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El arte popular cubre todas las formas de arte visual realizadas en el contexto de la cultura popular . Las definiciones varían, pero generalmente los objetos tienen alguna utilidad práctica, más que ser exclusivamente decorativos . Los creadores de arte popular suelen formarse dentro de una tradición popular, más que en la tradición de bellas artes de la cultura. A menudo hay superposiciones o terrenos controvertidos [1] con el " arte ingenuo ". El "arte popular" no se utiliza con respecto a las sociedades tradicionales donde se sigue realizando arte etnográfico .
Los tipos de objetos cubiertos por el término "arte popular" varían. La forma de arte se clasifica como "divergente... de producción cultural... comprendida por su uso en Europa, donde se originó el término, y en los Estados Unidos, donde se desarrolló en su mayor parte siguiendo líneas muy diferentes". [2]
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Desde una perspectiva europea, Edward Lucie-Smith lo describió como "arte poco sofisticado, tanto fino como aplicado, que supuestamente tiene sus raíces en la conciencia colectiva de la gente sencilla. El concepto de arte popular es claramente del siglo XIX. Hoy en día lleva consigo Es un matiz de nostalgia por la sociedad preindustrial". [3]
Las artes populares reflejan la vida cultural de una comunidad. La forma de arte abarca la cultura expresiva asociada con los campos del folclore y el patrimonio cultural . El arte popular tangible puede incluir objetos que históricamente se elaboran y utilizan dentro de una comunidad tradicional. Las artes populares intangibles pueden incluir formas como música y galerías de arte, danza y estructuras narrativas. Cada una de estas formas de arte, tanto tangibles como intangibles, generalmente se desarrollaron para abordar un propósito práctico. Una vez que el propósito se ha perdido u olvidado, generalmente no hay razón para una mayor transmisión a menos que el objeto o la acción hayan sido imbuidos de un significado más allá de su practicidad inicial. Estas tradiciones artísticas están moldeadas por valores y estándares que se transmiten de generación en generación, generalmente dentro de la familia y la comunidad, a través de demostraciones, conversaciones y prácticas.
Los objetos de arte popular son un subconjunto de la cultura material e incluyen objetos que se experimentan a través de los sentidos, la vista y el tacto. Típico de la cultura material en el arte, estos objetos tangibles pueden manipularse, reexperimentarse repetidamente y, a veces, romperse. Se consideran obras de arte por la ejecución técnica de una forma y diseño existente; la habilidad puede verse en la precisión de la forma, la decoración de la superficie o en la belleza del producto terminado. [4] Como arte popular, estos objetos comparten varias características que los distinguen de otros artefactos de la cultura material.
El objeto es creado por un solo artesano o equipo de artesanos. El artesano trabaja dentro de un marco cultural establecido. El arte popular tiene un estilo y método reconocible en la elaboración de sus piezas, lo que permite reconocer y atribuir los productos a un solo individuo o taller. Esto fue expresado originalmente por Alois Riegl en su estudio de Volkskunst, Hausfleiss, und Hausindustrie , publicado en 1894. "Riegl... enfatizó que la mano individual y las intenciones del artista eran significativas, incluso en la creatividad popular. Sin duda, la El artista puede haber sido obligado por las expectativas del grupo a trabajar dentro de las normas de las formas y convenciones transmitidas, pero la creatividad individual – que implicaba elecciones estéticas personales y virtuosismo técnico – salvó las tradiciones recibidas o heredadas del estancamiento y permitió que se renovaran en cada generación”. [5] La innovación individual en el proceso de producción juega un papel importante en la continuidad de estas formas tradicionales. Se siguen practicando muchas tradiciones de arte popular, como el acolchado, el marco de cuadros ornamentales y el tallado de señuelos, y siguen surgiendo nuevas formas.
Los artistas outsiders contemporáneos suelen ser autodidactas y su trabajo suele desarrollarse de forma aislada o en pequeñas comunidades a lo largo del país. El Museo Smithsonian de Arte Americano alberga a más de 70 artistas populares y autodidactas. [6]
Los objetos de arte popular suelen producirse mediante un proceso de producción único. Sólo se fabrica un objeto a la vez, ya sea a mano o mediante una combinación de métodos manuales y mecánicos, y no se producen en masa . Como resultado de la producción manual, las piezas individuales se consideran únicas y normalmente pueden diferenciarse de otros objetos del mismo tipo. En su ensayo sobre "Objetos populares", el folclorista Simon Bronner hace referencia a los modos de producción preindustriales, pero los artesanos populares siguen fabricando objetos de arte popular como piezas únicas. "La noción de objetos populares tiende a enfatizar lo hecho a mano sobre lo fabricado a máquina. Los objetos populares implican un modo de producción común a la sociedad comunal preindustrial donde el conocimiento y las habilidades eran personales y tradicionales". [7] El arte popular no tiene por qué ser antiguo; Hoy en día se sigue fabricando a mano en muchas regiones del mundo.
El diseño y la producción de arte popular se aprende y enseña de manera informal o formal; Los artistas populares no son autodidactas. [ cita necesaria ] El arte popular no tiene como objetivo la expresión individualista. En cambio, "el concepto de arte grupal implica, de hecho requiere, que los artistas adquieran sus habilidades, tanto manuales como intelectuales, al menos en parte a través de la comunicación con otros. La comunidad tiene algo, generalmente mucho, que decir acerca de lo que se considera aceptable". arte popular." [8] Históricamente, la formación en un oficio se realizaba mediante aprendizajes con artesanos locales, como el herrero o el cantero . Como el equipo y las herramientas necesarios ya no estaban disponibles en la comunidad, estas artesanías tradicionales se trasladaron a escuelas técnicas o escuelas de artes aplicadas .
La enseñanza del oficio a través de medios informales fuera de las instituciones ha abierto el género a artistas que pueden enfrentar barreras de entrada en otras disciplinas. La artista folclórica canadiense Maud Lewis , por ejemplo, padecía una enfermedad congénita no diagnosticada, lo que hacía que la escolarización formal en arte fuera un desafío. [9] A pesar de las barreras a la educación formal, Lewis se convirtió en uno de los artistas populares más famosos de Canadá, creando miles de pinturas de la vida en Nueva Escocia . [9]
El objeto es reconocible dentro de su marco cultural como de un tipo conocido. Se pueden encontrar objetos similares en el entorno fabricados por otros individuos que se parecen a este objeto. Las piezas individuales de arte popular harán referencia a otras obras de la cultura, incluso cuando muestren una ejecución individual excepcional en forma o diseño. Si no se pueden encontrar antecedentes para este objeto, aún podría ser una obra de arte, pero no es arte popular. "Si bien la sociedad tradicional no borra el ego, sí enfoca y dirige las elecciones que un individuo puede tomar aceptablemente... la persona bien socializada encontrará que los límites no son inhibidores sino útiles... Donde las tradiciones son saludables, las obras de diferentes artistas son más similares que son diferentes; son más uniformes que personales." [10] La tradición en el arte popular surge a través del paso de información de una generación a otra. A través de generaciones de líneas familiares, los miembros de la familia transmiten el conocimiento, la información, las habilidades y las herramientas necesarias para continuar la creación del arte popular. Algunos ejemplos son Leon “Peck” Clark, un cestero de Mississippi, que aprendió sus habilidades de un miembro de la comunidad; George López de Cordova, Nuevo México, quien es un tallador de santos de sexta generación cuyos hijos también tallan; y los tejedores de cestas Yorok-Karok, quienes explican que sus familiares generalmente les enseñaban a tejer”. [11]
El tipo conocido de objeto debe ser, o haber sido originalmente, utilitario; fue creado para cumplir alguna función en la vida diaria del hogar o la comunidad. Esta es la razón por la que se sigue realizando el diseño. Dado que el formulario en sí tenía una función y un propósito, diferentes personas lo duplicaron con el tiempo en varios lugares. Un libro sobre historia del arte afirma que "toda cosa creada por el hombre surge de un problema como una solución decidida". [12] Escrito por George Kubler y publicado en 1962, " La forma del tiempo: comentarios sobre la historia de las cosas " describe un enfoque del cambio histórico que sitúa la historia de los objetos y las imágenes en un continuo de tiempo más amplio. El propósito del arte popular no es puramente decorativo ni pretende duplicar la artesanía. Sin embargo, dado que la forma en sí era un tipo distinto con su función y propósito, diferentes personas han seguido copiando el arte popular a lo largo del tiempo.
El objeto destaca por su forma y sus motivos decorativos. Al ser parte de la comunidad, el artesano reflexiona sobre la estética cultural de la comunidad y puede tomar en consideración la respuesta de la comunidad a la artesanía. Se puede crear un objeto que coincida con las expectativas de la comunidad, y el artista puede diseñar el producto con prejuicios culturales tácitos para reflejar este objetivo. [13] Si bien la forma compartida indica una cultura compartida, la innovación puede permitir al artesano individual encarnar su propia visión. Esta puede ser una representación de la manipulación de la cultura colectiva e individual, dentro de la producción de arte popular tradicional. "Para que el arte progrese, su unidad debe ser desmantelada para que algunos de sus aspectos puedan quedar libres para la exploración, mientras que otros evitan la atención". [14] Esta representación dicotómica de la cultura suele ser visible en el producto final. [15]
El arte popular está diseñado en diferentes formas, tamaños y formas. Utiliza tradicionalmente los materiales disponibles en la localidad y reproduce formas y formas familiares. El Centro Smithsonian para la Vida Folclórica y el Patrimonio Cultural ha compilado una página de objetos históricos que han formado parte de uno de sus festivales folclóricos anuales. La siguiente lista incluye una muestra de diferentes materiales, formas y artesanos involucrados en la producción de objetos de arte popular y cotidiano. [dieciséis]
A continuación se enumera una amplia variedad de etiquetas para un grupo ecléctico de obras de arte. Todos estos géneros se crean fuera de las estructuras institucionales del mundo del arte y no se consideran "bellas artes". Existe una superposición entre estas colecciones etiquetadas, de modo que un objeto puede aparecer bajo dos o más etiquetas. [2] Muchas de estas agrupaciones y objetos individuales también pueden parecerse al "arte popular" en sus aspectos, sin embargo, pueden no alinearse con las características definitorias descritas anteriormente.
Las obras de arte, estilos y motivos populares han inspirado a varios artistas. Por ejemplo, Pablo Picasso se inspiró en esculturas y máscaras tribales africanas. Natalia Goncharova y otros se inspiraron en los estampados populares tradicionales rusos llamados luboks . [18]
En 1951, la artista, escritora y curadora Barbara Jones organizó la exposición Black Eyes and Lemonade en la Whitechapel Gallery de Londres como parte del Festival of Britain . Esta exposición, junto con su publicación The Unsophisticated Arts , exhibió objetos de consumo populares y producidos en masa junto con arte contemporáneo en una instancia temprana de la popularización del arte pop en Gran Bretaña. [19]
Las Naciones Unidas reconocen y apoyan el patrimonio cultural en todo el mundo, [20] en particular la UNESCO en asociación con la Organización Internacional de Arte Popular (IOV). Su misión declarada es “promover el arte, las costumbres y la cultura populares en todo el mundo mediante la organización de festivales y otros eventos culturales... con énfasis en la danza, la música, las canciones y el arte populares”. [21] Al apoyar los intercambios internacionales de grupos de arte popular, así como la organización de festivales y otros eventos culturales, su objetivo es promover el entendimiento internacional y la paz mundial.
En los Estados Unidos, el Fondo Nacional de las Artes trabaja para promover una mayor comprensión y sostenibilidad del patrimonio cultural en los Estados Unidos y en todo el mundo a través de la investigación, la educación y la participación comunitaria. Como parte de esto, identifican y apoyan a los becarios de arte popular de la NEA en acolchados, herrería, tallado en madera, alfarería, bordado, cestería, tejido y otras artes tradicionales relacionadas. Las directrices de la NEA definen como criterios para este premio una muestra de “autenticidad, excelencia y significado dentro de una tradición particular” para los artistas seleccionados. (Directrices de la NEA)”. En 1966, el primer año de financiación de la NEA, el apoyo a los festivales folclóricos nacionales y regionales se identificó como una prioridad y en 1967 se otorgó la primera subvención a la Asociación Nacional de Festivales Folclóricos. Se celebran festivales folclóricos en todo el mundo para fomentar y apoyar la educación y la participación comunitaria de diversas comunidades étnicas.
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