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El arte románico es el arte de Europa desde aproximadamente el año 1000 d.C. hasta el surgimiento del estilo gótico en el siglo XII, o más tarde, según la región. El periodo anterior se conoce como Prerrománico . El término fue inventado por historiadores del arte del siglo XIX, especialmente para la arquitectura románica , que conservaba muchas características básicas del estilo arquitectónico romano , en particular arcos de medio punto, pero también bóvedas de cañón , ábsides y decoración de hojas de acanto , pero también había desarrollado muchas características muy diferentes. En el sur de Francia, España e Italia hubo una continuidad arquitectónica con la Antigüedad tardía, pero el estilo románico fue el primer estilo que se extendió por toda la Europa católica, desde Sicilia hasta Escandinavia. El arte románico también estuvo muy influenciado por el arte bizantino , especialmente en la pintura, y por la energía anticlásica de la decoración del arte insular de las Islas Británicas . A partir de estos elementos se forjó un estilo muy innovador y coherente.
Fuera de la arquitectura románica, el arte de la época se caracterizó por un estilo vigoroso tanto en escultura como en pintura. Este último continuó siguiendo modelos iconográficos esencialmente bizantinos para los temas más comunes en las iglesias, que seguían siendo Cristo en Majestad , el Juicio Final y escenas de la vida de Cristo . En los manuscritos iluminados se ve más originalidad, ya que era necesario representar nuevas escenas. Los manuscritos más profusamente decorados de este período fueron las biblias y los salterios . La misma originalidad se aplica a los capiteles de las columnas, que a menudo estaban tallados con escenas completas con varias figuras. El gran crucifijo de madera fue una innovación alemana al comienzo de este período, al igual que las estatuas exentas de la Virgen entronizada. El alto relieve fue el modo escultórico dominante de la época.
Los colores eran muy llamativos y en su mayoría primarios. Actualmente, estos colores normalmente sólo pueden verse en su viveza original en muestras de vidrieras y manuscritos bien conservados. Las vidrieras se utilizaron ampliamente, aunque pocas sobreviven en la actualidad. [ cita necesaria ] En una invención de la época, los tímpanos de importantes portales de iglesias fueron tallados con esquemas monumentales, a menudo Cristo en Majestad o el Juicio Final , pero tratados con más libertad que las versiones pintadas, ya que no había modelos bizantinos equivalentes.
Las composiciones generalmente tenían poca profundidad y debían ser flexibles para adaptarse a las formas de las iniciales historiadas , los capiteles de las columnas y los tímpanos de las iglesias; La tensión entre un marco estrechamente cerrado, del que a veces se escapa la composición, es un tema recurrente en el arte románico. Las cifras a menudo variaban en tamaño en relación con su importancia. Los fondos paisajísticos, si es que se utilizaban, estaban más cerca de decoraciones abstractas que de realismo, como en los árboles de "Morgan Leaf". El retrato apenas existía. [ cita necesaria ]
Durante este período, Europa se hizo cada vez más próspera y el arte de la más alta calidad ya no se limitaba, como ocurría en gran medida en los períodos carolingio y otoniano , a la corte real y a un pequeño círculo de monasterios. Los monasterios continuaron siendo extremadamente importantes, especialmente los de las nuevas órdenes expansionistas del período, el cisterciense , el cluniacense y el cartujo , que se extendieron por Europa. Pero las iglesias de las ciudades, las de las rutas de peregrinación y muchas iglesias de pequeñas ciudades y pueblos estaban decoradas con un nivel muy alto: estas son a menudo las estructuras que sobrevivieron cuando las catedrales y las iglesias de las ciudades fueron reconstruidas. Ningún palacio real románico ha sobrevivido realmente.
El artista laico se estaba convirtiendo en una figura valiosa: Nicolás de Verdún parece haber sido conocido en todo el continente. La mayoría de los albañiles y orfebres eran ahora laicos, y los pintores laicos como el maestro Hugo parecen haber sido la mayoría, al menos entre los que hacían el mejor trabajo, al final del período. Sin duda, se llegó a la iconografía de su trabajo eclesiástico en consulta con asesores clericales.
Los objetos preciosos en estos medios tuvieron un estatus muy alto en el período, probablemente mucho más que las pinturas: se conocen más nombres de creadores de estos objetos que de pintores, iluminadores o arquitectos-albañiles contemporáneos. La orfebrería, incluida la decoración en esmalte , se volvió muy sofisticada. Han sobrevivido muchos santuarios espectaculares hechos para albergar reliquias, de los cuales el más conocido es el Santuario de los Tres Reyes en la Catedral de Colonia, obra de Nicolás de Verdún y otros ( c. 1180-1225 ). El Tríptico Stavelot y el Relicario de San Mauro son otros ejemplos de esmalte Mosan . Se construyeron grandes relicarios y frontales de altar alrededor de un marco de madera, pero los ataúdes más pequeños eran todos de metal y esmalte. Han sobrevivido algunas piezas seculares, como cajas de espejos, joyas y cierres, pero sin duda representan una cantidad insuficiente de la cantidad de orfebrería fina que poseía la nobleza.
El candelabro de bronce de Gloucester y la pila bautismal de latón de 1108-1117 ahora en Lieja son ejemplos magníficos, de estilo muy diferente, de fundición de metales. La primera es muy compleja y enérgica, basada en pintura manuscrita, mientras que la fuente muestra el estilo Mosan en su forma más clásica y majestuosa. Las puertas de bronce, una columna triunfal y otros accesorios de la catedral de Hildesheim , las puertas de Gniezno y las puertas de la basílica de San Zeno en Verona son otros restos importantes. El aguamanil , un recipiente para lavar agua, parece haber sido introducido en Europa en el siglo XI. Los artesanos a menudo daban a las piezas fantásticas formas zoomorfas ; Los ejemplos supervivientes son en su mayoría de latón. Muchas impresiones de cera de impresionantes sellos sobreviven en cartas y documentos, aunque las monedas románicas no suelen tener gran interés estético.
La Cruz del Claustro es un crucifijo de marfil inusualmente grande , con tallas complejas que incluyen muchas figuras de profetas y otros, que se ha atribuido a uno de los relativamente pocos artistas cuyo nombre se conoce, el Maestro Hugo , quien también iluminó manuscritos. Como muchas piezas, originalmente estaba parcialmente coloreada. Las piezas de ajedrez de Lewis son ejemplos bien conservados de pequeños marfiles, de los que quedan muchas piezas o fragmentos de báculos , placas, cruces pectorales y objetos similares.
Con la caída del Imperio Romano Occidental, la tradición de tallar grandes obras en piedra y esculpir figuras en bronce se extinguió, como efectivamente sucedió (por razones religiosas) en el mundo bizantino (romano oriental). Evidentemente, algunas esculturas de tamaño natural fueron realizadas en estuco o yeso, pero es comprensible que los ejemplos supervivientes sean raros. [1] La gran obra escultórica más conocida de la Europa protorrománica que se conserva es el Crucifijo de madera de tamaño natural encargado por el arzobispo Gero de Colonia alrededor de 960-965, aparentemente el prototipo de lo que se convirtió en una forma popular. Posteriormente se instalaron sobre una viga debajo del arco del presbiterio , conocido en inglés como rood , del siglo XII acompañado de figuras de la Virgen María y Juan Evangelista a los lados. [2] Durante los siglos XI y XII, la escultura figurativa revivió con fuerza y los relieves arquitectónicos son un sello distintivo del período románico posterior.
La escultura figurativa se basó en otras dos fuentes en particular: la iluminación manuscrita y la escultura a pequeña escala en marfil y metal. Los extensos frisos esculpidos en las iglesias armenias y siríacas se han propuesto como otra posible influencia. [3] Estas fuentes juntas produjeron un estilo distinto que puede reconocerse en toda Europa, aunque los proyectos escultóricos más espectaculares se concentran en el suroeste de Francia, el norte de España e Italia.
Las imágenes que aparecían en la metalistería con frecuencia estaban grabadas. La superficie resultante tenía dos planos principales y detalles que normalmente estaban tallados. Este tratamiento se adaptó a la talla en piedra y se ve particularmente en el tímpano sobre el portal, donde las imágenes de Cristo en Majestad con los símbolos de los Cuatro Evangelistas están extraídas directamente de las cubiertas doradas de los libros de los Evangelios medievales . Este estilo de entrada se encuentra en muchos lugares y continuó hasta el período gótico. Una rara supervivencia en Inglaterra es la de la "Puerta del Prior" en la Catedral de Ely . En el suroeste de Francia , muchas han sobrevivido, con ejemplos impresionantes en Saint-Pierre, Moissac , Souillac , [4] y La Madeleine, Vézelay , todas casas hijas de Cluny, y se conservan muchas otras esculturas en claustros y otros edificios. Cerca de allí, la catedral de Autun tiene un Juicio Final de gran rareza, ya que ha sido firmado exclusivamente por su creador, Giselbertus . [5] [6]
Una característica de las figuras en la iluminación de los manuscritos es que a menudo ocupan espacios reducidos y están contorsionadas para encajar. La costumbre de los artistas de hacer que la figura se adaptara al espacio disponible se prestó a diseñar figuras para adornar postes de puertas, dinteles y otras superficies arquitectónicas similares. Las túnicas de las figuras pintadas solían tener un estilo plano y decorativo que se parecía poco al peso y la caída de la tela real. Esta característica también fue adaptada para la escultura. Entre los muchos ejemplos que existen, uno de los más bellos es la figura del profeta Jeremías del pilar del portal de la Abadía de Saint-Pierre , Moissac , Francia, de aproximadamente 1130. [6]
Uno de los motivos más importantes del diseño románico, que aparece tanto en la escultura figurativa como en la no figurativa, es la espiral. Una de las fuentes pueden ser los capiteles jónicos . Las enredaderas volumétricas eran un motivo común tanto en el diseño bizantino como romano, y pueden verse en mosaicos en las bóvedas de la iglesia de Santa Costanza , en Roma, del siglo IV. Los manuscritos y tallas arquitectónicas del siglo XII tienen motivos de enredaderas muy similares.
Otra fuente de la espiral son claramente los manuscritos iluminados de los siglos VII al IX, en particular los manuscritos irlandeses como el Libro del Evangelio de San Galo , difundido en Europa por la misión hiberno-escocesa . En estas iluminaciones el uso de la espiral no tiene nada que ver con enredaderas u otras formas vegetales. El motivo es abstracto y matemático. Luego, el estilo fue retomado por el arte carolingio y se le dio un carácter más botánico. Es en una adaptación de esta forma que la espiral aparece en las cortinas tanto de esculturas como de vidrieras . De todos los muchos ejemplos que se encuentran en los portales románicos, uno de los más destacados es el de la figura central de Cristo en La Madeleine, Vézelay . [6]
Otra influencia del arte insular son los animales comprometidos y entrelazados, utilizados a menudo con un efecto magnífico en capiteles (como en Silos) y, a veces, en la propia columna (como en Moissac). Gran parte del tratamiento de los animales emparejados, enfrentados y entrelazados en la decoración románica tiene orígenes insulares similares, al igual que los animales cuyos cuerpos adoptan formas puramente decorativas. (A pesar de la adopción de las tradiciones hiberno-sajonas en los estilos románicos en Inglaterra y en el continente, la influencia fue principalmente unidireccional. El arte irlandés durante este período permaneció aislado, desarrollando una amalgama única de estilos nativos irlandeses y vikingos que se extinguiría lentamente. y reemplazado por el estilo románico dominante a principios del siglo XIII tras la invasión anglo-normanda de Irlanda .
La mayor parte de la escultura románica tiene un tema pictórico y bíblico. En los capiteles se encuentra una gran variedad de temas e incluyen escenas de la Creación y la Caída del Hombre , episodios de la vida de Cristo y aquellas escenas del Antiguo Testamento que prefiguran su Muerte y Resurrección , como Jonás y la Ballena y Daniel en los leones. guarida . Hay muchos belenes , siendo especialmente popular el tema de los Reyes Magos . Los claustros de la Abadía de Santo Domingo de Silos en el norte de España y Moissac son excelentes ejemplos que se conservan completos, al igual que las esculturas en relieve de las numerosas pilas de Tournai que se encuentran en iglesias del sur de Inglaterra, Francia y Bélgica.
Una característica de algunas iglesias románicas es el extenso esquema escultórico que cubre el área que rodea el portal o, en algunos casos, gran parte de la fachada. La catedral de Angulema en Francia tiene un esquema escultórico muy elaborado ubicado dentro de los amplios nichos creados por las arcadas de la fachada. En la región española de Cataluña, un elaborado esquema pictórico en bajo relieve rodea la puerta de la iglesia de Santa María de Ripoll . [6]
El propósito de los esquemas escultóricos era transmitir el mensaje de que el creyente cristiano debe reconocer sus malas acciones, arrepentirse y ser redimido. El Juicio Final recuerda al creyente que debe arrepentirse. El Crucifijo tallado o pintado , que se exhibe de manera prominente dentro de la iglesia, recuerda al pecador la redención.
A menudo la escultura es alarmante en forma y tema. Estas obras se encuentran en capiteles, ménsulas y jefes, o entrelazadas en el follaje de las molduras de las puertas. Representan formas que hoy en día no son fácilmente reconocibles. Los motivos comunes incluyen Sheela na Gig , temibles demonios , ouroboros o dragones que se tragan la cola y muchas otras criaturas míticas con un significado oscuro. Las espirales y los motivos emparejados originalmente tenían un significado especial en la tradición oral que los estudiosos modernos han perdido o rechazado.
Los siete pecados capitales , entre ellos la lujuria, la gula y la avaricia, también están representados con frecuencia. La apariencia de muchas figuras con genitales de gran tamaño puede equipararse con el pecado carnal, al igual que las numerosas figuras que se muestran con lenguas salientes, que son una característica de la entrada de la Catedral de Lincoln . Tirarse de la barba era un símbolo de masturbación, y abrir bien la boca también era un signo de lascivia. Un tema común que se encuentra en las capitales de este período es un atizador con la lengua o un acariciador de barba golpeado por su esposa o apresado por demonios. Los demonios que pelean por el alma de un malhechor como un avaro es otro tema popular. [8]
Se suele considerar que la arquitectura gótica comienza con el diseño del coro de la Abadía de Saint-Denis , al norte de París, por el abad Suger , consagrado en 1144. El inicio de la escultura gótica suele fecharse un poco más tarde, con la talla del Figuras alrededor del Portal Real de la Catedral de Chartres , Francia, 1150-1155. El estilo escultórico se extendió rápidamente desde Chartres, superando a la nueva arquitectura gótica. De hecho, muchas iglesias del románico tardío son posteriores a la construcción de Saint-Denis. El estilo escultórico basado más en la observación y el naturalismo que en el diseño formalizado se desarrolló rápidamente. Se cree que una de las razones del rápido desarrollo de la forma naturalista fue una creciente conciencia de los restos clásicos en los lugares donde eran más numerosos y una imitación deliberada de su estilo. La consecuencia es que hay portadas de forma románica que, sin embargo, muestran un naturalismo asociado a la escultura del gótico temprano. [6]
Uno de ellos es el Pórtico da Gloria que data de 1180, en Santiago de Compostela . Este portal es interno y está particularmente bien conservado, incluso conserva el color de las figuras e indica la apariencia llamativa de gran parte de la decoración arquitectónica que ahora se percibe como monocromática. Alrededor del portal se encuentran figuras que se integran con las columnatas que forman las molduras de las puertas. Son tridimensionales, pero ligeramente aplanadas. Están muy individualizados, no sólo en apariencia sino también en expresión, y guardan un gran parecido con los que se encuentran alrededor del pórtico norte de la Abadía de St. Denis, que data de 1170. Debajo del tímpano hay una fila de figuras talladas de manera realista que interpretan una variedad de Instrumentos musicales diferentes y fácilmente identificables.
Varias escuelas regionales convergieron en el manuscrito iluminado del románico temprano : la "escuela del Canal" de Inglaterra y el norte de Francia estuvo fuertemente influenciada por el arte anglosajón tardío , mientras que en el sur de Francia el estilo dependía más de la influencia ibérica, y en Alemania y el En los Países Bajos , los estilos otonianos continuaron desarrollándose y también, junto con los estilos bizantinos, influyeron en Italia. En el siglo XII había habido influencias recíprocas entre todos ellos, aunque, naturalmente, se mantenían las diferencias regionales.
Los focos típicos de la iluminación románica eran la Biblia, donde cada libro podía estar precedido por una gran inicial historiada , y el Salterio , donde las iniciales principales estaban iluminadas de manera similar. En ambos casos, los ejemplos más lujosos podrían tener ciclos de escenas en páginas completamente iluminadas, a veces con varias escenas por página, en compartimentos. Las Biblias en particular a menudo tenían un volumen y podían estar encuadernadas en más de un volumen. Los ejemplos incluyen el Salterio de St. Albans , el Salterio de Hunter , la Biblia de Winchester (la "Hoja de Morgan" que se muestra arriba), la Biblia de Fécamp , la Biblia de Stavelot y la Biblia de Parc Abbey . Al final del período, los talleres comerciales laicos de artistas y escribas estaban adquiriendo importancia, y la iluminación, y los libros en general, estuvieron más disponibles tanto para los laicos como para el clero.
Las grandes superficies de los muros y las bóvedas sencillas y curvas del período románico se prestaban a la decoración mural. Desafortunadamente, muchas de estas primeras pinturas murales han sido destruidas por la humedad o las paredes han sido revocadas y pintadas. En Inglaterra, Francia y los Países Bajos, estos cuadros fueron sistemáticamente destruidos o blanqueados en episodios de iconoclasia de la Reforma . Desde entonces se han restaurado muchos murales en Dinamarca , así como en Suecia y en otros lugares. En Cataluña (España) , hubo una campaña para salvar este tipo de murales a principios del siglo XX (a partir de 1907) retirándolos y transfiriéndolos a su custodia en Barcelona , dando como resultado la espectacular colección en el Museo Nacional de Arte de Cataluña . En otros países han sufrido la guerra, el abandono y el cambio de moda.
Un esquema clásico para la decoración completamente pintada de una iglesia, derivado de ejemplos anteriores a menudo en mosaico , tenía, como punto focal en la semicúpula del ábside, al Cristo en Majestad o al Cristo Redentor entronizado dentro de una mandorla y enmarcado por el cuatro bestias aladas, símbolos de los Cuatro Evangelistas , comparándose directamente con ejemplos de las cubiertas doradas o las iluminaciones de los Evangelios de la época. Si la Virgen María fuera la devota de la iglesia, podría reemplazar a Cristo aquí. En las paredes del ábside de abajo estarían santos y apóstoles, quizás incluyendo escenas narrativas, por ejemplo del santo a quien estaba dedicada la iglesia. En el arco del santuario había figuras de apóstoles, profetas o los veinticuatro " ancianos del Apocalipsis ", mirando hacia un busto de Cristo, o su símbolo el Cordero, en la parte superior del arco. El muro norte de la nave contendría escenas narrativas del Antiguo Testamento y el muro sur del Nuevo Testamento. En el muro posterior oeste se ubicaría un Juicio Final , con un Cristo entronizado y juzgador en lo alto. [9]
Uno de los esquemas más intactos que existen es el de Saint-Savin-sur-Gartempe en Francia. La larga bóveda de cañón de la nave proporciona una superficie excelente para los frescos y está decorada con escenas del Antiguo Testamento , que muestran la Creación , la Caída del Hombre y otras historias, incluida una animada representación del Arca de Noé , completa con un temible mascarón de proa y numerosas ventanas. a través del cual se puede ver a Noé y su familia en el piso superior, los pájaros en el piso medio, mientras que en el piso inferior se encuentran las parejas de animales. Otra escena muestra con gran vigor el hundimiento del ejército de Faraón por el Mar Rojo . El esquema se extiende a otras partes de la iglesia, con el martirio de los santos locales mostrado en la cripta, el Apocalipsis en el nártex y Cristo en Majestad . La gama de colores empleada se limita al azul verdoso claro, el amarillo ocre, el marrón rojizo y el negro. Existen pinturas similares en Serbia , España, Alemania, Italia y otros lugares de Francia. [10]
Las pinturas ahora dispersas de Arlanza en la provincia de Burgos , España, aunque proceden de un monasterio, tienen un tema secular y muestran enormes y vigorosas bestias míticas sobre un friso en blanco y negro con otras criaturas. Dan una rara idea de lo que habrían contenido los palacios románicos decorados.
En Inglaterra y Francia , el románico vio el surgimiento de los pigaches , zapatos de "cola de escorpión" o "cuerno de carnero" muy atacados por el clero de la época. Orderic Vitalis en particular los culpó por el supuesto aumento de la sodomía y la homosexualidad en la época. [11] Los zapatos ahora se recuerdan principalmente como precursores de los mucho más extravagantes poulaines que se hicieron populares después de la Peste Negra .
El bordado románico es mejor conocido por el Tapiz de Bayeux en Bayeux , Francia o el Tapiz de la Creación en Girona , España, [12] pero muchas piezas más trabajadas del Opus Anglicanum ("obra inglesa", considerada la mejor de Occidente) y otras Los estilos han sobrevivido, principalmente como vestimentas de iglesia .
Los fragmentos más antiguos conocidos de vidrieras pictóricas medievales parecen datar del siglo X. Las primeras figuras intactas son cinco ventanas proféticas en Augsburgo, que datan de finales del siglo XI. Las figuras, aunque rígidas y formalizadas, demuestran una considerable habilidad en el diseño, tanto pictóricamente como en el uso funcional del vidrio, lo que indica que su creador estaba bien acostumbrado al medio. En las catedrales de Le Mans , Canterbury y Chartres, así como en Saint-Denis , han sobrevivido varios paneles del siglo XII. En Canterbury, estos incluyen una figura de Adán cavando y otra de su hijo Seth de una serie de Ancestros de Cristo . Adán representa un retrato muy naturalista y vivaz, mientras que en la figura de Set las vestiduras han sido utilizadas con gran efecto decorativo, similar a las mejores tallas en piedra de la época. Los artesanos del vidrio tardaron más que los arquitectos en cambiar su estilo, y gran parte del vidrio de al menos la primera parte del siglo XIII puede considerarse esencialmente románico. Especialmente bellas son las grandes figuras de 1200 de la catedral de Estrasburgo (algunas ahora trasladadas al museo) y de aproximadamente 1220 de la iglesia de San Kuniberto de Colonia .
La mayoría de las magníficas vidrieras de Francia, incluidas las famosas ventanas de Chartres, datan del siglo XIII. Son muchos menos los grandes ventanales que quedan intactos del siglo XII. Una de ellas es la Crucifixión de Poitiers, una notable composición que se eleva a través de tres escenarios, el más bajo con un cuatrifolio que representa el Martirio de San Pedro, el escenario central más grande dominado por la crucifixión y el escenario superior que muestra la Ascensión de Cristo en una mandorla. La figura del Cristo crucificado ya muestra la curva gótica. George Seddon describe la ventana como de "belleza inolvidable". [13] Muchos fragmentos desprendidos se encuentran en museos, y una ventana de la iglesia de Twycross en Inglaterra está formada por importantes paneles franceses rescatados de la Revolución Francesa . [14] El vidrio era caro y bastante flexible (en el sentido de que podía añadirse o reorganizarse) y parece haber sido reutilizado a menudo cuando las iglesias se reconstruían en estilo gótico: el vidrio inglés más antiguo del que se puede datar, un panel en La Catedral de York de un Árbol de Jesé probablemente anterior a 1154, ha sido reciclada de esta manera.
