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Una jerarquía de géneros es cualquier formalización que clasifica los diferentes géneros de una forma de arte en términos de su prestigio y valor cultural.
En literatura, la épica se consideraba la forma más alta, por la razón expresada por Samuel Johnson en su Vida de John Milton : "Por consenso general de los críticos, el primer elogio del genio se debe al escritor de un poema épico, ya que requiere un conjunto de todos los poderes que son suficientes por sí solos para otras composiciones". Por debajo de ellos venían la poesía lírica y la poesía cómica, con una clasificación similar para el drama . La novela tardó mucho en establecer un lugar firme en la jerarquía, y lo hizo solo cuando la creencia en cualquier jerarquía sistemática de formas expiró en el siglo XIX.
En música, las composiciones líricas tenían un estatus superior al de las obras meramente instrumentales, al menos hasta el período barroco , y la ópera mantuvo un estatus superior durante mucho más tiempo. El estatus de las obras también varía según el número de intérpretes y cantantes involucrados, y se les otorga un estatus superior a las escritas para grandes grupos, que son ciertamente más difíciles de escribir y más caras de interpretar. Cualquier elemento de comedia reducía el estatus de una obra, aunque, como en otras formas de arte, a menudo aumentaba su popularidad.
Las jerarquías en el arte figurativo son las formuladas inicialmente para la pintura en Italia en el siglo XVI, que prevalecieron con pocas modificaciones hasta principios del siglo XIX. Estas fueron formalizadas y promovidas por las academias en Europa entre el siglo XVII y la era moderna, de las cuales la más influyente fue la Académie de peinture et de sculpture francesa , que tuvo un papel central en el arte académico . La jerarquía completamente desarrollada distinguía entre: [1]
La jerarquía se basaba en una distinción entre el arte que hacía un esfuerzo intelectual para "hacer visible la esencia universal de las cosas" ( imire en italiano) y el que meramente consistía en la "copia mecánica de apariencias particulares" ( ritrarre ). [2] El idealismo fue privilegiado sobre el realismo en línea con la filosofía neoplatónica renacentista .
El término se utiliza principalmente en el campo de la pintura, y desde el Alto Renacimiento en adelante, momento en el que la pintura se había afirmado como la forma más alta de arte. Este no había sido el caso en el arte medieval y los sectores de la sociedad que encargaban obras de arte tardaron un tiempo considerable en aceptar plenamente esta visión. Los Cartones de Rafael son un claro ejemplo de la condición continua del tapiz , la forma de arte más cara en el siglo XVI. En el período medieval temprano, las lujosas piezas de metalistería habían sido típicamente las más apreciadas, y los materiales valiosos siguieron siendo un ingrediente importante en la apreciación del arte hasta al menos el siglo XVII. Hasta el siglo XIX, los objetos de arte más extravagantes siguieron siendo más caros, tanto nuevos como en el mercado del arte, que todos los cuadros, salvo unos pocos. Los escritos clásicos que valoraban las habilidades supremas de los artistas individuales fueron influyentes, así como los avances en el arte que permitieron al artista renacentista demostrar su habilidad e invención en un grado mayor del que solía ser posible en la Edad Media.
La jerarquía surgió de la lucha por lograr la aceptación de la pintura como una de las artes liberales , y luego de las controversias para establecer un estatus igual o superior dentro de ellas con la arquitectura y la escultura . Estos asuntos fueron considerados de gran importancia por los artistas teóricos como Leon Battista Alberti , Leonardo da Vinci y Giorgio Vasari . Contra los escultores, Leonardo argumentó que el esfuerzo intelectual necesario para crear una ilusión de tridimensionalidad hacía que el arte de los pintores fuera superior al del escultor, que podía hacerlo simplemente registrando apariencias. [3] En su De Pictura ("Acerca de la pintura") de 1441, Alberti argumentó que la pintura histórica de múltiples figuras era la forma de arte más noble, por ser la más difícil, que requería el dominio de todas las demás, porque era una forma visual de la historia y porque tenía el mayor potencial para conmover al espectador. Hizo hincapié en la capacidad de representar las interacciones entre las figuras mediante el gesto y la expresión. [4]
Los teóricos del Renacimiento temprano y alto aceptaron la importancia de representar la naturaleza de manera cercana, al menos hasta los escritos posteriores de Miguel Ángel , quien estuvo fuertemente influenciado por el neoplatonismo . [5] En la época de los teóricos manieristas como Gian Paolo Lomazzo y Federico Zuccari (ambos también pintores) esto era mucho menos prioritario. Ambos enfatizaban la belleza como "algo que se infundía directamente en la mente del hombre desde la mente de Dios, y existía allí independientemente de cualquier impresión sensorial", una visión destinada a reducir aún más el estatus de las obras que dependían del realismo. [6] En la práctica, la jerarquía representó poca ruptura con el pensamiento medieval y clásico, excepto para colocar la pintura histórica secular en la misma clase que el arte religioso, y para distinguir (no siempre claramente) entre temas religiosos icónicos estáticos y escenas de figuras narrativas, dando a este último un estatus superior. Las ideas de decoro también alimentaron la jerarquía; los temas o tratamientos cómicos, sórdidos o meramente frívolos ocupaban un lugar más bajo que los elevados y morales. [ cita requerida ]
Durante el Renacimiento, las escenas de género y las naturalezas muertas apenas existían como géneros establecidos, por lo que el debate sobre el estatus o la importancia de los diferentes tipos de pintura se centraba principalmente en los temas históricos, frente a los retratos, inicialmente pequeños y sin pretensiones, y los temas religiosos y mitológicos de tipo icónico. Para la mayoría de los artistas era necesario un cierto compromiso con el realismo en un retrato; pocos podían adoptar el enfoque autoritario de Miguel Ángel, que ignoró en gran medida la apariencia real de los Medici en sus esculturas de la Capilla de los Medici , supuestamente diciendo que en mil años nadie notaría la diferencia (una réplica que también se dice que utilizó Gainsborough , con un marco temporal más corto). [7]
Muchos retratos eran extremadamente halagadores, lo que podía justificarse apelando al idealismo y a la vanidad del retratado; el teórico Armenini [8] afirmó en 1587 que "se considera que los retratos de excelentes artistas están pintados con mejor estilo [ maniera ] y mayor perfección que otros, pero la mayoría de las veces son retratos menos buenos". [9] Por otro lado, numerosos modelos cortesanos y sus padres, pretendientes o cortesanos se quejaron de que los pintores no hacían justicia en absoluto a la realidad del retratado. [10]
La cuestión del decoro en el arte religioso se convirtió en el centro de un intenso esfuerzo por parte de la Iglesia Católica tras los decretos sobre el arte del Concilio de Trento de 1563. Las pinturas que representaban acontecimientos bíblicos como si estuvieran ocurriendo en las casas de los italianos contemporáneos adinerados fueron objeto de ataques y pronto cesaron. Hasta el desafío de Caravaggio a finales de siglo, el arte religioso se convirtió en un ideal absoluto. [ cita requerida ]
Los nuevos géneros de paisajes, géneros, animales y naturalezas muertas cobraron fuerza en el siglo XVII, con el virtual cese de la pintura religiosa en los países protestantes y la expansión de la compra de cuadros entre la próspera clase media. Aunque se produjeron desarrollos similares en todos los países europeos avanzados, fueron más evidentes en las escuelas enormemente productivas de la pintura holandesa del Siglo de Oro y la pintura barroca flamenca . Sin embargo, no surgió ningún teórico que defendiera los nuevos géneros, y la relativamente pequeña cantidad de escritos teóricos holandeses, por parte de Karel van Mander , Samuel Dirksz van Hoogstraten , [11] Gerard de Lairesse y otros, se contentó en su mayoría con repetir puntos de vista italianos, de modo que sus escritos pueden parecer extrañamente diferentes del arte holandés que realmente se producía en su época. [12]
La jerarquía fue aceptada en su mayoría por los artistas, e incluso especialistas en género como Jan Steen , Karel Dujardin y Vermeer produjeron algunas pinturas históricas, que estaban mejor pagadas cuando se podían conseguir encargos, pero en general eran mucho más difíciles de vender. La desafortunada historia del último encargo histórico de Rembrandt , La conspiración de Claudio Civilis (1661), ilustra tanto su compromiso con la forma como las dificultades que tuvo para encontrar público. [13] En Flandes, además de grandes cantidades de obras de género puro, hubo una tendencia hacia las pinturas históricas con un elemento de género principal, ya fueran animales, paisajes o naturalezas muertas. A menudo, los diferentes elementos fueron pintados por diferentes artistas; Rubens y Frans Snyders a menudo cooperaron de esta manera.
El tamaño de los cuadros, y muy a menudo los precios que alcanzaban, tendían cada vez más a reflejar su posición en la jerarquía en este período. Hasta el período romántico, el precio y la posibilidad de venta de lo que eran esencialmente paisajes podían aumentarse añadiendo pequeñas figuras mitológicas o religiosas, creando un paisaje con... , una práctica que se remonta a los inicios de la pintura de paisajes en el mundo flamenco paisajes de Joachim Patinir a principios del siglo XVI. La pintura barroca flamenca fue la última escuela que a menudo pintaba los géneros más bajos en un gran tamaño, pero generalmente combinados con temas de figuras.
Una influyente formulación de 1667 de André Félibien , historiador, arquitecto y teórico del clasicismo francés, se convirtió en la declaración clásica de la teoría para el siglo XVIII:
Celui qui fait parfaitement des païsages est au-dessus d'un autre qui ne fait que des frutas, des flores o des coquilles. Celui qui peint des animaux vivants est plus estimable que ceux qui ne représentent que des choses mortes & sans mouvement; & comme la figure de l'homme est le plus parfait ouvrage de Dieu sur la Terre, il est sure aussi que celui qui se rend l'imitateur de Dieu en peignant des figure humaines, est beaucoup plus Excellent que tous les autres... un pintor que ne fait que des retratos, n'a pas encore esta alta perfección del arte, y ne peut pretendre à l'honneur que reçoivent les plus sçavans. Il faut pour cela passer d'une seule figure à la représentation de plusieurs ensemble; il faut traidor l'histoire & la fable; il faut représenter de grandes acciones como los historiadores, ou des sujetos agradables como los poetas; & montant encore plus haut, il faut par des compositions allégoriques, sçavoir couvrir sous le voile de la fable les vertus des grands hommes, & les mystères les plus relevez. [14]
"Quien hace paisajes perfectos está por encima de otro que sólo produce frutas, flores o conchas marinas. Quien pinta animales vivos es más estimable que quienes sólo representan cosas muertas sin movimiento, y como el hombre es la obra más perfecta de Dios sobre la tierra, también es cierto que quien se hace imitador de Dios al representar figuras humanas, es mucho más excelente que todos los demás... un pintor que sólo hace retratos no tiene todavía la más alta perfección de su arte, y no puede esperar el honor debido al más hábil. Para eso debe pasar de representar una sola figura a varias juntas; la historia y el mito deben ser representados; los grandes acontecimientos deben ser representados como por los historiadores, o como los poetas, temas que gusten, y subiendo aún más alto, debe tener la habilidad de cubrir bajo el velo del mito las virtudes de los grandes hombres en alegorías, y los misterios que revelan".
La pintura alegórica se elevó por encima de otros tipos de pintura histórica ; juntas formaban el gran género , que incluía pinturas con temas religiosos, mitológicos, históricos, literarios o alegóricos: encarnaban alguna interpretación de la vida o transmitían un mensaje moral o intelectual. Los dioses y diosas de las mitologías antiguas representaban diferentes aspectos de la psique humana, las figuras de las religiones representaban diferentes ideas y la historia, como las otras fuentes, representaba una dialéctica o un juego de ideas. Los temas con varias figuras ocupaban un lugar más alto que las figuras individuales. Durante mucho tiempo, especialmente durante la Revolución Francesa , la pintura histórica a menudo se centró en la representación del desnudo masculino heroico; aunque esto disminuyó en el siglo XIX.
Después de la pintura de historia vinieron, en orden decreciente de valor: retratos , escenas de la vida cotidiana (llamadas scènes de genre o " pintura de género ", y también petit genre para contrastarla con el grande genre ), paisajes , pintura de animales y finalmente naturalezas muertas . En su formulación, tales pinturas eran inferiores porque eran meros cuadros de reportaje sin fuerza moral ni imaginación artística. Las pinturas de género, ni ideales en estilo ni elevadas en tema, eran admiradas por su habilidad, ingenio e incluso humor, pero nunca confundidas con el arte elevado.
La jerarquía de géneros también tenía su correspondiente jerarquía de formatos: gran formato para cuadros históricos, pequeño formato para naturalezas muertas. Esto se había incumplido en ocasiones en el pasado, especialmente en grandes obras flamencas, y en la monumental El joven toro del artista holandés Paulus Potter , así como en el lienzo más grande de los dos La carnicería de Annibale Carracci . Pero en su mayor parte, los precios relativos que se podían obtener para los diferentes géneros también aseguraban la jerarquía de tamaño; no habría sido económico pintar un tema muy grande de los géneros inferiores, excepto para retratos de grupo por encargo. Los paisajes más grandes de Rubens fueron pintados para sus propias casas.
El uso de los elementos pictóricos de la pintura, como la línea y el color, para transmitir un tema o idea unificadora última se consideraba la expresión más alta del arte, y se adoptó un idealismo en el arte, por el cual las formas vistas en la naturaleza se generalizarían y, a su vez, se subordinarían a la unidad de la obra de arte. Apuntaba a la verdad universal a través de la imitación de la naturaleza. Teóricos disidentes posteriores, como Gotthold Ephraim Lessing , sostuvieron que este enfoque en la alegoría era defectuoso y se basaba en una analogía errónea entre las artes plásticas y la poesía arraigada en el dictamen horaciano ut pictura poesis ("como es la pintura, así es la poesía").
El pintor británico Sir Joshua Reynolds, en sus Discursos de las décadas de 1770 y 1780, reiteró el argumento de que la naturaleza muerta debía situarse en el último lugar de la jerarquía de géneros, con el argumento de que interfería con el acceso del pintor a las formas centrales, aquellos productos de los poderes generalizadores de la mente. En la cumbre reinaba la pintura histórica, centrada en el cuerpo humano: la familiaridad con las formas del cuerpo permitía a la mente del pintor, comparando innumerables ejemplos de la forma humana, abstraer de ella aquellos rasgos típicos o centrales que representaban la esencia o el ideal del cuerpo.
Aunque Reynolds estaba de acuerdo con Félibien sobre el orden natural de los géneros, sostenía que una obra importante de cualquier género pictórico podía ser producida bajo la mano de un genio: "Ya se trate de una figura humana, un animal o incluso objetos inanimados, no hay nada, por poco prometedor que parezca, que no pueda elevarse a la dignidad, transmitir sentimientos y producir emoción en manos de un pintor de genio. Lo que se decía de Virgilio , que arrojaba incluso el estiércol al suelo con un aire de dignidad, se puede aplicar a Tiziano ; todo lo que tocaba, por naturalmente mezquino y habitualmente familiar que fuera, con una especie de magia lo investía de grandeza e importancia".
Aunque las academias europeas solían insistir estrictamente en esta jerarquía, durante su reinado, muchos artistas fueron capaces de inventar nuevos géneros que elevaron los temas inferiores a la importancia de la pintura de historia. El propio Reynolds lo logró inventando el estilo de retrato que se llamó el Gran Estilo , donde halagaba a sus modelos comparándolos con personajes mitológicos. Jean-Antoine Watteau inventó un género que se llamó fêtes galantes , donde mostraba escenas de diversiones cortesanas que tenían lugar en escenarios arcádicos; a menudo tenían una calidad poética y alegórica que se consideraba que las ennoblecía.
Claude Lorrain practicó un género llamado paisaje ideal , en el que la composición se basaba libremente en la naturaleza y estaba salpicada de ruinas clásicas como escenario de un tema bíblico o histórico. Combinaba ingeniosamente la pintura de paisaje y la pintura de historia, legitimando así la primera. Es sinónimo del término paisaje histórico que recibió reconocimiento oficial en la Academia Francesa cuando se estableció un Premio de Roma para el género en 1817. Finalmente, Jean-Baptiste-Siméon Chardin fue capaz de crear pinturas de naturalezas muertas que se consideraban que tenían el encanto y la belleza necesarios para colocarlas junto a los mejores temas alegóricos. Sin embargo, consciente de esta jerarquía, Chardin comenzó a incluir figuras en su obra alrededor de 1730, principalmente mujeres y niños.
El Romanticismo aumentó enormemente el estatus de la pintura de paisajes, comenzando en el arte británico y más gradualmente en la pintura de género, que comenzó a influir en la pintura histórica en los tratamientos anecdóticos del estilo trovador en Francia y tendencias equivalentes en otros lugares. Los paisajes aumentaron de tamaño para reflejar su nueva importancia, a menudo coincidiendo con las pinturas históricas, especialmente en la Escuela del río Hudson estadounidense y la pintura rusa. Las pinturas de animales también aumentaron en tamaño y dignidad, pero el retrato de cuerpo entero, incluso de la realeza, pasó a reservarse principalmente para los grandes edificios públicos.
Hasta mediados del siglo XIX, las mujeres no podían pintar cuadros históricos, ya que no se les permitía participar en el proceso final de la formación artística, el dibujo del natural, para proteger su pudor. Podían trabajar a partir de relieves, grabados, moldes y de los viejos maestros, pero no a partir del modelo desnudo. En cambio, se las animaba a participar en las formas pictóricas inferiores, como el retrato, el paisaje y el género, que se consideraban más femeninas porque apelaban a la vista más que a la mente.
Hacia finales del siglo XIX, pintores y críticos comenzaron a rebelarse contra las numerosas reglas de la Académie française, incluido el estatus otorgado a la pintura histórica , que comenzaba a ser comprada principalmente por organismos públicos de un tipo u otro, ya que los compradores privados preferían temas de niveles inferiores de la jerarquía. En Gran Bretaña, el movimiento prerrafaelita intentó revitalizar la pintura histórica, con un éxito desigual; otros movimientos hicieron esfuerzos similares. Muchos prerrafaelistas terminaron sus carreras pintando principalmente otros temas. Los nuevos movimientos artísticos incluyeron a los realistas y los impresionistas , que buscaban representar el momento presente y la vida cotidiana tal como se observa a simple vista y sin apegarse al significado histórico; los realistas a menudo elegían la pintura de género y la naturaleza muerta, mientras que los impresionistas se centraban más a menudo en los paisajes.