_001.jpg/1280px-Chinesischer_Maler_des_11._Jahrhunderts_(I)_001.jpg)
La historia del arte asiático incluye una amplia gama de artes de diversas culturas, regiones y religiones en todo el continente asiático. Las principales regiones de Asia incluyen Asia central , oriental , meridional , sudoriental y occidental .
El arte de Asia Central se compone principalmente de obras de los pueblos turcos de la estepa euroasiática , mientras que el arte de Asia Oriental incluye obras de China, Japón y Corea. El arte del sur de Asia abarca las artes del subcontinente indio , mientras que el arte del sudeste asiático incluye las artes de Brunei, Camboya, Timor Oriental, Indonesia, Laos, Malasia, Myanmar (Birmania), Filipinas, Singapur, Tailandia y Vietnam. El arte de Asia occidental abarca las artes del Cercano Oriente , incluido el arte antiguo de Mesopotamia , y más recientemente está dominado por el arte islámico .
En muchos sentidos, la historia del arte en Asia es paralela al desarrollo del arte occidental . [1] [2] Las historias del arte de Asia y Europa están muy entrelazadas, y el arte asiático influye enormemente en el arte europeo, y viceversa; las culturas se mezclaron a través de métodos como la transmisión de arte de la Ruta de la Seda , el intercambio cultural de la Era de los Descubrimientos y la colonización , y a través de Internet y la globalización moderna . [3] [4] [5]
Excluyendo el arte prehistórico , el arte de Mesopotamia representa las formas de arte más antiguas de Asia.
,_cop,_076846.jpg/1280px-Venus_of_Malta_(Siberia,_RUssia),_cop,_076846.jpg)
La primera ocupación humana moderna en los climas difíciles del noreste de Asia data de hace aproximadamente 40.000 años, y la cultura Yana temprana del norte de Siberia data de alrededor del 31.000 a.C. Alrededor del 21.000 a. C., se desarrollaron dos culturas principales: la cultura Mal'ta y, un poco más tarde, la cultura Afontova Gora-Oshurkovo . [6]
La cultura Mal'ta , centrada en Mal'ta , en el río Angara , cerca del lago Baikal en el óblast de Irkutsk , en el sur de Siberia , creó algunas de las primeras obras de arte en el período Paleolítico superior , con objetos como las estatuillas de Venus. de Malta . Estas figuras suelen estar hechas de marfil de mamut . Las cifras tienen unos 23.000 años y proceden del Gravetiense . La mayoría de estas estatuillas muestran ropas estilizadas. Muy a menudo se representa la cara. [7] Como la tradición de las estatuillas portátiles del Paleolítico superior es casi exclusivamente europea, se ha sugerido que Mal'ta tenía algún tipo de conexión cultural y de culto con Europa durante ese período, pero esto sigue sin resolverse. [6] [8]
El arte en Asia Central es un arte visual creado por los pueblos mayoritariamente turcos de los actuales Kirguistán , Kazajstán , Uzbekistán , Turkmenistán , Azerbaiyán , Tayikistán , Mongolia , Tíbet , Afganistán y Pakistán , así como partes de China y Rusia. [9] [10] En los últimos siglos, el arte de la región ha estado muy influenciado por el arte islámico . Anteriormente, el arte de Asia Central estuvo influenciado por el arte chino, griego y persa, a través de la transmisión del arte de la Ruta de la Seda . [11]
El arte popular nómada constituye un aspecto vital del arte de Asia Central. El arte refleja el núcleo del estilo de vida de los grupos nómadas que residen en la región. Uno seguramente quedará asombrado por la belleza de las piedras semipreciosas, las colchas, las puertas talladas y las alfombras bordadas que refleja este arte. [12] [13]
Asia Central se enriquece con la música y los instrumentos clásicos. Algunos de los instrumentos musicales clásicos famosos se originaron en la región de Asia Central. Rubab , Dombra y Chang son algunos de los instrumentos musicales utilizados en las artes musicales de Asia Central. [14]
La vida de los habitantes de Asia Central giraba en torno al estilo de vida nómada. Por lo tanto, la mayoría de las artes de Asia Central en los tiempos modernos también se inspiran en la vida nómada que muestra la época dorada. De hecho, el toque de tradición y cultura en el arte de Asia Central actúa como un importante factor de atracción para los foros artísticos internacionales. El reconocimiento mundial hacia las artes de Asia Central ciertamente ha contribuido a su valor. [15]
El arte chino (chino: 中國藝術/中国艺术) ha variado a lo largo de su historia antigua , dividido en períodos según las dinastías gobernantes de China y la tecnología cambiante. Diferentes formas de arte han sido influenciadas por grandes filósofos, maestros, figuras religiosas e incluso líderes políticos. El arte chino abarca las bellas artes , las artes populares y las artes escénicas . El arte chino es arte, ya sea moderno o antiguo, que se originó o se practica en China o por artistas o intérpretes chinos.
En la dinastía Song , la poesía estuvo marcada por una poesía lírica conocida como Ci (詞) que expresaba sentimientos de deseo, a menudo en una persona adoptada. También en la dinastía Song aparecieron pinturas de expresiones más sutiles de paisajes, con contornos borrosos y contornos montañosos que transmitían distancia a través de un tratamiento impresionista de los fenómenos naturales. Fue durante este período que en la pintura se puso énfasis en los elementos espirituales más que emocionales, como en el período anterior. Kunqu , la forma más antigua de ópera china que existe, se desarrolló durante la dinastía Song en Kunshan , cerca de la actual Shanghai. En la dinastía Yuan , la pintura del pintor chino Zhao Mengfu (趙孟頫) influyó mucho en la pintura de paisajes china posterior, y la ópera de la dinastía Yuan se convirtió en una variante de la ópera china que continúa hoy como ópera cantonesa .
pintura china
Gongbi y Xieyi son dos estilos de pintura en la pintura china.
Gongbi significa "meticuloso", los ricos colores y detalles de la imagen son sus características principales, su contenido representa principalmente retratos o narrativas. Xieyi significa "mano alzada", su forma es a menudo exagerada e irreal, con énfasis en la expresión emocional del autor y generalmente utilizada para representar paisajes. [dieciséis]
Además del papel y la seda, también se han realizado pinturas tradicionales en las paredes, como las Grutas de Mogao en la provincia de Gansu. Las Grutas de Dunhuang Mogao se construyeron durante la dinastía Wei del Norte (386–534 d.C.). Se compone de más de 700 cuevas, de las cuales 492 cuevas tienen murales en las paredes, suman en total más de 45.000 metros cuadrados. [17] [18] Los murales tienen un contenido muy amplio e incluyen estatuas de Buda, el paraíso, ángeles, acontecimientos históricos importantes e incluso donantes. Los estilos de pintura de las primeras cuevas recibieron influencia de la India y Occidente. A partir de la dinastía Tang (618–906 d.C.), los murales comenzaron a reflejar el estilo de pintura chino único. [19]
Caligrafía china
La caligrafía china se remonta al Dazhuan (escritura de sello grande) que apareció en la dinastía Zhou . Después de que el emperador Qin unificó China, el primer ministro Li Si recopiló y compiló el estilo Xiaozhuan (pequeño sello) como nuevo texto oficial. La escritura del pequeño sello es muy elegante pero difícil de escribir rápidamente. En la dinastía Han del Este , comenzó a surgir un tipo de escritura llamada Lishu (Escritura Oficial). Debido a que no revela círculos y muy pocas líneas curvas, es muy adecuado para la escritura rápida. Después de eso, apareció el estilo Kaishu (escritura regular tradicional), y como su estructura es más simple y ordenada, esta escritura todavía se usa ampliamente en la actualidad. [20] [21]
Jade
El jade primitivo se utilizaba como adorno o como utensilio de sacrificio. El primer objeto chino tallado en jade apareció en la cultura Hemudu a principios del Neolítico (alrededor del 3500-2000 a. C.). Durante la dinastía Shang (c. 1600-1046 a. C.), aparecieron Bi (jade circular perforado) y Cong (tubo cuadrado de jade), que se presumía que eran utensilios de sacrificio que representaban el cielo y la tierra. En la dinastía Zhou (1046-256 a. C.), debido al uso de herramientas de grabado de mayor dureza, los jades se tallaron con mayor delicadeza y comenzaron a usarse como colgante u adorno en la ropa. [22] [23] El jade se consideraba inmortal y podía proteger al propietario, por lo que los objetos de jade tallado a menudo se enterraban con el difunto, como un traje funerario de jade de la tumba de Liu Sheng, un príncipe de la dinastía Han Occidental. . [23] [24]
Porcelana
La porcelana es un tipo de cerámica elaborada a partir de caolín a alta temperatura. Las primeras cerámicas de China aparecieron en la dinastía Shang (c.1600-1046 a. C.). Y la producción de cerámica sentó las bases para la invención de la porcelana. La historia de la porcelana china se remonta a la dinastía Han (206 a. C. – 220 d. C.). [25] En la dinastía Tang , la porcelana se dividía en celadón y porcelana blanca. En la dinastía Song , Jingdezhen fue seleccionada como centro de producción de porcelana real y comenzó a producir porcelana azul y blanca. [26]
Tras el fin de la última dinastía feudal en China , con el surgimiento del nuevo movimiento cultural , los artistas chinos comenzaron a verse influenciados por el arte occidental y comenzaron a integrar el arte occidental en la cultura china. [27] Influenciado por el jazz estadounidense, el compositor chino Li Jinhui (conocido como el padre de la música pop china) comenzó a crear y promover música popular, lo que causó una gran sensación. [28] A principios del siglo XX, las pinturas al óleo se introdujeron en China, y cada vez más pintores chinos comenzaron a tocar las técnicas de pintura occidentales y a combinarlas con la pintura tradicional china. [29] Mientras tanto, también había comenzado a surgir una nueva forma de pintura, el cómic. Fue popular entre mucha gente y se convirtió en la forma más económica de entretener en ese momento. [30]
El arte tibetano se refiere al arte del Tíbet ( Región Autónoma del Tíbet en China) y de otros reinos actuales y anteriores del Himalaya ( Bután , Ladakh , Nepal y Sikkim ). El arte tibetano es ante todo una forma de arte sagrado , que refleja la influencia predominante del budismo tibetano en estas culturas. El Mandala de Arena ( tib : kilkhor ) es una tradición budista tibetana que simboliza la naturaleza transitoria de las cosas. Como parte del canon budista , todo lo material se considera transitorio. Un mandala de arena es un ejemplo de esto, ya que una vez construido y terminadas las ceremonias y visitas que lo acompañan, se destruye sistemáticamente .
Cuando el budismo Mahayana surgió como una escuela separada en el siglo IV a. C., enfatizó el papel de los bodhisattvas , seres compasivos que renuncian a su escape personal al Nirvana para ayudar a los demás. Desde tiempos remotos, varios bodhisattvas también fueron objeto de arte estatuario. El budismo tibetano, como descendiente del budismo mahayana, heredó esta tradición. Pero la presencia dominante adicional del Vajrayana (o tantra budista) puede haber tenido una importancia primordial en la cultura artística. Un bodhisattva común representado en el arte tibetano es la deidad Chenrezig (Avalokitesvara), a menudo retratado como un santo de mil brazos con un ojo en medio de cada mano, que representa al compasivo que todo lo ve y escucha nuestras peticiones. Esta deidad también puede entenderse como un Yidam , o 'Buda de meditación' para la práctica Vajrayana.
El budismo tibetano contiene el budismo tántrico , también conocido como budismo vajrayana por su simbolismo común del vajra , el rayo de diamante (conocido en tibetano como dorje ). La mayor parte del arte budista tibetano típico puede verse como parte de la práctica del tantra. Las técnicas vajrayana incorporan muchas visualizaciones/imaginaciones durante la meditación, y la mayor parte del elaborado arte tántrico puede verse como ayuda para estas visualizaciones; desde representaciones de deidades meditativas ( yidams ) hasta mandalas y todo tipo de implementos rituales.
Un aspecto visual del budismo tántrico es la representación común de deidades iracundas , a menudo representadas con caras enojadas, círculos de llamas o con cráneos de muertos. Estas imágenes representan a los Protectores ( sct . dharmapala ) y su porte temible desmiente su verdadera naturaleza compasiva. En realidad, su ira representa su dedicación a la protección de la enseñanza del Dharma , así como a la protección de las prácticas tántricas específicas para evitar la corrupción o la interrupción de la práctica. Se utilizan sobre todo como aspectos psicológicos iracundos que pueden utilizarse para conquistar las actitudes negativas del practicante.
Los historiadores señalan que la pintura china tuvo una profunda influencia en la pintura tibetana en general. A partir de los siglos XIV y XV, la pintura tibetana había incorporado muchos elementos de los chinos, y durante el siglo XVIII, la pintura china tuvo un impacto profundo y de gran alcance en el arte visual tibetano. [31] Según Giuseppe Tucci , en la época de la dinastía Qing, "se desarrolló entonces un nuevo arte tibetano, que en cierto sentido era un eco provinciano del preciosismo suave y ornamentado chino del siglo XVIII". [31]
El arte y la arquitectura japoneses incluyen obras de arte producidas en Japón desde los inicios de la ocupación humana allí, en algún momento del décimo milenio a. C., hasta el presente. El arte japonés cubre una amplia gama de estilos y medios artísticos, incluida la cerámica antigua, la escultura en madera y bronce, la pintura con tinta sobre seda y papel, y una gran variedad de otros tipos de obras de arte; desde la antigüedad hasta el siglo XXI contemporáneo.
Esta forma de arte alcanzó gran popularidad en la cultura metropolitana de Edo (Tokio) durante la segunda mitad del siglo XVII, y se originó con las obras de un solo color de Hishikawa Moronobu en la década de 1670. Al principio sólo se utilizaba tinta china , luego algunas impresiones se coloreaban manualmente con un pincel, pero en el siglo XVIII Suzuki Harunobu desarrolló la técnica de la impresión policromada para producir nishiki-e .
La pintura japonesa (絵画, Kaiga ) es una de las artes japonesas más antiguas y refinadas , y abarca una amplia variedad de géneros y estilos. Como ocurre con la historia de las artes japonesas en general, la historia de la pintura japonesa es una larga historia de síntesis y competencia entre la estética japonesa nativa y la adaptación de ideas importadas.
Los orígenes de la pintura en Japón se remontan al período prehistórico de Japón . Se pueden encontrar figuras de palos simples y diseños geométricos en la cerámica del período Jōmon y en las campanas de bronce dōtaku del período Yayoi (300 a. C. - 300 d. C.) . Se han encontrado pinturas murales con diseños tanto geométricos como figurativos en numerosos túmulos del período Kofun (300-700 d.C.).
La escultura japonesa antigua se derivaba principalmente de la adoración de ídolos en el budismo o de los ritos animistas de la deidad sintoísta . En particular, la escultura entre todas las artes llegó a centrarse más firmemente en el budismo. Los materiales utilizados tradicionalmente eran el metal, especialmente el bronce , y, más comúnmente, la madera, a menudo lacada , dorada o pintada de colores brillantes. Al final del período Tokugawa , esta escultura tradicional (excepto las obras miniaturizadas) había desaparecido en gran medida debido a la pérdida del patrocinio de los templos budistas y la nobleza.
Ukiyo , que significa "mundo flotante", se refiere a la impetuosa cultura joven que floreció en los centros urbanos de Edo (la actual Tokio), Osaka y Kioto que eran un mundo en sí mismos. Es una alusión irónica al término homófono "Mundo Doloroso" (憂き世), el plano terrenal de muerte y renacimiento del que los budistas buscaban la liberación.
El arte coreano se destaca por sus tradiciones en cerámica, música, caligrafía, pintura, escultura y otros géneros, a menudo marcados por el uso de colores llamativos, formas naturales, formas y escalas precisas y decoración de superficies.
Si bien existen diferencias claras y distintivas entre tres culturas independientes, existen similitudes e interacciones históricas significativas entre las artes de Corea , China y Japón.
El estudio y la apreciación del arte coreano se encuentran todavía en una etapa de formación en Occidente. Debido a la posición de Corea entre China y Japón, Corea era vista como un mero conducto de la cultura china hacia Japón. Sin embargo, estudiosos recientes han comenzado a reconocer el arte y la cultura únicos de Corea y su importante papel no sólo en la transmisión de la cultura china sino también en su asimilación y creación de una cultura propia y única. Un arte nacido y desarrollado por una nación es su propio arte.
En general, la historia de la pintura coreana se remonta aproximadamente al año 108 d.C., cuando aparece por primera vez como una forma independiente. Entre esa época y las pinturas y frescos que aparecen en las tumbas de la dinastía Goryeo , ha habido poca investigación. Baste decir que hasta la dinastía Joseon la influencia principal fue la pintura china, aunque realizada con paisajes coreanos, rasgos faciales, temas budistas y un énfasis en la observación celeste en consonancia con el rápido desarrollo de la astronomía coreana.
A lo largo de la historia de la pintura coreana, ha habido una separación constante de obras monocromáticas de pincelada negra sobre papel de morera o seda; y el colorido arte popular o min-hwa , las artes rituales, las pinturas de tumbas y las artes festivas que hacían un uso extensivo del color.
Esta distinción a menudo se basaba en clases: los estudiosos, particularmente en el arte confuciano , sentían que se podía ver el color en pinturas monocromáticas dentro de las gradaciones y sentían que el uso real del color toscaba las pinturas y restringía la imaginación. Se consideraba que el arte popular coreano y la pintura de marcos arquitectónicos iluminaban ciertos marcos exteriores de madera, y nuevamente dentro de la tradición de la arquitectura china y las primeras influencias budistas de profuso y rico thalo y colores primarios inspirados en el arte de la India .
Arte contemporáneo en Corea: el primer ejemplo de pintura al óleo de estilo occidental en el arte coreano fueron los autorretratos del artista coreano Ko Hu i-dong (1886-1965). De estas obras sólo quedan hoy en día tres de ellas. Estos autorretratos imparten una comprensión del medio que se extiende mucho más allá de la afirmación de la diferencia estilística y cultural. A principios del siglo XX, la decisión de pintar con óleo y lienzo en Corea tenía dos interpretaciones diferentes. Uno de ellos es una sensación de iluminación debido a las ideas y estilos artísticos occidentales. Esta ilustración derivó de un movimiento intelectual de los siglos XVII y XVIII. Ko había estado pintando con este método durante el período de la anexión de Corea por parte de Japón. Durante este tiempo muchos afirmaron que su arte podría haber sido político, sin embargo, él mismo afirmó que era un artista y no un político. Ko declaró: "Mientras estaba en Tokio, sucedió algo muy curioso. En ese momento había menos de cien estudiantes coreanos en Tokio. Todos estábamos bebiendo el aire nuevo y emprendiendo nuevos estudios, pero hubo algunos que se burlaron. mi elección de estudiar arte. Un amigo cercano dijo que no era correcto para mí estudiar pintura en un momento como este." [33]
La cerámica coreana fue reconocida ya en el año 6000 a.C. Esta cerámica también se conocía como cerámica con diseño de peine debido a las líneas decorativas talladas en el exterior. Las primeras sociedades coreanas dependían principalmente de la pesca. Entonces, usaban cerámica para almacenar pescado y otras cosas recolectadas del océano, como mariscos. La alfarería tenía dos distinciones regionales principales. Las de la costa Este tienden a tener una base plana, mientras que la cerámica de la costa Sur tenía una base redonda. [34]
El arte paquistaní tiene una larga tradición e historia. Consiste en una variedad de formas de arte, que incluyen pintura , escultura , caligrafía , alfarería y artes textiles como el tejido de seda. Geográficamente, forma parte del arte del subcontinente indio , incluido lo que hoy es Pakistán . [35]
El arte budista se originó en el subcontinente indio en los siglos posteriores a la vida del histórico Buda Gautama entre los siglos VI y V a. C., antes de evolucionar a través de su contacto con otras culturas y su difusión por el resto de Asia y el mundo. El arte budista viajó con los creyentes a medida que el dharma se difundía, adaptaba y evolucionaba en cada nuevo país anfitrión. Se desarrolló hacia el norte a través de Asia central y hacia el este de Asia para formar la rama norte del arte budista, y hacia el este hasta el sudeste asiático para formar la rama sur del arte budista. En la India, el arte budista floreció e incluso influyó en el desarrollo del arte hindú , hasta que el budismo casi desapareció en la India alrededor del siglo X d.C. debido en parte a la vigorosa expansión del Islam junto con el hinduismo .
Un recurso visual común en el arte budista es el mandala . Desde la perspectiva del espectador, representa esquemáticamente el universo ideal. [36] [37] En varias tradiciones espirituales, los mandalas pueden emplearse para centrar la atención de aspirantes y adeptos, una herramienta de enseñanza espiritual, para establecer un espacio sagrado y como ayuda para la meditación y la inducción al trance . Su naturaleza simbólica puede ayudar a uno "a acceder a niveles progresivamente más profundos del inconsciente, ayudando en última instancia al meditador a experimentar un sentido místico de unidad con la unidad última de la que surge el cosmos en todas sus múltiples formas". [38] El psicoanalista Carl Jung vio el mandala como "una representación del centro del yo inconsciente" [39] y creía que sus pinturas de mandalas le permitían identificar trastornos emocionales y trabajar hacia la plenitud de la personalidad. [40]
El arte butanés es similar al arte del Tíbet . Ambos se basan en el budismo Vajrayana , con su panteón de seres divinos.
Las principales órdenes del budismo en Bután son Drukpa Kagyu y Nyingma . La primera es una rama de la Escuela Kagyu y es conocida por sus pinturas que documentan el linaje de los maestros budistas y los 70 Je Khenpo (líderes del establecimiento monástico de Bután). La orden Nyingma es conocida por las imágenes de Padmasambhava , a quien se le atribuye la introducción del budismo en Bután en el siglo VII. Según la leyenda, Padmasambhava escondió tesoros sagrados para que los encontraran los futuros maestros budistas, especialmente Pema Lingpa . Los buscadores de tesoros ( tertön ) también son temas frecuentes en el arte Nyingma.
A cada ser divino se le asignan formas, colores y/o objetos de identificación especiales, como loto, caracola, rayo y cuenco de mendicidad. Todas las imágenes sagradas están hechas con especificaciones exactas que se han mantenido notablemente sin cambios durante siglos.
El arte butanés es particularmente rico en bronces de diferentes tipos que se conocen colectivamente con el nombre de Kham-so (hechos en Kham ) a pesar de que están hechos en Bután, porque la técnica para fabricarlos fue originalmente importada de la provincia oriental del Tíbet llamada Kham . . Las pinturas murales y esculturas de estas regiones se basan en los principales ideales eternos de las formas de arte budista. Aunque su énfasis en los detalles se deriva de modelos tibetanos, sus orígenes pueden discernirse fácilmente, a pesar de las prendas profusamente bordadas y los adornos brillantes con los que estas figuras están profusamente cubiertas. En el grotesco mundo de los demonios, los artistas aparentemente tenían mayor libertad de acción que cuando modelaban imágenes de seres divinos.
Las artes y oficios de Bután que representan el exclusivo “espíritu e identidad del reino del Himalaya” se definen como el arte de Zorig Chosum , que significa las “trece artes y oficios de Bután”; los trece oficios son carpintería, pintura, fabricación de papel. , herrería, tejido, escultura y muchas otras artesanías. El Instituto de Zorig Chosum en Thimphu es la principal institución de artes y oficios tradicionales creada por el Gobierno de Bután con el único objetivo de preservar la rica cultura y tradición de Bután y capacitar estudiantes en todas las formas de arte tradicional; hay otra institución similar en el este de Bután conocida como Trashi Yangtse. La vida rural de Bután también se muestra en el " Museo del Patrimonio Folclórico " en Thimphu. También hay un "Estudio de Artistas Voluntarios" en Thimphu para alentar y promover las formas de arte entre los jóvenes de Thimphu [41] [42]
El arte indio se puede clasificar en períodos específicos, cada uno de los cuales refleja ciertos desarrollos religiosos, políticos y culturales. Los ejemplos más antiguos son los petroglifos como los encontrados en Bhimbetka , algunos de ellos datan de antes del 5500 a.C. La producción de tales obras continuó durante varios milenios.
Siguió el arte de la civilización del valle del Indo . Ejemplos posteriores incluyen los pilares tallados de Ellora , estado de Maharashtra . Otros ejemplos son los frescos de las cuevas de Ajanta y Ellora .
Las contribuciones del Imperio mogol al arte indio incluyen la pintura mogol , un estilo de pintura en miniatura fuertemente influenciado por las miniaturas persas , y la arquitectura mogol .
Durante el Raj británico , la pintura india moderna evolucionó como resultado de la combinación de estilos tradicionales indios y europeos. Raja Ravi Varma fue un pionero de este período. La escuela de arte de Bengala se desarrolló durante este período, dirigida por Abanidranath Tagore , Gaganendranath Tagore , Jamini Roy , Mukul Dey y Nandalal Bose .
Una de las formas de arte más populares de la India se llama Rangoli . Es una forma de decoración con pintura de arena que utiliza colores y polvo blanco finamente molido, y se usa comúnmente en el exterior de los hogares en la India.
Las artes visuales (escultura, pintura y arquitectura) están estrechamente interrelacionadas con las artes no visuales. Según Kapila Vatsyayan , "la arquitectura, la escultura, la pintura, la literatura (kaavya), la música y la danza clásicas de la India desarrollaron sus propias reglas condicionadas por sus respectivos medios, pero compartieron entre sí no sólo las creencias espirituales subyacentes de la religión india. mente filosófica, sino también los procedimientos mediante los cuales se elaboraron en detalle las relaciones del símbolo y los estados espirituales".
La mejor manera de comprender las cualidades únicas del arte indio es comprender el pensamiento filosófico, la amplia historia cultural y los antecedentes sociales, religiosos y políticos de las obras de arte.
Períodos específicos:
La antigua y refinada cultura tradicional de Katmandú , de hecho en todo Nepal , es un encuentro ininterrumpido y excepcional del espíritu hindú y budista practicado por su gente altamente religiosa. También ha abrazado en su seno la diversidad cultural proporcionada por otras religiones como el jainismo , el islam y el cristianismo .
La plata es un elemento popular en el arte de Brunei . Los plateros fabrican adornos, floreros y gongs (disco de metal con un borde torneado que da una nota resonante cuando se pega). Otro utensilio popular es el pasigupan, un tipo de mini olla que tiene un estampado de mandala y contiene tabaco.
Las habilidades para tejer se han transmitido de generación en generación. Brunei produce telas para la confección de vestidos y pareos . "El tejido y la decoración de telas, así como su uso, exhibición e intercambio, han sido una parte importante de la cultura de Brunei durante años (Orr 96)". El tejido adquirió importancia en el siglo XV. Antonio Pigafetta visitó Brunei durante sus viajes y observó cómo se confeccionaba la ropa. Un ejemplo fue el Jongsarat, una prenda hecha a mano que se utiliza para bodas y ocasiones especiales. Por lo general, incluye un toque de plata y oro. Se puede utilizar para revestimientos de paredes.
Los dos tipos de ropa en Brunei se llaman Batik e Ikat . El batik es una tela de algodón teñida y decorada mediante una técnica conocida como teñido resistente a la cera . [43] Ikat se elabora mediante un proceso similar al Batik. En lugar de teñir el patrón sobre la tela terminada, se crea durante el tejido.
El arte y la cultura camboyanos han tenido una historia rica y variada que se remonta a muchos siglos y han estado fuertemente influenciados por la India . A su vez, Camboya influyó mucho en Tailandia , Laos y viceversa. A lo largo de la larga historia de Camboya, una importante fuente de inspiración fue la religión. A lo largo de casi dos milenios, los camboyanos desarrollaron una creencia jemer única a partir del sincretismo de las creencias animistas indígenas y las religiones indias del budismo y el hinduismo . La cultura y la civilización indias, incluidos su idioma y sus artes, llegaron al sudeste asiático continental alrededor del siglo I d.C. [44] En general, se cree que los comerciantes marineros llevaron las costumbres y la cultura indias a los puertos a lo largo del golfo de Tailandia y el Pacífico mientras comerciaban con China. El primer estado que se benefició de esto fue Funan . En varias épocas, la cultura camboyana también absorbió elementos de las culturas javanesa , china , laosiana y tailandesa . [45]
La historia de las artes visuales de Camboya se remonta a siglos atrás, hasta las artesanías antiguas; El arte jemer alcanzó su apogeo durante el período de Angkor . Las artes y artesanías tradicionales camboyanas incluyen textiles, tejidos no textiles , platería , tallado en piedra , lacados , cerámica , murales de wat y fabricación de cometas . [46] A partir de mediados del siglo XX, comenzó una tradición de arte moderno en Camboya, aunque a finales del siglo XX tanto las artes tradicionales como las modernas declinaron por varias razones, incluido el asesinato de artistas por parte de los Jemeres Rojos . El país ha experimentado un renacimiento artístico reciente debido al mayor apoyo de gobiernos, ONG y turistas extranjeros. [47]
La escultura jemer se refiere a la escultura de piedra del Imperio jemer , que gobernó un territorio basado en la Camboya moderna, pero bastante más grande, desde el siglo IX al XIII. Los ejemplos más famosos se encuentran en Angkor , que sirvió como sede del imperio.
En el siglo VII, la escultura jemer comienza a alejarse de sus influencias hindúes (pre-Gupta para las figuras budistas, Pallava para las figuras hindúes) y, a través de una constante evolución estilística, llega a desarrollar su propia originalidad, que en el siglo X puede considerarse completo y absoluto. La escultura jemer pronto va más allá de la representación religiosa, convirtiéndose casi en un pretexto para representar figuras de la corte disfrazadas de dioses y diosas. [48] Pero además, también viene a constituir un medio y un fin en sí mismo para la ejecución del refinamiento estilístico, como una especie de campo de pruebas. Ya hemos visto cómo el contexto social del reino jemer proporciona una segunda clave para entender este arte. Pero también podemos imaginar que, en un nivel más exclusivo, pequeños grupos de intelectuales y artistas estaban trabajando, compitiendo entre ellos en maestría y refinamiento mientras perseguían una hipotética perfección de estilo. [49]
Los dioses que encontramos en la escultura jemer son los de las dos grandes religiones de la India, el budismo y el hinduismo . Y siempre están representados con gran precisión iconográfica, indicando claramente que sacerdotes eruditos supervisaban la ejecución de las obras. [45] Sin embargo, a diferencia de aquellas imágenes hindúes que repiten un estereotipo idealizado, estas imágenes están tratadas con gran realismo y originalidad porque representan modelos vivos: el rey y su corte. La verdadera función social del arte jemer era, de hecho, la glorificación de la aristocracia a través de estas imágenes de los dioses encarnados en los príncipes. De hecho, el culto al “deva-raja” requería el desarrollo de un arte eminentemente aristocrático en el que el pueblo debía ver la prueba tangible de la divinidad del soberano, mientras que la aristocracia disfrutaba viéndose a sí misma –si es cierto, en forma idealizada, inmortalizada en el esplendor de intrincados adornos, vestidos elegantes y joyas extravagantes. [50]
Las esculturas son admirables imágenes de dioses, presencias reales e imponentes, aunque no exentas de sensualidad femenina, que nos hacen pensar en personajes importantes de la corte y personajes de considerable poder. Los artistas que esculpieron las piedras sin duda cumplieron con los objetivos y requisitos primarios exigidos por quienes las encargaron. Las esculturas representan a la divinidad elegida de manera ortodoxa y logran retratar, con gran habilidad y maestría, altas figuras de la corte en todo su esplendor, con atuendos, adornos y joyas de una belleza sofisticada. [51]
.jpg/1280px-Ceiling_Paintings_07_Nuestra_Sra._del_Santissimo_Rosario_Parish_Church,_Lila,_Bohol_(100_dpi).jpg)
Las artes filipinas más antiguas conocidas son las artes rupestres, siendo la más antigua los petroglifos de Angono , realizados durante el Neolítico, fechados entre 6000 y 2000 a.C. Las tallas posiblemente se utilizaron como parte de una antigua práctica curativa para niños enfermos. A esto le siguieron los petroglifos alabes , fechados a más tardar en el año 1500 a. C., que exhibían símbolos de fertilidad como los pudendos. Las artes rupestres son petrografías, incluido el arte rupestre al carbón de Peñablanca , el arte rupestre al carbón de Singnapan , el arte de hematita roja en Anda , [52] y el arte rupestre recientemente descubierto de Monreal (Ticao) , que representa monos, rostros humanos, gusanos o serpientes. , plantas, libélulas y pájaros. [53] Entre 890 y 710 a. C., la jarra Manunggul se fabricó en el sur de Palawan . Sirvió como vasija funeraria secundaria, cuya tapa superior representa el viaje del alma al más allá a través de un barco con un psicopompo . [54] En el año 100 a. C., las cuevas funerarias de las momias de Kabayan fueron excavadas en una montaña. Entre el 5 a. C. y el 225 d. C., se creó en Cotabato la cerámica antropomorfa Maitum . Las artesanías eran vasijas funerarias secundarias, y muchas de ellas representaban cabezas, manos, pies y pechos humanos. [55]
En el siglo IV d. C., y muy probablemente antes, los antiguos habitantes de Filipinas fabricaban buques de guerra gigantes, donde las primeras evidencias arqueológicas conocidas se han excavado en Butuan , donde el barco fue identificado como un balangay y fechado en el 320 d. C. [56] El artefacto más antiguo encontrado actualmente con una escritura escrita es la inscripción Laguna Copperplate , fechada en el año 900 d.C. La placa trata del pago de una deuda. [57] El Sello de Marfil de Butuan es el arte de marfil más antiguo conocido en el país, datado entre los siglos IX y XII d.C. El sello contiene tallas de una escritura antigua. [58] Durante este período, se fabricaron varios artefactos, como la imagen de Agusan , una estatua de oro de una deidad, posiblemente influenciada por el hinduismo y el budismo. [59] Del siglo XII al XV se realizó el Paleógrafo de Plata de Butuan . La escritura de la plata aún no se ha descifrado. [60] Entre los siglos XIII y XIV, los nativos de Banton, Romblon, elaboraron la tela Banton , el tejido ikat más antiguo que se conserva en el sudeste asiático. La tela se utilizó como manta mortuoria. [61] Desde el siglo XVI, hasta finales del siglo XIX, la colonización española influyó en diversas formas de arte en el país. [62]
De 1565 a 1815, los artesanos filipinos fabricaron los galeones de Manila que se utilizaban para el comercio de Asia a América, de donde muchos de los productos iban a Europa. [63] En 1565, la antigua tradición del tatuaje en Filipinas se registró por primera vez a través de los Pintados . [64] En 1584 se completó el Fuerte San Antonio Abad , mientras que en 1591 se construyó el Fuerte Santiago . Hacia 1600, se construyeron las Terrazas de Arroz de las Cordilleras de Filipinas . Cinco grupos de terrazas de arroz han sido designados Patrimonio de la Humanidad . [65] En 1607 se construyó la Iglesia de San Agustín (Manila) . El edificio ha sido declarado Patrimonio de la Humanidad . El sitio es famoso por su interior pintado. [66] En 1613, el escrito suyat en papel más antiguo que se conserva fue escrito a través de los Documentos Baybayin de la Universidad de Santo Tomás . [67] Después de 1621, se crearon las Piedras de Monreal en Ticao, Masbate. [68] En 1680 se realizó el Arco de los Siglos . En 1692 se pintó la imagen de Nuestra Señora de la Soledad de Porta Vaga . [69]
La iglesia de Manaoag se estableció en 1701. En 1710, se construyó la iglesia de Paoay , declarada Patrimonio de la Humanidad . La iglesia es conocida por sus contrafuertes gigantes, parte de la arquitectura barroca del terremoto. [66] En 1720 se realizaron las pinturas religiosas de Camarín de la Virgen en Santa Ana. [70] En 1725 se construyó la histórica Iglesia de Santa Ana . En 1765 se construyó la Iglesia de Santa María , Patrimonio de la Humanidad . El sitio se destaca por su estructura montañosa. [66] La iglesia de Bacarra fue construida en 1782. En 1783, se registraron por primera vez los idjangs , castillos-fortaleza, de Batanes. Aún se desconoce la edad exacta de las estructuras. [71] En 1797, se construyó la Iglesia de Miagao , declarada Patrimonio de la Humanidad . La iglesia es famosa por las tallas de su fachada. [66] La iglesia de Tayum fue construida en 1803. En 1807, se realizaron las pinturas de la Revuelta Basi, que representan la revolución ilocano contra la interferencia española en la producción y el consumo de basi. En 1822 se estableció el histórico Parque Paco . En 1824 se crea el Órgano de Bambú de Las Piñas , convirtiéndose en el primer y único órgano fabricado en bambú. Para 1852 se terminaron las pinturas de Arte Sacro de la Iglesia Parroquial de Santiago Apóstol . En 1884, tanto El asesinato del gobernador Bustamante y su hijo como Spoliarium ganaron premios durante un concurso de arte en España. En 1890 se realizó el cuadro Alimentando al pollo . La vida parisina se pintó en 1892, mientras que La Bulaqueña se pintó en 1895. El arte en arcilla, El triunfo de la ciencia sobre la muerte , se elaboró en 1890. [72] En 1891, la primera y única iglesia totalmente de acero en Asia, San Se construyó la Iglesia de Sebastián (Manila) . En 1894, se realizó el arte en arcilla La venganza de la madre . [73]
En el siglo XX, o posiblemente antes, se escribió el Corán de Bayang. Durante la misma época, forasteros descubrieron el calendario agrícola de piedra de Guiday, Besao. En 1913 se completó el Monumento a Rizal . En 1927, se reconstruyó el edificio principal de la Universidad de Santo Tomás , mientras que el edificio del Seminario Central se construyó en 1933. En 1931, el palacio real Darul Jambangan de Sulu fue destruido. [74] Ese mismo año se construyó el Teatro Metropolitano de Manila . Las pinturas del Progreso de la Medicina en Filipinas se terminaron en 1953. La Iglesia de Santo Domingo se construyó en 1954. En 1962, se completó la pintura del Instituto Internacional de Investigación del Arroz , mientras que el Mural de Manila se realizó en 1968. En 1993, se creó el Monumento a Bonifacio. . [70] [60]
El arte y la cultura de Indonesia han sido moldeados por una larga interacción entre las costumbres indígenas originales y múltiples influencias extranjeras. Indonesia ocupa un lugar central en las antiguas rutas comerciales entre el Lejano Oriente y el Medio Oriente, lo que da como resultado que muchas prácticas culturales estén fuertemente influenciadas por una multitud de religiones , incluidas el hinduismo , el budismo , el confucianismo y el islam, todas ellas fuertes en las principales ciudades comerciales. El resultado es una compleja mezcla cultural muy diferente de las culturas indígenas originales. Indonesia generalmente no es conocida por sus pinturas, aparte de las intrincadas y expresivas pinturas balinesas , que a menudo expresan escenas naturales y temas de las danzas tradicionales.
Otras excepciones incluyen diseños de pintura indígena de Kenia basados, como se encuentran comúnmente en las culturas austronesias , en motivos naturales endémicos como helechos, árboles, perros, cálaos y figuras humanas. Estos todavía se pueden encontrar decorando las paredes de las casas comunales de Kenyah Dayak en la región de Apo Kayan de Kalimantan Oriental .
Indonesia tiene una larga Edad del Bronce y del Hierro , pero la forma de arte floreció particularmente entre el siglo VIII y el siglo X, como obras de arte independientes y también incorporadas a los templos.
Los más notables son los cientos de metros de esculturas en relieve del templo de Borobudur en Java central . Aproximadamente dos millas de exquisitas esculturas en relieve cuentan la historia de la vida de Buda e ilustran sus enseñanzas. El templo albergaba originalmente 504 estatuas del Buda sentado. Este sitio, como otros en Java central, muestra una clara influencia india.
La caligrafía, basada principalmente en el Corán , se utiliza a menudo como decoración, ya que el Islam prohíbe las representaciones naturalistas. Algunos pintores extranjeros también se han establecido en Indonesia . Los pintores indonesios modernos utilizan una amplia variedad de estilos y temas.
El arte balinés es un arte de origen hindú - javanés que surgió a partir del trabajo de los artesanos del Reino Majapahit , con su expansión a Bali a finales del siglo XIII. Desde el siglo XVI al XX, el pueblo de Kamasan, Klungkung (este de Bali), fue el centro del arte clásico balinés. Durante la primera parte del siglo XX se desarrollaron nuevas variedades de arte balinés. Desde finales del siglo XX, Ubud y sus pueblos vecinos se ganaron la reputación de ser el centro del arte balinés. Ubud y Batuan son conocidos por sus pinturas, Mas por sus tallas en madera, Celuk por sus orfebres y plateros y Batubulan por sus tallas en piedra. Covarrubias [75] describe el arte balinés como, "... un arte popular barroco altamente desarrollado, aunque informal, que combina la vivacidad campesina con el refinamiento del clasicismo de la Java hinduista, pero libre de los prejuicios conservadores y con una nueva vitalidad impulsada por el exuberancia del espíritu demoníaco del primitivo tropical". Eiseman señaló que el arte balinés en realidad está tallado, pintado, tejido y preparado para convertirlo en objetos destinados al uso diario más que como objeto de arte. [76]
En la década de 1920, con la llegada de muchos artistas occidentales, Bali se convirtió en un enclave artístico (como lo fue Tahití para Paul Gauguin ) para artistas de vanguardia como Walter Spies (alemán), Rudolf Bonnet (holandés), Adrien-Jean Le Mayeur ( belga), Arie Smit (holandés) y Donald Friend (australiano) en años más recientes. La mayoría de estos artistas occidentales tuvieron muy poca influencia en los balineses hasta el período posterior a la Segunda Guerra Mundial, aunque algunos relatos enfatizan demasiado la presencia occidental a expensas del reconocimiento de la creatividad balinesa.
Este período innovador de creatividad alcanzó su punto máximo a finales de la década de 1930. Una corriente de visitantes famosos, entre ellos Charlie Chaplin y los antropólogos Gregory Bateson y Margaret Mead , animaron a los talentosos lugareños a crear obras muy originales. Durante su estancia en Bali a mediados de la década de 1930, Bateson y Mead recopilaron más de 2.000 pinturas, principalmente del pueblo de Batuan, pero también del pueblo costero de Sanur. [77] Entre los artistas occidentales, a Spies y Bonnet a menudo se les atribuye la modernización de las pinturas tradicionales balinesas. A partir de la década de 1950, los artistas balineses incorporaron aspectos de la perspectiva y la anatomía de estos artistas. [78] Más importante aún, actuaron como agentes de cambio fomentando la experimentación y promoviendo alejamientos de la tradición. El resultado fue una explosión de expresión individual que aumentó el ritmo de cambio en el arte balinés.
El arte laosiano incluye la cerámica , la escultura budista laosiana y la música laosiana .
Las esculturas budistas laosianas se crearon en una gran variedad de materiales, incluido oro, plata y, con mayor frecuencia, bronce . El ladrillo y el mortero también fueron un medio utilizado para imágenes colosales, la más famosa de ellas es la imagen de Phya Vat (siglo XVI) en Vientiane , aunque una renovación alteró por completo la apariencia de la escultura y ya no se parece a un Buda de Laos. . La madera es popular para las pequeñas imágenes budistas votivas que a menudo se dejan en las cuevas. La madera también es muy común para las imágenes grandes y de tamaño natural de Buda. Las dos esculturas más famosas talladas en piedra semipreciosa son el Phra Keo (El Buda Esmeralda ) y el Phra Phuttha Butsavarat. El Phra Keo, que probablemente sea de origen Xieng Sen ( Chiang Saen ), está tallado en un bloque sólido de jade. Descansó en Vientiane durante doscientos años antes de que los siameses se lo llevaran como botín a finales del siglo XVIII. Hoy sirve como paladio del Reino de Tailandia y reside en el Gran Palacio de Bangkok. El Phra Phuttha Butsavarat, al igual que el Phra Keo, también está consagrado en su propia capilla en el Gran Palacio de Bangkok. Antes de que los siameses se apoderaran de ella a principios del siglo XIX, esta imagen de cristal era el paladio del reino laosiano de Champassack .
Muchas hermosas esculturas budistas laosianas están talladas en las cuevas de Pak Ou . Cerca de Pak Ou (desembocadura del río Ou), Tham Ting (cueva inferior) y Tham Theung (cueva superior) están cerca de Luang Prabang , Laos. Se trata de un magnífico grupo de cuevas a las que sólo se puede acceder en barco, a unas dos horas río arriba del centro de Luang Prabang , y que últimamente se han vuelto más conocidas y frecuentadas por los turistas. Las cuevas se destacan por sus impresionantes esculturas budistas y de estilo laosiano talladas en las paredes de la cueva, y cientos de figuras budistas desechadas dispuestas sobre los pisos y estantes de las paredes. Fueron colocadas allí porque sus dueños no querían destruirlas, por lo que se hace un difícil viaje hasta las cuevas para colocar allí las estatuas no deseadas.
El arte malayo se compone principalmente de arte malayo y arte de Borneo , y guarda similitudes con otros estilos del sudeste asiático, como el de Brunei , Indonesia y Singapur . La historia del arte en Malasia se remonta a los sultanatos malayos, con influencias de las artes china , india e islámica .
El arte tradicional de Malasia se centra principalmente en la artesanía de tallado, tejido y platería. [79] El arte tradicional abarca desde cestas tejidas a mano en zonas rurales hasta la platería de las cortes malayas. Las obras de arte comunes incluían conjuntos de nueces de escarabajo y kris ornamentales . Se fabrican textiles lujosos conocidos como Songket , así como telas batik con estampados tradicionales . Los indígenas del este de Malasia son conocidos por sus máscaras de madera. El arte malayo se ha expandido sólo recientemente, ya que antes de la década de 1950 los tabúes islámicos sobre dibujar personas y animales eran fuertes. [80] Textiles como el batik , songket , Pua Kumbu y tekat se utilizan para decoraciones, a menudo bordados con una pintura o patrón. La joyería tradicional se hacía de oro y plata adornada con gemas y, en el este de Malasia, se utilizaba cuero y cuentas para el mismo efecto. [81]
Arte de Myanmar se refiere al arte visual creado en Myanmar (Birmania). El arte birmano antiguo estuvo influenciado por la India y a menudo era de naturaleza religiosa, desde esculturas hindúes en el Reino de Thaton hasta imágenes budistas Theravada en el Reino de Sri Ksetra . [82]
El período de Bagan vio avances significativos en muchas formas de arte, desde pinturas murales y esculturas hasta estuco y tallado en madera. [82] Después de una escasez de arte sobreviviente entre los siglos XIV y XVI, [83] los artistas crearon pinturas y esculturas que reflejan la cultura birmana. [84] Los artistas birmanos han sido sometidos a la interferencia y censura del gobierno, lo que obstaculiza el desarrollo del arte en Myanmar. [85] El arte birmano refleja los elementos budistas centrales, incluidos el mudra , los cuentos de Jataka , la pagoda y el Bodhisattva . [86]
_by_Chua_Mia_Tee,_National_Gallery_Singapore_(23831641090).jpg/1280px-National_Language_Class_(1959)_by_Chua_Mia_Tee,_National_Gallery_Singapore_(23831641090).jpg)
La historia del arte de Singapur incluye las tradiciones artísticas indígenas del archipiélago malayo y las diversas prácticas visuales de artistas itinerantes y migrantes de China , el subcontinente indio y Europa . [87]
El arte de Singapur incluye las tradiciones escultóricas, textiles y de artes decorativas del mundo malayo ; retratos , paisajes , esculturas , grabados y dibujos de historia natural del período colonial británico del país; junto con pinturas de estilo Nanyang de influencia china , arte realista social , arte abstracto y prácticas fotográficas que surgieron en el período de posguerra. [87] Hoy en día, incluye las prácticas de arte contemporáneo del Singapur posterior a la independencia, como el arte escénico , el arte conceptual , el arte de instalación , el videoarte , el arte sonoro y el arte de los nuevos medios . [88] El surgimiento del arte moderno de Singapur, o más específicamente, "el surgimiento de una expresión artística autoconsciente" [87] a menudo está vinculado al surgimiento de asociaciones de arte, escuelas de arte y exposiciones en el siglo XX, aunque esto ha desde entonces se ha ampliado para incluir formas anteriores de representación visual, como las de los períodos históricos de Singapur. [89] [90]
Actualmente, el arte contemporáneo de Singapur también circula internacionalmente a través de bienales de arte y otras importantes exposiciones internacionales. El arte contemporáneo en Singapur tiende a examinar temas de "hipermodernidad y el entorno construido; alienación y costumbres sociales cambiantes; identidades poscoloniales y multiculturalismo ". [91] A través de estas tendencias, "la exploración de la actuación y el cuerpo performativo" es un hilo conductor común. [91] Singapur tiene una historia notable de artes escénicas , ya que históricamente el gobierno promulgó una regla de no financiación para esa forma de arte específica de 1994 a 2003, luego de una controvertida obra de arte escénica en el espacio de arte 5th Passage . [92] [93]
El arte y las artes visuales tailandeses eran tradicional y principalmente arte budista y real. La escultura consistía casi exclusivamente en imágenes de Buda , mientras que la pintura se limitaba a la ilustración de libros y la decoración de edificios, principalmente palacios y templos. Las imágenes de Buda tailandés de diferentes épocas tienen varios estilos distintivos. El arte tailandés contemporáneo a menudo combina elementos tradicionales tailandeses con técnicas modernas .
Las pinturas tradicionales tailandesas mostraban temas en dos dimensiones sin perspectiva . El tamaño de cada elemento de la imagen reflejaba su grado de importancia. La principal técnica de composición es la de repartir áreas: los elementos principales están aislados entre sí mediante transformadores espaciales. Esto eliminó el terreno intermedio, que de otro modo implicaría perspectiva. La perspectiva se introdujo sólo como resultado de la influencia occidental a mediados del siglo XIX.
Los temas narrativos más frecuentes en las pinturas fueron o son: las historias de Jataka , episodios de la vida de Buda , los cielos e infiernos budistas y escenas de la vida diaria.
El período Sukhothai comenzó en el siglo XIV en el reino de Sukhothai . Las imágenes de Buda del período Sukhothai son elegantes, con cuerpos sinuosos y rostros esbeltos y ovalados. Este estilo enfatizaba el aspecto espiritual de Buda, omitiendo muchos pequeños detalles anatómicos . El efecto se vio realzado por la práctica común de fundir imágenes en metal en lugar de tallarlas. Este período vio la introducción de la postura del "Buda andante".
Los artistas de Sukhothai intentaron seguir las marcas canónicas que definen a un Buda, tal como se establecen en los antiguos textos pali :
Sukhothai también produjo una gran cantidad de cerámica vidriada al estilo Sawankhalok , que se comercializaba en todo el sudeste asiático.
El arte en Timor Oriental comenzó a popularizarse desde la violencia durante la crisis de Timor Oriental de 2006 . Los niños que vivían en el campo comenzaron a pintar murales de paz en las paredes . [94] [95]
La Sociedad de Artes de Timor Oriental promueve el arte en la zona y alberga muchas obras de arte diferentes producidas en el país. [96]
.jpg/1280px-Tranh_Thu%E1%BA%ADn_H%C3%B3a_Ho%C3%A0ng_cung_h%E1%BB%8Da_th%E1%BA%A5t_(%E9%A0%86%E5%8C%96%E7%9A%87%E5%AE%AE%E7%95%AB%E5%AE%A4).jpg)
El arte vietnamita proviene de una de las culturas más antiguas de la región del sudeste asiático. Un rico patrimonio artístico que se remonta a tiempos prehistóricos e incluye: pintura sobre seda, escultura, alfarería, cerámica, grabados en madera, arquitectura, música, danza y teatro.
El arte tradicional vietnamita es el arte practicado en Vietnam o por artistas vietnamitas, desde la antigüedad (incluidos los elaborados tambores Đông Sơn ) hasta el arte posterior a la dominación china que estuvo fuertemente influenciado por el arte budista chino , entre otras filosofías como el taoísmo y el confucianismo . El arte de Champa y el arte francés también desempeñaron un papel menor más adelante.
La influencia china en el arte vietnamita se extiende a la cerámica , la caligrafía y la arquitectura tradicional vietnamitas. Actualmente, las pinturas lacadas vietnamitas han demostrado ser bastante populares.
La dinastía Nguyễn , la última dinastía gobernante de Vietnam (c. 1802-1945), vio un interés renovado en el arte de la cerámica y la porcelana. Las cortes imperiales de toda Asia importaron cerámica vietnamita.
A pesar de cuán desarrolladas se volvieron las artes escénicas (como la música y la danza de la corte imperial) durante la dinastía Nguyễn, algunos consideran que otros campos del arte comenzaron a declinar durante la última parte de la dinastía Nguyễn.
A partir del siglo XIX, el arte moderno y las influencias artísticas francesas se extendieron por Vietnam. A principios del siglo XX, se fundó la École Supérieure des Beaux Arts de l'Indochine (Facultad de Artes de Indochina) para enseñar métodos europeos y ejerció influencia principalmente en las ciudades más grandes, como Hanoi y Ho Chi Minh . [97]
Las restricciones de viaje impuestas a los vietnamitas durante los 80 años de dominio francés en Vietnam y el largo período de guerra por la independencia nacional significaron que muy pocos artistas vietnamitas pudieron capacitarse o trabajar fuera de Vietnam. [98] Un pequeño número de artistas de entornos acomodados tuvieron la oportunidad de ir a Francia y hacer allí su carrera en su mayor parte. [98] Los ejemplos incluyen Le Thi Luu, Le Pho, Mai Trung Thu, Le Van De, Le Ba Dang y Pham Tang. [98]
Los artistas vietnamitas modernos comenzaron a utilizar técnicas francesas con muchos medios tradicionales como la seda, laca, etc., creando así una combinación única de elementos orientales y occidentales.
La caligrafía ha tenido una larga historia en Vietnam, utilizándose anteriormente Chữ Hán junto con Chữ Nôm . Sin embargo, la mayoría de la caligrafía vietnamita moderna utiliza el carácter romano Chữ Quốc Ngữ , que ha demostrado ser muy popular.
En el pasado, cuando la alfabetización en los antiguos sistemas de escritura basados en caracteres de Vietnam estaba restringida a académicos y élites, la caligrafía todavía desempeñaba un papel importante en la vida vietnamita. En ocasiones especiales, como el Tết Nguyên Đán , la gente acudía al maestro o erudito de la aldea para que les hiciera un colgante de caligrafía (a menudo poesía, dichos populares o incluso palabras sueltas). Las personas que no sabían leer ni escribir también encargaban a eruditos que escribieran oraciones que quemarían en los santuarios del templo.
pero un examen revela que no pueden ser anteriores al siglo XVII porque en el extracto que aquí se muestra, la letra nga (cuadros 1 y 3) tiene la cruz /a/-deleter que el Padre LÓPEZ introdujo en 1621, y esta cruz es bastante diferente. del signo diacrítico colocado debajo del carácter ya para representar la vocal /u/: /yu/ (cuadro 2).
.jpg/1280px-Along_the_River_During_the_Qingming_Festival_(Qing_Court_Version).jpg)
_-_right_hand_screen.jpg/1280px-Hasegawa_Tohaku_-_Pine_Trees_(Sh%C5%8Drin-zu_by%C5%8Dbu)_-_right_hand_screen.jpg)
.svg/1280px-Asia_(orthographic_projection).svg.png){kind=small}