La pintura con arena es el arte de verter arenas de colores y pigmentos en polvo de minerales o cristales, o pigmentos de otras fuentes naturales o sintéticas sobre una superficie para hacer una pintura de arena fija o no fija. Las pinturas de arena no fijadas tienen una larga historia cultural en numerosos grupos sociales de todo el mundo y, a menudo, son pinturas rituales temporales preparadas para ceremonias religiosas o curativas. Esta forma de arte también se conoce como pintura en seco.
La pintura en seco es practicada por los nativos americanos en el suroeste de los Estados Unidos, por monjes tibetanos y budistas, así como por los indígenas australianos y también por los latinoamericanos en ciertos días festivos cristianos.
En las pinturas de arena de los nativos americanos del suroeste (los más famosos de los cuales son los navajos [conocidos como diné]), el curandero (o hatałii ) pinta libremente sobre el suelo de un hogan , donde se lleva a cabo la ceremonia, o sobre una lona de piel de ante o de tela, dejando que la arena de colores fluya entre sus dedos con control y habilidad. Los navajos conocen entre 600 y 1000 diseños tradicionales diferentes de pinturas de arena. No ven las pinturas como objetos estáticos, sino como seres vivos espirituales a los que hay que tratar con gran respeto. Es posible que se asocien más de 30 pinturas de arena diferentes a una ceremonia.
Los colores de la pintura se suelen conseguir con arena coloreada de forma natural, yeso triturado (blanco), ocre amarillo, arenisca roja , carbón y una mezcla de carbón y yeso (azul). El marrón se puede conseguir mezclando rojo y negro; el rojo y el blanco dan lugar al rosa. Otros colorantes son la harina de maíz, el polen de flores o las raíces y la corteza en polvo.
Las pinturas tienen únicamente fines curativos . Muchas de ellas contienen imágenes de Yeibicheii (el Pueblo Santo). Mientras crea la pintura, el curandero canta , pidiendo a los Yeibicheii que entren en la pintura y ayuden a curar al paciente.
Cuando el curandero termina de pintar, comprueba la precisión de la pintura. El orden y la simetría de la pintura simbolizan la armonía que el paciente desea restablecer en su vida. Se cree que la precisión de una pintura de arena determina su eficacia como herramienta sagrada. Se le pedirá al paciente que se siente sobre la pintura de arena mientras el curandero procede con el canto curativo. Se afirma que la pintura de arena actúa como un portal para atraer a los espíritus y permitirles ir y venir. Los practicantes creen que sentarse sobre la pintura de arena ayuda al paciente a absorber el poder espiritual, mientras que a su vez, el Pueblo Santo absorberá la enfermedad y se la llevará. Después, cuando la pintura de arena ha cumplido su propósito, se considera tóxica, ya que ha absorbido la enfermedad. Por esta razón, la pintura se destruye. Debido a la naturaleza sagrada de las ceremonias, las pinturas de arena se comienzan, se terminan, se utilizan y se destruyen en un plazo de 12 horas.
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Las ceremonias que incluyen pinturas en arena se realizan generalmente en secuencias, llamadas "cantos", que duran un número determinado de días según la ceremonia. Se realiza al menos una pintura en arena nueva cada día.
Algunas leyes y tabúes navajos se relacionan con las pinturas de arena y protegen su santidad:
El arte indígena australiano tiene una historia que abarca más de 30.000 años y una amplia gama de tradiciones y estilos nativos. Estos han sido estudiados en las últimas décadas y su complejidad ha ganado un mayor reconocimiento internacional. [2] El arte aborigen cubre una amplia variedad de medios, incluyendo la pintura con arena, la pintura sobre hojas, el tallado en madera, el tallado en roca, la escultura y la vestimenta ceremonial, así como los adornos artísticos que se encuentran en armas y también en herramientas. El arte es uno de los rituales clave de la cultura aborigen. Se utilizó y sigue utilizándose para marcar territorio, registrar la historia y contar historias sobre " El sueño ".
Los pueblos aborígenes han comenzado a transformar sus tradicionales pinturas de arena en formas más permanentes utilizando técnicas y materiales modernos. [3]
Geoffrey Bardon fue un profesor de arte australiano que fue fundamental en la creación del movimiento de arte aborigen del desierto occidental y en llevar el arte indígena australiano a la atención del mundo". ... [dirigidos por Bardon, los ancianos] comenzaron a interactuar con ciertos temas de la pintura internacional de los años 1960 y 1970, especialmente la esquematización extrema del minimalismo neoyorquino". En la Historia de la Pintura "La abstracción lírica de finales de los años 1960 se caracteriza por las pinturas de Dan Christensen , Ronnie Landfield , Peter Young y otros, y junto con el movimiento fluxus y el posminimalismo (un término acuñado por primera vez por Robert Pincus-Witten en las páginas de Artforum en 1969) [4] buscó expandir los límites de la pintura abstracta y el minimalismo centrándose en el proceso, nuevos materiales y nuevas formas de expresión".
Esta conexión se ve más obviamente en la conexión entre las pinturas de finales de los años sesenta de Peter Young (artista) y las pinturas que le siguieron a principios de los años setenta producidas en Papunya Tula . [5] [6]
Papunya Tula , o Papunya Tula Artists Pty Ltd, es una cooperativa de artistas formada en 1972 que es propiedad de aborígenes del desierto occidental de Australia y está dirigida por ellos. Kaapa Tjampitjinpa es uno de los primeros artistas de Papunya Tula y es conocido por Gulgardi . Es notable por ser la primera obra de un artista indígena australiano en ganar un premio de arte contemporáneo y el primer reconocimiento público de una pintura de Papunya. [1]
Las pinturas de arena budistas tibetanas suelen ser mandalas compuestos . En tibetano, se denomina dul-tson-kyil-khor (mandala de polvos de colores). La arena se coloca con cuidado sobre una mesa grande y plana. El proceso de construcción lleva varios días y el mandala se destruye poco después de su finalización. Esto se hace como herramienta de enseñanza y metáfora de la "impermanencia" (Pali: anicca ) de todos los fenómenos contingentes y compuestos (Sánscrito: Pratītya-samutpāda ).
El proceso de pintar mandalas con arena comienza con una ceremonia de apertura, durante la cual los lamas , o sacerdotes tibetanos, consagran el lugar e invocan las fuerzas del bien. Cantan, declaran intenciones, hacen mudras , asanas , pranayamas , hacen visualizaciones, tocan música, recitan mantras , etc.
El primer día, los lamas comienzan dibujando el contorno del mandala que se pintará en una plataforma de madera. Los días siguientes se coloca la arena de colores, lo que se lleva a cabo vertiendo la arena desde embudos de metal tradicionales llamados chak-pur . Cada monje sostiene un chak-pur en una mano, mientras pasa una varilla de metal sobre su superficie dentada; la vibración hace que la arena fluya como un líquido. Formado por la iconografía tradicional prescrita que incluye formas geométricas y una multitud de símbolos espirituales antiguos (por ejemplo: Ashtamangala y atributos divinos de yidam ), sílabas semilla , mantra , el mandala pintado con arena se utiliza como herramienta o instrumento para innumerables propósitos. Un propósito principal es reconsagrar la tierra y sus habitantes. Cuando se completa la meditación, la pintura de arena se destruye ceremoniosamente utilizando un Vajra y luego se recoge la arena y se lleva a un cuerpo de agua para ofrecerla.
El emperador Tenmu (631-686), cuadragésimo emperador de Japón, utilizó técnicas de bonseki para describir paisajes y objetos naturales. También se cree que varios jardines de Kioto fueron diseñados utilizando bonseki. El ensayo de 1300 del monje zen japonés Kokan Shiren , "Prosa rimada sobre un jardín paisajístico en miniatura", habla sobre los principios del bonseki y la arquitectura de jardines. El bonseki se convirtió en una forma de arte popular de la aristocracia japonesa durante el reinado de Ashikaga Yoshimasa (1443-1490). La figura histórica con la influencia más profunda en el "Camino del Té" japonés, Sen no Rikyū (1522-1591), practicaba el bonseki. A partir del siglo XV en Japón, los artistas budistas en la época de los shōguns practicaban el arte del bonseki espolvoreando arena seca de colores y guijarros sobre la superficie de bandejas lisas lacadas en negro. Utilizaban plumas de aves como pinceles para dar forma a la superficie arenosa y crear paisajes marinos y paisajísticos. Estas imágenes en bandeja se utilizaban en ceremonias religiosas. Aunque la práctica del bonseki casi desapareció después de la Segunda Guerra Mundial, todavía hay escuelas que lo practican activamente.
Durante los siglos XVII y XVIII, las cortes reales de Europa empleaban a "decoradores de mesa", que decoraban las mesas auxiliares de los banquetes reales, habiendo adaptado el arte japonés del "bonseki". Los decoradores de mesa espolvoreaban arena de colores, polvo de mármol, azúcar, etc. sobre la superficie de manteles blancos lisos para crear imágenes no fijadas de frutas, flores, pájaros y paisajes rústicos. Entre cada diseño se dejaban espacios para fruteros y platos de dulces para que los comensales pudieran refrescarse entre los platos principales del banquete. Estas imágenes ornamentadas se descartaban junto con los restos del banquete.
Como un excelente ejemplo de la artesanía de los decoradores de mesas, la Abadía de Woburn en Bedfordshire , Inglaterra, posee un biombo ornamentado con tres paneles, decorado con imágenes de arena protegidas por vidrio. El del centro tiene cinco espacios para platos piramidales de dulces , mientras que las dos hojas laterales del biombo tienen tres espacios para bandejas de fruta. Hay cuatro imágenes de arena en cada esquina de los paneles laterales del biombo, que presentan escenas pastorales del siglo XVIII, mientras que las áreas restantes del biombo están decoradas con mariposas, palomas, frutas, flores, etc. El biombo se colocaba sobre la superficie de una mesa auxiliar. También servía como base para servir platos de porcelana elaborados y bandejas de vidrio que contenían frutas, bombones y dulces, de los que los anfitriones y sus invitados podían servirse mientras socializaban o estiraban las piernas entre los múltiples platos que se servían en la mesa principal del comedor. Este biombo puede haber sido obra del artesano alemán F. Schweikhardt, que se especializó en estudios de naturalezas muertas al estilo del pintor holandés Jan van Huysum .
La pintura con arena como artesanía fue inspirada por el Rey Jorge III, quien era un hábil relojero y artesano por derecho propio, y se interesó en las habilidades demostradas por los funcionarios reales, conocidos como Table Deckers, quienes decoraban los manteles blancos en los banquetes reales con centros de mesa ornamentados decorados con arenas y azúcares de colores no fijados como "pintura", y una pluma de pájaro como "pincel", una artesanía introducida por un viajero europeo que había observado a los artesanos trabajando en Japón.
Fue mientras observaba a los decoradores de mesas en acción que el Rey sugirió que si las imágenes de arena que se colocaban temporalmente sobre la superficie de los manteles se podían fijar de forma permanente en su lugar en lugar de descartarlas con los restos de la fiesta, esto ahorraría mucho tiempo y energía al emplear una multitud de hábiles bordadores que se esforzarían en un trabajo tan especializado. Así que en una ocasión el Rey gritó a los artesanos: "¿Por qué no lo arreglan ustedes?" Esto hizo que varios artesanos, entre ellos Haas, Schweikhardt y Benjamin Zobel (Memmingen, Alemania, 21 de septiembre de 1762 - Londres, Inglaterra, 24 de octubre de 1830), todos de origen alemán, desarrollaran, de forma independiente, con éxito métodos adecuados para lograr este objetivo, y estas imágenes fueron encargadas por los dignatarios reales de la época y llegaron a ser muy apreciadas por la aristocracia. El hermano del Rey , el Duque de York, encargó varias obras a Zobel y a los demás, aunque los artistas de arena guardaron celosamente su método de sus competidores. Zobel representó "cerdos a la manera de Morland"; "Nelson", el perro favorito del duque de York; "Tigre según George Stubbs", y un impresionante "Buitre y serpiente". [ cita requerida ] Aunque muchas de las obras de Zobel han sobrevivido, pocas de las de Haas han sobrevivido al paso del tiempo, aunque los observadores consideraron que su trabajo era superior al de Zobel. Esto puede reflejar las diferentes técnicas utilizadas por cada artista. Un diarista observó a Zobel cubriendo la superficie del zócalo con una mezcla de goma arábiga y albayalde y espolvoreando arena sobre la superficie pegajosa usando un embudo de papel doblado como pincel. Tuvo que trabajar rápidamente ya que el adhesivo se secaría en unas pocas horas. Varias de sus imágenes supervivientes tienen trabajo inacabado en el reverso. Haas siguió más de cerca las técnicas desarrolladas en Japón, pero mezclando goma arábiga en polvo seco con la arena, espolvoreando la mezcla a través de un tamiz y usando plumas como pinceles para crear las imágenes sobre el zócalo, y luego fijándolas con algún método que mantuvo en secreto. Debido a las condiciones de humedad que imperaban en muchas de las casas señoriales de la época, sus cuadros no duraron más que unos pocos años. En una ocasión, Haas tuvo que ausentarse mientras trabajaba en un cuadro de arena que no estaba fijado. Cuando regresó, encontró a uno de los gatos del Castillo de Windsor acurrucado sobre el cuadro, dañándolo.
Finalmente, Zobel regresó a Memmingen, en Baviera, donde continuó con su arte con éxito. Algunas de sus obras se exhiben en el Ayuntamiento de Memmingen. Haas se vio obligado a abandonar la pintura con arena, probablemente debido a los continuos desastres con sus cuadros. En su lugar, abrió una panadería en Windsor y es posible que la guinda de sus pasteles estuviera decorada con imágenes en azúcar de colores en lugar de arena. [ cita requerida ]
Con la muerte de estos artesanos georgianos y la venta de la colección del duque de York, el interés y las habilidades desarrolladas en el trabajo de las pinturas en arena disminuyeron. El único personaje real que se interesó más en la artesanía fue la difunta reina María, consorte del rey Jorge V, quien legó sus pinturas en arena georgianas al Victoria and Albert Museum , y su colección de pinturas en arena de la Isla de Wight al Museo del Castillo de Carisbrooke en la Isla de Wight.
En la primera mitad del siglo XX, el teniente coronel Rybot fue un entusiasta coleccionista de pinturas de arena, que sirvieron de material de partida para los artículos escritos sobre el tema en las revistas de arte y manualidades de la época. Finalmente, 37 de sus pinturas de arena de colección fueron el objeto principal de una subasta celebrada en la galería Sotheby's New Bond Street el 15 de junio de 1956.
Existen miles de lugares donde es posible recolectar arenas naturales de colores para trabajos manuales, y en todo el mundo se puede encontrar una enorme variedad de colores que varían según el contenido de las aguas cargadas de minerales que se filtran a través de las arenas. Para los turistas, los acantilados verticales de arena de Alum Bay, en la isla de Wight, forman la parte central de un fenómeno geológico visual (que se ve mejor después de un chaparrón) que encapsula las agujas de tiza de The Needles y Tennyson Downs. Aunque ya no se anima a los turistas a obtener su propia arena de los acantilados, numerosas empresas de la isla venden arena para pintar con arena.
Después de casarse con el Príncipe Alberto y de haber elegido Osborne House, cerca de Cowes , para que fuera su nuevo refugio familiar, la Reina Victoria fue la principal impulsora de la gentrificación de este antiguo lugar apartado; los artesanos locales se beneficiaron de la afluencia de visitantes adinerados y varios artesanos vendieron sus cuadros de arena fijos y sus jarrones de arena sin fijar con vistas de la isla como recuerdos únicos de la Isla de Wight.
Algunas de estas imágenes de arena eran pequeñas y toscas y no estaban firmadas, pero Edwin y John Dore de Arreton produjeron algunas obras excelentes en la década de 1840. Las imágenes eran del tamaño de una postal y el tema eran vistas locales como el castillo de Carisbrooke y otros temas turísticos. Edwin siempre firmaba sus pintorescas imágenes con una letra fina con una pluma cartográfica y tinta china, y uno de sus temas de producción en serie más exitosos fue "Recogiendo huevos de pájaros en Needles Cliffs". John Dore utilizó una tarjeta adornada con un borde impreso con un diseño de encaje sobre el que ejecutar sus imágenes de arena, aunque la calidad de su trabajo era inferior a la de su hermano.
Pocos de los artistas de arena de la isla rellenaron el cielo, dándole a ese detalle una ligera capa de color como toque final, a veces dejando las puertas y ventanas libres de arena que se bloquearía con tinta china. En las décadas de 1860 y 1870, J. Symons de Cowes produjo vistas locales mucho más grandes que el tamaño de una postal, montadas en marcos de roble o arce esmaltados y firmadas con la firma del artista en el reverso. El equipo de padre e hijo, los Neates de Newport, vendían sus obras en un puesto fuera de las puertas del castillo de Carisbrooke, donde se ofrecían a los visitantes cuadros de arena y frascos de arena a precios que iban desde 1 chelín hasta 2 chelines y 6 centavos cada uno, y el hijo se dejó crecer las uñas anormalmente largas para distribuir la arena en sus cuadros. Durante los años 1930 y 1940, RJSnow de Lake fue el que más se acercó a producir imágenes de arena al estilo de los artesanos georgianos, pero en tamaño postal, aunque produjo algunos buenos trabajos por encargo, en particular una vista de Oddicombe en Devon, en la que el mar y el cielo también estaban "pintados" en arena, pero después de los años de guerra la calidad de las imágenes de arena para postales se deterioró y el artículo producido en masa con poco gusto o habilidad se ofreció a la venta por unos pocos chelines.
En Senegal, los diseños se pegan sobre tablas y normalmente representan figuras en el paisaje.
Entre los años 1860 y 1890, Andrew Clemens , un hombre sordomudo nacido en Dubuque, Iowa, EE. UU., se hizo famoso por su arte de crear imágenes sin fijar utilizando arenas multicolores comprimidas dentro de botellas de vidrio o frascos de farmacia ornamentados. La arena se recogía de los acantilados con vistas al río Mississippi. Los temas de sus botellas de arena incluían versos sentimentales profusamente decorados, barcos de vela, plantas, animales y retratos.
Expuso su obra en la feria comercial de San Luis y, tras pasar horas creando un cuadro en una botella, demostró a un público incrédulo que el cuadro que había dentro no estaba arreglado destruyendo la botella con un martillo. Las botellas de arena de Clemens se han convertido en piezas de museo y antigüedades muy valoradas que desde entonces se han vendido en subastas por miles de dólares estadounidenses.
En la provincia de Drenthe , en los Países Bajos, a finales del siglo XIX y principios del XX era costumbre utilizar una escoba dura para barrer dibujos en arena blanca y formar decoraciones sencillas en los suelos de baldosas de las casas, sobre todo para ocasiones especiales o celebraciones. Al día siguiente se barría. Esta costumbre también se practicaba en el norte de Bélgica por las comunidades de habla holandesa, mientras que en Hekelgem, 1973 fue el año del centenario de la artesanía del "Old Zandtapijt". Los hoteles y cafés empleaban a artesanos para esparcir dibujos de arena ornamentados en arenas de colores sin fijar en los suelos de baldosas de sus locales para animar a los turistas de paso a detenerse y disfrutar de la hospitalidad local en su camino hacia Bruselas. Roger de Boeck, nacido en 1930, fue un respetado exponente de esta artesanía, que utilizaba pegamento para fijar sus dibujos de arena a una base adecuada y venderlos a los visitantes de su taller. Además de escenas bíblicas, sus mejores obras incluyen un retrato de la reina Isabel en 1953 y del presidente estadounidense John Kennedy , a principios de los años 60. Esta artesanía continúa y el 1 de febrero de 1973 se publicó un folleto para celebrar el centenario. [7]
En la actualidad, la pintura con arena se practica con mayor frecuencia durante el Día de los Muertos en México y Estados Unidos. Las calles están decoradas con pinturas de arena que luego son barridas, simbolizando la naturaleza fugaz de la vida. Cabe destacar las pinturas de arena realizadas durante el Festival del Día de los Muertos en Seattle , pero el desarrollo más emocionante ha sido el arte escénico de la animación con arena, que ha creado una nueva ola de artistas más jóvenes y también ha revivido el interés en todo tipo de pinturas con arena.
Varios artistas contemporáneos utilizan la arena de maneras que se alejan de tradiciones culturales específicas y exploran técnicas como rastrillar la arena, verterla, tallarla y crear diseños únicos. Las obras son efímeras y se comparten principalmente a través de documentación o como parte de una presentación en vivo.
Muchos de estos artistas fueron incluidos en una exhibición en el Museo de Artes y Diseño de la ciudad de Nueva York titulada "Swept Away: Dust, Ashes, and Dirt in Contemporary Art and Design" que se presentó en las galerías en 2012. [8] [9] El curador David Revere McFadden describió su razonamiento para curar la exhibición como querer destacar el trabajo de artistas contemporáneos que se especializan en lo que él describió como "materiales poco ortodoxos, inusuales o inesperados". [10]
Los artistas incluidos en la exhibición que utilizan arena y técnicas relacionadas con la pintura de arena fueron: Elvira Wersche, [11] que recolecta arena de todo el mundo para crear pinturas con patrones geométricos, solo para ser destruidas como parte de una actuación. [12] Andy Goldsworthy es conocido por sus obras efímeras que utilizan la naturaleza, y comenzó a pintar y dibujar con arena en 1986, [13] [14] documentó el deterioro de una bola gigante de arena en la playa llena de huesos para la exhibición. Jim Denevan, conocido por sus enormes pinturas de arena rastrilladas, también compartió documentación de su proceso en las playas de California. [15] [16] Igor Eskinja usó polvo para pintar un plano arquitectónico en las galerías. [17] Cui Fei produce obras caligráficas en arena usando chak-pur tradicional y pinceles. [18] Vik Muniz usa polvo, jarabe de chocolate, granos de arena, azúcar, caviar, revistas y basura industrial de una manera que refleja la pintura de arena. [19] [20] La exposición rotativa "Swept Away Projects" presentó a Linda Florence y Joe Mangrum , cuyas obras se agregaron a las galerías después de que se eliminaran las obras anteriores. [21] Linda Florence usó tiza para hacer patrones con plantillas en el piso y, a menudo, usa varios materiales como azúcar para crear instalaciones. [22] Joe Mangrum vertió arena de colores de su mano durante dos días consecutivos, el 8 y 9 de mayo de 2012, bajo el título "Asynchronous Syntropy" (Sitropía asincrónica), un proyecto al aire libre que actuó como una circunvalación del museo en sí. Mangrum trabajó un total de 24 horas durante el lapso de dos días, improvisando espontáneamente su diseño de pintura de arena, solo para que desapareciera rápidamente bajo el bullicio del tráfico peatonal de Columbus Circle . [8] [23]
Otros artistas contemporáneos que trabajan con arena incluyen a Andrew van der Merwe, con base en Ciudad del Cabo , que talla imágenes caligráficas en la arena de las playas; [24] Andrés Amador, un artista estadounidense que rastrilla diseños en las playas; [25] Ahmad Nadalian, un artista iraní que utiliza pigmentos naturales molidos para pintar con arena; [26] y Motoi Yamamoto, que hace pinturas que reflejan tifones y fenómenos naturales utilizando sal. [27] [28]
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La mayoría de los artistas utilizan arenas naturales de colores oxidadas y cargadas de minerales, a las que añaden carbón en polvo para ampliar la paleta y, en algunos casos, materiales idiosincrásicos como limaduras de hierro o polvo de cantero desechado de lugares eclesiásticos. Otros artistas utilizan arenas de cuarzo teñidas industriales con capacidad para resistir la intemperie y una nueva generación de adhesivos fuertes. La obra se protege con una capa de barniz en aerosol. No se necesita un marco de vidrio protector con las arenas y los adhesivos, ya que se ha demostrado que las pinturas resisten el efecto de la luz solar directa sin que el barniz amarillee.
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