El arte otoniano es un estilo del arte alemán prerrománico , que abarca también algunas obras de los Países Bajos , el norte de Italia y el este de Francia. El historiador de arte Hubert Janitschek le puso el nombre de la dinastía otoniana que gobernó Alemania y el norte de Italia entre 919 y 1024 bajo los reyes Enrique I , Otón I , Otón II , Otón III y Enrique II . [1] Junto con la arquitectura otoniana , es un componente clave del Renacimiento otoniano (alrededor de 951-1024). Sin embargo, el estilo no comenzó ni terminó coincidiendo claramente con el gobierno de la dinastía. Surgió algunas décadas después de su gobierno y persistió más allá de los emperadores otonianos hasta los reinados de la primera dinastía salia , que carece de una "etiqueta de estilo" artística propia. [2] En el esquema tradicional de la historia del arte, el arte otoniano sigue al arte carolingio y precede al arte románico , aunque las transiciones en ambos extremos del período son graduales en lugar de repentinas. Al igual que el primero y a diferencia del segundo, era en gran medida un estilo restringido a algunas de las pequeñas ciudades del período y a monasterios importantes , así como a los círculos de la corte del emperador y sus principales vasallos .
Después de la decadencia del Imperio carolingio , el Sacro Imperio Romano fue restablecido bajo la dinastía sajona otoniana. De ahí surgió una fe renovada en la idea de un Imperio y una Iglesia reformada, creando un período de mayor fervor cultural y artístico. Fue en esta atmósfera donde se crearon obras maestras que fusionaron las tradiciones en las que los artistas otonianos se inspiraron: modelos de origen tardoantiguo, carolingio y bizantino. El arte otoniano superviviente es en gran medida religioso, en forma de manuscritos iluminados y orfebrería, y se produjo en un pequeño número de centros para un reducido número de mecenas del círculo de la corte imperial, así como para figuras importantes de la iglesia. Sin embargo, gran parte de ella fue diseñada para exhibirse a un público más amplio, especialmente a los peregrinos. [3]
El estilo es generalmente grandioso y pesado, a veces excesivo, e inicialmente menos sofisticado que sus equivalentes carolingios, con menos influencia directa del arte bizantino y menos comprensión de sus modelos clásicos, pero alrededor del año 1000 emerge en muchas obras una intensidad y expresividad sorprendentes, como "una monumentalidad solemne se combina con una interioridad vibrante, una cualidad visionaria y sobrenatural con una aguda atención a la realidad, patrones superficiales de líneas fluidas y colores ricos y brillantes con un emocionalismo apasionado". [4]
Siguiendo los estilos carolingios tardíos, los " retratos de presentación " de los mecenas de los manuscritos son muy prominentes en el arte otoniano, [5] y gran parte del arte otoniano reflejaba el deseo de la dinastía de establecer visualmente un vínculo con los gobernantes cristianos de la Antigüedad tardía , como Constantino , Teodorico y Justiniano , así como a sus predecesores carolingios, particularmente Carlomagno . Este objetivo se logró de varias maneras. Por ejemplo, los numerosos retratos de gobernantes otonianos suelen incluir elementos, como personificaciones de provincias o representantes del ejército y de la Iglesia flanqueando al emperador, con una larga historia iconográfica imperial. [6]
Además de la reutilización de motivos del arte imperial más antiguo, la eliminación de restos de estructuras de la Antigüedad tardía en Roma y Rávena y su incorporación a los edificios otonianos fue un recurso destinado a sugerir una continuidad imperial. Esta era claramente la intención de Otón I cuando quitó columnas, algunas de pórfido y otros materiales de construcción del Palacio de Teodorico en Rávena y los reutilizó en su nueva catedral en Magdeburgo . Lo único que los retratos de gobernantes rara vez intentan es una semejanza cercana de los rasgos individuales de un gobernante; cuando murió Otón III, algunas imágenes manuscritas de él fueron reutilizadas como retratos de Enrique II sin que se sintiera la necesidad de cambiar los rasgos.
Como continuación e intensificación de las tendencias carolingias tardías, muchas miniaturas contienen miniaturas de presentación que representan a los donantes de los manuscritos de una iglesia, incluidos obispos, abades y abadesas, y también al emperador. En algunos casos, las sucesivas miniaturas muestran una especie de relevo: en el Sacramentario de Hornbach el escriba presenta el libro a su abad, quien se lo presenta a San Pirmin , fundador de la Abadía de Hornbach , quien se lo presenta a San Pedro, quien se lo presenta a Cristo, en conjunto. ocupa ocho páginas (con las tablillas iluminadas enfrentadas) para enfatizar la unidad y la importancia de la "estructura de mando" que une a la iglesia y el estado, en la tierra y en el cielo. [7]
El arte bizantino también siguió siendo una influencia, especialmente con el matrimonio de la princesa griega Teofano con Otón II, y los elementos bizantinos importados, especialmente esmaltes y marfiles, a menudo se incorporan a la orfebrería otoniana, como las portadas de libros. Sin embargo, si hubo artistas griegos trabajando en Alemania en ese período, dejaron menos huellas que sus predecesores en la época carolingia. Los manuscritos fueron escritos e iluminados por monjes con habilidades especializadas, [8] algunos de cuyos nombres se conservan, pero no hay evidencia sobre los artistas que trabajaron en metal, esmalte y marfil, que generalmente se supone que eran laicos. [9] aunque hubo algunos orfebres monásticos en el período medieval temprano , y algunos hermanos y asistentes laicos empleados por los monasterios. [10] Si bien la joyería secular proporcionaba un flujo constante de trabajo a los orfebres, la talla de marfil en este período era principalmente para la iglesia, y puede haber estado centrada en los monasterios, aunque (ver más abajo) las pinturas murales parecen haber sido realizadas generalmente por laicos. .
Los monasterios otonianos produjeron muchos magníficos manuscritos iluminados medievales. Eran una forma de arte importante de la época, y los monasterios recibían el patrocinio directo de emperadores y obispos, y contaban con el mejor equipo y talento disponibles. [11] La gama de textos intensamente iluminados se restringió en gran medida (a diferencia del Renacimiento carolingio ) a los principales libros litúrgicos, y muy pocas obras seculares recibieron ese tratamiento. [2]
A diferencia de los manuscritos de otras épocas, muy a menudo es posible decir con certeza quién encargó o recibió un manuscrito, pero no dónde se hizo. Algunos manuscritos incluyen también ciclos relativamente extensos de arte narrativo, como las dieciséis páginas del Codex Aureus de Echternach dedicadas a las "tiras" en tres niveles con escenas de la vida de Cristo y sus parábolas . [12] Los manuscritos muy iluminados recibieron ricas encuadernaciones como tesoros y sus páginas probablemente fueron vistas por muy pocos; cuando eran llevados en las grandes procesiones de las iglesias otonianas, parece haber sido con el libro cerrado para mostrar la portada. [13]
El estilo otoniano no produjo manuscritos supervivientes de antes de la década de 960, cuando se hicieron libros conocidos como el "grupo Eburnant", tal vez en Lorsch , como varias miniaturas en el Códice Gero (ahora Darmstadt ), el más antiguo y grandioso del grupo. Copie los de los evangelios carolingios de Lorsch . Este es el primer grupo estilístico de la tradicional " escuela de Reichenau ". Los otros dos manuscritos importantes del grupo son los sacramentarios que llevan el nombre de Hornbach y Petershausen . En el grupo de cuatro miniaturas de presentación de la primera descrita anteriormente "casi podemos seguir... el movimiento que se aleja del lenguaje carolingio expansivo hacia el otoniano más claramente definido". [14]
Varios manuscritos importantes producidos a partir de este período en un grupo distintivo de estilos generalmente se atribuyen al scriptorium del monasterio de la isla de Reichenau en el lago Constanza , a pesar de la falta admitida de evidencia que los conecte con el monasterio allí. CR Dodwell fue una de las voces disidentes aquí, creyendo que las obras se produjeron en Lorsch y Trier. [15] Dondequiera que estuviera ubicada, la "escuela Reichenau" se especializaba en libros evangelísticos y otros libros litúrgicos , muchos de ellos, como los Evangelios de Munich de Otón III ( c. 1000 ) y las Perícopas de Enrique II (Munich, Bayerische Nationalbibl . clm. 4452, c. 1001 –1024), comisiones imperiales. Debido a su excepcional calidad, los manuscritos de Reichenau fueron añadidos en 2003 al Registro Internacional de la Memoria del Mundo de la UNESCO . [dieciséis]
Se acuerda que los manuscritos más importantes de la "escuela de Reichenau" se dividen en tres grupos distintos, todos con el nombre de escribas cuyos nombres están registrados en sus libros. [17] El "grupo Eburnant" mencionado anteriormente fue seguido por el "grupo Ruodprecht" que lleva el nombre del escriba del Salterio de Egbert ; Dodwell asigna este grupo a Trier. Los Evangelios de Aquisgrán de Otón III , también conocidos como Evangelios de Liuthar, dan su nombre al tercer " grupo Liuthar " de manuscritos, la mayoría del siglo XI, en un estilo fuertemente contrastante, aunque la mayoría de los eruditos todavía lo atribuyen a Reichenau, pero por Dodwell también a Trier. [18]
El miniaturista destacado del "grupo Ruodprecht" fue el llamado Maestro del Registrum Gregorii , o Maestro Gregorio , cuyo trabajo se remonta en algunos aspectos a la pintura manuscrita de la Antigüedad tardía , y cuyas miniaturas se destacan por "su delicada sensibilidad a los grados tonales". y armonías, su fino sentido de los ritmos compositivos, su sentimiento por la relación de las figuras en el espacio y, sobre todo, su especial toque de reticencia y aplomo". [19] Trabajó principalmente en Trier en los años 970 y 980, y fue responsable de varias miniaturas del influyente Codex Egberti , un leccionario evangélico realizado para el arzobispo Egbert de Trier , probablemente en los años 980. Sin embargo, la mayoría de las 51 imágenes de este libro, que representan el primer ciclo extenso de imágenes que describen los acontecimientos de la vida de Cristo en un manuscrito de Europa occidental, fueron realizadas por dos monjes de Reichenau, cuyos nombres y representación se encuentran en una de las miniaturas. . [20]
El estilo del "grupo Liuthar" es muy diferente y se aleja más de las tradiciones clásicas, en lugar de regresar a ellas; "llevó el trascendentalismo al extremo", con "marcada esquematización de las formas y colores", "forma aplanada, cortinas conceptualizadas y gesto expansivo". [21] Los fondos suelen estar compuestos por bandas de color con una lógica más simbólica que naturalista, el tamaño de las figuras refleja su importancia, y en ellos "el énfasis no está tanto en el movimiento como en el gesto y la mirada", con escenas narrativas "presentadas como acto casi litúrgico, diálogos de la divinidad". [22] Este "espectáculo tonto" gestual pronto se convencionalizaría como lenguaje visual en toda la Europa medieval. [4]
El grupo se produjo quizás entre los años 990 y 1015 o después, y los manuscritos más importantes incluyen los Evangelios de Otón III en Múnich , el Apocalipsis de Bamberg y un volumen de comentarios bíblicos allí, y las Perícopas de Enrique II , las más conocidas y extremas de las grupo, donde "la figura-estilo se ha vuelto más monumental, más enrarecida y sublime, al mismo tiempo delgada en densidad, insustancial, meras siluetas de color contra un vacío resplandeciente". [23] El grupo introdujo el trasfondo del oro macizo en la iluminación occidental.
Dos miniaturas de dedicación añadidas a los Evangelios de Egmond alrededor del año 975 muestran una versión holandesa menos lograda del estilo otoniano. En Ratisbona, la Abadía de San Emmeram albergaba el importante Códice Aureus carolingio de San Emmeram , que probablemente influyó en un estilo con "una línea incisiva y una organización de la página muy formal", dando como resultado el Códice Uta de c. 1020 esquemas complejos donde "bandas de oro delinean los círculos, cuadrados, elipses y rombos que encierran las figuras", y se incorporan inscripciones en el diseño que explican su complejo simbolismo teológico. Este estilo iba a ser muy influyente en el arte románico en varios medios. [24]
La abadía de Echternach adquirió importancia bajo el abad Humbert, en el cargo de 1028 a 1051, y allí se produjeron las páginas (a diferencia de la portada) del Codex Aureus de Echternach , seguido de los Evangelios Dorados de Enrique III en 1045-1046, que Enrique Presentó en la catedral de Speyer (hoy Escorial ), la obra principal de la escuela. Enrique también encargó los Evangelios de Uppsala para la catedral de allí (ahora en la biblioteca de la universidad). [25] Otros scriptoria monásticos importantes que florecieron durante la época otoniana incluyen los de Salzburgo , [26] Hildesheim , Corvey , Fulda y Colonia , donde se elaboró el Códice Hitda . [27]
Esta escena se incluía a menudo en los ciclos otonianos de la Vida de Cristo. Muchos muestran a Jesús (con aureola cruzada) dos veces, una durmiendo y otra calmando la tormenta .
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Los objetos para decorar las iglesias, como cruces, relicarios , frontales de altares y encuadernaciones de libros, estaban hechos o cubiertos de oro, adornados con gemas, esmaltes, cristales y camafeos. [28] Este era un estilo mucho más antiguo, pero la versión otoniana tiene características distintivas, con una decoración muy ocupada de las superficies, a menudo gemas elevadas de la superficie principal en pequeñas torres de oro, acompañadas de proyecciones en forma de "colmena" en alambre de oro y figuras figurativas. relieves en oro repujado que decoran áreas entre las barras de esmalte y decoración de gemas. Las reliquias adquirieron una importancia cada vez mayor, a veces política, en este período, por lo que se construyeron relicarios cada vez más ricos para guardarlas. [29] En tales obras, las gemas no sólo crean una impresión de riqueza, sino que servían para ofrecer un anticipo de la naturaleza enjoyada de la ciudad celestial , y se creía que tipos particulares de gemas tenían propiedades poderosas en diversos ámbitos "científicos". , aspectos médicos y mágicos, tal y como recogen los libros lapidarios populares . [30] Las pocas piezas de joyería secular que se conservan son de estilos similares, incluida la corona que llevaba Otón III cuando era niño y que regaló a la Virgen Dorada de Essen cuando se le quedó pequeña. [31]
Ejemplos de crux gemmata o cruces procesionales incluyen un grupo destacado en el Tesoro de la Catedral de Essen ; Varias abadesas de la abadía de Essen eran princesas otonianas. La Cruz de Otón y Matilde , la Cruz de Matilde y la Cruz de Essen con grandes esmaltes probablemente fueron entregadas por Mathilde, abadesa de Essen (fallecida en 1011), y una cuarta cruz, la Cruz de Theophanu , llegó unos cincuenta años después. [32] La Cruz de Lotario ( Aquisgrán ) y la Cruz Imperial ( Viena ) eran posesiones imperiales; Viena también cuenta con la Corona Imperial del Sacro Imperio Romano Germánico . La portada del libro del Códice Áureo de Echternach ( Museo Nacional Alemán , Núremberg ) tiene un estilo muy comparable. [33] Otros objetos importantes incluyen un relicario de San Andrés coronado por un pie en Trier , [34] y frontales de altar de oro para la Capilla del Palacio, Aquisgrán y la Catedral de Basilea (ahora en París). [35] La Capilla del Palacio cuenta también con el púlpito o ambón de Enrique II . La cubierta superior carolingia tardía de los Evangelios de Lindau ( Biblioteca Morgan , Nueva York) y el Ciborio Arnulf de Múnich fueron importantes precursores del estilo, de unas décadas antes y probablemente del mismo taller. [36]
También se fabricaron grandes objetos de metales no preciosos, como los primeros candelabros de ruedas de finales de ese período que se conservan, un enorme candelabro en Essen y, en particular, una espectacular colección de ambiciosas obras de gran tamaño en bronce y otras más pequeñas de plata en la catedral de Hildesheim. del período del obispo Bernward (fallecido en 1022), que también era artista, aunque su biógrafo fue inusualmente honesto al decir que no alcanzó "las cimas de la perfección". La más famosa de ellas es el par de puertas de la iglesia, las Puertas Bernward , con escenas de figuras bíblicas en relieve de bronce, cada una fundida en una sola pieza, donde las composiciones poderosamente simples transmiten sus significados mediante gestos enfáticos, de una manera comparable a la de Reichenau. miniaturas de la misma época. [37] También hay una columna de bronce, la Columna Bernward , de 3,79 metros (12,4 pies) de altura, originalmente la base de un crucifijo, fundida en una sola pieza hueca. Esta forma inusual está decorada con veinticuatro escenas del ministerio de Jesús en una franja continua que rodea la columna a la manera de la Columna de Trajano y otros ejemplos romanos. [38]
Alrededor de 980, el arzobispo Egbert de Trier parece haber establecido el principal taller otoniano que producía esmalte cloisonné en Alemania, que se cree que cumplió pedidos para otros centros, y después de su muerte en 993 posiblemente se mudó a Essen . Durante este período, el taller siguió los desarrollos bizantinos (de muchas décadas antes) utilizando la técnica del senkschmelz o "esmalte hundido" además del vollschmelz ya utilizado. Las pequeñas placas con motivos decorativos derivados de formas vegetales continuaron usando vollschmelz , con esmalte por toda la placa, mientras que las figuras ahora generalmente estaban en senkschmelz , rodeadas por una superficie de oro liso en la que se había empotrado el contorno de la figura. La cruz de Essen con grandes esmaltes ilustrada arriba muestra ambas técnicas. [39]
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Durante el período otoniano se realizaron muchas esculturas de marfil a pequeña escala y muy finas, siendo Milán probablemente un lugar, si no el centro principal, junto con Tréveris y otros lugares alemanes y franceses. Hay muchos paneles oblongos con relieves que alguna vez decoraron, o todavía lo hacen, las portadas de libros con la Crucifixión de Jesús como tema más común. Estos y otros temas continúan en gran medida la iconografía carolingia, pero en un estilo muy diferente. [40]
Un grupo de cuatro sítulas de marfil otonianas parecen representar un nuevo punto de partida para la talla de marfil en su forma, y el tipo apenas se encuentra después de este período. Las sítulas eran vasijas litúrgicas utilizadas para contener agua bendita , y anteriormente solían ser de madera o bronce, de lados rectos y con asa. Se sumergía un aspergillum en la sítula para recoger agua con la que rociar a la congregación u otros objetos. Sin embargo, los cuatro ejemplos otonianos del siglo X están hechos de una sección completa de colmillo de elefante y tienen un grosor ligeramente mayor en la parte superior. Todas están ricamente talladas con escenas y figuras en diferentes niveles: la Sítula Basilewsky de 920 en el Victoria & Albert Museum , decorada con escenas de la Vida de Cristo en dos niveles, [41] la "Sítula de Gotofredo" de c. 980 en la Catedral de Milán , [42] uno en el Tesoro de la Catedral de Aquisgrán , [43] y otro en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. [44] Todos procedían del entorno de la corte otoniana: una inscripción dice que el arzobispo Gotfredo presentó el ejemplo de Milán en anticipación de una visita del Emperador, [45] también mencionado en el ejemplo de Londres, que posiblemente era del mismo taller. [46] El último y más lujoso es el ejemplo de Aquisgrán, que está plagado de joyas y muestra a un emperador entronizado, rodeado por un papa y arzobispos. Probablemente se hizo en Trier alrededor del año 1000. [47]
Entre los diversos grupos estilísticos y supuestos talleres que se pueden detectar, el responsable de piezas como el panel de la portada del Codex Aureus de Echternach y dos alas de dípticos ahora en Berlín (todas ilustradas a continuación) produjeron trabajos particularmente finos y distintivos, tal vez en Trier. , con "una percepción asombrosa de la forma humana... [y] facilidad en el manejo del material". [48]
Un grupo muy importante de placas , ahora dispersas en varias colecciones, probablemente fueron encargadas (quizás por Otón I) para la catedral de Magdeburgo y se denominan Marfiles de Magdeburgo , "placas de Magdeburgo", "placas del Antependio de Magdeburgo" o nombres similares. Probablemente se hicieron en Milán alrededor del año 970 para decorar una gran superficie plana, aunque se ha discutido mucho si se trataba de una puerta, un antependio o un frontal de altar, la cubierta de un libro excepcionalmente grande, un púlpito u otra cosa. Cada placa casi cuadrada mide aproximadamente 13x12 cm, con una escena en relieve de la Vida de Cristo dentro de un marco plano y sencillo; Una placa en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York tiene una escena de "dedicación", donde un monarca coronado presenta a Cristo una iglesia modelo, generalmente considerada como Otón I con la Catedral de Magdeburgo. En total sobreviven diecisiete, probablemente menos de la mitad del conjunto original. Las placas incluyen áreas de fondo completamente cortadas en marfil, que presumiblemente originalmente habrían estado recubiertas de oro. Además de los espacios que quedan al lado de los edificios, estos elementos calados incluyen algunos que dejan patrones de damero o follaje. [49] Peter Lasko describe el estilo de las figuras como "muy pesado, rígido y masivo... con un tratamiento extremadamente claro y plano de las cortinas... en composiciones simples pero poderosas". [50]
Aunque de los registros documentales se desprende claramente que muchas iglesias estaban decoradas con extensos ciclos de pintura mural, los supervivientes son extremadamente raros y, en la mayoría de los casos, fragmentarios y en malas condiciones. Generalmente carecen de pruebas que ayuden a fechar, como retratos de donantes, y su fecha suele ser incierta; muchos han sido restaurados en el pasado, lo que complica aún más el asunto. La mayoría de los supervivientes se concentran en el sur de Alemania y alrededor de Fulda, en Hesse ; aunque también hay ejemplos importantes del norte de Italia. [51] Hay un registro del obispo Gebhard de Constanza que contrató artistas laicos para un ciclo ahora desaparecido en su nueva fundación (983) de la Abadía de Petershausen , y es posible que los laicos hayan dominado el arte de la pintura mural, aunque tal vez a veces trabajaran con diseños de iluminadores monásticos. Los artistas parecen haber tenido bastante movilidad: "En la época de los cuadros de Oberzell había un pintor de paredes italiano trabajando en Alemania y otro alemán en Inglaterra". [52]
La iglesia de San Jorge en Oberzell en la isla Reichenau tiene el esquema más conocido, aunque gran parte del trabajo original se ha perdido y las pinturas restantes a los lados de la nave han sufrido con el tiempo y la restauración. Las escenas más grandes muestran los milagros de Cristo en un estilo que muestra aportes bizantinos específicos en algunos elementos y una cercanía a los manuscritos de Reichenau como los Evangelios de Otón III en Munich ; por lo tanto, suelen datarse entre 980 y 1000. De hecho, las pinturas son uno de los fundamentos de la defensa de la Abadía de Reichenau como un importante centro de pintura manuscrita. [53]
De la época se conservan muy pocas tallas de madera, pero la monumental figura pintada de Cristo en la Cruz de Gero (alrededor de 965-970, Catedral de Colonia ) es una de las obras maestras más destacadas de la época. Su datación tradicional por parte de la iglesia, que durante mucho tiempo se pensó que era inverosímilmente temprana, fue finalmente confirmada por la dendrocronología . [54] La Virgen Dorada de Essen (alrededor del año 1000, Catedral de Essen , que antes era la abadía) es una supervivencia prácticamente única de un tipo de objeto que alguna vez se encontró en muchas iglesias importantes. Se trata de una escultura más pequeña de la Virgen y el Niño , que es de madera la cual fue recubierta con yeso y luego con fina lámina de oro. [55] La escultura monumental siguió siendo rara en el norte, aunque hay más ejemplos en Italia, como los relieves de estuco en el copón de Sant' Ambrogio, Milán , y también en el de la Abadía de San Pietro al Monte , Civate , que se refieren a tallas de marfil del mismo período, [56] la gran cruz de plata de la abadesa Raingarda en la Basílica de San Michele Maggiore en Pavía [57] y algunas esculturas de piedra.
Las obras otonianas supervivientes son en gran medida aquellas que se encuentran bajo el cuidado de la iglesia y que se conservaron y valoraron por sus conexiones con figuras reales o eclesiásticas de la época. Muy a menudo, las joyas de orfebrería fueron robadas o vendidas a lo largo de los siglos, y muchas piezas ahora carecen por completo de ellas o tienen reemplazos modernos de pasta de vidrio. Al igual que en otras épocas, se conservan muchos más paneles de marfil (cuyo material suele ser difícil de reutilizar) para cubiertas de libros que cubiertas completas de metal, y algunos paneles de marfil más gruesos fueron posteriormente retallados desde la parte posterior con un nuevo relieve. [58] Muchos objetos mencionados en fuentes escritas han desaparecido por completo, y probablemente ahora sólo tengamos una pequeña fracción de la producción original de relicarios y similares. [2] Varias piezas tienen adiciones o cambios importantes realizados más tarde en la Edad Media o en períodos posteriores. Los manuscritos que evitaron grandes incendios en bibliotecas tuvieron mayores posibilidades de sobrevivir; Los peligros que enfrentan las pinturas murales se mencionan anteriormente. La mayoría de los objetos importantes permanecen en colecciones alemanas, a menudo todavía bibliotecas y tesoros de iglesias.
El término "arte otoniano" no se acuñó hasta 1890, y en la década siguiente se realizaron los primeros estudios serios del período; Durante las siguientes décadas, el tema estuvo dominado por los historiadores del arte alemanes que se ocupaban principalmente de los manuscritos, [59] aparte de los estudios de Adolph Goldschmidt sobre marfiles y escultura en general. Varias exposiciones celebradas en Alemania en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial ayudaron a presentar el tema a un público más amplio y promover la comprensión de medios artísticos distintos de las ilustraciones manuscritas. La exposición de Munich de 1950 Ars Sacra ("arte sagrado" en latín) ideó este término para la orfebrería religiosa y los marfiles y esmaltes asociados, que fue reutilizado por Peter Lasko en su libro Pelican History of Art , el primer estudio de la El tema escrito en inglés, como término habitual en la historia del arte, las "artes menores", parecía inadecuado para este período, donde eran, junto con las miniaturas manuscritas, las formas de arte más importantes. [60] En 2003, un crítico señaló que la ilustración de manuscritos otonianos era un campo "que todavía está significativamente subrepresentado en la investigación histórico-artística en inglés". [61]
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