modernistas de sus primeros ballets para producir obras de pequeña escala que no califican completamente como ópera, pero que ciertamente contienen muchos elementos operísticos, entre ellos Renard (1916: "un burlesco en canto y danza") y The Soldier's Tale (1918: "para leer, tocar y bailar"; en ambos casos las descripciones e instrucciones son las del compositor). En este último, los actores declaman partes del discurso a un ritmo específico sobre acompañamiento instrumental, peculiarmente similar al género alemán más antiguo del melodrama . Mucho después de sus obras inspiradas en Rimsky-Korsakov El ruiseñor (1914) y Mavra (1922), Stravinsky continuó ignorando la técnica serialista y finalmente escribió una ópera numérica diatónica al estilo del siglo XVIII, El progreso del rastrillo (1951). Su resistencia al serialismo (actitud que revirtió tras la muerte de Schoenberg) resultó ser una inspiración para muchos [ ¿ quién? ] otros compositores. [39]
Una tendencia común a lo largo del siglo XX, tanto en la ópera como en el repertorio orquestal en general, es el uso de orquestas más pequeñas como medida de reducción de costos; las grandes orquestas de la era romántica con enormes secciones de cuerdas, múltiples arpas, trompetas adicionales e instrumentos de percusión exóticos ya no eran viables. A medida que el patrocinio gubernamental y privado de las artes disminuyó a lo largo del siglo XX, a menudo se encargaron y representaron nuevas obras con presupuestos más pequeños, lo que muy a menudo resultó en obras de tamaño de cámara y óperas cortas en un acto. Muchas de las óperas de Benjamin Britten están compuestas por tan solo 13 instrumentistas; La realización en dos actos de Mujercitas de Mark Adamo está compuesta por 18 instrumentistas.
Otra característica de la ópera de finales del siglo XX es el surgimiento de óperas históricas contemporáneas, en contraste con la tradición de basar las óperas en historias más lejanas, la repetición de historias u obras de ficción contemporáneas, o en mitos o leyendas. La muerte de Klinghoffer , Nixon en China y Doctor Atomic de John Adams , Dead Man Walking de Jake Heggie , Anna Nicole de Mark-Anthony Turnage y Waiting for Miss Monroe [40] de Robin de Raaff ejemplifican la dramatización en escena de los acontecimientos en memoria viva reciente, donde los personajes retratados en la ópera estaban vivos en el momento del estreno.
La Ópera Metropolitana de EE. UU. (a menudo conocida como Met) informó en 2011 que la edad promedio de su público era 60 años. [41] Muchas compañías de ópera intentaron atraer a un público más joven para detener la tendencia generalizada de que el público envejeciera ante la música clásica desde entonces . las últimas décadas del siglo XX. [42] Los esfuerzos dieron como resultado reducir la edad promedio de la audiencia del Met a 58 años en 2018, la edad promedio en la Ópera Estatal de Berlín fue de 54 años y la Ópera de París informó una edad promedio de 48 años. [43] El crítico del New York Times Anthony Tommasini ha sugerido que "las empresas excesivamente apegadas a un repertorio estándar" no están llegando a audiencias más jóvenes y curiosas. [44]
Las empresas más pequeñas en Estados Unidos tienen una existencia más frágil y normalmente dependen de una "colcha de retazos" de apoyo de los gobiernos estatales y locales, las empresas locales y los recaudadores de fondos. Sin embargo, algunas empresas más pequeñas han encontrado formas de atraer nuevas audiencias. Además de las retransmisiones por radio y televisión de representaciones de ópera, que han tenido cierto éxito a la hora de captar nuevas audiencias, las retransmisiones de representaciones en directo en salas de cine han demostrado tener potencial para llegar a nuevas audiencias. [45]
A finales de la década de 1930, algunos musicales comenzaron a escribirse con una estructura más operística. Estas obras incluyen conjuntos polifónicos complejos y reflejan la evolución musical de su época. Porgy and Bess (1935), influenciado por estilos de jazz, y Candide (1956), con sus amplios pasajes líricos y parodias ridículas de la ópera, se estrenaron en Broadway pero fueron aceptados como parte del repertorio de la ópera. Musicales populares como Show Boat , West Side Story , Brigadoon , Sweeney Todd , Passion , Evita , The Light in the Piazza , The Phantom of the Opera y otros cuentan historias dramáticas a través de música compleja y en la década de 2010 a veces se ven en los teatros de ópera. . [46] The Most Happy Fella (1952) es casi operístico y ha sido revivido por la Ópera de la ciudad de Nueva York . Otros musicales con influencia del rock , como Tommy (1969) y Jesus Christ Superstar (1971), Les Misérables (1980), Rent (1996), Spring Awakening (2006) y Natasha, Pierre & The Great Comet of 1812 (2012) emplean varias convenciones operísticas, como a través de la composición , recitativo en lugar de diálogo y leitmotivs .
En algunas salas de conciertos y teatros modernos donde se representan óperas se utiliza un tipo sutil de refuerzo electrónico de sonido llamado mejora acústica . Aunque ninguno de los principales teatros de ópera "... utiliza refuerzo de sonido tradicional al estilo Broadway, en el que la mayoría, si no todos, los cantantes están equipados con micrófonos de radio mezclados con una serie de antiestéticos altavoces repartidos por todo el teatro", muchos utilizan un refuerzo de sonido. sistema para realce acústico y para realzar sutilmente voces fuera del escenario, niños cantantes, diálogos en el escenario y efectos de sonido (por ejemplo, campanas de iglesia en Tosca o efectos de trueno en las óperas wagnerianas). [47]
La técnica vocal operística evolucionó, en una época anterior a la amplificación electrónica, para permitir a los cantantes producir suficiente volumen para ser escuchados por una orquesta, sin que los instrumentistas tuvieran que comprometer sustancialmente su volumen.
Los cantantes y los roles que desempeñan se clasifican por tipo de voz , en función de la tesitura , agilidad, potencia y timbre de sus voces. Los cantantes masculinos pueden clasificarse por rango vocal en bajo , bajo-barítono , barítono , baritenor , tenor y contratenor , y las cantantes femeninas en contralto , mezzosoprano y soprano . (Los hombres a veces cantan en los rangos vocales "femeninos", en cuyo caso se les llama sopranistas o contratenor. El contratenor se encuentra comúnmente en la ópera, a veces cantando partes escritas para castrati , hombres castrados a una edad temprana específicamente para darles un canto más alto. rango.) Los cantantes luego se clasifican aún más por tamaño; por ejemplo, una soprano puede describirse como soprano lírica, coloratura , soubrette , spinto o soprano dramática. Estos términos, aunque no describen completamente una voz cantante, asocian la voz del cantante con los roles más adecuados a las características vocales del cantante.
Se puede hacer otra subclasificación según las habilidades o requisitos de actuación, por ejemplo, el basso buffo , que a menudo debe ser un especialista en charlatanería además de un actor cómico. Esto se lleva a cabo en detalle en el sistema Fach de los países de habla alemana, donde históricamente la ópera y el drama hablado a menudo eran representados por la misma compañía de repertorio .
La voz de un cantante en particular puede cambiar drásticamente a lo largo de su vida, rara vez alcanza la madurez vocal hasta la tercera década y, a veces, no hasta la mediana edad. Dos tipos de voces francesas, premiere dugazon y deuxieme dugazon , recibieron el nombre de etapas sucesivas en la carrera de Louise-Rosalie Lefebvre (Mme. Dugazon). Otros términos con origen en el sistema de casting de estrellas de los teatros parisinos son baryton-martin y soprano falcon .
La voz de soprano se ha utilizado normalmente como voz elegida por la protagonista femenina de la ópera desde la segunda mitad del siglo XVIII. Antes era común que esa parte la cantara cualquier voz femenina, o incluso un castrato . El énfasis actual en un amplio rango vocal fue principalmente una invención del período clásico . Antes de eso, la prioridad era el virtuosismo vocal, no el rango, y las partes de soprano rara vez se extendían por encima de un La alto ( Handel , por ejemplo, solo escribió un papel que se extendía hasta un Do alto ), aunque se suponía que el castrato Farinelli poseía un alto. D (su registro grave también fue extraordinario, extendiéndose hasta el tenor C). La mezzosoprano, un término de origen relativamente reciente, también tiene un amplio repertorio, que va desde la protagonista femenina en Dido y Eneas de Purcell hasta papeles tan importantes como el de Brangäne en Tristán e Isolda de Wagner (ambos papeles a veces cantados por sopranos; hay Hay bastante movimiento entre estos dos tipos de voz). Para la verdadera contralto, la gama de partes es más limitada, lo que ha dado lugar al chiste interno de que las contraltos sólo cantan papeles de "brujas, perras y calzones ". En los últimos años, muchos de los "papeles de pantalón" de la época barroca, originalmente escritos para mujeres, y los originalmente cantados por castrati, han sido reasignados a contratenores.
A la voz de tenor, desde la época clásica en adelante, se le ha asignado tradicionalmente el papel de protagonista masculino. Muchos de los papeles de tenor más desafiantes del repertorio fueron escritos durante la era del bel canto , como la secuencia de Donizetti de 9 C por encima del C medio durante La fille du régiment . Con Wagner vino un énfasis en el peso vocal de sus papeles protagonistas, con esta categoría vocal descrita como Heldentenor ; Esta voz heroica tuvo su contraparte más italiana en papeles como Calaf en Turandot de Puccini . Los bajos tienen una larga historia en la ópera, habiéndose utilizado en la ópera seria en papeles secundarios y, a veces, como alivio cómico (además de proporcionar un contraste con la preponderancia de las voces altas en este género). El repertorio de bajo es amplio y variado, abarcando desde la comedia de Leporello en Don Giovanni hasta la nobleza de Wotan en El ciclo del anillo de Wagner , pasando por el conflictivo rey Felipe de Don Carlos de Verdi . Entre el bajo y el tenor está el barítono, que también varía en peso, desde, por ejemplo, Guglielmo en Così fan tutte de Mozart hasta Posa en Don Carlos de Verdi ; la designación real de "barítono" no fue estándar hasta mediados del siglo XIX.
Las primeras representaciones de ópera eran demasiado infrecuentes para que los cantantes se ganaran la vida exclusivamente con este estilo, pero con el nacimiento de la ópera comercial a mediados del siglo XVII, comenzaron a surgir intérpretes profesionales. El papel del héroe masculino generalmente se confiaba a un castrato , y en el siglo XVIII, cuando la ópera italiana se representaba en toda Europa, los principales castrati que poseían un extraordinario virtuosismo vocal, como Senesino y Farinelli , se convirtieron en estrellas internacionales. La carrera de la primera gran estrella femenina (o prima donna ), Anna Renzi , se remonta a mediados del siglo XVII. En el siglo XVIII, varias sopranos italianas adquirieron renombre internacional y a menudo entablaron feroz rivalidad, como fue el caso de Faustina Bordoni y Francesca Cuzzoni , quienes comenzaron una pelea a puñetazos durante una representación de una ópera de Handel. A los franceses no les gustaban los castrati y preferían que sus héroes masculinos fueran cantados por un haute-contre (un alto tenor), del cual Joseph Legros (1739-1793) fue un ejemplo destacado. [48]
Aunque el patrocinio de la ópera ha disminuido en el último siglo en favor de otras artes y medios (como musicales, cine, radio, televisión y grabaciones), los medios de comunicación y la llegada de la grabación han respaldado la popularidad de muchos cantantes famosos, entre ellos Anna Netrebko , Maria Callas , Enrico Caruso , Amelita Galli-Curci , Kirsten Flagstad , Mario Del Monaco , Renata Tebaldi , Risë Stevens , Alfredo Kraus , Franco Corelli , Montserrat Caballé , Joan Sutherland , Birgit Nilsson , Nellie Melba , Rosa Ponselle , Beniamino Gigli , Jussi Björling , Feodor Chaliapin , Cecilia Bartoli , Elena Obraztsova , Renée Fleming , Galina Vishnevskaya , Marilyn Horne , Bryn Terfel , Dmitri Hvorostovsky y Los tres tenores ( Luciano Pavarotti , Plácido Domingo , José Carreras ).
Antes del siglo XVIII, las óperas italianas utilizaban una pequeña orquesta de cuerdas , pero rara vez tocaba para acompañar a los cantantes. Los solos de ópera durante este período fueron acompañados por el grupo de bajo continuo , que estaba formado por el clavecín , "instrumentos pulsados" como el laúd y un instrumento bajo. [49] La orquesta de cuerdas normalmente sólo tocaba cuando el cantante no estaba cantando, como durante las "...entradas y salidas de un cantante, entre números vocales, [o] para [acompañar] el baile". Otro papel de la orquesta durante este período fue tocar un ritornello orquestal para marcar el final del solo de un cantante. [49] A principios del siglo XVIII, algunos compositores comenzaron a utilizar la orquesta de cuerdas para marcar ciertas arias o recitativos "... como especiales"; en 1720, la mayoría de las arias estaban acompañadas por una orquesta. Compositores de ópera como Domenico Sarro , Leonardo Vinci , Giambattista Pergolesi , Leonardo Leo y Johann Adolph Hasse agregaron nuevos instrumentos a la orquesta de la ópera y les dieron nuevas funciones. Agregaron instrumentos de viento a las cuerdas y utilizaron instrumentos orquestales para tocar solos instrumentales, como una forma de marcar ciertas arias como especiales. [49]
La orquesta también ha proporcionado una obertura instrumental antes de que los cantantes suban al escenario desde el siglo XVII. Eurídice de Peri se abre con un breve ritornello instrumental , y L'Orfeo (1607) de Monteverdi se abre con una tocata , en este caso una fanfarria de trompetas sordas . La obertura francesa tal como se encuentra en las óperas de Jean-Baptiste Lully [50] consiste en una introducción lenta en un marcado "ritmo punteado", seguida de un movimiento animado en estilo fugato . La obertura era seguida frecuentemente por una serie de melodías de baile antes de que se levantara el telón. Este estilo de obertura también se utilizó en la ópera inglesa, sobre todo en Dido y Eneas de Henry Purcell . Handel también utiliza la forma de obertura francesa en algunas de sus óperas italianas como Giulio Cesare . [51]
En Italia, surgió una forma distinta llamada "obertura" en la década de 1680, que se estableció particularmente a través de las óperas de Alessandro Scarlatti y se extendió por toda Europa, suplantando a la forma francesa como obertura operística estándar a mediados del siglo XVIII. [52] Utiliza tres movimientos generalmente homofónicos : rápido-lento-rápido. El movimiento de apertura era normalmente en compás doble y en tono mayor; el movimiento lento en ejemplos anteriores era breve y podía tener un tono contrastante; el movimiento final era parecido a una danza, la mayoría de las veces con ritmos de gigue o minueto , y volvía a la clave de la sección inicial. A medida que la forma evolucionó, el primer movimiento puede incorporar elementos parecidos a una fanfarria y adoptó el patrón de la llamada "forma sonata" ( forma sonata sin una sección de desarrollo), y la sección lenta se volvió más extendida y lírica. [52]
En la ópera italiana después de 1800 aproximadamente, la "obertura" pasó a ser conocida como sinfonía . [53] Fisher también señala que el término Sinfonia avanti l'opera (literalmente, la "sinfonía antes de la ópera") era "un término antiguo para una sinfonía utilizada para comenzar una ópera, es decir, como una obertura en lugar de una que sirve para comenzar una sección posterior del trabajo". [53] En la ópera del siglo XIX, en algunas óperas, la obertura, Vorspiel , Einleitung , Introducción, o como se llame, era la parte de la música que tiene lugar antes de que se levante el telón; Ya no se requería una forma específica y rígida para la obertura.
El papel de la orquesta en el acompañamiento de los cantantes cambió durante el siglo XIX, cuando el estilo clásico pasó a la era romántica. En general, las orquestas crecieron y se añadieron nuevos instrumentos, como instrumentos de percusión adicionales (p. ej., bombo, platillos, caja, etc.). La orquestación de partes de orquesta también se desarrolló a lo largo del siglo XIX. En las óperas wagnerianas, la vanguardia de la orquesta iba más allá de la obertura. En óperas wagnerianas como el Ciclo del Anillo , la orquesta a menudo tocaba los temas musicales recurrentes o leitmotivs , papel que dio un protagonismo a la orquesta que "... elevó su estatus al de prima donna ". [54] Las óperas de Wagner fueron compuestas con un alcance y una complejidad sin precedentes, agregando más instrumentos de metal y conjuntos de gran tamaño: de hecho, su partitura para Das Rheingold requiere seis arpas . En Wagner y la obra de compositores posteriores, como Benjamin Britten, la orquesta "a menudo comunica hechos sobre la historia que exceden los niveles de conciencia de los personajes". Como resultado, los críticos comenzaron a considerar que la orquesta desempeñaba un papel análogo al de un narrador literario." [55]
A medida que el papel de la orquesta y otros conjuntos instrumentales cambió a lo largo de la historia de la ópera, también cambió el papel de dirigir a los músicos. En la época barroca, los músicos solían ser dirigidos por el clavecinista, aunque se sabe que el compositor francés Lully dirigía con un pentagrama largo. En el siglo XIX, durante el período clásico, el primer violinista, también conocido como concertino , dirigía la orquesta mientras estaba sentado. Con el tiempo, algunos directores comenzaron a ponerse de pie y a utilizar gestos con las manos y los brazos para guiar a los artistas. Con el tiempo, este papel de director musical pasó a denominarse director de orquesta y se utilizó un podio para que todos los músicos pudieran verlo más fácilmente. Cuando se introdujeron las óperas wagnerianas, la complejidad de las obras y las enormes orquestas que las interpretaban dieron al director un papel cada vez más importante. Los directores de ópera modernos tienen un papel desafiante: deben dirigir tanto a la orquesta en el foso como a los cantantes en el escenario.
Desde los días de Handel y Mozart, muchos compositores han preferido el italiano como idioma para el libreto de sus óperas. Desde la era del Bel Canto hasta Verdi, los compositores a veces supervisaban versiones de sus óperas tanto en italiano como en francés. Por esta razón, óperas como Lucia di Lammermoor o Don Carlos se consideran hoy canónicas tanto en su versión francesa como en italiana. [56]
Hasta mediados de la década de 1950, era aceptable producir óperas traducidas incluso si no habían sido autorizadas por el compositor o los libretistas originales. Por ejemplo, los teatros de ópera de Italia representaban habitualmente a Wagner en italiano. [57] Después de la Segunda Guerra Mundial, los estudios sobre ópera mejoraron, los artistas se volvieron a centrar en las versiones originales y las traducciones cayeron en desgracia. El conocimiento de idiomas europeos, especialmente italiano, francés y alemán, es hoy una parte importante de la formación de los cantantes profesionales. "La mayor parte de la formación operística se centra en la lingüística y la musicalidad", explica la mezzosoprano Dolora Zajick . "[Tengo que entender] no sólo lo que estoy cantando, sino lo que todos los demás cantan. Canto italiano, checo, ruso, francés, alemán, inglés". [58]
En la década de 1980 comenzaron a aparecer los supertítulos (a veces llamados sobretítulos ). Aunque al principio los supertítulos fueron condenados casi universalmente como una distracción, [59] hoy en día muchos teatros de ópera ofrecen supertítulos, generalmente proyectados sobre el arco del proscenio del teatro , o pantallas individuales en los asientos donde los espectadores pueden elegir entre más de un idioma. Las transmisiones de televisión suelen incluir subtítulos incluso si están destinadas a un público que conoce bien el idioma (por ejemplo, una transmisión de la RAI de una ópera italiana). Estos subtítulos están dirigidos no sólo a personas con problemas de audición sino también al público en general, ya que un discurso cantado es mucho más difícil de entender que uno hablado, incluso en los oídos de hablantes nativos. Los subtítulos en uno o más idiomas se han convertido en estándar en las retransmisiones de ópera, transmisiones simultáneas y ediciones en DVD.
Hoy en día, las óperas rara vez se representan traducidas. Las excepciones incluyen la Ópera Nacional Inglesa , el Teatro de la Ópera de Saint Louis , el Teatro de la Ópera de Pittsburgh y la Ópera Sudeste, [60] que favorecen las traducciones al inglés. [61] Otra excepción son las producciones de ópera destinadas a un público joven, como Hansel y Gretel de Humperdinck [62] y algunas producciones de La flauta mágica de Mozart . [63]
.jpg/1280px-Opera_singers'_tribute_to_Confidencen_2016_(1).jpg)
Fuera de Estados Unidos, y especialmente en Europa, la mayoría de los teatros de ópera reciben subsidios públicos de los contribuyentes. [64] En Milán, Italia, el 60% del presupuesto anual de La Scala de 115 millones de euros proviene de la venta de entradas y donaciones privadas, y el 40% restante proviene de fondos públicos. [65] En 2005, La Scala recibió el 25% de la subvención estatal total de Italia de 464 millones de euros para las artes escénicas. [66] En el Reino Unido, el Arts Council England proporciona fondos a la Opera North , la Royal Opera House , la Welsh National Opera y la English National Opera . Entre 2012 y 2015, estas cuatro compañías de ópera junto con el English National Ballet , el Birmingham Royal Ballet y el Northern Ballet representaron el 22% de los fondos de la cartera nacional del Arts Council. Durante ese período, el Consejo llevó a cabo un análisis de su financiación para compañías de ópera y ballet a gran escala, estableciendo recomendaciones y objetivos que las compañías debían cumplir antes de las decisiones de financiación de 2015-2018. [67] En febrero de 2015, las preocupaciones sobre el plan de negocios de la Ópera Nacional Inglesa llevaron al Consejo de las Artes a colocarlo "bajo acuerdos de financiación especiales" en lo que The Independent denominó "el paso sin precedentes" de amenazar con retirar la financiación pública si no se satisfacían las preocupaciones del consejo. para 2017. [68] La financiación pública europea a la ópera ha provocado una disparidad entre el número de teatros de ópera abiertos durante todo el año en Europa y Estados Unidos. Por ejemplo, "Alemania tiene alrededor de 80 teatros de ópera abiertos durante todo el año [en 2004], mientras que Estados Unidos, con más de tres veces su población, no tiene ninguno. Incluso el Met sólo tiene una temporada de siete meses". [69]
Un hito para la retransmisión de ópera en Estados Unidos se alcanzó el 24 de diciembre de 1951, con la retransmisión en directo de Amahl and the Night Visitantes , una ópera en un acto de Gian Carlo Menotti . Fue la primera ópera compuesta específicamente para televisión en Estados Unidos. [70] Otro hito ocurrió en Italia en 1992 cuando Tosca fue transmitida en vivo desde sus escenarios y horas del día originales romanos: el primer acto vino desde la iglesia de Sant'Andrea della Valle del siglo XVI al mediodía del sábado; el Palacio Farnesio, del siglo XVI, fue el escenario de la segunda a las 20.15 horas; y el domingo a las 6 de la mañana se retransmitió el tercer acto desde Castel Sant'Angelo. La producción fue transmitida vía satélite a 105 países. [71]
Las principales compañías de ópera han comenzado a presentar sus actuaciones en cines locales de Estados Unidos y muchos otros países. La Ópera Metropolitana inició una serie de transmisiones de vídeo en alta definición en vivo a cines de todo el mundo en 2006. [72] En 2007, las actuaciones del Met se proyectaron en más de 424 salas de 350 ciudades de Estados Unidos. La bohème se estrenó en 671 salas de todo el mundo. La Ópera de San Francisco inició transmisiones de vídeo pregrabadas en marzo de 2008. En junio de 2008, aproximadamente 125 teatros en 117 ciudades de Estados Unidos realizan las funciones. Las transmisiones de ópera en vídeo en alta definición se presentan a través de los mismos proyectores de cine digital en alta definición que se utilizan para las principales películas de Hollywood . [73] Los teatros de ópera y festivales europeos, incluidos la Royal Opera de Londres, La Scala de Milán, el Festival de Salzburgo , La Fenice de Venecia y el Maggio Musicale de Florencia, también han transmitido sus producciones a teatros de ciudades de todo el mundo desde 2006. incluidas 90 ciudades en los EE. UU. [74] [75]
La aparición de Internet también ha afectado la forma en que el público consume ópera. En 2009, el Festival de Ópera Británico de Glyndebourne ofreció por primera vez una descarga de vídeo digital en línea de su producción completa de 2007 de Tristan und Isolde . En la temporada 2013, el festival transmitió sus seis producciones en línea. [76] [77] En julio de 2012, se estrenó la primera ópera comunitaria en línea en el Festival de Ópera de Savonlinna . Titulado Free Will , fue creado por miembros del grupo de Internet Opera By You. Sus 400 miembros de 43 países escribieron el libreto, compusieron la música y diseñaron los decorados y el vestuario utilizando la plataforma web Wreckamovie . El Festival de Ópera de Savonlinna contó con solistas profesionales, un coro de 80 miembros, una orquesta sinfónica y maquinaria escénica. Se presentó en vivo en el festival y se transmitió en vivo por Internet. [78]
La ópera de estilo occidental (también conocida como Alta Ópera) existe junto con los numerosos grupos de la Ópera de Beijing. ... Las óperas destacadas de compositores chinos incluyen
Una chica de pelo blanco
escrita en la década de 1940,
Red Squad en Hong Hu
y
Jiang Jie
.
Fuentes
