El arte anglosajón cubre el arte producido dentro del período anglosajón de la historia inglesa, comenzando con el estilo del período de migración que los anglosajones trajeron consigo del continente en el siglo V y terminando en 1066 con la conquista normanda de Inglaterra . cuyo arte sofisticado fue influyente en gran parte del norte de Europa . Los dos períodos de logros sobresalientes fueron los siglos VII y VIII, con la orfebrería y la joyería de Sutton Hoo y una serie de magníficos manuscritos iluminados, y el período final, aproximadamente después del año 950, cuando hubo un resurgimiento de la cultura inglesa después del final del siglo XIX. Invasiones vikingas . En la época de la Conquista el paso al estilo románico está casi completo. Los centros artísticos importantes, en la medida en que es posible establecerlos, se concentraron en los extremos de Inglaterra, en Northumbria , especialmente en el período temprano, y en Wessex y Kent, cerca de la costa sur.
El arte anglosajón sobrevive principalmente en manuscritos iluminados , arquitectura anglosajona , una serie de tallas de marfil muy finas y algunas obras en metal y otros materiales. El Opus Anglicanum ("obra inglesa") ya era reconocido como el mejor bordado de Europa, aunque sólo quedan unas pocas piezas del período anglosajón: el tapiz de Bayeux es un tipo de bordado bastante diferente, a una escala mucho mayor. Como en la mayor parte de Europa en aquella época, la orfebrería era la forma de arte más apreciada por los anglosajones, pero casi ninguna sobrevive: hubo un enorme saqueo de iglesias y monasterios anglosajones y de las posesiones de la nobleza desposeída por parte de los nuevos. Los gobernantes normandos en sus primeras décadas, así como los normandos antes que ellos, y la Reforma inglesa después de ellos, y la mayoría de las supervivencias alguna vez estuvieron en el continente. [1] El gusto anglosajón favorecía el brillo y el color, y a menudo es necesario un esfuerzo de imaginación para ver los restos excavados y desgastados que sobreviven como alguna vez fueron. [2]
Quizás la pieza de arte anglosajón más conocida sea el tapiz de Bayeux, que fue encargado por un mecenas normando a artistas ingleses que trabajaban en el estilo tradicional anglosajón. Los artistas anglosajones también trabajaron en frescos , piedra , marfil y ballena (en particular, el Franks Casket ), orfebrería (por ejemplo, el broche Fuller ), vidrio y esmalte , muchos ejemplos de los cuales se han recuperado mediante excavaciones arqueológicas y algunos de los cuales simplemente se han recuperado. Se ha conservado a lo largo de los siglos, especialmente en iglesias del continente, ya que los vikingos , los normandos y la iconoclasia de la Reforma entre ellos no dejaron prácticamente nada en Inglaterra excepto libros y hallazgos arqueológicos.
El trabajo en metal es casi la única forma en la que ha sobrevivido el arte anglosajón más antiguo, principalmente en joyería de estilo germánico (incluidos accesorios para ropa y armas) que, antes de la cristianización de la Inglaterra anglosajona , se colocaba comúnmente en los entierros. [3] Después de la conversión, que duró la mayor parte del siglo VII, la fusión de técnicas y motivos germánicos anglosajones, celtas y de la Antigüedad tardía, junto con la necesidad de libros, crearon el estilo hibernosajón o arte insular , que También se ve en manuscritos iluminados y en algunas piedras talladas y marfil, probablemente en su mayoría a partir de motivos decorativos de metalistería, y con influencias adicionales de los celtas británicos del oeste y los francos .
El Reino de Northumbria, en el extremo norte de Inglaterra, fue el crisol del estilo insular en Gran Bretaña, en centros como Lindisfarne , fundado c. 635 como una rama del monasterio irlandés de Iona , y la Abadía de Monkwearmouth-Jarrow (674), que miraba hacia el continente. Aproximadamente al mismo tiempo que se escribían los Evangelios insulares de Lindisfarne , a principios del siglo VIII, el Salterio de Vespasiano de Canterbury , en el extremo sur, que los misioneros de Roma habían convertido en su cuartel general, muestra un arte completamente diferente, de base clásica. Estos dos estilos se mezclaron y desarrollaron juntos y en el siglo siguiente el estilo anglosajón resultante había alcanzado la madurez.
Sin embargo, la sociedad anglosajona se vio enormemente perturbada en el siglo IX, especialmente en la segunda mitad, por las invasiones vikingas , y el número de objetos importantes que se conservan disminuye considerablemente, y su datación se vuelve aún más vaga que la de los de un siglo antes. La mayoría de los monasterios del norte estuvieron cerrados durante décadas, si no para siempre, y después de la Biblia de Canterbury de antes de 850, tal vez mucho antes, "no se conoce ningún manuscrito iluminado importante hasta bien entrado el siglo X". [4] El rey Alfredo (r. 871–899) mantuvo a los vikingos alejados de una línea que cruzaba diagonalmente el centro de Inglaterra, sobre la cual se asentaron en Danelaw y se integraron gradualmente en lo que ahora era un reino anglosajón unificado.
La fase final del arte anglosajón se conoce como escuela o estilo Winchester, aunque se produjo en muchos centros del sur de Inglaterra, y quizás también en las Midlands. Elementos de esto comienzan a verse alrededor del año 900, pero los primeros manuscritos importantes no aparecen hasta alrededor del año 930. El estilo combinaba influencias del arte continental del Sacro Imperio Romano Germánico con elementos del arte inglés más antiguo, y algunos elementos particulares que incluyen un estilo de cortinas nervioso y agitado, a veces combinado con figuras, especialmente en dibujos lineales, que son las únicas imágenes en muchos manuscritos. , y seguirían siendo especialmente prominentes en el arte medieval inglés.
La iluminación de los primeros manuscritos anglosajones forma parte del arte insular , una combinación de influencias de los estilos mediterráneo, celta y germánico que surgió cuando los anglosajones se encontraron con la actividad misionera irlandesa en Northumbria , en Lindisfarne e Iona en particular. Al mismo tiempo, la misión gregoriana de Roma y sus sucesores importaron manuscritos continentales como los evangelios italianos de San Agustín , y durante un período considerable los dos estilos aparecen mezclados en diversas proporciones en los manuscritos anglosajones.
En los evangelios de Lindisfarne , de alrededor de 700-715, hay páginas de alfombras e iniciales insulares de una complejidad y sofisticación sin precedentes, pero los retratos evangelistas , siguiendo claramente los modelos italianos, los simplifican enormemente, malinterpretan algunos detalles del entorno y les dan un borde. con esquinas entrelazadas. El retrato de San Mateo se basa en el mismo modelo italiano, o uno muy similar, utilizado para la figura de Esdras , que es una de las dos grandes miniaturas del Códice Amiatino (antes de 716), pero el estilo es muy diferente; un tratamiento mucho más ilusionista y un "intento de introducir un estilo mediterráneo puro en la Inglaterra anglosajona", que fracasó, por considerarlo "quizás demasiado avanzado", dejando estas imágenes aparentemente como la única evidencia. [5]
Se ve una mezcla diferente en la apertura del Codex Aureus de Estocolmo (mediados del siglo VIII, arriba a la izquierda), donde el retrato del evangelista a la izquierda es una adaptación consistente del estilo italiano, probablemente siguiendo de cerca algún modelo perdido, aunque agregando entrelazado al marco de silla, mientras que la página de texto a la derecha es principalmente de estilo insular, especialmente en la primera línea, con sus vigorosas espirales celtas y entrelazados. Las siguientes líneas vuelven a un estilo más tranquilo, más típico de los manuscritos francos de la época. Sin embargo, es casi seguro que el mismo artista produjo ambas páginas y tiene mucha confianza en ambos estilos; el retrato evangelista de Juan incluye círculos con decoración en espiral celta, probablemente extraída de los escudos esmaltados de cuencos colgantes . [6]
Este es uno del llamado "grupo de Tiberio" de manuscritos, que se inclinaban hacia el estilo italiano, y parecen estar asociados con Kent , o quizás con el reino de Mercia en el apogeo de la supremacía de Mercia . Es, en la cronología habitual, el último manuscrito inglés en el que se encuentran "patrones desarrollados en espiral de trompeta". [7]
El siglo IX, especialmente la segunda mitad, tiene muy pocos restos importantes hechos en Inglaterra, pero fue un período en el que la influencia insular y anglosajona en los manuscritos carolingios estaba en su apogeo, a partir de scriptoria como los de la misión anglosajona . fundación en la Abadía de Echternach (aunque los importantes Evangelios de Echternach fueron creados en Northumbria), y el monasterio principal en Tours , donde Alcuino de York fue seguido por otro abad anglosajón, cubriendo entre ambos el período de 796 a 834. Aunque el propio Tours Aunque la biblioteca fue destruida por los escandinavos, sobreviven más de 60 manuscritos iluminados del siglo IX del scriptorium , en un estilo que muestra muchos préstamos de modelos ingleses, especialmente en las páginas iniciales, donde la influencia insular permaneció visible en el norte de Francia incluso hasta el siglo XII. La orfebrería anglosajona producida en la zona de Salzburgo de la Austria moderna tiene un homólogo manuscrito en los " Evangelios de Cutbercht " de Viena. [8]
En el siglo X, los elementos insulares quedaron relegados a adornos decorativos en Inglaterra, a medida que se desarrollaba la primera fase del " estilo Winchester ". [9] El primer adorno vegetal, con hojas y uvas, ya se vio en una inicial de Beda de Leningrado , que probablemente puede fecharse en 746. La otra inicial grande del manuscrito es la primera inicial historiada (que contiene un retrato o escena, aquí Cristo o un santo) en toda Europa. [10] El rollo de vid o planta de origen clásico desbancaría en gran medida al entrelazado como relleno dominante de los espacios ornamentales en el arte anglosajón, tal como lo hizo en gran parte de Europa a partir del arte carolingio , aunque en Inglaterra los animales dentro de los rollos permanecieron mucho. más común que en el extranjero. [11] Desde hace mucho tiempo, las volutas, especialmente de metal, hueso o marfil, tienden a tener una cabeza de animal en un extremo y un elemento vegetal en el otro. [12]
Todos estos cambios no se limitaron a los manuscritos, y es posible que no hayan sido impulsados por el estilo del manuscrito, pero tenemos un mayor número de manuscritos que sobreviven que obras en otros medios, incluso si en la mayoría de los casos las iluminaciones se limitan a iniciales y tal vez a algunas miniaturas. Varios proyectos ambiciosos de iluminación están inacabados, como el Hexateuco inglés antiguo , que cuenta con unas 550 escenas en distintas etapas de finalización, lo que da una idea de los métodos de trabajo. Las ilustraciones dan a las escenas del Antiguo Testamento un ambiente totalmente contemporáneo y son imágenes valiosas de la vida anglosajona. [13]
Los manuscritos de la escuela o el estilo de Winchester sólo sobreviven aproximadamente desde la década de 930 en adelante; esto coincidió con una ola de resurgimiento y reforma dentro del monaquismo inglés, alentada por el rey Æthelstan (r. 924/5-939) y sus sucesores. Æthelstan promovió a Dunstan (909–988), un iluminador practicante, eventualmente a arzobispo de Canterbury , y también a Æthelwold y al nórdico formado en Francia Oswald . La iluminación en un nuevo estilo aparece en un manuscrito de las biografías de Beda de San Cutberto entregado por Æthelstan al monasterio de Chester-le-Street alrededor del año 937. Hay un retrato dedicatorio del rey presentando su libro al santo, los dos de ellos parados afuera de una gran iglesia. Este es el primer retrato real de un rey inglés y está fuertemente influenciado por el estilo carolingio, con un elegante borde de acanto habitado. Sin embargo, las iniciales del texto combinan de forma creativa elementos carolingios con formas animales. [14] Las miniaturas añadidas en Inglaterra al Salterio continental de Aethelstan comienzan a mostrar la vivacidad anglosajona en el dibujo de figuras en composiciones derivadas de modelos carolingios y bizantinos, y durante las décadas siguientes se desarrolla el estilo distintivo de Winchester con cortinas agitadas y elaborados bordes de acanto. [15]
La Bendición de San Ethelwold es una obra maestra del estilo Winchester posterior, que se basó en el arte insular, carolingio y bizantino para crear un estilo más pesado y grandioso, donde el amplio follaje de acanto clasicista a veces parece demasiado exuberante. La ilustración anglosajona incluía muchos animados dibujos a pluma, en los que tuvo gran influencia el Salterio carolingio de Utrecht , en Canterbury alrededor del año 1000; el Harley Psalter es una copia del mismo. El Salterio de Ramsey (c. 990) contiene páginas tanto en el estilo de dibujo pintado como entintado, incluida la primera inicial del Beato con una "máscara de león", mientras que el Salterio de Tiberio , de los últimos años antes de la Conquista, utiliza principalmente el tintado. La cultura anglosajona estaba entrando en contacto cada vez más con una Europa medieval latina más amplia e intercambiando influencias con ella. El dibujo anglosajón tuvo una gran influencia en el norte de Francia durante todo el siglo XI, en la llamada "escuela del Canal", y los elementos decorativos insulares como el entrelazado siguieron siendo populares hasta el siglo XII en el estilo francosajón.
La orfebrería pagana anglosajona utiliza inicialmente la decoración germánica de los Estilos animales I y II que se esperaría de los inmigrantes recientes, pero gradualmente desarrolla un carácter anglosajón distintivo, como en el estilo Broche Quoit del siglo V. Los broches anglosajones son los restos más comunes de orfebrería fina del período anterior, cuando eran enterrados como ajuar funerario . Se preferían los broches de disco redondo para las piezas más grandiosas, a los estilos continentales de peroné y los broches penanulares romano-británicos , un gusto anglosajón constante durante todo el período; los Broche de Kingston y Broche de Harford Farm son ejemplos del siglo VII. La decoración incluía cloisonné ("celdas"), en oro y granate para piezas de alto estatus.
A pesar de un número considerable de otros hallazgos, el descubrimiento del barco enterrado en Sutton Hoo , probablemente enterrado en la década de 620, transformó la historia del arte anglosajón, mostrando un nivel de sofisticación y calidad totalmente inesperado en esta fecha. Los hallazgos más famosos son el casco y el juego de tapa de bolso , cinturón y otros accesorios del rey enterrado allí, que dejaron claro el origen en el arte anglosajón, anteriormente muy discutido, de muchos elementos del estilo de los manuscritos insulares.
En el siglo X, la orfebrería anglosajona tenía una reputación famosa en lugares tan lejanos como Italia, donde los orfebres ingleses trabajaban en placas para el altar de San Pedro , [16] pero casi ninguna pieza ha sobrevivido a las depredaciones de la conquista normanda en 1066. y la Reforma inglesa , y ninguno de los santuarios, puertas y estatuas de gran escala que sabemos que existieron, y de los cuales han sobrevivido algunos ejemplos continentales contemporáneos. [17]
Las referencias a obras específicas del artista monástico del siglo XI Spearhafoc , ninguna de las cuales ha sobrevivido de manera identificable, se refieren a obras en metales preciosos, y él es uno de los pocos artistas orfebres de la época cuyo nombre conocemos y cuyo trabajo es descrito de ninguna manera. Según varias fuentes, incluido el cronista normando Goscelin , que lo conoció personalmente, Spearhafoc "fue sobresaliente en pintura, grabado en oro y orfebrería", la pintura muy probablemente principalmente en manuscritos iluminados . Probablemente fue su obra artística la que lo puso en contacto con la familia real y lanzó su rápida promoción en la iglesia. [18] Incluso los detalles imprecisos proporcionados, en su mayoría por Goscelin, son, por lo tanto, una evidencia valiosa de cómo era la metalistería anglosajona.
Muchas fuentes extranjeras mencionan la habilidad anglosajona en el grabado en oro, diseños y figuras grabadas en objetos de oro, y las pocas figuras grabadas que quedan son muy paralelas a las mucho más numerosas figuras dibujadas a pluma en los manuscritos, también una especialidad anglosajona. Las pinturas murales, que a veces parecen haber contenido oro, aparentemente también fueron realizadas a menudo por iluminadores de manuscritos, y la descripción que hace Goscelin de su talento sugiere, por lo tanto, un artista experto en todos los principales medios anglosajones para el arte figurativo, de los cuales ser orfebre era entonces considerada como la rama más prestigiosa. [19] Un orfebre laico del siglo XI era incluso un thegn . [20]
Muchos artistas monásticos alcanzaron puestos superiores; La carrera de Spearhafoc en el trabajo del metal tuvo un paralelo, de manera menos sensacional, con su contemporáneo Mannig, abad de Evesham (abad 1044-1058, m. 1066), [21] y a finales del siglo anterior San Dunstan había sido un arzobispo de Canterbury de gran éxito. . Al igual que Spearhafoc, la biografía de Mannig, con algunos detalles precisos, figura en la crónica mantenida por su abadía. [22] Su trabajo también tuvo un milagro asociado: el orfebre laico Godric se apuñaló la mano con un punzón durante el trabajo en el gran santuario en Evesham, que fue sanado milagrosamente durante la noche. [23] Spearhafoc y Mannig son los "únicos dos orfebres de los que tenemos datos ampliados", y la información adicional proporcionada sobre Godric, el líder de un equipo traído por Mannig para el santuario, también es única entre las pruebas supervivientes. Unos veinte años después del milagro, se unió a la Abadía de Evesham, presumiblemente retirado, y su hijo más tarde se convirtió en Prior allí. [24]
En el último siglo del período se registran algunas cifras importantes en metales preciosos; presumiblemente estaban hechos de láminas delgadas sobre un núcleo de madera como la Virgen Dorada de Essen , el mayor ejemplo de este tipo de figura de la Alta Edad Media que ha sobrevivido en cualquier lugar de Europa. Parecen haber sido de tamaño natural, o casi, y en su mayoría eran crucifijos , a veces con figuras de María y Juan Evangelista a cada lado. El patrocinio de las grandes figuras del país y de los monasterios más grandes se volvió extravagante en este período, y las más importantes iglesias anglosajonas tardías debieron presentar un espectáculo deslumbrante, algo al estilo de las iglesias ortodoxas orientales . El gusto anglosajón se deleitaba con los materiales caros y los efectos de la luz sobre los metales preciosos, que también se bordaban en telas y se utilizaban en pinturas murales. [25] Los asaltantes vikingos cortaron secciones de elementos decorados de algunas grandes obras saqueadas, como relicarios, y se las llevaron a sus esposas para que las usaran como joyas, y varias de ellas sobreviven en museos escandinavos.
Si bien todas las obras más importantes se han perdido, han sobrevivido varios objetos y fragmentos pequeños, casi todos enterrados; En las últimas décadas, la arqueología profesional, la detección de metales y el arado profundo han aumentado considerablemente el número de objetos conocidos. Entre las pocas excepciones insepultas se encuentran el secular Broche de Fuller y dos obras realizadas en estilo anglosajón llevadas a Austria por la misión anglosajona , el Cáliz de Tassilo (finales del siglo VIII) y la Cruz de Ruperto. Especialmente en el siglo IX, los estilos anglosajones, a veces derivados de manuscritos más que de ejemplos de metal, se encuentran en un gran número de piezas de joyería más pequeñas y otros pequeños accesorios de todo el norte de Europa. [26]
Proveniente de la propia Inglaterra, la Joya Alfred , con esfera esmaltada, es la más conocida de un grupo de joyas litúrgicas finamente trabajadas, y hay varios broches de disco de alta calidad. Los más ornamentados de los anteriores son coloridos y complicados con incrustaciones y filigranas, pero el Pentney Hoard del siglo IX , descubierto en 1978, contenía seis espléndidos broches calados en plata plana al " estilo Trewhiddle ". En estos animales pequeños pero completamente formados, de ninguna especie reconocible, se contorsionan en follaje y zarcillos que se entrelazan, pero sin la geometría enfática del estilo anterior de "cinta". [27] El broche de Ædwen , un broche de disco de plata angloescandinavo del siglo XI , muestra influencia del arte vikingo y una caída de los más altos estándares anteriores de mano de obra.
En 2009 , un detector de metales en Staffordshire encontró el tesoro de Staffordshire, un importante tesoro de más de 1.500 fragmentos de piezas de orfebrería de los siglos VII y VIII, en su mayoría de oro y de naturaleza militar, muchas de ellas con incrustaciones cloisonné de oro y granate de alta calidad . luego en Mercia. [28] Las joyas se encuentran con mucha más frecuencia en entierros del período pagano temprano, ya que el cristianismo desalentaba el ajuar funerario, incluso las posesiones personales del difunto. [29] Las primeras joyas anglosajonas incluyen varios tipos de peroné que se acercan a sus equivalentes germánicos continentales, pero hasta Sutton Hoo rara vez eran de una calidad sobresaliente, razón por la cual ese hallazgo transformó el pensamiento sobre el arte anglosajón temprano. Los objetos de la tumba real anglosajona en Prittlewell en Essex, que datan de finales del siglo VI y fueron descubiertos en 2003, se exhibieron en el Museo Central de Southend en 2019.
El primer tipo de moneda anglosajona, el sceat de plata , obligó a los artesanos, sin duda a copiar los estilos romanos y continentales contemporáneos, a trabajar fuera de sus formas y convenciones tradicionales con respecto a las cabezas del anverso , con resultados que son variados y a menudo convincente. Las monedas de un centavo de plata posteriores , con cabezas de reyes de perfil en relieve en gran parte lineales en el anverso, son más uniformes, como representantes de lo que era una moneda estable y respetada según los estándares europeos contemporáneos. [30] Han sobrevivido varios cuchillos seax completos con inscripciones y algo de decoración, y los accesorios para espadas y otras piezas militares son una forma importante de joyería. Un tratado sobre el estatus social debía decir que la mera posesión de una espada dorada no convertía a un hombre en un ceorle , el rango más bajo de hombres libres. [31]
Aparte de la arquitectura anglosajona , que sobrevive íntegramente en las iglesias, con sólo un puñado de ejemplos prácticamente inalterados, la escultura monumental de piedra sobrevive en grandes cruces de piedra, un equivalente a las cruces altas de las zonas celtas de Gran Bretaña. La mayoría de las esculturas probablemente alguna vez fueron pintadas, lo que aclara los diseños, que en su mayoría tienen un relieve relativamente bajo y no están terminados con gran precisión, y ahora casi todos están muy desgastados y desgastados por la intemperie. [32] Las citas suelen ser difíciles.
Es muy probable que la escultura en madera fuera más común, pero casi el único gran superviviente significativo es el ataúd de San Cuthbert en la catedral de Durham , probablemente realizado en 698, con numerosas imágenes lineales talladas o incisas en una técnica que es una especie de grabado a gran escala. [33] Se desconoce el material de las primeras cruces registradas, pero bien pudo haber sido madera. A partir de varias referencias (a su destrucción por parte de los cristianos), parece haber existido una tradición de escultura monumental pagana anglosajona, probablemente en madera, de la que no quedan ejemplos (a diferencia de las imágenes paganas angloescandinavas posteriores ), [34] y con el que inicialmente competían los cruces.
Las cruces anglosajonas han sobrevivido menos que las de Irlanda, estando más sujetas a la iconoclasia tras la Reforma inglesa . Algunos presentaban grandes esculturas figurativas de considerable calidad, como en la Cruz de Ruthwell y la Cruz de Bewcastle (ambas probablemente alrededor del año 800). La decoración y el entrelazado de rollos de vid se ven en paneles alternos en las primeras cruces de Ruthwell, Bewcastle y Easby de Northumbria , aunque el rollo de vid ya es más prominente y tiene caras para sí mismo. Los cruces posteriores de Southumbria a menudo sólo utilizan rollos de vid. Puede haber inscripciones en escritura rúnica o romana, y en latín o inglés antiguo , la más famosa en Ruthwell, donde parte del poema El sueño de la cruz está inscrito junto con textos en latín; con mayor frecuencia se conmemora a los donantes. También se ha sugerido que, además de pintura, podrían haber estado adornados con orfebrería y gemas. [35]
Por lo general, las cruces anglosajonas son altas y delgadas en comparación con los ejemplos irlandeses, muchas de ellas con una sección casi cuadrada y se les da más espacio a los adornos que a las figuras. Sin embargo, hay excepciones, como las enormes cruces de Sandbach de Mercia, con secciones oblongas cubiertas en su mayoría por figuras en las caras más anchas, como algunas cruces irlandesas. La Cruz de Gosforth , de 930 a 950, es un raro ejemplo que se conserva completo; la mayoría de los restos son sólo una sección del pozo, y los iconoclastas estaban más preocupados por destruir las imágenes que los adornos. Muchas cruces debieron caerse después de algunos siglos; los tocados son las supervivencias menos comunes, y la Cruz de Easby fue reparada con plomo de la manera descrita en los primeros documentos. [36] Como muchos monumentos de la zona de Danelaw , la Cruz de Gosforth combina imágenes cristianas con aquellas de la mitología pagana; aparte de una escena de la Crucifixión, y quizás escenas del Juicio Final , todas las demás imágenes parecen pertenecer al mito nórdico del Ragnarök , la destrucción de los dioses, tema detectado en otros monumentos cristianos de Gran Bretaña y Escandinavia, y que podría ser se volvió en beneficio cristiano. [37]
Los angloescandinavos adoptaron con gran entusiasmo las formas escultóricas anglosajonas, y sólo en Yorkshire hay fragmentos de más de 500 esculturas monumentales de los siglos X y XI. Sin embargo, la cantidad no fue igualada por la calidad, e incluso los productos de la ciudad principal, York, son descritos por David M. Wilson como "generalmente miserables y descuidados". [38] En las primeras etapas, los sucesivos estilos del arte nórdico aparecen en Inglaterra, pero gradualmente, a medida que los lazos políticos y culturales se debilitaron, los angloescandinavos no lograron mantenerse al día con las tendencias en su tierra natal. Así se ven elementos del estilo Borre , por ejemplo en el entrelazado de "cadenas de anillos" en la cruz de Gosforth, y luego los complejos animales del estilo Jelling se representan en Inglaterra de manera bastante incompetente, pero los rastros del siguiente estilo Mammen son difíciles. detectar; son mucho más claros en la Isla de Man . Son "quizás vagamente" evidentes en el eje transversal del Priorato de San Oswald, Gloucester (ilustrado arriba a la derecha). En general, las huellas de estos estilos en otros medios son aún más débiles. [39]
Una forma exclusivamente angloescandinava es la hogback , una lápida baja con forma de casa alargada con techo inclinado y, a veces, osos con bozal agarrados a cada extremo. El ornamento es a veces un patrón tosco de rayas o elementos en forma de escamas que presumiblemente representan tejas, pero pueden incluir entrelazados e imágenes. [40]
La arqueología ha recuperado muchos fragmentos, partes de frisos y paneles con figuras y tallas ornamentales, generalmente después de ser reutilizados en iglesias reconstruidas. El grupo más grande de escultura anglosajona proviene de una antigua abadía de Breedon-on-the-Hill en Mercia, con una serie de elementos de diferentes fechas, incluidos frisos de franjas decorativas estrechas y animadas, muchas de las cuales incluyen figuras humanas, y paneles con santos y la Virgen. [41] Los fragmentos más intrigantes son, en primer lugar, un grupo, ahora en la Catedral de Canterbury , de la Iglesia de Santa María, Reculver , en Kent, de una gran composición con muchas escenas de figuras y grupos sobre una superficie curva, evidentemente de alta calidad, aunque de fecha incierta. (quizás principios del siglo X). Se pueden identificar un Sacrificio de Isaac y una Ascensión , y partes de grupos permanentes de santos, profetas o apóstoles. [42]
Igualmente aparte de otras supervivencias se encuentra una losa tardía de Old Minster, Winchester , que parece mostrar una sección de un gran friso con la historia de la mitología germánica de Sigmund , que se ha sugerido que pudo haber tenido hasta veinticinco metros de ancho. y más de cuatro pies de altura. Hay referencias literarias a tapices narrativos seculares, una tradición de la cual el Tapiz de Bayeux es el único sobreviviente, y este puede haber sido un equivalente en piedra, celebrando a Sigmund, quien se creía que era un antepasado de las casas reales casadas entre sí tanto de Inglaterra como de Dinamarca. , muchos de los cuales fueron enterrados en la que entonces era la iglesia más grande de Inglaterra. [43]
También se desprende claramente de fuentes literarias que las pinturas murales no eran infrecuentes, aunque no eran una forma prestigiosa, y se han encontrado fragmentos de yeso pintado, así como una cara pintada en una piedra reutilizada en Winchester , que data de antes de 903, y por lo tanto una importante ejemplo temprano del estilo de figura de Winchester. [44] Una metáfora en una carta de Alcuino habla de "estrellas, como el techo pintado de la casa de un gran hombre". [45] Sin embargo, no ha sobrevivido ninguna pintura completa ni en la pared ni en el panel.
Como en el resto del mundo cristiano, mientras la escultura monumental estaba resurgiendo lentamente de su virtual ausencia en el período paleocristiano, la escultura en pequeña escala en orfebrería, talla de marfil y también talla de hueso fue más importante que en períodos posteriores, y por no significa un "arte menor". La mayor parte del marfil anglosajón procedía de animales marinos, especialmente de morsa , importada de más al norte. El extraordinario y antiguo Franks Casket está tallado en hueso de ballena , al que alude un acertijo . Contiene una mezcla única de escenas paganas, históricas y cristianas, que evidentemente intentan cubrir una historia general del mundo, e inscripciones en runas tanto en latín como en inglés antiguo .
Tenemos pocos paneles anglosajones de cubiertas de libros en comparación con los del arte carolingio y otoniano , pero sí una serie de figuras de muy alta calidad en alto relieve o completamente redondas. En la última fase del arte anglosajón son evidentes dos estilos: uno más pesado y formal que se basa en fuentes carolingias y otonianas, y el otro, el estilo Winchester, que se basa en el Salterio de Utrecht y una tradición carolingia alternativa. [46] Un ataúd de boj muy tardío , ahora en Cleveland, Ohio , está tallado con escenas de la Vida de Cristo en una versión provinciana pero lograda del estilo Winchester, posiblemente originario de West Midlands , y es una supervivencia única de Talla de madera fina anglosajona tardía. [47]
Las artes textiles del bordado y el "tapiz", Opus anglicanum , fueron aparentemente aquellas por las que la Inglaterra anglosajona era famosa en toda Europa al final del período, pero sólo quedan un puñado de supervivientes, probablemente en parte debido a las artes anglosajonas. Le encanta utilizar hilos en metales preciosos, lo que hace que el trabajo sea valioso para la chatarra.
El Tapiz de Bayeux está bordado en lana sobre lino y muestra la historia de la conquista normanda de Inglaterra ; Se trata sin duda de la obra de arte anglosajona más conocida y, aunque se realizó después de la conquista, se hizo en Inglaterra y se adhirió firmemente a una tradición anglosajona, puntos que hoy son aceptados por los historiadores del arte franceses. [48] Estos tapices adornaban tanto iglesias como casas ricas en Inglaterra, aunque con 0,5 por 68,38 metros (1,6 por 224,3 pies, y aparentemente incompleto), el tapiz de Bayeux debe ser excepcionalmente grande. Sólo las figuras y la decoración están bordadas, sobre un fondo liso, que muestra muy claramente el tema y fue necesario cubrir áreas muy grandes. Todo tipo de artes textiles fueron producidas por mujeres, tanto monjas como laicas, pero muchas probablemente fueron diseñadas por artistas de otros medios. Las sedas bizantinas estaban disponibles, aunque ciertamente caras, en la Inglaterra anglosajona, y se han encontrado varias piezas utilizadas en entierros y relicarios. Probablemente, como en vestimentas posteriores, estas a menudo estaban unidas con bordes y paneles bordados localmente. Si tuviéramos más supervivientes anglosajones, las influencias bizantinas sin duda serían evidentes. [49]
Los bordados más valorados eran muy diversos, íntegramente trabajados en seda y oro o en hilo de plata, y en ocasiones con pedrería de diversa índole cosida. Se utilizaban para vestimentas, manteles de altar y otros usos eclesiásticos, y funciones similares en las casas de los la elité. Sólo han sobrevivido unas pocas piezas, incluidas tres piezas en Durham colocadas en el ataúd de San Cuthbert, probablemente en la década de 930, después de ser entregadas por el rey Athelstan ; se hicieron en Winchester entre 909 y 916. Se trata de obras "de un brillo y una calidad impresionantes", según Wilson, que incluyen figuras de santos e importantes ejemplos tempranos del estilo Winchester, aunque el origen de su estilo es un enigma; son los más cercanos al fragmento de pintura mural de Winchester mencionado anteriormente y un ejemplo temprano de decoración con acanto. [50]
El grupo más antiguo de supervivencias, ahora reorganizado y con el hilo de metal precioso en su mayor parte retirado, son bandas o bordes de vestimentas, que incorporan perlas y cuentas de vidrio, con varios tipos de volutas y decoración de animales. Probablemente sean del siglo IX y ahora se encuentran en una iglesia en Maaseik en Bélgica. [51] Otro estilo de textil es una vestimenta ilustrada en un retrato en miniatura de San Aethelwold en su Bendición (ver arriba), que muestra el borde de lo que parece ser una enorme "flor" de acanto (un término utilizado en varios registros documentales ) que cubre la espalda y los hombros del usuario. Otras fuentes escritas mencionan otras composiciones de gran escala. [52]
El vidrio anglosajón se fabricaba principalmente en formas simples, con vasijas siempre de un solo color, ya sea transparente, verde o marrón, pero han sobrevivido algunos elegantes vasos con garras decorados con grandes formas de "garras", en su mayoría rotos; estas formas también se encuentran en el norte de Europa continental. Las cuentas, comunes en los primeros entierros femeninos, y el vidrio de algunas ventanas eclesiásticas tenían colores más brillantes, y varios sitios monásticos tienen evidencia de producción de vidrio. La producción de vasijas y cuentas probablemente continuó, a un nivel mucho menor, desde la industria romano-británica, pero Beda registra que Benedict Biscop trajo vidrieros de la Galia para el vidrio de las ventanas de sus monasterios. No está claro cuánto vidrio anglosajón se importó, pero es casi seguro que se importaron cañas de vidrio de colores millefiori ; uno de ellos estaba en el bolso de Sutton Hoo. De lo contrario, el reciclaje del vidrio romano podría haber evitado la necesidad de importar vidrio en bruto; La evidencia de la producción de esto es escasa. A veces se utiliza el vidrio como sustituto del granate en joyería, como en algunas piezas de Sutton Hoo. Se utilizó esmalte , sobre todo en Alfred Jewel , donde la imagen se encuentra bajo cristal de roca tallado ; ambos materiales son extremadamente raros en el trabajo anglosajón que se conserva.
La singular cubierta de cuero decorada del pequeño Evangelio de San Cuthbert de Northumbria , la encuadernación occidental más antigua que se conserva inalterada, puede fecharse en 698 o poco antes. Utiliza líneas incisas, algunos colores y decoración en relieve construida sobre cuerdas y piezas de yeso o cuero. Los manuscritos de mayor prestigio tenían encuadernaciones de tesoros en metal , varios de los cuales se mencionan, pero es posible que haya mucho trabajo en cuero decorado para carteras, carteras, cinturones y similares seculares, que los contemporáneos no se molestaron en mencionar y que representa una brecha en nuestro conocimiento para la Alta Edad Media en toda Europa.
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Del resto del siglo posterior a 1066 sobrevive relativamente poco arte, o al menos se fecha con seguridad en ese período. El arte de Normandía ya estaba bajo una fuerte influencia anglosajona, pero el período fue de despojo masivo de las iglesias por parte de la pequeña nueva clase dominante, que había desposeído casi por completo a la antigua élite anglosajona. En estas circunstancias se produjo poco arte significativo, pero cuando se produjo, el estilo a menudo mostró un lento desarrollo de los estilos anglosajones hacia una versión completamente románica. [53] La atribución de muchos objetos individuales ha traspasado los límites de la conquista normanda, especialmente en el caso de la escultura, incluidos los marfiles. Varios objetos son reclamados para su período tanto en los catálogos de exposiciones "Edad de oro del arte anglosajón" como en "Arte románico inglés: 1066-1200", a pesar de que ambos se publicaron en 1984. Entre ellos se incluye la montura triangular de marfil con ángeles. y el fragmento del relieve en piedra "Sigurd" (discutido anteriormente), ambos de Winchester, y el "estuche para bolígrafos" de marfil y el Bautismo (ilustrados arriba), ambos en el Museo Británico. [54]
La energía, el amor por los adornos entrelazados complicados y la negativa a respetar por completo un decoro clásico digno que se muestran en el arte de la escuela tanto insular como de Winchester ya habían influido en el estilo continental, como se analizó anteriormente, donde proporcionó una alternativa a la pesada monumentalidad que el arte otoniano tenía . Se muestra incluso en objetos pequeños. Este hábito mental fue un componente esencial tanto del estilo románico como del gótico , donde las formas de invención anglosajona, como las iniciales habitadas e historiadas, se volvieron más importantes que nunca en el propio arte anglosajón, y obras como el Candelabro de Gloucester. (c. 1110) muestran el proceso en otros medios. [55]
Las innovaciones iconográficas anglosajonas incluyen el animal Boca del Infierno , el Cristo ascendente mostrado sólo como un par de piernas y los pies que desaparecen en la parte superior de la imagen, el Moisés cornudo , San Juan Evangelista de pie al pie de la cruz y escribiendo, y Dios. el Padre creando el mundo con un compás . Todos estos se utilizaron posteriormente en toda Europa. [56] La representación más antigua desarrollada del Juicio Final en Occidente también se encuentra en un marfil anglosajón, y un libro del Evangelio anglosajón tardío puede mostrar el ejemplo más antiguo de María Magdalena al pie de la cruz en una crucifixión . [57]
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