El retrato es un género de la pintura , donde la intención es representar un sujeto humano específico. El término "pintura de retrato" también puede describir el retrato pintado real. Los retratistas pueden crear sus obras por encargo, para personas públicas y privadas, o pueden inspirarse en la admiración o el afecto por el tema. Los retratos a menudo sirven como importantes registros estatales y familiares, así como también como recuerdos.
Históricamente, los retratos han conmemorado principalmente a los ricos y poderosos. Sin embargo, con el tiempo, se volvió más común que los clientes de clase media encargaran retratos de sus familias y colegas. Hoy en día, los retratos todavía son encargados por gobiernos, corporaciones, grupos, clubes e individuos. Además de la pintura, los retratos también se pueden realizar en otros medios como impresiones (incluidos aguafuerte y litografía ), fotografía , vídeo y medios digitales .
Puede parecer obvio que un retrato pintado tiene como objetivo lograr una imagen del retratado que sea reconocible para quienes lo han visto e idealmente sea un muy buen registro de su apariencia. De hecho, este concepto ha tardado en crecer y les llevó siglos a artistas de diferentes tradiciones adquirir las distintas habilidades para pintar una buena imagen.
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Se espera que un retrato bien ejecutado muestre la esencia interna del sujeto (desde el punto de vista del artista) o una representación halagadora, no sólo una semejanza literal. Como afirmó Aristóteles : "El objetivo del arte no es presentar la apariencia exterior de las cosas, sino su significado interior; porque esto, no la forma y los detalles externos, constituye la verdadera realidad". [1] Los artistas pueden esforzarse por lograr el realismo fotográfico o una similitud impresionista al representar su tema, pero esto difiere de una caricatura que intenta revelar el carácter a través de la exageración de los rasgos físicos. El artista generalmente intenta una representación representativa, como dijo Edward Burne-Jones : "La única expresión permitida en un gran retrato es la expresión del carácter y la calidad moral, no nada temporal, fugaz o accidental". [2]
En la mayoría de los casos, esto da como resultado una mirada seria y con los labios cerrados, siendo históricamente bastante raro cualquier cosa más allá de una leve sonrisa. O como dijo Charles Dickens , "sólo hay dos estilos de retrato: el serio y el sonriente". [3] Incluso dadas estas limitaciones, es posible una gama completa de emociones sutiles, desde una silenciosa amenaza hasta una suave satisfacción. Sin embargo, con la boca relativamente neutral, gran parte de la expresión facial debe crearse a través de los ojos y las cejas. Como afirma el autor y artista Gordon C. Aymar, "los ojos son el lugar donde se busca la información más completa, confiable y pertinente" sobre el tema. Y las cejas pueden registrar, "casi por sí solas, asombro, lástima, miedo, dolor, cinismo, concentración, nostalgia, disgusto y expectación, en infinitas variaciones y combinaciones". [4]
La pintura de retratos puede representar el tema "de larga duración " (todo el cuerpo), "media longitud " (desde la cabeza hasta la cintura o las caderas ), "cabeza y hombros " ( busto ), o solo la cabeza. La cabeza del sujeto puede girar desde "cara completa " (vista frontal) avista de perfil (vista lateral); a "La vista de tres cuartos " ("vista de dos tercios") está en algún punto intermedio, desde casi frontal hasta casi de perfil (la fracción es la suma del perfil [la mitad de la cara] más el "cuarto de cara" del otro lado "; [5] alternativamente, se cuantifica 2 ⁄ 3 , lo que también significa que esta vista parcial es más de la mitad de una cara). Ocasionalmente, los artistas han creado composiciones con vistas desde múltiples direcciones, como en el triple retrato de Charles de Anthony van Dyck. I in Three Positions [ 6] Incluso hay algunos retratos en los que el frente del sujeto no es visible en absoluto. 's World (1948), de Andrew Wyeth , es un ejemplo famoso, donde la pose de la mujer discapacitada –con su De espaldas al espectador, se integra con el entorno en el que se encuentra para transmitir la interpretación del artista [7] .
Entre otras variables posibles, el sujeto puede estar vestido o desnudo; adentro o afuera; de pie, sentado, reclinado; incluso montado a caballo. Los retratos pueden ser de individuos, parejas, padres e hijos, familias o grupos colegiados. Se pueden crear en diversos medios, incluidos óleos , acuarelas , pluma y tinta , lápiz , carboncillo , pastel y técnicas mixtas . Los artistas pueden emplear una amplia paleta de colores, como en Mme . Charpentier y sus hijos , 1878 o se limitan a la mayoría de los blancos o negros, como en el Retrato de George Washington (1796) de Gilbert Stuart .
A veces, el tamaño total del retrato es una consideración importante. Los enormes retratos de Chuck Close creados para exhibición en museos difieren mucho de la mayoría de los retratos diseñados para caber en el hogar o para viajar fácilmente con el cliente. Con frecuencia, un artista tiene en cuenta dónde colgará el retrato final y los colores y el estilo de la decoración circundante. [8]
Crear un retrato puede llevar un tiempo considerable y, por lo general, requiere varias sesiones. Cézanne, en un extremo, insistió en más de 100 sesiones de su tema. [9] Goya, en cambio, prefería pasar un largo día sentado. [10] El promedio es de aproximadamente cuatro. [11] Los retratistas a veces presentan a sus modelos una carpeta de dibujos o fotografías de las cuales el modelo selecciona una pose preferida, como lo hizo Sir Joshua Reynolds . Algunos, como Hans Holbein el Joven, hacen un dibujo del rostro y luego completan el resto de la pintura sin el modelo. [12] En el siglo XVIII, normalmente se tardaba alrededor de un año en entregar un retrato completo a un cliente. [13]
Gestionar las expectativas y el estado de ánimo del modelo es una preocupación seria para el retratista. En cuanto a la fidelidad del retrato a la apariencia del modelo, los retratistas son generalmente coherentes en su enfoque. Los clientes que buscaban a Sir Joshua Reynolds sabían que recibirían un resultado halagador, mientras que los modelos de Thomas Eakins sabían que esperaban un retrato realista e implacable. Algunos temas expresan fuertes preferencias, otros dejan que el artista decida por completo. Oliver Cromwell exigió que su retrato mostrara "todas estas asperezas, granos, verrugas y todo lo que me ves, de lo contrario nunca pagaré ni un centavo por ello". [14]
Después de tranquilizar al modelo y fomentar una pose natural, el artista estudia a su sujeto, buscando la expresión facial, entre muchas posibilidades, que satisfaga su concepto de la esencia del modelo. La postura del sujeto también se considera cuidadosamente para revelar el estado físico y emocional del modelo, al igual que el disfraz. Para mantener al modelo interesado y motivado, el artista hábil a menudo mantendrá una conducta y una conversación agradables. Élisabeth Vigée-Lebrun aconsejó a sus compañeros artistas que halagaran a las mujeres y elogiaran su apariencia para conseguir su cooperación en la sesión. [14]
Para la ejecución exitosa del retrato es fundamental el dominio de la anatomía humana . Los rostros humanos son asimétricos y los hábiles retratistas reproducen esto con sutiles diferencias de izquierda a derecha. Los artistas deben conocer la estructura ósea y tisular subyacente para realizar un retrato convincente.
Para composiciones complejas, el artista puede hacer primero un boceto completo a lápiz, tinta, carboncillo o óleo, lo cual es particularmente útil si el tiempo disponible del modelo es limitado. De lo contrario, la forma general y luego una imagen aproximada se esbozan en el lienzo con lápiz, carboncillo o óleo fino. En muchos casos se completa primero el rostro y después el resto. En los estudios de muchos de los grandes retratistas, el maestro solo hacía la cabeza y las manos, mientras que la vestimenta y el fondo los completaban los principales aprendices. Incluso había especialistas externos que manejaban artículos específicos como cortinas y ropa, como Joseph van Aken [15]. En el pasado, algunos artistas usaban figuras laicas o muñecos para ayudar a establecer y ejecutar la pose y la ropa. [16] El uso de elementos simbólicos colocados alrededor del modelo (incluidos signos, objetos domésticos, animales y plantas) se utilizó a menudo para codificar la pintura con el carácter moral o religioso del sujeto, o con símbolos que representaban la ocupación o los intereses del modelo. o estatus social. El fondo puede ser totalmente negro y sin contenido o una escena completa que sitúe al retratado en su medio social o recreativo.
Los autorretratos suelen producirse con la ayuda de un espejo, y el resultado final es un retrato reflejado en un espejo, una inversión de lo que ocurre en un retrato normal cuando el modelo y el artista están uno frente al otro. En un autorretrato, un artista diestro parecería sostener un pincel en la mano izquierda, a menos que el artista corrija deliberadamente la imagen o utilice un segundo espejo invertido mientras pinta.
En ocasiones, el cliente o su familia no está satisfecho con el retrato resultante y el artista se ve obligado a retocarlo o rehacerlo o retirarse del encargo sin recibir pago, sufriendo la humillación del fracaso. El célebre Retrato de Madame Récamier de Jacques-Louis David , muy popular en las exposiciones, fue rechazado por el modelo, al igual que el famoso Retrato de Madame X de John Singer Sargent . El retrato de cuerpo entero de John Trumbull , el general George Washington en Trenton , fue rechazado por el comité que lo encargó. [17] El famoso y quisquilloso Gilbert Stuart respondió una vez a la insatisfacción de un cliente con el retrato de su esposa: "¡Me trajiste una papa y esperas un melocotón!" [18]
Un retrato exitoso, sin embargo, puede ganarse la gratitud del cliente para toda la vida. El Conde Baltasar estaba tan complacido con el retrato que Rafael había creado de su esposa que le dijo al artista: "Tu imagen... sólo puede aligerar mis preocupaciones. Esa imagen es mi deleite; dirijo mis sonrisas hacia ella, es mi alegría". [19]
Las raíces del retrato probablemente se encuentran en tiempos prehistóricos, aunque pocas de estas obras sobreviven en la actualidad. En el arte de las antiguas civilizaciones del Creciente Fértil , especialmente en Egipto, abundan las representaciones de gobernantes y gobernantes como dioses. Sin embargo, la mayoría de ellas se realizaron de forma muy estilizada y la mayoría de perfil, normalmente sobre piedra, metal, arcilla, yeso o cristal. Los retratos egipcios pusieron relativamente poco énfasis en la semejanza, al menos hasta el período de Akenatón en el siglo XIV a.C. Los retratos de personajes notables en China probablemente se remontan a más del año 1000 a. C., aunque ninguno sobrevive de esa época. Los retratos chinos existentes se remontan aproximadamente al año 1000 d. C., [20] pero no pusieron mucho énfasis en el parecido hasta algún tiempo después.
A partir de pruebas literarias sabemos que la pintura griega antigua incluía retratos, a menudo muy precisos si hay que creer en los elogios de los escritores, pero no queda ningún ejemplo pintado. Sobreviven en cierta cantidad cabezas esculpidas de gobernantes y personalidades famosas como Sócrates , y al igual que los bustos individualizados de gobernantes helenísticos en monedas, muestran que los retratos griegos podían lograr una buena semejanza, y los sujetos, al menos las figuras literarias, fueron representados con relativamente pocos halagos. – Los retratos de Sócrates muestran por qué tenía fama de feo. Los sucesores de Alejandro Magno comenzaron la práctica de añadir su cabeza (como una figura deificada ) a sus monedas y pronto empezaron a utilizar las suyas propias.
El retrato romano adoptó tradiciones de retratos tanto de los etruscos como de los griegos, y desarrolló una tradición muy fuerte, vinculada a su uso religioso de los retratos de sus antepasados, así como a la política romana. Una vez más, las pocas supervivencias pintadas, en los retratos de Fayum , la Tumba de Aline y el Tondo de Severo , todos de Egipto bajo el dominio romano, son claramente producciones provinciales que reflejan estilos griegos más que romanos, pero tenemos una gran cantidad de cabezas esculpidas, incluidas muchas retratos individualizados de tumbas de clase media y miles de tipos de retratos de monedas.
El grupo más grande de retratos pintados son las pinturas funerarias que sobrevivieron en el clima seco del distrito egipcio de Fayum (ver ilustración a continuación), que datan del siglo II al IV d.C. Estas son casi las únicas pinturas del período romano que han sobrevivido, aparte de los frescos , aunque se sabe por los escritos de Plinio el Viejo que la pintura de retratos estaba bien establecida en la época griega y la practicaban tanto artistas hombres como mujeres. [21] En su época, Plinio se quejó del estado de decadencia del arte del retrato romano: "La pintura de retratos que solía transmitir a través de los tiempos las semejanzas exactas de las personas, ha desaparecido por completo... La indolencia ha destruido las artes". [22] [23] Estos retratos de rostro completo del Egipto romano son afortunadas excepciones. Presentan un sentido algo realista de proporción y detalle individual (aunque los ojos generalmente son de gran tamaño y la habilidad artística varía considerablemente de un artista a otro). Los retratos de Fayum eran pintados sobre madera o marfil con cera y resina de colores (encáustica) o con témpera , y se insertaban en el envoltorio de la momia, para permanecer con el cuerpo por la eternidad.
Si bien la pintura de retratos independientes disminuyó en Roma, el arte del retrato floreció en las esculturas romanas, donde los modelos exigían realismo, aunque fuera poco halagador. Durante el siglo IV, predominó el retrato esculpido, con un retroceso en favor de un símbolo idealizado de cómo era esa persona. (Compárese con los retratos de los emperadores romanos Constantino I y Teodosio I ). En el período de la Antigüedad tardía , el interés por una semejanza individual disminuyó considerablemente, y la mayoría de los retratos en monedas tardorromanas y dípticos consulares apenas están individualizados, aunque al mismo tiempo paleocristianos El arte estaba desarrollando imágenes bastante estandarizadas para la representación de Jesús y otras figuras importantes del arte cristiano, como Juan Bautista y San Pedro .
La mayoría de los retratos medievales tempranos eran retratos de donantes , inicialmente en su mayoría de papas en mosaicos romanos , y manuscritos iluminados , siendo un ejemplo un autorretrato de la escritora, mística, científica, iluminadora y música Hildegarda de Bingen (1152). [24] Al igual que con las monedas contemporáneas, hubo pocos intentos de establecer una semejanza. Los monumentos funerarios de piedra se difundieron en la época románica . Entre 1350 y 1400, figuras seculares comenzaron a reaparecer en frescos y pinturas sobre paneles , como en Carlos IV recibiendo fidelidad del maestro Teodorico , [25] y los retratos una vez más se convirtieron en semejanzas claras.
Hacia finales de siglo, surgieron en Borgoña y Francia los primeros retratos al óleo de personajes contemporáneos, pintados sobre pequeños paneles de madera, primero como perfiles y luego en otras vistas. El díptico de Wilton de ca. 1400 es uno de los dos retratos sobre tabla que se conservan de Ricardo II de Inglaterra , el primer rey inglés del que tenemos ejemplos contemporáneos.
A finales de la Edad Media , en el siglo XV, la pintura holandesa temprana fue clave para el desarrollo del retrato individualizado. Entre los maestros se encontraban Jan van Eyck , Robert Campin y Rogier van der Weyden , entre otros. Se encargaron retratos pintados sobre paneles bastante pequeños , de menos de la mitad de su tamaño natural, no sólo de figuras de la corte, sino también de quienes, por su vestimenta relativamente sencilla, parecen ser habitantes de la ciudad adinerados. Las miniaturas en manuscritos iluminados también incluían retratos individualizados, generalmente del comisionado. En las pinturas religiosas, los retratos de los donantes comenzaron a mostrarse como presentes, o participando en las principales escenas sagradas mostradas, y en imágenes cortesanas más privadas incluso aparecían sujetos como figuras significativas como la Virgen María .
Si el poeta dice que puede inflamar a los hombres de amor...
el pintor tiene el poder de hacer lo mismo...
en el sentido de que puede poner delante del amante
la verdadera imagen de quien es amado,
haciéndole muchas veces besarlo y hablarle.
–Leonardo da Vinci [26]
Ginevra de' Benci de Leonardo ( c. 1474-148 ) es uno de los primeros retratos en vista de tres cuartos conocidos en el arte italiano. [26]
En parte por interés en el mundo natural y en parte por las culturas clásicas de la antigua Grecia y Roma, a los retratos, tanto pintados como esculpidos, se les dio un papel importante en la sociedad del Renacimiento y se los valoró como objetos y como representaciones del éxito y la prosperidad terrenales. estado. La pintura en general alcanzó un nuevo nivel de equilibrio, armonía y perspicacia, y los más grandes artistas (Leonardo, Miguel Ángel y Rafael) fueron considerados "genios", elevándose muy por encima del estatus de comerciantes hasta convertirse en valiosos servidores de la corte y la iglesia. [27]
Muchas innovaciones en las diversas formas de retrato evolucionaron durante este período fértil. Comenzó la tradición del retrato en miniatura , que se mantuvo popular hasta la era de la fotografía, desarrollándose a partir de las habilidades de los pintores de miniaturas en manuscritos iluminados .
Los retratos de perfil, inspirados en medallones antiguos, fueron particularmente populares en Italia entre 1450 y 1500. Las medallas, con sus imágenes de dos caras, también inspiraron una breve moda de las pinturas de dos caras a principios del Renacimiento. [28] La escultura clásica, como el Apolo Belvedere , también influyó en la elección de las poses utilizadas por los retratistas del Renacimiento, posturas que han seguido utilizándose a lo largo de los siglos. [29]
Los artistas del norte de Europa abrieron el camino en los retratos realistas de temas seculares. El mayor realismo y detalle de los artistas del Norte durante el siglo XV se debió en parte a las pinceladas más finas y a los efectos posibles con los colores al óleo , mientras que los pintores italianos y españoles todavía usaban témpera . Entre los primeros pintores en desarrollar la técnica del óleo se encontraba Jan van Eyck . Los colores al óleo pueden producir más textura y grados de espesor, y se pueden aplicar en capas de manera más efectiva, agregando capas cada vez más gruesas una sobre otra (lo que los pintores conocen como "grasa sobre magra"). Además, los colores al óleo se secan más lentamente, lo que permite al artista realizar cambios fácilmente, como alterar los detalles faciales. Antonello da Messina fue uno de los primeros italianos en aprovechar el petróleo. Formado en Bélgica, se instaló en Venecia alrededor de 1475 y tuvo una gran influencia en Giovanni Bellini y la escuela del norte de Italia. [30] Durante el siglo XVI, el petróleo como medio se extendió por toda Europa, permitiendo representaciones más suntuosas de ropa y joyería. También afectó a la calidad de las imágenes el cambio de la madera al lienzo , que comenzó en Italia a principios del siglo XVI y se extendió al norte de Europa durante el siglo siguiente. El lienzo resiste mejor el agrietamiento que la madera, retiene mejor los pigmentos y necesita menos preparación, pero inicialmente era mucho más escaso que la madera.
Desde el principio, los europeos del norte abandonaron el perfil y comenzaron a producir retratos de volumen y perspectiva realistas. En los Países Bajos, Jan van Eyck fue un retratista destacado. El matrimonio Arnolfini (1434, National Gallery , Londres) es un hito del arte occidental, un ejemplo temprano de retrato de pareja de cuerpo entero, magníficamente pintado con colores ricos y detalles exquisitos. Pero igualmente importante es que muestra la técnica recientemente desarrollada de la pintura al óleo, iniciada por van Eyck, que revolucionó el arte y se extendió por toda Europa. [31]
Destacados retratistas alemanes, incluidos Lucas Cranach , Alberto Durero y Hans Holbein el Joven , dominaron la técnica de la pintura al óleo. Cranach fue uno de los primeros artistas en pintar encargos de tamaño natural, una tradición popular a partir de entonces. [32] En ese momento, Inglaterra no tenía retratistas de primer rango, y los mecenas ingleses demandaban artistas como Holbein. [33] Su pintura de Sir Thomas More (1527), su primer mecenas importante en Inglaterra, tiene casi el realismo de una fotografía. [34] Holbein logró su gran éxito pintando a la familia real, incluido Enrique VIII . Durero fue un destacado dibujante y uno de los primeros artistas importantes en realizar una secuencia de autorretratos, incluida una pintura de rostro completo. También colocó su figura de autorretrato (como espectador) en varias de sus pinturas religiosas. [35] Durero comenzó a hacer autorretratos a la edad de trece años. [36] Más tarde, Rembrandt ampliaría esa tradición.
En Italia, Masaccio abrió el camino en la modernización del fresco adoptando una perspectiva más realista. Filippo Lippi abrió el camino en el desarrollo de contornos más nítidos y líneas sinuosas [37] y su alumno Rafael extendió el realismo en Italia a un nivel mucho más alto en las décadas siguientes con sus monumentales pinturas murales. [38] Durante esta época, el retrato de esponsales se hizo popular, una especialidad particular de Lorenzo Lotto . [39] Durante el Renacimiento temprano, los retratos eran generalmente pequeños y a veces cubiertos con tapas protectoras, con bisagras o corredizas. [40]
Durante el Renacimiento, la nobleza florentina y milanesa, en particular, quería representaciones más realistas de sí mismas. El desafío de crear vistas completas y de tres cuartos convincentes estimuló la experimentación y la innovación. Sandro Botticelli , Piero della Francesca , Domenico Ghirlandaio , Lorenzo di Credi y Leonardo da Vinci y otros artistas ampliaron su técnica en consecuencia, añadiendo el retrato a temas religiosos y clásicos tradicionales. Leonardo y Pisanello estuvieron entre los primeros artistas italianos en añadir símbolos alegóricos a sus retratos seculares. [38]
Uno de los retratos más conocidos en el mundo occidental es el cuadro de Leonardo da Vinci titulado Mona Lisa , llamado así por Lisa del Giocondo , [41] [42] [43] miembro de la familia Gherardini de Florencia y Toscana y esposa de el rico comerciante de seda florentino Francesco del Giocondo. La famosa "sonrisa de Mona Lisa" es un excelente ejemplo de cómo aplicar una sutil asimetría a un rostro. En sus cuadernos, Leonardo aconseja sobre las cualidades de la luz en el retrato:
Un grado muy alto de gracia en la luz y la sombra se añade a los rostros de aquellos que se sientan en las puertas de las habitaciones que están oscuras, donde los ojos del observador ven la parte ensombrecida del rostro oscurecida por las sombras de la habitación. y ver la parte iluminada del rostro con el mayor brillo que le da el aire. A través de este aumento de las sombras y las luces, se le da mayor relieve al rostro. [44]
Leonardo fue alumno de Verrocchio . Tras convertirse en miembro del Gremio de Pintores, empezó a aceptar encargos independientes. Debido a sus amplios intereses y de acuerdo con su mentalidad científica, su producción de dibujos y estudios preliminares es inmensa, aunque su producción artística terminada es relativamente pequeña. Sus otros retratos memorables incluyeron los de las mujeres nobles Ginevra de' Benci y Cecilia Gallerani . [45]
Los retratos por encargo de Rafael que se conservan son mucho más numerosos que los de Leonardo y muestran una mayor variedad de poses, iluminación y técnica. En lugar de producir innovaciones revolucionarias, el gran logro de Rafael fue fortalecer y refinar las corrientes en evolución del arte renacentista. [46] Era particularmente experto en el retrato de grupo. Su obra maestra, la Escuela de Atenas , es uno de los grupos de frescos más importantes y contiene retratos de Leonardo, Miguel Ángel, Bramante y el propio Rafael, disfrazados de filósofos antiguos. [47] No fue el primer retrato grupal de artistas. Décadas antes, Paolo Uccello había pintado un retrato de grupo que incluía a Giotto , Donatello , Antonio Manetti y Brunelleschi . [35] A medida que ascendía en prominencia, Rafael se convirtió en el retratista favorito de los papas. Si bien muchos artistas del Renacimiento aceptaron con entusiasmo los encargos de retratos, algunos artistas los rechazaron, sobre todo Miguel Ángel , rival de Rafael , quien en su lugar emprendió los enormes encargos de la Capilla Sixtina . [38]
En Venecia, alrededor de 1500, Gentile Bellini y Giovanni Bellini dominaron la pintura de retratos. Recibieron las más altas comisiones de los principales funcionarios del estado. El retrato de Bellini del Dux Loredan está considerado uno de los mejores retratos del Renacimiento y demuestra hábilmente el dominio del artista de las recién llegadas técnicas de pintura al óleo. [48] Bellini es también uno de los primeros artistas en Europa en firmar sus obras, aunque rara vez las fecha. [49] Más adelante, en el siglo XVI, Tiziano asumió prácticamente el mismo papel, particularmente ampliando la variedad de poses y sentadas de sus súbditos reales. Tiziano fue quizás el primer gran retratista infantil. [50] Después de Tiziano, Tintoretto y Veronés se convirtieron en destacados artistas venecianos, contribuyendo a la transición al manierismo italiano . Los manieristas contribuyeron con muchos retratos excepcionales que enfatizaban la riqueza material y poses elegantemente complejas, como en las obras de Agnolo Bronzino y Jacopo da Pontormo . Bronzino se hizo famoso interpretando a la familia Medici . Su atrevido retrato de Cosme I de' Medici muestra al austero gobernante con armadura y una mirada cautelosa mirando hacia su extremo derecho, en marcado contraste con la mayoría de las pinturas reales que muestran a sus modelos como soberanos benignos. [51] El Greco , que se formó en Venecia durante doce años, tomó una dirección más extrema tras su llegada a España, enfatizando su "visión interior" del modelo hasta el punto de disminuir la realidad de la apariencia física. [52] Una de las mejores retratistas de la Italia del siglo XVI fue Sofonisba Anguissola de Cremona, quien infundió a sus retratos individuales y grupales nuevos niveles de complejidad.
El retrato de la corte en Francia comenzó cuando el artista flamenco Jean Clouet pintó su opulento retrato de Francisco I de Francia alrededor de 1525. [53] El rey Francisco fue un gran mecenas de artistas y un avaricioso coleccionista de arte que invitó a Leonardo da Vinci a vivir en Francia durante su posterior años. La Mona Lisa se quedó en Francia después de la muerte de Leonardo allí. [53]
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Durante los períodos barroco y rococó (siglos XVII y XVIII, respectivamente), los retratos se convirtieron en registros aún más importantes de estatus y posición. En una sociedad dominada cada vez más por líderes seculares en cortes poderosas, las imágenes de figuras vestidas opulentamente eran un medio para afirmar la autoridad de individuos importantes. Los pintores flamencos Sir Anthony van Dyck y Peter Paul Rubens se destacaron en este tipo de retratos, mientras que Jan Vermeer produjo retratos principalmente de la clase media, trabajando y jugando en interiores. El retrato de Rubens de él y su primera esposa (1609) en traje de boda es un ejemplo virtuoso del retrato de pareja. [55] La fama de Rubens se extendió más allá de su arte: fue cortesano, diplomático, coleccionista de arte y exitoso hombre de negocios. Su estudio fue uno de los más extensos de la época, empleando especialistas en bodegones, paisajes, animales y escenas de género, además del retrato. Van Dyck entrenó allí durante dos años. [56] Carlos I de Inglaterra empleó por primera vez a Rubens, luego importó a Van Dyck como su pintor de la corte, nombrándolo caballero y otorgándole un estatus cortesano. Van Dyck no sólo adaptó los métodos de producción y las habilidades comerciales de Rubens, sino también sus elegantes modales y su apariencia. Como quedó registrado, "siempre iba magníficamente vestido, tenía un equipo numeroso y galante, y mantenía una mesa tan noble en su apartamento, que pocos príncipes no eran más visitados o mejor atendidos". [57] En Francia, Hyacinthe Rigaud dominó de la misma manera, como un notable cronista de la realeza, pintando los retratos de cinco reyes franceses. [58]
Una de las innovaciones del arte renacentista fue la representación mejorada de las expresiones faciales para acompañar diferentes emociones. En particular, el pintor holandés Rembrandt exploró las múltiples expresiones del rostro humano, especialmente como uno de los principales autorretratos (de los cuales pintó más de 60 durante su vida). [59] Este interés por el rostro humano también fomentó la creación de las primeras caricaturas, atribuidas a la Accademia degli Incamminati , dirigida por pintores de la familia Carracci a finales del siglo XVI en Bolonia, Italia.
Los retratos de grupo se produjeron en gran número durante el período barroco, especialmente en los Países Bajos. A diferencia del resto de Europa, los artistas holandeses no recibieron encargos de la Iglesia calvinista, que había prohibido este tipo de imágenes, ni de la aristocracia, que era prácticamente inexistente. En cambio, las comisiones provinieron de asociaciones cívicas y empresariales. El pintor holandés Frans Hals utilizó pinceladas fluidas y de colores vivos para animar sus retratos de grupo, incluidos los de la guardia civil a la que pertenecía. Rembrandt se benefició enormemente de estos encargos y de la apreciación general del arte por parte de los clientes burgueses, que apoyaban tanto el retrato como la pintura de naturalezas muertas y paisajes. Además, en aquella época florecieron en Holanda los primeros mercados importantes de arte y marchantes. [60]
Con mucha demanda, Rembrandt pudo experimentar con composiciones y técnicas poco convencionales, como el claroscuro . Demostró estas innovaciones, de las que fueron pioneros maestros italianos como Caravaggio , sobre todo en su famosa Ronda de noche (1642). [61] La lección de anatomía del Dr. Tulp (1632) es otro buen ejemplo del dominio de Rembrandt en la pintura grupal, en la que baña el cadáver con luz brillante para llamar la atención sobre el centro de la pintura mientras la ropa y el fondo se funden en negro, resaltando los rostros del cirujano y de los estudiantes. También es el primer cuadro que Rembrandt firmó con su nombre completo. [62]
En España, Diego Velázquez pintó Las Meninas (1656), uno de los retratos de grupo más famosos y enigmáticos de todos los tiempos. Rinde homenaje al artista y a los hijos de la familia real española, y aparentemente los retratados son la pareja real, que se ve sólo como reflejos en un espejo. [63] Comenzando principalmente como un pintor de género, Velázquez rápidamente saltó a la prominencia como pintor de la corte de Felipe IV , sobresaliendo en el arte del retrato, particularmente en ampliar la complejidad de los retratos de grupo. [64]
Los artistas rococó, particularmente interesados en la ornamentación rica e intrincada, fueron maestros del retrato refinado. Su atención a los detalles de la vestimenta y la textura aumentó la eficacia de los retratos como testimonio de la riqueza mundana, como lo demuestran los famosos retratos de Madame de Pompadour de François Boucher ataviada con ondulantes vestidos de seda.
Los primeros retratistas nativos importantes de la escuela británica fueron los pintores ingleses Thomas Gainsborough y Sir Joshua Reynolds , quienes también se especializaron en vestir a sus sujetos de manera llamativa. Blue Boy de Gainsborough es uno de los retratos más famosos y reconocidos de todos los tiempos, pintado con pinceles muy largos y óleo fino para lograr el efecto brillante del traje azul. [66] Gainsborough también se destacó por sus elaborados escenarios de fondo para sus sujetos.
Los dos artistas británicos tenían opiniones opuestas sobre el uso de asistentes. Reynolds los empleaba regularmente (a veces él mismo solo hacía el 20 por ciento de la pintura), mientras que Gainsborough rara vez lo hacía. [67] A veces, un cliente obtenía una promesa del artista, como lo hizo Sir Richard Newdegate del retratista Peter Lely (sucesor de van Dyck en Inglaterra), quien prometió que el retrato sería "desde el principio hasta el final, dibujado con mis propias manos". ". [68] A diferencia de la exactitud empleada por los maestros flamencos, Reynolds resumió su enfoque del retrato afirmando que "la gracia y, podemos agregar, la semejanza, consiste más en tomar el aire general que en observar la similitud exacta". de cada característica." [69] También se destacó en Inglaterra William Hogarth , quien se atrevió a oponerse a los métodos convencionales introduciendo toques de humor en sus retratos. Su "Autorretrato con Pug" es claramente más una visión humorística de su mascota que una pintura autoindulgente. [70]
En el siglo XVIII, las pintoras adquirieron una nueva importancia, especialmente en el campo del retrato. Entre las artistas femeninas notables se incluyen la pintora francesa Élisabeth Vigée-Lebrun , la pastelera italiana Rosalba Carriera y la artista suiza Angelica Kauffman . También durante ese siglo, antes de la invención de la fotografía, los retratos en miniatura, pintados con una precisión increíble y a menudo encerrados en relicarios de oro o esmaltados, eran muy valorados.
En los Estados Unidos, John Singleton Copley , educado a la refinada manera británica, se convirtió en el principal pintor de retratos en tamaño natural y en miniatura, siendo especialmente bien considerados sus cuadros hiperrealistas de Samuel Adams y Paul Revere . Copley también se destaca por sus esfuerzos por fusionar el retrato con el arte académicamente más venerado de la pintura histórica , lo que intentó con sus retratos grupales de militares famosos. [71] Igualmente famoso fue Gilbert Stuart , quien pintó más de 1.000 retratos y fue especialmente conocido por sus retratos presidenciales. Stuart pintó más de 100 réplicas solo de George Washington . [72] Stuart trabajó rápidamente y empleó pinceladas más suaves y menos detalladas que Copley para capturar la esencia de sus sujetos. A veces hacía varias versiones para un cliente, permitiendo al modelo elegir su favorita. [73] Conocido por sus mejillas sonrosadas, Stuart escribió: "La carne no se parece a ninguna otra sustancia bajo el cielo. Tiene toda la alegría de la tienda de seda sin su brillo llamativo, y toda la suavidad de la caoba vieja, sin su brillo". tristeza." [74] Otros retratistas estadounidenses destacados de la época colonial fueron John Smibert , Thomas Sully , Ralph Earl , John Trumbull , Benjamin West , Robert Feke , James Peale , Charles Willson Peale y Rembrandt Peale .
A finales del siglo XVIII y principios del XIX, los artistas neoclásicos continuaron la tradición de representar sujetos a la última moda, lo que para las mujeres de entonces significaba vestidos diáfanos derivados de los estilos de vestimenta de los antiguos griegos y romanos. Los artistas utilizaron luz dirigida para definir la textura y la simple redondez de rostros y extremidades. Los pintores franceses Jacques-Louis David y Jean-Auguste-Dominique Ingres demostraron virtuosismo en esta técnica de dibujante, así como un buen ojo para los personajes. Ingres, un alumno de David, se destaca por sus retratos en los que se pinta un espejo detrás del sujeto para simular una vista posterior del sujeto. [75] Su retrato de Napoleón en su trono imperial es un tour de force del retrato real. (ver galería a continuación)
Los artistas románticos que trabajaron durante la primera mitad del siglo XIX pintaron retratos de líderes inspiradores, mujeres hermosas y sujetos agitados, utilizando pinceladas vivas e iluminación dramática, a veces de mal humor. Los artistas franceses Eugène Delacroix y Théodore Géricault pintaron retratos particularmente bellos de este tipo, especialmente de gallardos jinetes. [76] Un ejemplo notable de artista del período romántico en Polonia , que practicó un retrato de jinete fue Piotr Michałowski (1800-1855). También es digna de mención la serie de retratos de pacientes mentales de Géricault (1822-1824). El pintor español Francisco de Goya pintó algunas de las imágenes más inquisitivas y provocativas de la época, incluida La maja desnuda (c. 1797-1800), así como famosos retratos de la corte de Carlos IV .
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Los artistas realistas del siglo XIX, como Gustave Courbet , crearon retratos objetivos de personas de clase media y baja. Demostrando su romanticismo, Courbet pintó varios autorretratos mostrándose en distintos estados de ánimo y expresiones. [77] Otros realistas franceses incluyen a Honoré Daumier , quien produjo muchas caricaturas de sus contemporáneos. Henri de Toulouse-Lautrec hizo una crónica de algunos de los artistas famosos del teatro, incluida Jane Avril, capturándolos en movimiento. [78] El pintor francés Édouard Manet , fue un importante artista de transición cuya obra oscila entre el realismo y el impresionismo . Fue un retratista de extraordinaria perspicacia y técnica, siendo su pintura de Stéphane Mallarmé un buen ejemplo de su estilo de transición. Su contemporáneo Edgar Degas fue principalmente un realista y su cuadro Retrato de la familia Bellelli es una representación reveladora de una familia infeliz y uno de sus mejores retratos. [79]
En Estados Unidos, Thomas Eakins reinó como el principal retratista, llevando el realismo a un nuevo nivel de franqueza, especialmente con sus dos retratos de cirujanos en el trabajo, así como de atletas y músicos en acción. En muchos retratos, como "Retrato de la Sra. Edith Mahon", Eakins transmite audazmente las poco halagadoras emociones de tristeza y melancolía. [80]
La mayoría de los realistas dieron paso a los impresionistas en la década de 1870. En parte debido a sus escasos ingresos, muchos de los impresionistas dependían de familiares y amigos para que les modelaran, y pintaban grupos íntimos y figuras individuales ya sea al aire libre o en interiores llenos de luz. Destacados por sus superficies brillantes y sus ricas pinceladas, los retratos impresionistas suelen ser encantadoramente íntimos y atractivos. Los pintores franceses Claude Monet y Pierre-Auguste Renoir crearon algunas de las imágenes más populares de modelos individuales y grupos. La artista estadounidense Mary Cassatt , que se formó y trabajó en Francia, es popular incluso hoy en día por sus atractivas pinturas de madres y niños, al igual que Renoir. [81] Paul Gauguin y Vincent van Gogh , ambos postimpresionistas , pintaron retratos reveladores de personas que conocían, de colores arremolinados pero no necesariamente halagadores. Son igualmente célebres, si no más, por sus poderosos autorretratos.
John Singer Sargent también abarcó el cambio de siglo, pero rechazó el impresionismo y el postimpresionismo abiertos. Fue el retratista de mayor éxito de su época, utilizando una técnica mayoritariamente realista, a menudo irradiada por el brillante uso del color. Era igualmente apto para retratos individuales y grupales, particularmente de familias de clase alta. Sargent nació en Florencia, Italia, de padres estadounidenses. Estudió en Italia y Alemania, y en París. Se considera que Sargent es el último gran exponente de la tradición del retrato británico que comienza con Van Dyck. [81] Otro destacado retratista estadounidense que se formó en el extranjero fue William Merritt Chase . La pintora de sociedad estadounidense Cecilia Beaux , llamada la "mujer sargento", nació de padre francés, estudió en el extranjero y obtuvo éxito en casa, siguiendo los métodos tradicionales. Otro retratista comparado con Sargent por su exuberante técnica fue el artista parisino de origen italiano Giovanni Boldini , amigo de Degas y Whistler .
El internacionalista estadounidense James Abbott McNeill Whistler tenía buenos contactos con artistas europeos y también pintó algunos retratos excepcionales, el más famoso su Arreglo en gris y negro, La madre del artista (1871), también conocido como La madre de Whistler . [82] Incluso con sus retratos, como con sus paisajes tonales, Whistler quería que sus espectadores se centraran en la disposición armónica de la forma y el color en sus pinturas. Whistler utilizó una paleta tenue para crear los efectos deseados, enfatizando el equilibrio de color y los tonos suaves. Como afirmó, "así como la música es la poesía del sonido, la pintura también lo es la poesía de la vista, y el tema no tiene nada que ver con la armonía del sonido o del color". [83] La forma y el color también fueron centrales en los retratos de Cézanne , mientras que el color y la técnica de pincelada aún más extremos dominan los retratos de André Derain y Henri Matisse . [84]
El desarrollo de la fotografía en el siglo XIX tuvo un efecto significativo en el retrato, suplantando a la anterior cámara oscura que también se había utilizado anteriormente como ayuda en la pintura. Muchos modernistas acudieron en masa a los estudios de fotografía para hacerse retratos, incluido Baudelaire quien, aunque proclamó la fotografía como "enemiga del arte", se sintió atraído por la franqueza y el poder de la fotografía. [85] Al proporcionar una alternativa barata, la fotografía suplantó gran parte del nivel más bajo de pintura de retratos. Algunos artistas realistas, como Thomas Eakins y Edgar Degas , se entusiasmaron con la fotografía con cámara y la consideraron una ayuda útil para la composición. Desde los impresionistas en adelante, los retratistas encontraron innumerables formas de reinterpretar el retrato para competir eficazmente con la fotografía. [86] Sargent y Whistler estuvieron entre los estimulados a ampliar su técnica para crear efectos que la cámara no podía capturar.
Otros artistas de principios del siglo XX también ampliaron el repertorio del retrato en nuevas direcciones. El artista fauvista Henri Matisse produjo retratos poderosos utilizando colores no naturalistas, incluso llamativos, para los tonos de piel. Cézanne se basó en formas muy simplificadas en sus retratos, evitando los detalles y enfatizando las yuxtaposiciones de color. [88] El estilo único del austriaco Gustav Klimt aplicó motivos bizantinos y pintura dorada a sus memorables retratos. Su alumno Oskar Kokoschka fue un importante retratista de la clase alta vienesa. El prolífico artista español Pablo Picasso pintó muchos retratos, incluidas varias representaciones cubistas de sus amantes, en las que la imagen del sujeto está enormemente distorsionada para lograr una declaración emocional mucho más allá de los límites de la caricatura normal. [89] Una destacada retratista de principios del siglo XX, asociada con el impresionismo francés , fue Olga Boznańska (1865-1940).Los pintores expresionistas proporcionaron algunos de los estudios psicológicos más inquietantes y convincentes jamás realizados. Artistas alemanes como Otto Dix y Max Beckmann produjeron ejemplos notables de retratos expresionistas. Beckmann fue un prolífico autorretrato y produjo al menos veintisiete. [90] Amedeo Modigliani pintó muchos retratos en su estilo alargado que depreciaba la "persona interior" en favor de estudios estrictos de forma y color. Para ayudar a lograr esto, restó importancia a los ojos y las cejas normalmente expresivos hasta el punto de crear hendiduras ennegrecidas y arcos simples. [91]
El arte británico estuvo representado por los vorticistas , que pintaron algunos retratos notables a principios del siglo XX. El pintor dadaísta Francis Picabia realizó numerosos retratos a su manera. Además, los retratos de Tamara de Lempicka capturaron con éxito la era Art Deco con sus curvas estilizadas, colores ricos y ángulos agudos. En Estados Unidos, Robert Henri y George Bellows fueron excelentes retratistas de las décadas de 1920 y 1930 de la escuela realista estadounidense. Max Ernst produjo un ejemplo de retrato colegiado moderno con su cuadro de 1922 Todos los amigos juntos . [92]
Los artistas rusos, que trabajaban principalmente en las tradiciones de la pintura realista y figurativa, hicieron una contribución significativa al desarrollo del retrato en los años 1930-2000. Entre ellos cabe mencionar a Isaak Brodsky , Nikolai Fechin , Abram Arkhipov y otros. [93]
La producción de retratos en Europa (excluyendo Rusia) y América disminuyó en general en las décadas de 1940 y 1950, como resultado del creciente interés por la abstracción y el arte no figurativo. Una excepción, sin embargo, fue Andrew Wyeth , quien se convirtió en el principal retratista realista estadounidense. En Wyeth, el realismo, aunque manifiesto, es secundario frente a las cualidades tonales y el estado de ánimo de sus pinturas. Esto lo demuestra acertadamente su emblemática serie de pinturas conocidas como los cuadros "Helga", el mayor grupo de retratos de una sola persona realizado por un artista importante (247 estudios de su vecina Helga Testorf, vestida y desnuda, en distintos entornos, pintados durante el período 1971-1985). [94]
En las décadas de 1960 y 1970, hubo un resurgimiento del retrato. Artistas ingleses como Lucian Freud (nieto de Sigmund Freud ) y Francis Bacon han producido pinturas poderosas. Los retratos de Bacon destacan por su calidad de pesadilla. En mayo de 2008, el retrato de Freud de 1995 Supervisor de beneficios durmiendo fue vendido en una subasta por Christie's en la ciudad de Nueva York por 33,6 millones de dólares, estableciendo un récord mundial en el valor de venta de una pintura de un artista vivo. [95]
Muchos artistas estadounidenses contemporáneos, como Andy Warhol , Alex Katz y Chuck Close , han hecho del rostro humano un punto central de su trabajo.
Warhol fue uno de los retratistas más prolíficos del siglo XX. La pintura de Warhol Orange Shot Marilyn de Marilyn Monroe es un ejemplo temprano icónico de su trabajo de la década de 1960, y Orange Prince (1984) del cantante pop Prince es un ejemplo posterior, y ambos exhiben el estilo gráfico de retrato único de Warhol. [96] [97] [98] [99]
La especialidad de Close eran los retratos de "cabezas" enormes, hiperrealistas, del tamaño de una pared, basados en imágenes fotográficas. Jamie Wyeth continúa la tradición realista de su padre Andrew y produce retratos famosos cuyos temas van desde presidentes hasta cerdos.
La tradición persa de las miniaturas evitó durante mucho tiempo dar a las figuras rasgos faciales individualizados, en parte por motivos religiosos, para evitar cualquier atisbo de idolatría . Los gobernantes del mundo islámico nunca pusieron sus imágenes en sus monedas, y su apariencia no formó parte de su esfuerzo de relaciones públicas como lo hizo en Occidente. Incluso cuando está claro que una escena muestra a la corte del príncipe encargando la obra, los rasgos de la figura principal tienen los mismos rasgos de aspecto chino que el resto. Esta convención duradera parece derivar del inicio de la tradición en miniatura bajo los ilkhanids mongoles , pero les sobrevivió mucho tiempo.
Cuando la tradición persa se desarrolló como la miniatura mogol en la India, las cosas cambiaron rápidamente. A diferencia de sus predecesores persas, los mecenas mogoles pusieron gran énfasis en las semejanzas naturalistas detalladas de todas las formas naturales desconocidas de su nuevo imperio, como animales, pájaros y plantas. Tenían la misma actitud hacia los retratos humanos, y los retratos individuales, normalmente de perfil, se convirtieron en una característica importante de la tradición. Esto recibió un énfasis particular bajo el emperador Akbar el Grande , quien parece haber sido disléxico y apenas sabía leer o escribir. Tenía un gran álbum ( muraqqa ) hecho con retratos de todos los miembros principales de su enorme corte, y lo utilizó al considerar nombramientos con sus asesores en todo el imperio. [100]
Los emperadores posteriores, especialmente Jahangir y Shah Jahan , hicieron un gran uso de retratos en miniatura idealizados de sí mismos como forma de propaganda, distribuyéndolos entre aliados importantes. Estos a menudo presentaban halos más grandes que los que se les dan a cualquier figura religiosa. Tales imágenes difundieron la idea del retrato del gobernante a cortes más pequeñas, de modo que en el siglo XVIII muchos pequeños rajás contrataban artistas de la corte para retratarlos disfrutando de actividades principescas en imágenes bastante estilizadas que combinan sentidos de informalidad y majestuosidad.
Las miniaturas otomanas generalmente tenían figuras con rostros aún menos individualizados que sus equivalentes persas, pero se desarrolló un género de pequeños retratos de varones de la familia imperial. Tenían rasgos muy individuales y bastante exagerados, algunos rayando en la caricatura ; probablemente sólo fueron vistos por un círculo muy restringido.
La dinastía persa Qajar , a partir de 1781, adoptó grandes retratos reales al óleo, así como miniaturas y tapices textiles. Éstos tienden a estar dominados por los magníficos trajes y las largas barbas de los shas.
La pintura de retratos china tardó en desear o lograr una semejanza real. Muchos "retratos" eran de figuras famosas del pasado y mostraban una idea de cómo debería verse esa persona. El clero budista, especialmente en la escultura, fue una especie de excepción a esto. Los retratos del emperador nunca se vieron en público durante mucho tiempo, en parte por temor a que el maltrato pudiera deshonrar al emperador o incluso causarle mala suerte. A los ministros de mayor rango se les permitía una vez al año rendir homenaje a las imágenes de la galería imperial de retratos de antepasados, como un honor especial.
Durante la dinastía Han , el surgimiento del confucianismo , que consideraba al ser humano como el centro del universo y de la sociedad, llevó a centrarse en el estudio psicológico. Mientras tanto, los eruditos taoístas iniciaron el estudio de la fisonomía . Los intereses combinados por las características físicas y psicológicas humanas provocaron un crecimiento en la biografía y el retrato. Los retratos creados durante la dinastía Han se consideraron prototipos de los primeros retratos chinos, la mayoría de los cuales se encontraron en las paredes de los pasillos del palacio, las cámaras funerarias y los santuarios de ofrendas. Por ejemplo, la figura grabada de un hombre encontrada en una tumba del oeste de Henan que data del siglo III a. C. indica la observación y el deseo del pintor de crear figuras vivas. Sin embargo, los sujetos de la mayoría de los retratos murales son figuras anónimas que conversan. A pesar de la vívida representación de los rasgos físicos y las expresiones faciales, debido a la falta de identidad y al estrecho vínculo con el contexto narrativo, muchos estudiosos clasifican estas pinturas murales de la dinastía Han como "figuras de personajes en acción" en lugar de semejanzas reales de individuos específicos. [101]
La dinastía Jin fue uno de los períodos más turbulentos de la historia antigua de China. Después de décadas de guerras entre los tres estados de Wei , Shu y Wu del 184 al 280 d.C., Sima Yan finalmente fundó la dinastía Jin Occidental en el 266 d.C. El inestable entorno sociopolítico y la decadente autoridad imperial dieron como resultado una transición del confucianismo al neodaoísmo . A medida que florecía la actitud de romper con la jerarquía social y el decoro, la autoexpresión y el individualismo comenzaron a crecer entre la intelectualidad.
Los siete sabios del bosque de bambú y Rong Qiqi es una pintura en relieve sobre azulejos encontrada en una tumba con cámara de ladrillos de la dinastía Jin en Nanjing . El relieve tiene 96 pulgadas de largo y 35 pulgadas de ancho, con más de 300 ladrillos. Es una de las pinturas en relieve con hilos mejor conservadas de la dinastía Jin y refleja una artesanía de alta calidad. Hay dos partes del relieve y cada una contiene cuatro retratos de figuras. Según los nombres inscritos junto a las figuras, de arriba a abajo y de izquierda a derecha, las ocho figuras son Rong Qiqi , Ruan Xian , Liu Ling , Xiang Xiu , Ji Kang , Ruan Ji , Shan Tao . y Wang Rong . Además de Rong Qiqi, las otras siete personas eran famosos eruditos neodaoístas de la dinastía Jin y eran conocidos como los " Siete Sabios del Bosque de Bambú ". Eran intelectuales eminentes con talento en literatura, música o filosofía. El relieve representa una escena narrativa de los ocho caballeros cultivados sentados en el suelo de la arboleda realizando diversas actividades. Las figuras fueron retratadas en una postura relajada y ensimismada, vistiendo prendas holgadas y descalzos.
Las inscripciones de nombres registradas históricamente junto a las figuras hacen que la pintura en relieve funcione como "un retrato que representa a personas específicas". [102] Además, los detalles iconográficos de cada figura basados en la biografía brindan un grado de individualización. Por ejemplo, la biografía de Liu Ling en el Libro de Jin registra su obsesión por el alcohol. En la pintura en relieve, la figura de Liu Ling se sienta en una postura informal con una rodilla curvada y sostiene un erbei , un recipiente para alcohol, mientras sumerge la otra mano en la taza para probar la bebida. El retrato refleja la esencia de las características y el temperamento de Liu Ling. La figura de Ruan Xian, famoso por su talento musical según el Libro de Jin, toca una flauta en el retrato.
Gu Kaizhi , uno de los artistas más famosos de la dinastía Jin Oriental, enseñó en su libro Sobre la pintura cómo reflejar las características del modelo mediante una representación precisa de los rasgos físicos . También destacó la captura del espíritu del modelo a través de una vívida representación de los ojos. [101]
Durante la dinastía Tang , hubo un aumento de la humanización y personalización en la pintura de retratos. Debido a la influencia del budismo , el retrato pictórico adoptó un aspecto más realista, especialmente en los retratos de los monjes. La creencia en la "incorruptibilidad temporal" del cuerpo inmortal en el budismo Mahayana vinculaba la presencia en una imagen con la presencia en la realidad. El retrato era considerado la encarnación visual y el sustituto de una persona real. Por tanto, la verdadera semejanza era muy valorada en las pinturas y estatuas de los monjes. [101] El retrato mural de la dinastía Tang valora la cualidad espiritual: la "animación a través de la consonancia espiritual" ( qi yun shen tong ). [103]
En cuanto al retrato imperial, el emperador Taizong , segundo emperador de la dinastía Tang, utilizó los retratos para legitimar la sucesión y reforzar el poder. Encargó el Retrato de los emperadores sucesivos, que contiene los retratos de 13 emperadores de las dinastías anteriores en orden cronológico. Lo común entre los emperadores seleccionados era que eran hijos de los fundadores de las dinastías. Dado que el padre del emperador Taizong, el emperador Gaozu , fue el fundador de la dinastía Tang, la selección por parte del emperador Taizong de los emperadores anteriores en la posición similar a la de él mismo sirvió como una alusión política. Su sucesión estuvo bajo dudas y críticas desde que asesinó a dos de sus hermanos y obligó a su padre a pasarle el trono. Al encargar los retratos colectivos de los emperadores anteriores, pretendía legitimar la transmisión del reinado. Además, la diferencia en los trajes de los emperadores retratados implicaba la opinión del emperador Taizong sobre ellos. Los emperadores retratados con trajes informales eran considerados malos ejemplos de un gobernante, por ser débiles o violentos, mientras que se pensaba que los que vestían vestidos formales lograban logros civiles o militares. La comisión fue un método indirecto del emperador Taizong para proclamar que sus logros habían superado a los de los emperadores precedentes. El emperador Taizong también encargó una serie de retratos de eruditos e intelectuales famosos antes de convertirse en emperador. Intentó hacerse amigo de los intelectuales colocando retratos en la pared del Pabellón Pingyan como señal de respeto. Los retratos también sirvieron como prueba de que había obtenido el apoyo político de los eruditos famosos retratados para asustar a sus oponentes. Durante su reinado, el emperador Taizong encargó retratos de sí mismo recibiendo ofrendas de los embajadores de los países extranjeros conquistados para celebrar y publicitar sus logros militares. [104]
Durante la dinastía Song , el emperador Gaozong encargó Retratos de Confucio y setenta y dos discípulos ( sheng xian tu ) sobre un fondo en blanco con su inscripción manuscrita. Las figuras fueron retratadas con líneas vívidas, gestos animados y las expresiones faciales adquirieron una calidad narrativa. El retrato de los santos y sus discípulos se encontró en una losa de piedra en la pared de la Universidad Imperial como código moral para educar a los estudiantes. Sin embargo, los estudiosos argumentaron que el verdadero propósito de la comisión del emperador Gaozong era anunciar que sus políticas estaban apoyadas por el confucianismo, así como su control sobre la herencia confuciana. [105]
La dinastía Yuan fue un momento decisivo en la historia de China. Después de que el Imperio mongol conquistó la China continental y puso fin a la dinastía Song, la intelectualidad china tradicional quedó en una situación de dilema: elegir entre retirarse del gobierno extranjero o seguir nuevas carreras políticas. Los retratos de "hombres de cultura" ( wen ren hua ) de ese período reflejan este dilema. Por ejemplo, el Retrato de Yang Qian lo representaba de pie en un bosque de bambú. Mientras que el bambú simboliza su rectitud moral, el espacio medio cerrado y medio abierto al fondo alude a su potencial para elegir entre reclusión y servir en el gobierno mongol. [106]
En términos de retrato imperial, el Retrato de Kublai y el Retrato de Chabi del pintor imperial mongol Araniko en 1294 reflejan la fusión de las técnicas tradicionales del retrato imperial chino y el valor estético himalayo-mongol. Kublai Khan fue retratado como un hombre mayor, mientras que la emperatriz Chabi fue representada en su juventud, ambos vistiendo trajes imperiales tradicionales de Mongolia. Araniko adoptó la técnica del retrato chino, como delinear la forma con tinta y reforzarla con color, mientras que los reflejos en las joyas de Chabi con el mismo tono pero de valor más claro demostraron ser una continuación del estilo del Himalaya. La orientación frontal total de los modelos y su pupila centrada añaden un impacto de confrontación al espectador, que refleja la estética y el estilo nepalí. La composición altamente simétrica y la representación rígida del cabello y la ropa diferían del estilo de pintura anterior de la dinastía Song. Hay poca implicación sobre el mérito moral de los modelos o su personalidad, lo que indica un desapego del pintor respecto del modelo, lo que contradice el énfasis de la dinastía Song en la captura del espíritu. [107]
Durante la dinastía Qing , se importó a China el retrato de la corte de máscaras europea del siglo XVIII que retrataba a los aristócratas realizando diversas actividades con diferentes trajes. El emperador Yongzheng y su hijo, el emperador Qianlong , encargaron una serie de retratos de disfraces con diversas implicaciones políticas. En la mayor parte de los retratos de disfraces del Emperador Yongzheng, éste viste trajes exóticos, como el traje del caballero europeo. La falta de inscripción en el retrato no deja clara su intención, pero algunos estudiosos creen que el traje exótico refleja su interés por la cultura extranjera y su deseo de gobernar el mundo. En comparación con la actitud ambigua del emperador Yongzheng, el emperador Qianlong escribió inscripciones en sus retratos de disfraces para anunciar su filosofía de la "forma de gobernar", que consistía en ocultar y engañar para que sus subordinados y enemigos no pudieran rastrear sus estrategias. En comparación con el entusiasmo del Emperador Yongzheng por los trajes exóticos, el Emperador Qianlong mostró más interés en los trajes tradicionales chinos, como vestirse como un erudito confuciano, un sacerdote taoísta y un monje budista, lo que manifiesta su deseo de conquistar la herencia tradicional china.
El Emperador Qianlong encargó el Mensaje de Paz de Primavera después de heredar el trono de su padre, que es un retrato doble de él y su padre vestidos con prendas de eruditos confucianos en lugar de las tradicionales túnicas manchúes, uno al lado del otro junto a bambúes. Los estudiosos creen que la comisión tenía como objetivo legitimar su sucesión al trono enfatizando la similitud física entre él y su padre, como la estructura facial, el traje y el peinado idénticos. El bosque de bambú al fondo indica la rectitud moral propuesta por el confucianismo tradicional. El retrato muestra al Emperador Yongzheng, que está en mayor escala, entregando una rama floreciente al Emperador Qianlong como metáfora política de la autoridad imperial para reinar. El Emperador Qianlong también publicitó su piedad filial propuesta por el confucianismo posando con un gesto modesto. [108]
El pintor jesuita Giuseppe Castiglione pasó 50 años en la corte imperial antes de su muerte en 1766 y fue pintor de la corte de tres emperadores. En sus retratos, como en otros géneros, combinó aspectos del estilo tradicional chino con la pintura occidental contemporánea.
Los retratos de mujeres en la antigua China desde la dinastía Han hasta la dinastía Qing (206 a. C. – 1912) se desarrollaron bajo un gran impacto de la cosmología patriarcal confuciana; sin embargo, el tema y el estilo variaban según la cultura de cada dinastía.
En la dinastía Han (206 a. C. - 220 d. C.), las mujeres en los retratos eran principalmente un tipo más que un individuo específico. El tema principal eran las mujeres ejemplares idealizadas ( lie nü ) con virtudes impulsadas por el confucianismo como la castidad y la triple obediencia ( san cong ) al padre, al marido y al hijo. El pergamino Mujeres ejemplares (lie nü tu) de Gu Kaizhi , creado poco después de la dinastía Han, representa este género.
En la dinastía Tang (618–906), las mujeres de palacio ( shi nü ) que realizaban tareas diarias o entretenimiento se convirtieron en un tema popular. Se valoraba la belleza femenina y el encanto de las damas de palacio, pero el tema permaneció inespecífico bajo el nombre de la pintura "Damas de palacio". Las características fomentadas por el confucianismo, incluida la sumisión y la complacencia, se incluyeron como estándares de belleza y se enfatizaron en el retrato. Los pintores perseguían la corrección y la semejanza del modelo y buscaban revelar la pureza del alma.
En la dinastía Song (960-1279), se crearon retratos de mujeres basados en poemas de amor escritos por poetas de la corte. Aunque se las representa viviendo en viviendas lujosas y cómodas, las mujeres en la pintura generalmente eran retratadas como solitarias y melancólicas porque se sienten abandonadas o atrapadas en las tareas domésticas mientras sus maridos se quedan afuera y siguen sus carreras. Los escenarios comunes incluyen un sendero de jardín vacío y un sofá de plataforma vacío que insinúan la ausencia de figuras masculinas. Los antecedentes comunes incluyen árboles en flor que se asociaban con la belleza y plátanos que simbolizaban la vulnerabilidad de las mujeres.
En la dinastía Ming (1368-1644), la pintura literata ( wenren hua ), que combinaba pintura, caligrafía y poesía, se convirtió en una tendencia popular entre las élites. La mayoría de las mujeres en la pintura de los literatos eran figuras abstractas que servían como metáfora visual y permanecían sin entidad. En la dinastía Qing (1644-1912), la pintura de los literatos ganó más variedad de pinceladas y uso de colores brillantes. [109]
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![Maarten van Heemskerck (1498-1574), familia de Pieter Jan Foppesz, antes de c.1532, considerado el primer retrato familiar del retrato holandés.[54]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3c/Marten_van_Heemskerck_003.jpg/1280px-Marten_van_Heemskerck_003.jpg)
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