La dirección es el arte de dirigir una actuación musical , como un concierto orquestal o coral . Se ha definido como "el arte de dirigir la actuación simultánea de varios intérpretes o cantantes mediante el uso de gestos". [1] Las funciones principales del director son interpretar la partitura de una manera que refleje las indicaciones específicas de esa partitura, establecer el tempo , garantizar las entradas correctas por parte de los miembros del conjunto y "dar forma" al fraseo cuando corresponda. [2] Los directores se comunican con sus músicos principalmente a través de gestos con las manos, generalmente con la ayuda de una batuta , y pueden usar otros gestos o señales como expresiones faciales y contacto visual. [3] Un director normalmente complementa su dirección con instrucciones verbales a sus músicos en el ensayo . [3]
El director normalmente se para en un podio elevado con un atril grande para la partitura completa, que contiene la notación musical de todos los instrumentos o voces. Desde mediados del siglo XIX, la mayoría de los directores no han tocado ningún instrumento mientras dirigían, aunque en períodos anteriores de la historia de la música clásica era común dirigir un conjunto mientras se tocaba un instrumento. En la música barroca , el grupo normalmente estaría dirigido por el clavecinista o el primer violinista ( concertino ), un enfoque que en los tiempos modernos ha sido revivido por varios directores musicales de música de este período. También se puede dirigir mientras se toca un piano o un sintetizador con orquestas de teatro musical . La comunicación suele ser mayoritariamente no verbal durante una actuación. Sin embargo, en los ensayos, las interrupciones frecuentes permiten al director dar instrucciones verbales sobre cómo se debe tocar o cantar la música.
Los directores actúan como guías de las orquestas o coros que dirigen. Eligen las obras que se van a interpretar y estudian sus partituras, a las que pueden hacer ciertos ajustes (como el tempo, la articulación, el fraseo, la repetición de secciones), elaboran su interpretación y transmiten su visión a los intérpretes. También pueden ocuparse de cuestiones organizativas, como programar ensayos, [4] planificar una temporada de conciertos, escuchar audiciones y seleccionar miembros, y promocionar su conjunto en los medios. Las orquestas, coros, bandas de concierto y otros conjuntos musicales importantes, como las big bands , suelen estar dirigidos por directores.
El director titular de una orquesta o compañía de ópera se conoce como director musical o director titular , o con las palabras alemanas Kapellmeister o Dirigent (en femenino, Dirigentin ). A los directores de coros o coros a veces se les llama director coral , maestro de coro o director de coro , particularmente para coros asociados con una orquesta. Los directores de bandas de concierto , bandas militares , bandas de música y otras bandas pueden ostentar el título de director de banda , director de banda o baterista mayor . A veces se hace referencia a los directores veteranos respetados con la palabra italiana maestro (femenino, maestra ), que se traduce como "maestro" o "maestro". [5]
Una forma temprana de dirección es la quironomía , el uso de gestos con las manos para indicar una forma melódica . Esto se practica al menos desde la Edad Media . En la iglesia cristiana , la persona que daba estos símbolos sostenía un bastón para indicar su papel, y parece que a medida que la música se volvió rítmicamente más compleja, el bastón se movía hacia arriba y hacia abajo para indicar el ritmo, actuando como una forma temprana de bastón . [ cita necesaria ] En el siglo XVII, se empezaron a utilizar otros dispositivos para indicar el paso del tiempo. Hojas de papel enrolladas, palitos más pequeños y manos sin adornos se muestran en fotografías de esta época. El numeroso personal fue responsable de la muerte de Jean-Baptiste Lully , que se lastimó un pie mientras dirigía un Te Deum por la recuperación de la enfermedad del rey Luis XIV . La herida se gangrenó y Lully rechazó la amputación, tras lo cual la gangrena se extendió a su pierna y murió dos meses después. [6]
En la música instrumental a lo largo del siglo XVIII, un miembro del conjunto solía actuar como director. A veces se trataba del concertino , que podía utilizar su arco como batuta, o de un laudista que movía el mástil de su instrumento al compás del ritmo. Era común dirigir desde el clavicémbalo en piezas que contaban con una parte de bajo continuo . En las representaciones de ópera, a veces había dos directores, con el teclista a cargo de los cantantes, mientras que el violinista principal o líder estaba a cargo de la orquesta. [ cita necesaria ]
El 30 de septiembre de 1791 se estrenó en Viena la ópera Die Zauberflöte ( La flauta mágica ) de Mozart en el Theatre auf der Wieden , con Mozart dirigiendo la orquesta, según documentos y carteles publicitarios de la época. [7] En 1798, Joseph Haydn dirigió el estreno de Creación con sus manos y una batuta mientras " Kapellmeister Weigl [sentaba] al fortepiano". [8]
A principios del siglo XIX ( c. 1820 ), se convirtió en norma tener un director dedicado que no tocara también ningún instrumento durante la actuación. Si bien algunas orquestas protestaron por la introducción del director, ya que estaban acostumbradas a tener un concertino o un teclista como líder, finalmente se estableció el papel de director. El tamaño de la orquesta habitual se expandió durante este período y el uso de una batuta se volvió más común, ya que era más fácil de ver que las manos desnudas o el papel enrollado. Entre los primeros directores destacados se encuentran Louis Spohr , Carl Maria von Weber , Louis-Antoine Jullien y Felix Mendelssohn , todos ellos también compositores. Se afirma que Mendelssohn fue el primer director de orquesta en utilizar una batuta de madera para marcar el tiempo, una práctica que todavía se utiliza generalmente en la actualidad. Entre los directores destacados que no utilizaron o no utilizaron batuta se encuentran Pierre Boulez , Kurt Masur , James Conlon , Yuri Temirkanov , [9] Leopold Stokowski , Vasily Safonov , Eugene Ormandy (durante un período) y Dimitri Mitropoulos . [10]
Los compositores Héctor Berlioz y Richard Wagner alcanzaron la grandeza como directores y escribieron dos de los primeros ensayos dedicados al tema. Berlioz es considerado el primer director virtuoso . Wagner fue en gran medida responsable de dar forma al papel del director como alguien que impone su propia visión de una pieza en la interpretación en lugar de alguien que simplemente es responsable de garantizar que las entradas se realicen en el momento adecuado y que haya un ritmo unificado . Entre sus predecesores que se centraron en la dirección se encuentra François Habeneck , quien fundó la Orchestre de la Société des concerts du Conservatoire en 1828, aunque Berlioz se alarmó más tarde por los laxos estándares de ensayo de Habeneck. El pianista y compositor Franz Liszt también fue director de orquesta. El otrora campeón de Wagner, Hans von Bülow (1830-1894), fue particularmente célebre como director, aunque también mantuvo su carrera inicial como pianista, instrumento en el que estaba considerado uno de los más grandes intérpretes.
Bülow elevó los estándares técnicos de la dirección a un nivel sin precedentes mediante innovaciones como ensayos separados y detallados de diferentes secciones de la orquesta ("ensayo seccional"). En sus puestos como director (sucesivamente) de la Ópera Estatal de Baviera , la Orquesta de la Corte de Meiningen y la Filarmónica de Berlín, aportó un nivel de matices y sutileza a la interpretación orquestal que antes sólo se escuchaba en la interpretación instrumental solista, y al hacerlo causó una profunda impresión en los jóvenes. artistas como Richard Strauss , quien a los 20 años ejerció como su asistente, y Felix Weingartner , quien llegó a desaprobar sus interpretaciones pero quedó profundamente impresionado por sus estándares orquestales. El compositor Gustav Mahler también fue un destacado director.
La siguiente generación de directores llevó los estándares técnicos a nuevos niveles, incluido Arthur Nikisch (1855-1922), que sucedió a Bülow como director musical de la Filarmónica de Berlín en 1895. Nikisch estrenó importantes obras de Anton Bruckner y Pyotr Ilyich Tchaikovsky , quienes admiraban mucho a su trabajo; Johannes Brahms , después de escucharlo dirigir su Cuarta Sinfonía , dijo que era "bastante ejemplar, es imposible escucharla mejor". Nikisch llevó a la Orquesta Sinfónica de Londres de gira por los Estados Unidos en abril de 1912, la primera gira americana de una orquesta europea. Hizo una de las primeras grabaciones de una sinfonía completa: la Quinta de Beethoven con la Filarmónica de Berlín en noviembre de 1913. Nikisch fue el primer director cuyo arte fue capturado en una película, por desgracia, en silencio. La película confirma los informes de que hizo un uso particularmente fascinante del contacto visual y la expresión para comunicarse con una orquesta; Directores posteriores como Fritz Reiner afirmaron que este aspecto de su técnica tuvo una fuerte influencia en ellos mismos.
Los directores de orquesta de las generaciones posteriores a Nikisch a menudo dejaron extensas pruebas registradas de sus artes. Dos figuras particularmente influyentes y ampliamente registradas son a menudo tratadas, de manera un tanto inexacta, como antípodas interpretativas. Se trataba del director de orquesta italiano Arturo Toscanini (1867-1957) y del director de orquesta alemán Wilhelm Furtwängler (1886-1954). Toscanini tocó en orquestas bajo la dirección de Giuseppe Verdi e hizo su debut dirigiendo Aida en 1886, reemplazando en el último minuto a un director indispuesto. Hasta el día de hoy, autoridades como James Levine lo consideran el más grande de todos los directores de orquesta de Verdi. Pero el repertorio de Toscanini era amplio, y fue en sus interpretaciones de los sinfonistas alemanes Beethoven y Brahms donde fue particularmente reconocido e influyente, favoreciendo tempos más estrictos y rápidos que un director como Bülow o Wagner. Aún así, su estilo muestra más inflexión de lo que su reputación puede sugerir, y tenía un don especial para revelar detalles y hacer que las orquestas tocaran cantando. Furtwängler, a quien muchos consideran el mejor intérprete de Wagner (aunque Toscanini también fue admirado en este compositor) y Bruckner, dirigieron a Beethoven y Brahms con mucha inflexión del tempo, pero en general de una manera que revelaba la estructura y dirección del música con especial claridad. Fue un compositor e intérprete consumado; y fue discípulo del teórico Heinrich Schenker , quien enfatizó la preocupación por las tensiones y resoluciones armónicas de largo alcance subyacentes en una pieza, una fortaleza de la dirección de Furtwängler. Además de su interés por lo grande, Furtwängler también dio forma a los detalles de la pieza de una manera particularmente convincente y expresiva.
Los dos hombres tenían técnicas muy diferentes: la de Toscanini era de estilo italiano, con un bastón largo y grande y golpes claros (a menudo sin usar la mano izquierda); Furtwängler marcó el compás con menos precisión aparente, porque quería un sonido más redondo (aunque es un mito que su técnica era vaga; muchos músicos han atestiguado que era fácil de seguir a su manera). En cualquier caso, sus ejemplos ilustran un punto más amplio sobre la técnica de dirección en la primera mitad del siglo XX: no estaba estandarizada. Grandes e influyentes directores de orquesta de mediados del siglo XX como Leopold Stokowski (1882-1977), Otto Klemperer (1885-1973), Herbert von Karajan (1908-1989) y Leonard Bernstein (1918-1990), el primer director estadounidense en alcanzar la grandeza. y fama internacional—tenía técnicas muy variadas.
Karajan y Bernstein formaron otra aparente antípoda en las décadas de 1960 y 1980, Karajan como director musical de la Filarmónica de Berlín (1955-1989) y Bernstein como director musical de la Filarmónica de Nueva York (1957-1969) y más tarde director invitado frecuente en Europa. La técnica de Karajan estaba muy controlada y, finalmente, dirigió con los ojos cerrados, ya que a menudo memorizaba partituras; La técnica de Bernstein era demostrativa, con gestos faciales y movimientos de manos y cuerpo muy expresivos; Al dirigir música vocal, Bernstein solía pronunciar las palabras junto con los vocalistas. Karajan podía dirigir durante horas sin mover los pies, mientras que Bernstein era conocido por saltar en el aire en ocasiones en un gran clímax. Como director musical de la Filarmónica de Berlín, Karajan cultivó una belleza de tono cálida y combinada, que a veces ha sido criticada por aplicarse de manera demasiado uniforme; por el contrario, en la única aparición de Bernstein con la Filarmónica de Berlín en 1979, interpretando la Sinfonía n.° 9 de Mahler , intentó que la orquesta produjera un tono "feo" en un determinado pasaje que creía que se adaptaba al significado expresivo de la música. (El primer trompetista se negó y finalmente accedió a dejar tocar a un suplente en lugar de él mismo).
Tanto Karajan como Bernstein hicieron un uso extensivo de los avances en los medios para transmitir su arte, pero de maneras claramente diferentes. Bernstein presentó importantes series de televisión nacionales en horario de máxima audiencia para educar y llegar a los niños y al público en general sobre la música clásica; Karajan hizo una serie de películas al final de su vida, pero en ellas no habló. Ambos hicieron numerosas grabaciones, pero sus actitudes hacia la grabación diferían: Karajan frecuentemente hacía nuevas grabaciones de estudio para aprovechar los avances en la técnica de grabación, lo que lo fascinaba (desempeñó un papel en el establecimiento de las especificaciones del disco compacto), pero Bernstein, en su puesto. -Nueva York, llegó a insistir (en su mayor parte) en la grabación de conciertos en vivo, creyendo que la creación musical no cobraba vida en un estudio sin público.
En el último tercio del siglo XX, la técnica de dirección, particularmente con la mano derecha y la batuta, se volvió cada vez más estandarizada. Directores como Willem Mengelberg en Amsterdam hasta el final de la Segunda Guerra Mundial habían tenido mucho tiempo de ensayo para moldear orquestas con mucha precisión y, por lo tanto, podían tener técnicas idiosincrásicas; Los directores modernos, que pasan menos tiempo con una orquesta determinada, deben obtener resultados con mucho menos tiempo de ensayo. Una técnica más estandarizada permite que la comunicación sea mucho más rápida. Sin embargo, las técnicas de los directores todavía muestran una gran variedad, particularmente en el uso de la mano izquierda, la expresión facial y ocular y el lenguaje corporal.
Las mujeres directoras eran casi desconocidas en las filas de los principales directores de orquesta durante la mayor parte de los siglos XIX y XX, pero hoy en día, artistas como Hortense von Gelmini , [11] Marin Alsop y Simone Young dirigen orquestas. Alsop fue nombrada directora musical de la Orquesta Sinfónica de Baltimore en 2007 (la primera mujer designada para dirigir una orquesta importante de Estados Unidos) y también de la Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo en 2012, y Alsop fue la primera mujer en dirigir la última noche. de Los Proms . Young obtuvo logros similares cuando se convirtió en directora de la Ópera Estatal de Hamburgo y de la Filarmónica de Hamburgo en 2005; También es la primera directora en grabar el Ciclo del Anillo de Richard Wagner . The Guardian calificó la dirección como "uno de los últimos techos de cristal en la industria de la música". [12] Un artículo de 2013 afirma que en Francia, de 574 conciertos, solo 17 fueron dirigidos por mujeres y ninguna mujer dirigió en la Ópera Nacional de París . [13] " Bachtrack informó que en una lista de los 150 mejores directores de orquesta del mundo ese año, sólo cinco eran mujeres". [14] Si bien México ha producido varios directores internacionales importantes, Alondra de la Parra se ha convertido en la primera mujer nacida en México en lograr una distinción en la profesión.
De manera similar, los directores de ascendencia de Asia oriental se han vuelto más prominentes dentro del panorama orquestal contemporáneo, en particular Seiji Ozawa , quien fue director temático de la Orquesta Sinfónica de Boston desde 1973 hasta 2002 después de ocupar puestos similares en San Francisco y Toronto. Myung-Whun Chung , que ha ocupado puestos importantes en Alemania y Francia, está llevando la Orquesta Filarmónica de Seúl a la atención internacional. Los directores de orquesta negros notables incluyen a Henry Lewis , Dean Dixon , James DePreist , Paul Freeman y Michael Morgan . Según el artículo de Charlotte Higgins de 2004 en The Guardian , "los directores negros son raros en el mundo de la música clásica e incluso en las orquestas sinfónicas es inusual ver a más de uno o dos músicos negros". [15]
La dirección es un medio de comunicar direcciones artísticas a los artistas intérpretes o ejecutantes durante una actuación. Aunque existen muchas reglas formales sobre cómo dirigir correctamente, otras son subjetivas y existe una amplia variedad de estilos de dirección diferentes según la formación y la sofisticación del director. Las principales responsabilidades del director son unificar a los intérpretes, establecer el tempo, ejecutar preparaciones y ritmos claros, escuchar críticamente y dar forma al sonido del conjunto, y controlar la interpretación y el ritmo de la música. La comunicación es no verbal durante una actuación; sin embargo, en los ensayos las interrupciones frecuentes permiten dar instrucciones sobre cómo se debe tocar la música. Durante los ensayos el director puede detener la ejecución de una pieza para solicitar cambios en el fraseo o solicitar un cambio en el timbre de una determinada sección. En las orquestas de aficionados, los ensayos a menudo se detienen para llamar la atención de los músicos sobre errores de interpretación o de transposición.
La dirección requiere una comprensión de los elementos de la expresión musical ( tempo , dinámica , articulación ) y la capacidad de comunicarlos eficazmente a un conjunto. También es beneficiosa la capacidad de comunicar matices de fraseo y expresión a través de gestos. Los gestos de dirección los prepara preferiblemente de antemano el director mientras estudia la partitura , pero a veces pueden ser espontáneos. A veces se hace una distinción entre dirección de orquesta y dirección coral. Normalmente, los directores de orquesta utilizan la batuta con más frecuencia que los directores de coro. El agarre del bastón varía de un director a otro.
Al comienzo de una pieza musical, el director levanta la mano (o la mano si solo usa una mano) para indicar que la pieza está por comenzar. Esta es una señal para que los miembros de la orquesta preparen sus instrumentos para tocar o para que los coristas estén listos y mirando. Luego, el director observa las diferentes secciones de la orquesta (vientos, cuerdas, etc.) o coro para asegurarse de que todos los miembros de la orquesta estén listos para tocar y los miembros del coro estén listos. En algunas obras corales, el director puede indicarle a un pianista u organista que toque una nota o un acorde para que los miembros del coro puedan determinar sus notas iniciales. Luego, el director da uno o más tiempos preparatorios para comenzar la música. El tiempo preparatorio antes de que comience la orquesta o el coro es el tiempo optimista . El ritmo de la música normalmente se indica con la mano derecha del director, con o sin batuta. La mano traza una forma en el aire en cada compás (compás) dependiendo del compás , indicando cada tiempo con un cambio de movimiento descendente a ascendente. [16] Las imágenes muestran los patrones de ritmo más comunes, vistos desde el punto de vista del director. [17]
El tiempo fuerte indica el primer tiempo del compás y el tiempo positivo indica el tiempo antes de la primera nota de la pieza y el último tiempo del compás. El instante en el que se produce el latido se llama ictus (plural: ictūs o ictuses ) y suele indicarse mediante un chasquido repentino (aunque no necesariamente grande) de la muñeca o un cambio en la dirección del bastón. En algunos casos, "ictus" también se utiliza para referirse a un plano horizontal en el que todos los ictus están ubicados físicamente, como la parte superior de un atril donde se golpea una batuta en cada ictus. El gesto que conduce al ictus se llama "preparación", y el flujo continuo de latidos constantes se llama " takt " (la palabra alemana para compás, compás y tiempo).
Si el tempo es lento o disminuye, o si el compás es compuesto , un director a veces indicará "subdivisiones" de los tiempos. El director puede hacer esto agregando un movimiento más pequeño en la misma dirección que el movimiento del tiempo al que pertenece.
Los cambios en el tempo se indican cambiando la velocidad del ritmo. Para realizar y controlar un rallentando (ralentizar el ritmo de la música), un director puede introducir subdivisiones de tiempos. Si bien algunos directores utilizan ambas manos para indicar el ritmo, con la mano izquierda reflejando la derecha, la educación formal desaconseja ese enfoque. El segundero se puede utilizar para indicar las entradas de jugadores o secciones individuales y para ayudar a indicar la dinámica, el fraseo, la expresión y otros elementos.
Durante una sección solista instrumental (o, en una orquesta de ópera, durante el solo no acompañado de un vocalista), algunos directores dejan de contar todas las subdivisiones y simplemente tocan la batuta una vez por compás, para ayudar a los intérpretes a contar los compases de silencios.
Existe una diferencia entre la definición del "libro de texto" de dónde ocurre el ictus de un tiempo fuerte y la práctica interpretativa real en orquestas profesionales. Con un acorde sforzando abrupto y fuerte , una orquesta profesional suele tocar ligeramente después de tocar el punto ictus del golpe de batuta.
La dinámica se indica de varias maneras. La dinámica puede comunicarse por el tamaño de los movimientos conductores, las formas más grandes representan sonidos más fuertes. Los cambios en la dinámica se pueden señalar con el segundero para indicar el ritmo: un movimiento hacia arriba (generalmente con la palma hacia arriba) indica un crescendo ; un movimiento hacia abajo (generalmente con la palma hacia abajo) indica un diminuendo . Cambiar el tamaño de los movimientos de dirección frecuentemente resulta en cambios en el carácter de la música dependiendo de las circunstancias. La dinámica se puede afinar mediante varios gestos: mostrar la palma de la mano a los artistas o alejarse de ellos puede demostrar una disminución del volumen. Para ajustar el equilibrio general de los distintos instrumentos o voces, estas señales se pueden combinar o dirigir hacia una sección o intérprete en particular.
La indicación de las entradas, cuándo un intérprete o una sección debe comenzar a tocar (quizás después de un largo período de descanso), se llama "cueing". Un taco debe pronosticar con certeza el momento exacto del ictus que se avecina, de modo que todos los jugadores o cantantes afectados por el taco puedan comenzar a tocar simultáneamente. Las indicaciones son más importantes en los casos en los que un intérprete o una sección no ha estado tocando durante mucho tiempo. Las indicaciones también son útiles en el caso de un punto de pedal con intérpretes de cuerda, cuando una sección ha estado tocando el punto de pedal durante un período prolongado; una señal es importante para indicar cuándo deben cambiar a una nueva nota. Las señales se logran "involucrando" a los jugadores antes de su entrada (mirándolos) y ejecutando un gesto de preparación claro, a menudo dirigido hacia los jugadores específicos. Una inhalación, que puede ser o no un "olfateo" audible del director, es un elemento común en la técnica de indicaciones de algunos directores. En muchos casos, un mero contacto visual o una mirada en dirección general a los intérpretes puede ser suficiente, como cuando más de una sección del conjunto entra al mismo tiempo. Los eventos musicales más importantes pueden justificar el uso de una señal más grande o enfática diseñada para fomentar la emoción y la energía.
La articulación puede estar indicada por el carácter del ictus, que va desde corto y agudo para staccato hasta largo y fluido para legato . Muchos directores cambian la tensión de las manos: los músculos tensos y los movimientos rígidos pueden corresponder al marcato , mientras que las manos relajadas y los movimientos suaves pueden corresponder al legato o espressivo . El fraseo puede indicarse mediante arcos amplios sobre la cabeza o mediante un movimiento suave de la mano, ya sea hacia adelante o de lado a lado. Una nota sostenida a menudo se indica con una mano sostenida con la palma hacia arriba. El final de una nota, llamado "corte" o "liberación", puede indicarse mediante un movimiento circular, el cierre de la palma o el pellizco del índice y el pulgar. Una liberación suele ir precedida de una preparación y concluye con una completa quietud.
Los directores intentan mantener el contacto visual con el conjunto tanto como sea posible, fomentando a cambio el contacto visual y aumentando el diálogo entre los intérpretes/cantantes y el director. Las expresiones faciales también pueden ser importantes para demostrar el carácter de la música o animar a los intérpretes. En algunos casos, como cuando ha habido poco tiempo de ensayo para preparar una pieza, un director puede indicar discretamente cómo se batirán los compases de música inmediatamente antes del inicio del movimiento levantando los dedos frente al pecho (de modo que sólo los artistas pueden ver). Por ejemplo, en un4
4pieza que el director batirá "en dos" (dos puntos ictus o tiempos por compás, como si se tratara2
2), el conductor levantaría dos dedos delante de su pecho.
En la mayoría de los casos, hay una breve pausa entre los movimientos de una sinfonía, un concierto o una suite de danza. Esta breve pausa les da tiempo a los miembros de la orquesta o del coro para pasar las páginas de su parte y prepararse para el inicio del siguiente movimiento. Los instrumentistas de cuerda pueden aplicarse colofonia o secarse el sudor de las manos con un pañuelo. Los jugadores de caña pueden tomarse este tiempo para cambiar a una caña nueva. En algunos casos, los músicos de viento de madera o metal utilizarán la pausa para cambiar a un instrumento diferente (por ejemplo, de trompeta a corneta o de clarinete a clarinete en mi ♭ ). Si el director desea iniciar inmediatamente un movimiento tras otro por motivos musicales, esto se llama attacca . El director indicará a los miembros de la orquesta y coristas que escriban el término en sus partes, de modo que estén listos para pasar inmediatamente al siguiente movimiento.
Los roles de un director varían mucho entre diferentes posiciones de dirección y diferentes conjuntos. En algunos casos, un director también será el director musical de la sinfónica, eligiendo el programa para toda la temporada, incluidos conciertos de directores invitados, concertistas solistas, conciertos de pop, etc. Un director senior puede asistir a algunas o todas las audiciones para nuevos miembros de la orquesta, para garantizar que los candidatos tengan el estilo y el tono de interpretación que prefiere el director y que los candidatos cumplan con los estándares de desempeño. Se contrata a algunos directores corales para preparar un coro durante varias semanas que posteriormente será dirigido por otro director. El director coral suele ser reconocido por su trabajo preparatorio en el programa del concierto.
Algunos directores pueden tener un papel importante en las relaciones públicas, dando entrevistas al canal de noticias local y apareciendo en programas de entrevistas de televisión para promover la próxima temporada o conciertos específicos. Por otro lado, un director contratado para dirigir un solo concierto solo puede tener la responsabilidad de ensayar a la orquesta para varias piezas y dirigir uno o dos conciertos. Si bien un puñado de directores se han convertido en celebridades conocidas, como Leonard Bernstein, la mayoría sólo son conocidos dentro de la escena de la música clásica.
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La dirección coral e instrumental clásica ha establecido sistemas integrales de instrucción y formación. Los aspirantes a directores pueden estudiar en colegios, conservatorios y universidades. Las escuelas de música y las universidades ofrecen una variedad de programas de dirección, incluidos cursos de dirección como parte de las licenciaturas, una pequeña cantidad de títulos de maestría en música en dirección y un número aún menor de títulos de doctorado en artes musicales en dirección. Además, hay una variedad de otros programas de formación, como campamentos de verano de música clásica y festivales de formación, que brindan a los estudiantes la oportunidad de dirigir una amplia gama de música. Los aspirantes a directores deben obtener una educación amplia sobre la historia de la música, incluidos los principales períodos de la música clásica y la teoría musical . Muchos directores aprenden a tocar un instrumento de teclado como el piano o el órgano de tubos , habilidad que les ayuda a poder analizar sinfonías y probar sus interpretaciones antes de tener acceso a una orquesta para dirigir. Muchos directores adquieren experiencia tocando en una orquesta o cantando en un coro, una experiencia que les proporciona una buena idea de cómo se dirigen y ensayan las orquestas y los coros.
Los directores de orquesta suelen tener una maestría en música y los directores de coro en los EE. UU. suelen tener una licenciatura en música. [18] Las licenciaturas (denominadas B.Mus. o BM) son programas de cuatro años que incluyen lecciones de dirección, experiencia en orquesta amateur y una secuencia de cursos de historia de la música, teoría musical y cursos de artes liberales (por ejemplo, inglés literatura), que brindan al estudiante una educación más integral. Los estudiantes no suelen especializarse en dirección en el B.Mus. escenario; en cambio, generalmente desarrollan habilidades musicales generales como cantar, tocar un instrumento orquestal, actuar en un coro, tocar en una orquesta y tocar un instrumento de teclado como el piano o el órgano.
Otro tema que estudian los estudiantes son los lenguajes utilizados en la ópera de música clásica. Se espera que los directores de orquesta puedan ensayar y dirigir coros en obras para orquesta y coro. Como tal, los directores de orquesta deben conocer los principales idiomas utilizados en la escritura coral (incluidos el francés, el italiano y el latín, entre otros) y deben comprender la dicción correcta de estos idiomas en un contexto de canto coral. Lo contrario también es cierto: se espera que un director coral ensaye y dirija una orquesta de cuerdas o una orquesta completa cuando interprete obras para coro y orquesta. Como tal, un director coral necesita saber cómo ensayar y dirigir secciones de instrumentos.
Los títulos de maestría en música (M.mus. o MM) en dirección consisten en lecciones privadas de dirección, experiencia en conjunto, entrenamiento y cursos de posgrado en historia de la música y teoría de la música, junto con uno o dos conciertos dirigidos. Un M.mus. Es a menudo la credencial mínima requerida para las personas que desean convertirse en profesores de dirección. Los títulos de Doctor en Artes Musicales (conocidos como DMA, DMA, D.Mus.A. o A.Mus.D) en dirección brindan una oportunidad de estudios avanzados al más alto nivel artístico y pedagógico, lo que generalmente requiere más de 54 horas de crédito adicionales. más allá de una maestría (que son aproximadamente 30+ créditos más allá de una licenciatura). Por este motivo, la admisión es muy selectiva. Se requieren exámenes de historia de la música, teoría musical, entrenamiento auditivo/dictado y un examen de ingreso y realización de audiciones. Los estudiantes realizan conciertos dirigidos, incluido un concierto combinado dirigido por una conferencia con una tesis doctoral adjunta y cursos avanzados. Por lo general, los estudiantes deben mantener un promedio mínimo de B. Un DMA en dirección es un título terminal y, como tal, califica al titular para enseñar en colegios, universidades y conservatorios. Además de los estudios académicos, otra parte del camino de formación de muchos directores es la dirección de orquestas de aficionados, como orquestas juveniles , orquestas escolares y orquestas comunitarias.
Un pequeño número de directores se convierten en profesionales sin una formación formal en dirección. Estas personas a menudo han alcanzado renombre como intérpretes instrumentales o vocales y, a menudo, han recibido una gran formación en su área de especialización (interpretación instrumental o canto). Algunos directores aprenden en el trabajo dirigiendo orquestas de aficionados, orquestas escolares y orquestas comunitarias (o conjuntos corales equivalentes). [ cita necesaria ]
El salario medio de los directores de orquesta en EE. UU. en 2021 fue de 49.130 dólares. Se pronostica una tasa de crecimiento del 5% para la realización de empleos de 2021 a 2031, una tasa de crecimiento promedio. [18]
La Técnica Alexander es una terapia alternativa popular basada en la noción de que una mala postura fomenta problemas de salud. [19] [20] La Técnica Alexander está destinada a ayudar a los artistas y músicos a identificar y liberar la tensión en el cuerpo. [21] Los directores de orquesta a menudo son entrenados con técnicas similares, enfocándose en mantener la relajación y el equilibrio en la parte superior del cuerpo, ya que los movimientos forzados pueden provocar tensión en nervios, músculos y articulaciones. Muchos conductores lanzan con fuerza el brazo derecho cuando dirigen ritmos, lo que puede provocar dolor de espalda y tensión en el cuello, y especialmente pone al conductor en riesgo de sufrir una lesión en el manguito rotador debido a movimientos repetitivos.
Una revisión de la evidencia proporcionada por el Servicio Nacional de Salud del Reino Unido sugiere que la Técnica Alexander ayuda a aliviar el dolor: "dolor de espalda a largo plazo: las lecciones de la técnica pueden conducir a una reducción de la discapacidad asociada al dolor de espalda y reducir la frecuencia con la que se siente dolor durante hasta un año o más; dolor de cuello a largo plazo: las lecciones de la técnica pueden reducir el dolor de cuello y la discapacidad asociada durante hasta un año o más". [22] Cultivar una conciencia corporal holística permitirá a los directores mantener la longevidad en sus carreras con un mínimo de dolor y lesiones.
