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Neoclasicismo

Psique revivida por el beso de Cupido ; por Antonio Cánova ; 1787; mármol; 155 x 168 cm; Lumbrera
Charles Towneley en su galería de esculturas ; de Johann Zoffany ; 1782; óleo sobre lienzo; alto: 127 cm, ancho: 102 cm; Museo y galería de arte Towneley Hall , Burnley , Reino Unido

El neoclasicismo (también escrito neoclasicismo ) fue un movimiento cultural occidental en las artes decorativas y visuales , la literatura , el teatro , la música y la arquitectura que se inspiró en el arte y la cultura de la antigüedad clásica . El neoclasicismo nació en Roma en gran medida gracias a los escritos de Johann Joachim Winckelmann , en la época del redescubrimiento de Pompeya y Herculano , pero su popularidad se extendió por toda Europa a medida que una generación de estudiantes de arte europeos terminaba su Grand Tour y regresaba de Italia a su hogar. países con ideales grecorromanos recientemente redescubiertos. [1] [2] [3] [4] El principal movimiento neoclásico coincidió con el Siglo de las Luces del siglo XVIII y continuó hasta principios del siglo XIX, compitiendo últimamente con el Romanticismo . En arquitectura, el estilo continuó durante los siglos XIX, XX y XXI. [5] [6]

El neoclasicismo europeo en las artes visuales comenzó c.  1760 en oposición al estilo rococó entonces dominante . La arquitectura rococó enfatiza la gracia, la ornamentación y la asimetría; La arquitectura neoclásica se basa en los principios de simplicidad y simetría, que se consideraban virtudes de las artes de Roma y la antigua Grecia , y que se extrajeron más inmediatamente del clasicismo renacentista del siglo XVI . Cada "neo"clasicismo selecciona algunos modelos entre la gama de posibles clásicos que tiene a su disposición e ignora otros. Los escritores y conversadores neoclásicos, mecenas y coleccionistas, artistas y escultores de 1765-1830 rindieron homenaje a una idea de la generación de Fidias , pero los ejemplos de esculturas que realmente adoptaron eran más probablemente copias romanas de esculturas helenísticas . Ignoraron tanto el arte griego arcaico como las obras de la Antigüedad tardía . El arte "rococó" de la antigua Palmira llegó como una revelación, a través de los grabados en Las ruinas de Palmira de Wood . Incluso Grecia era prácticamente un lugar poco visitado, un remanso accidentado del Imperio Otomano , peligroso de explorar, por lo que la apreciación de la arquitectura griega por parte de los neoclásicos estuvo mediada por dibujos y grabados , que sutilmente suavizaron y regularizaron, "corrigieron" y "restauraron" los monumentos. de Grecia, no siempre conscientemente.

El estilo Imperio , segunda fase del neoclasicismo en la arquitectura y las artes decorativas , tuvo su centro cultural en París en la época napoleónica . Especialmente en la arquitectura, pero también en otros campos, el neoclasicismo siguió siendo una fuerza mucho después de principios del siglo XIX, con oleadas periódicas de revivalismo durante el siglo XX e incluso el XXI, especialmente en Estados Unidos y Rusia. [ cita necesaria ]

Historia

El neoclasicismo es un renacimiento de los muchos estilos y espíritus de la antigüedad clásica inspirados directamente en el período clásico, [7] que coincidió y reflejó los desarrollos en la filosofía y otras áreas del Siglo de las Luces, y fue inicialmente una reacción contra los excesos del siglo de las Luces. estilo rococó anterior . [8] Si bien el movimiento a menudo se describe como la contraparte opuesta del Romanticismo , esto es una gran simplificación excesiva que tiende a no ser sostenible cuando se consideran artistas u obras específicas. El caso del supuesto principal paladín del neoclasicismo tardío, Ingres , lo demuestra especialmente bien. [9] El renacimiento se remonta al establecimiento de la arqueología formal . [10] [11]

Johann Joachim Winckelmann , a menudo llamado "el padre de la arqueología" [12]

Los escritos de Johann Joachim Winckelmann fueron importantes para dar forma a este movimiento tanto en la arquitectura como en las artes visuales. Sus libros Pensamientos sobre la imitación de obras griegas en pintura y escultura (1750) y Geschichte der Kunst des Alterthums ("Historia del arte antiguo", 1764) fueron los primeros en distinguir claramente entre el arte griego antiguo y el romano, y definir períodos dentro del arte griego. arte, trazando una trayectoria de crecimiento a madurez y luego imitación o decadencia que sigue teniendo influencia hasta nuestros días. Winckelmann creía que el arte debería aspirar a la "noble sencillez y la serena grandeza", [13] y elogiaba el idealismo del arte griego, en el que decía que encontramos "no sólo la naturaleza en su forma más bella, sino también algo más allá de la naturaleza, es decir, ciertas formas ideales". de su belleza, que, como nos enseña un antiguo intérprete de Platón , proviene de imágenes creadas únicamente por la mente". La teoría estaba lejos de ser nueva en el arte occidental, pero su énfasis en la copia fiel de los modelos griegos fue: "La única manera de que seamos grandes o, si esto es posible, inimitables, es imitar a los antiguos". [14]

La Revolución Industrial vio una transición global de la economía humana hacia procesos de fabricación más eficientes y estables. [15] Hubo un tremendo avance material y una mayor prosperidad. [16] Con la llegada del Grand Tour , comenzó una moda de coleccionar antigüedades que sentó las bases de muchas grandes colecciones que difundieron un renacimiento neoclásico por toda Europa. [17] El "neoclasicismo" en cada arte implica un canon particular de un modelo "clásico".

En inglés, el término "neoclasicismo" se utiliza principalmente para las artes visuales; el movimiento similar en la literatura inglesa , que comenzó mucho antes, se llama literatura de Augusto . Esto, que había sido dominante durante varias décadas, estaba comenzando a declinar cuando el neoclasicismo en las artes visuales se puso de moda. Aunque los términos difieren, la situación en la literatura francesa era similar. En la música, el período vio el surgimiento de la música clásica , y el "neoclasicismo" se utiliza para referirse a los desarrollos del siglo XX . Sin embargo, las óperas de Christoph Willibald Gluck representaban un enfoque específicamente neoclásico, explicado en su prefacio a la partitura publicada de Alceste (1769), que pretendía reformar la ópera eliminando la ornamentación , aumentando el papel del coro en consonancia con la tragedia griega . y utilizando líneas melódicas más simples y sin adornos. [18]

Antón Rafael Mengs ; Sentencia de París ; alrededor de 1757; óleo sobre lienzo; alto: 226 cm, ancho: 295 cm, comprado por Catalina la Grande en el estudio; Museo del Hermitage , San Petersburgo , Rusia

El término "neoclásico" no se inventó hasta mediados del siglo XIX, y en ese momento el estilo se describía con términos como "el verdadero estilo", "reformado" y "renacimiento"; lo que se consideraba revivido variaba considerablemente. Ciertamente, los modelos antiguos estaban muy involucrados, pero el estilo también podría considerarse como un renacimiento del Renacimiento, y especialmente en Francia como un regreso al Barroco más austero y noble de la época de Luis XIV , por el cual se había desarrollado una considerable nostalgia. a medida que la posición militar y política dominante de Francia comenzaba un serio declive. [19] El retrato de la coronación de Napoleón que hizo Ingres incluso tomó prestado de los dípticos consulares de la Antigüedad tardía y su renacimiento carolingio , para desaprobación de los críticos.

El neoclasicismo fue más fuerte en la arquitectura , la escultura y las artes decorativas , donde los modelos clásicos en el mismo medio eran relativamente numerosos y accesibles; ejemplos de pintura antigua que demostraron las cualidades que los escritos de Winckelmann encontraban en la escultura eran y son de las que carecen. Winckelmann participó en la difusión del conocimiento de las primeras grandes pinturas romanas descubiertas en Pompeya y Herculano y, como la mayoría de sus contemporáneos, excepto Gavin Hamilton , no quedó impresionado por ellas, citando los comentarios de Plinio el Joven sobre el declive de la pintura en su periodo. [20]

En cuanto a la pintura, la pintura griega se perdió por completo: los pintores neoclásicos la revivieron con imaginación, en parte a través de frisos en bajorrelieve , mosaicos y pintura de cerámica, y en parte a través de ejemplos de pintura y decoración del Alto Renacimiento de la generación de Rafael , frescos de Nerón. Domus Aurea , Pompeya y Herculano , y por la renovada admiración de Nicolas Poussin . Gran parte de la pintura "neoclásica" es más clasicista en el tema que en cualquier otra cosa. Durante décadas se desarrolló una disputa feroz, pero a menudo muy mal informada, sobre los méritos relativos del arte griego y romano, en la que Winckelmann y sus colegas helenistas generalmente estaban del lado ganador. [21]

Pintura, dibujo y grabado.

Es difícil recuperar la naturaleza radical y apasionante de la pintura neoclásica temprana para el público contemporáneo; ahora sorprende incluso a aquellos escritores que se inclinan favorablemente hacia él por considerarlo "insípido" y "casi completamente carente de interés para nosotros": algunos de los comentarios de Kenneth Clark sobre el ambicioso Parnassus de Anton Raphael Mengs en Villa Albani , [33] del artista a quien Su amigo Winckelmann lo describió como "el mayor artista de su época, y quizás de épocas posteriores". [34] Los dibujos, posteriormente convertidos en grabados , de John Flaxman utilizaron dibujos lineales muy simples (que se cree que son el medio clásico más puro [35] ) y figuras principalmente de perfil para representar La Odisea y otros temas, y una vez "despidieron el impulso artístico". juventud de Europa", pero ahora están "descuidadas", [36] mientras que las pinturas históricas de Angelica Kauffman , principalmente retratista, son descritas por Fritz Novotny como de "una suavidad untuosa y tedios" . [37] La ​​frivolidad rococó y el movimiento barroco habían sido eliminados, pero muchos artistas lucharon por poner algo en su lugar, y en ausencia de ejemplos antiguos de pintura histórica, aparte de los jarrones griegos utilizados por Flaxman, Rafael tendía a ser utilizado como modelo sustituto, como recomendó Winckelmann.

La obra de otros artistas, que no podrían calificarse fácilmente de insípidas, combinó aspectos del Romanticismo con un estilo generalmente neoclásico, y forman parte de la historia de ambos movimientos. El pintor germano-danés Asmus Jacob Carstens terminó muy pocas de las grandes obras mitológicas que planeó, dejando en su mayoría dibujos y estudios de color que a menudo logran acercarse a la prescripción de Winckelmann de "noble sencillez y serena grandeza". [38] A diferencia de los planes no realizados de Carstens, los grabados de Giovanni Battista Piranesi fueron numerosos y rentables, y quienes realizaban el Grand Tour los retomaron por todas partes de Europa. Su tema principal fueron los edificios y ruinas de Roma, y ​​lo antiguo lo estimulaba más que lo moderno. La atmósfera algo inquietante de muchas de sus Vedute (vistas) se vuelve dominante en su serie de 16 grabados de Carceri d'Invenzione ("Prisiones imaginarias") cuya "arquitectura ciclópea opresiva" transmite "sueños de miedo y frustración". [39] Johann Heinrich Füssli, nacido en Suiza, pasó la mayor parte de su carrera en Inglaterra, y si bien su estilo fundamental se basó en principios neoclásicos, sus temas y tratamiento reflejaban más a menudo la vena "gótica" del romanticismo y buscaban evocar el drama y excitación.

El neoclasicismo en la pintura adquirió un nuevo sentido de dirección con el éxito sensacional del El juramento de los Horacios de Jacques-Louis David en el Salón de París de 1785 . A pesar de su evocación de virtudes republicanas, se trataba de un encargo del gobierno real, que David insistió en pintar en Roma. David supo combinar un estilo idealista con dramatismo y contundencia. La perspectiva central es perpendicular al plano del cuadro, realzada por la oscura arcada detrás, contra la cual se disponen las figuras heroicas como en un friso , con un toque de iluminación artificial y puesta en escena de ópera , y el colorido clásico de Nicolas Poussin. . David rápidamente se convirtió en el líder del arte francés y, después de la Revolución Francesa, se convirtió en un político con control de gran parte del patrocinio gubernamental en el arte. Consiguió conservar su influencia en el período napoleónico , recurriendo a obras francamente propagandísticas, pero tuvo que abandonar Francia para exiliarse en Bruselas durante la Restauración borbónica . [40]

Entre los numerosos alumnos de David se encontraba Jean-Auguste-Dominique Ingres , que se vio a sí mismo como un clasicista a lo largo de su larga carrera, a pesar de un estilo maduro que tiene una relación equívoca con la corriente principal del neoclasicismo, y muchas desviaciones posteriores hacia el orientalismo y el estilo trovador que son Es difícil distinguirlo de los de sus contemporáneos descaradamente románticos, excepto por la primacía que sus obras siempre dan al dibujo. Expuso en el Salón durante más de 60 años, desde 1802 hasta los inicios del impresionismo , pero su estilo, una vez formado, cambió poco. [41]

Escultura

Si la pintura neoclásica adolecía de una falta de modelos antiguos, la escultura neoclásica tendía a sufrir un exceso de ellos. Aunque los ejemplos de escultura griega real del " período clásico " que comenzó alrededor del 500 a. C. eran entonces muy pocos; las obras más apreciadas eran en su mayoría copias romanas. [47] Los principales escultores neoclásicos gozaron de gran reputación en su época, pero ahora son menos considerados, con la excepción de Jean-Antoine Houdon , cuyo trabajo consistió principalmente en retratos, muy a menudo en forma de bustos, que no sacrifican una fuerte impresión del personalidad del modelo al idealismo. Su estilo se volvió más clásico a medida que avanzaba su larga carrera y representa una progresión bastante suave desde el encanto rococó hasta la dignidad clásica. A diferencia de algunos escultores neoclásicos, no insistió en que sus modelos vistieran trajes romanos o estuvieran desnudos. Retrató a la mayoría de las figuras notables de la Ilustración y viajó a Estados Unidos para realizar una estatua de George Washington , así como bustos de Thomas Jefferson , Benjamin Franklin y otros fundadores de la nueva república. [48] ​​[49]

Antonio Canova y el danés Bertel Thorvaldsen residían en Roma y, además de los retratos, produjeron muchas figuras y grupos ambiciosos de tamaño natural; ambos representaron la tendencia fuertemente idealizadora de la escultura neoclásica. Canova tiene ligereza y gracia, mientras que Thorvaldsen es más severo; la diferencia se ejemplifica en sus respectivos grupos de las Tres Gracias . [50] Todos estos, y Flaxman, todavía estaban activos en la década de 1820, y el romanticismo tardó en impactar la escultura, donde las versiones del neoclasicismo siguieron siendo el estilo dominante durante la mayor parte del siglo XIX.

Uno de los primeros neoclásicos en escultura fue el sueco Johan Tobias Sergel . [51] John Flaxman fue también, o principalmente, un escultor, produciendo principalmente relieves severamente clásicos que son comparables en estilo a sus grabados; También diseñó y modeló cerámica neoclásica para Josiah Wedgwood durante varios años. Johann Gottfried Schadow y su hijo Rudolph , uno de los pocos escultores neoclásicos que murió joven, fueron los principales artistas alemanes, [52] junto con Franz Anton von Zauner en Austria. El último escultor barroco austriaco Franz Xaver Messerschmidt recurrió al neoclasicismo a mitad de su carrera, poco antes de sufrir algún tipo de crisis mental, tras lo cual se retiró al campo y se dedicó a las muy distintivas "cabezas de personajes" de figuras calvas. haciendo expresiones faciales extremas. [53] Al igual que los Carceri de Piranesi , estos disfrutaron de un gran resurgimiento del interés durante la era del psicoanálisis a principios del siglo XX. El escultor neoclásico holandés Mathieu Kessels estudió con Thorvaldsen y trabajó casi exclusivamente en Roma.

Dado que antes de la década de 1830 Estados Unidos no tenía una tradición escultórica propia, salvo en las áreas de lápidas, veletas y mascarones de proa de barcos, [54] se adoptó allí el estilo neoclásico europeo, que prevalecería durante décadas y años. se ejemplifica en las esculturas de Horatio Greenough , Harriet Hosmer , Hiram Powers , Randolph Rogers y William Henry Rinehart .

Arquitectura y artes decorativas.

Hotel Gouthière, calle Pierre-Bullet núm. 6, París, posiblemente de J. Métivier, 1780 [55]
"La sala etrusca ", de Potsdam , Alemania, c. 1840, ilustración de Friedrich Wilhelm Klose

El arte neoclásico era tradicional y nuevo, histórico y moderno, conservador y progresista, todo al mismo tiempo. [56]

El neoclasicismo ganó influencia por primera vez en Inglaterra y Francia, a través de una generación de estudiantes de arte franceses formados en Roma e influenciados por los escritos de Winckelmann, y fue rápidamente adoptado por círculos progresistas en otros países como Suecia, Polonia y Rusia. Al principio, la decoración clasicista se injertó en formas europeas familiares, como en los interiores del amante de Catalina II , el Conde Orlov , diseñados por un arquitecto italiano con un equipo de estucadores italianos : sólo los medallones ovalados aislados como camafeos y el bajorrelieve un indicio de neoclasicismo al aire libre; Los muebles son totalmente rococó italiano.

Una segunda ola neoclásica, más severa, más estudiada (a través de grabados ) y más conscientemente arqueológica, se asocia con el apogeo del Imperio napoleónico . En Francia, la primera fase del Neoclasicismo se expresó en el "estilo Luis XVI", y la segunda en los estilos denominados "Directoire" o Imperio . El estilo rococó siguió siendo popular en Italia hasta que los regímenes napoleónicos trajeron el nuevo clasicismo arqueológico, que fue adoptado como una declaración política por italianos jóvenes, progresistas y urbanos con inclinaciones republicanas. [¿ según quién? ]

En las artes decorativas, el neoclasicismo se ejemplifica en los muebles Imperio fabricados en París, Londres, Nueva York, Berlín; en muebles Biedermeier fabricados en Austria; en los museos de Karl Friedrich Schinkel en Berlín, el Banco de Inglaterra de Sir John Soane en Londres y el recién construido " capitolio " en Washington, DC; y en los bajorrelieves y jarrones de "basaltos negros" de Wedgwood . El estilo era internacional; El arquitecto escocés Charles Cameron creó interiores palaciegos de estilo italiano para Catalina II la Grande , nacida en Alemania, en el San Petersburgo ruso.

En el interior, el neoclasicismo descubrió un interior genuinamente clásico, inspirado en los redescubrimientos de Pompeya y Herculano . Estos habían comenzado a finales de la década de 1740, pero sólo alcanzaron una amplia audiencia en la década de 1760, [57] con los primeros volúmenes lujosos de distribución estrictamente controlada de Le Antichità di Ercolano ( Las Antigüedades de Herculano ). Las antigüedades de Herculano demostraron que incluso los interiores más clasicistas del barroco , o las habitaciones más "romanas" de William Kent , se basaban en una arquitectura exterior de basílica y templo vuelta hacia dentro, de ahí su apariencia a menudo grandilocuente a los ojos modernos: marcos de ventanas con frontones vueltos en espejos dorados , chimeneas rematadas con frentes de templo. Los nuevos interiores buscaron recrear un vocabulario auténticamente romano y genuinamente interior.

Las técnicas empleadas en el estilo incluyeron motivos más planos y claros, esculpidos en relieve bajo tipo friso o pintados en monótonos en camaïeu ("como camafeos"), medallones, jarrones, bustos o bucranias aislados u otros motivos, suspendidos sobre guirnaldas de laurel o cintas. , con esbeltos arabescos sobre fondos, tal vez, de "rojo pompeyano" o de tintes pálidos, o de colores piedra. El estilo en Francia fue inicialmente un estilo parisino, el Goût grec ("estilo griego"), no un estilo cortesano; Cuando Luis XVI accedió al trono en 1774, María Antonieta , su reina amante de la moda, llevó el estilo "Luis XVI" a la corte. Sin embargo, no hubo ningún intento real de emplear las formas básicas del mobiliario romano hasta alrededor del cambio de siglo, y los fabricantes de muebles eran más propensos a tomar prestado de la arquitectura antigua, al igual que los plateros eran más propensos a tomar de la cerámica y la piedra antiguas. talla que la orfebrería: "Los diseñadores y artesanos... parecen haber sentido un placer casi perverso al transferir motivos de un medio a otro". [58]

Castillo de Malmaison , 1800, habitación para la emperatriz Joséphine , en la cúspide entre el estilo Directorio y el estilo Imperio

Aproximadamente a partir de 1800, una nueva afluencia de ejemplos arquitectónicos griegos, vistos a través de aguafuertes y grabados, dio un nuevo impulso al neoclasicismo, el Renacimiento griego . Al mismo tiempo, el estilo Imperio fue una ola más grandiosa de neoclasicismo en la arquitectura y las artes decorativas. Basado principalmente en estilos romanos imperiales, se originó y tomó su nombre del gobierno de Napoleón en el Primer Imperio Francés , donde se pretendía idealizar el liderazgo de Napoleón y el Estado francés. El estilo corresponde al estilo Biedermeier más burgués en los países de habla alemana, al estilo federal en los Estados Unidos, [57] al estilo Regencia en Gran Bretaña y al estilo Napoleón en Suecia. Según el historiador de arte Hugh Honor "lejos de ser, como a veces se supone, la culminación del movimiento neoclásico, el Imperio marca su rápido declive y su transformación una vez más en un mero renacimiento antiguo, despojado de todas las ideas altruistas". y fuerza de convicción que había inspirado sus obras maestras". [59] Una fase anterior del estilo se llamó estilo Adam en Gran Bretaña y "Louis Seize", o Luis XVI, en Francia.

El neoclasicismo continuó siendo una fuerza importante en el arte académico durante el siglo XIX y más allá (una antítesis constante del romanticismo o los resurgimientos góticos ), aunque desde finales del siglo XIX en adelante a menudo se lo había considerado antimoderno, o incluso reaccionario, en influyentes críticos. círculos. [ ¿OMS? ] Los centros de varias ciudades europeas, en particular San Petersburgo y Múnich , llegaron a parecerse mucho a museos de arquitectura neoclásica.

La arquitectura neogótica (a menudo vinculada con el movimiento cultural romántico), un estilo que se originó en el siglo XVIII y que ganó popularidad a lo largo del siglo XIX, contrastaba con el neoclasicismo. Mientras que el neoclasicismo se caracterizó por estilos, líneas geométricas y orden de influencia griega y romana, la arquitectura neogótica puso énfasis en los edificios de aspecto medieval, a menudo diseñados para tener una apariencia rústica y "romántica".

Francia

Estilo Luis XVI (1760-1789)

Marca la transición del Rococó al Clasicismo. A diferencia del clasicismo de Luis XIV , que transformaba los ornamentos en símbolos, el estilo Luis XVI los representa lo más realista y natural posible, es decir, las ramas de laurel son realmente ramas de laurel, las rosas lo mismo, etcétera. Uno de los principales principios decorativos es la simetría. En interiores, los colores utilizados son muy vivos, entre ellos el blanco, el gris claro, el azul intenso, el rosa, el amarillo, el lila muy claro y el dorado. Se evitan excesos de ornamentación. [70] El regreso a la antigüedad es sinónimo, sobre todo, de un retorno a las líneas rectas: las estrictas verticales y horizontales estaban a la orden del día. Ya no se toleraban los serpentinos, salvo algún que otro semicírculo u óvalo. La decoración interior también hizo honor a este gusto por el rigor, de modo que las superficies planas y los ángulos rectos volvieron a estar de moda. Se utilizó ornamento para mediar en esta severidad, pero nunca interfirió con las líneas básicas y siempre estuvo dispuesto simétricamente alrededor de un eje central. Aun así, los ébénistes a menudo inclinaban los ángulos anteriores para evitar una rigidez excesiva. [71]

Los motivos decorativos del estilo Luis XVI se inspiraron en la antigüedad , el estilo Luis XIV y la naturaleza. Elementos característicos del estilo: antorcha cruzada con una funda con flechas, discos imbricados, guilloché , lazos dobles, braseros humeantes, repeticiones lineales de pequeños motivos ( rosetas , cuentas, oves), trofeo o medallones florales colgados de una cinta anudada. , hojas de acanto , gallones, entrelazados, meandros , cornucopias , mascarones , urnas antiguas, trípodes, quemadores de perfume, delfines, cabezas de carnero y león, quimeras y grifos . Los motivos arquitectónicos grecorromanos también son muy utilizados: estrías , pilastras (estriadas y no estriadas), balaustres estriados (retorcidos y rectos), columnas ( engranadas y no engranadas, a veces sustituidas por cariátides ), ménsulas en voluta , triglifos con gutas (en relieve y trompe) . -l'œil ). [72]

Estilo directorio (1789-1804)

Estilo imperio (1804-1815)

Es representativo de la nueva sociedad francesa que ha salido de la revolución que marcó la pauta en todos los campos de la vida, incluido el arte. En esta época se inventa la máquina Jacquard (que revoluciona todo el sistema de costura, hasta entonces manual). Uno de los colores dominantes es el rojo, decorado con bronce dorado . También se utilizan colores brillantes, entre ellos el blanco, crema , violeta, marrón, azul, rojo oscuro, con pequeños adornos de bronce dorado. La arquitectura interior incluye paneles de madera decorados con relieves dorados (sobre fondo blanco o de color). Los motivos están colocados geométricamente. Las paredes están revestidas de estucos , papel pintado o telas. Las repisas de las chimeneas son de mármol blanco, teniendo en sus esquinas cariátides u otros elementos: obeliscos , esfinges , leones alados, etc. En su parte superior se colocaron objetos de bronce, incluidos relojes de sobremesa . Las puertas constan de sencillos paneles rectangulares, decorados con una figura central de inspiración pompeyana. Los tejidos imperio son damascos con fondo azul o marrón, rasos con fondo verde, rosa o morado, terciopelos del mismo color, broches con brochazos dorados o plateados y tejidos de algodón. Todos ellos se utilizaban en interiores para cortinas, para revestir determinados muebles, para cojines o tapizados (el cuero también se utiliza para tapizar). [79]

Todo ornamento Imperio se rige por un riguroso espíritu de simetría que recuerda al estilo Luis XIV . Generalmente, los motivos de los lados derecho e izquierdo de una pieza se corresponden en cada detalle; cuando no es así, los motivos individuales tienen una composición totalmente simétrica : cabezas antiguas con trenzas idénticas cayendo sobre cada hombro, figuras frontales de la Victoria con túnicas dispuestas simétricamente, rosetones o cisnes idénticos que flanquean una placa de cerradura, etc. Como Luis XIV , Napoleón Tenía un conjunto de emblemas inequívocamente asociados con su gobierno, en particular el águila, la abeja, las estrellas y las iniciales I (de Imperator ) y N (de Napoleón ), que generalmente estaban inscritas dentro de una corona de laurel imperial. Los motivos utilizados incluyen: figuras de la Victoria con ramas de palmera, bailarinas griegas, mujeres desnudas y vestidas, figuras de carros antiguos, amorcillos alados , mascarones de Apolo , Hermes y la Gorgona , cisnes, leones, cabezas de bueyes, caballos y bestias salvajes. mariposas, garras, quimeras aladas , esfinges , bucráneos , caballitos de mar, coronas de roble anudadas por finas cintas colgantes, enredaderas trepadoras, rinceaux de amapola , rosetas , ramas de palmera y laurel. Hay muchos grecorromanos: hojas de acanto rígidas y planas, palmetas , cornucopias , cuentas, ánforas , trípodes, discos imbricados, caduceos de Mercurio , jarrones, cascos, antorchas encendidas, trompetistas alados e instrumentos musicales antiguos (tubas, sonajeros y especialmente liras ). A pesar de su antigua derivación, las estrías y los triglifos que tanto prevalecieron bajo Luis XVI están abandonados. Los motivos del Renacimiento egipcio son especialmente comunes al comienzo del período: escarabajos , capiteles de loto , discos alados, obeliscos, pirámides , figuras con némesis , cariátides en ganancia sostenidas por pies descalzos y con tocados de mujeres egipcias. [80]

Italia

From the second half of the 18th century through the 19th century, Italy went through a great deal of socio-economic changes, several foreign invasions and the turbulent Risorgimento, which resulted in the Italian unification in 1861. Thus, Italian art went through a series of minor and major changes in style.

The Italian Neoclassicism was the earliest manifestation of the general period known as Neoclassicism and lasted more than the other national variants of neoclassicism. It developed in opposition to the Baroque style around c. 1750 and lasted until c. 1850. Neoclassicism began around the period of the rediscovery of Pompeii and spread all over Europe as a generation of art students returned to their countries from the Grand Tour in Italy with rediscovered Greco-Roman ideals. It first centred in Rome where artists such as Antonio Canova and Jacques-Louis David were active in the second half of the 18th century, before moving to Paris. Painters of Vedute, like Canaletto and Giovanni Paolo Panini, also enjoyed a huge success during the Grand Tour. Neoclassical architecture was inspired by the Renaissance works of Palladio and saw in Luigi Vanvitelli and Filippo Juvarra the main interpreters of the style.

Classicist literature had a great impact on the Risorgimento movement: the main figures of the period include Vittorio Alfieri, Giuseppe Parini, Vincenzo Monti and Ugo Foscolo, Giacomo Leopardi and Alessandro Manzoni (nephew of Cesare Beccaria), who were also influenced by the French Enlightenment and German Romanticism. The virtuoso violinist Paganini and the operas of Rossini, Donnizetti, Bellini and, later, Verdi dominated the scene in Italian classical and romantic music.

The art of Francesco Hayez and especially that of the Macchiaioli represented a break with the classical school, which came to an end as Italy unified (see Italian modern and contemporary art). Neoclassicism was the last Italian-born style, after the Renaissance and Baroque, to spread to all Western Art.

Romania

Durante el siglo XIX, el estilo predominante en Valaquia y Moldavia , más tarde Reino de Rumanía , fue el Clasicismo que perduró durante mucho tiempo, hasta el siglo XX, aunque convivió en algunos breves períodos con otros estilos. Aquí se invitaba a arquitectos e ingenieros extranjeros desde la primera década del siglo XIX. La mayoría de los arquitectos que construyeron a principios de siglo eran extranjeros porque los rumanos aún no tenían la formación necesaria para diseñar edificios muy diferentes a la tradición rumana. Habitualmente utilizando el clasicismo, comienzan a construir junto con artesanos rumanos, normalmente formados en escuelas o academias extranjeras. Los arquitectos rumanos también estudian en escuelas de Europa occidental. Un ejemplo es Alexandru Orăscu , uno de los representantes del neoclasicismo en Rumanía.

El clasicismo se manifestó tanto en la arquitectura religiosa como en la secular. Un buen ejemplo de arquitectura secular es el Palacio Știrbei en Calea Victoriei ( Bucarest ), construido alrededor del año 1835, según los planos del arquitecto francés Michel Sanjouand. Recibió un nuevo nivel en 1882, diseñado por el arquitecto austriaco Joseph Hartmann [85] [86]

Rusia y la Unión Soviética

En 1905-1914, la arquitectura rusa pasó por un breve pero influyente período de renacimiento neoclásico ; La tendencia comenzó con la recreación del estilo Imperio del período alejandrino y rápidamente se expandió a una variedad de escuelas neorrenacentistas, palladianas y modernizadas, pero reconociblemente clásicas. Fueron dirigidos por arquitectos nacidos en la década de 1870, que alcanzaron su apogeo creativo antes de la Primera Guerra Mundial, como Ivan Fomin , Vladimir Shchuko e Ivan Zholtovsky . Cuando la economía se recuperó en la década de 1920, estos arquitectos y sus seguidores continuaron trabajando en un entorno principalmente modernista ; algunos (Zholtovsky) siguieron estrictamente el canon clásico, otros (Fomin, Schuko, Ilya Golosov ) desarrollaron sus propios estilos modernizados. [87]

Con la represión de la independencia de los arquitectos y la negación oficial del modernismo (1932), demostrada por el concurso internacional para el Palacio de los Sóviets , el neoclasicismo fue instantáneamente promovido como una de las opciones de la arquitectura estalinista , aunque no la única. Convivió con la arquitectura moderadamente modernista de Boris Iofan , rayando con el Art Déco contemporáneo (Schuko); Una vez más, los ejemplos más puros del estilo fueron producidos por la escuela Zholtovsky, que siguió siendo un fenómeno aislado. La intervención política fue un desastre para los líderes constructivistas , pero fue bien recibida por los arquitectos de las escuelas clásicas.

El neoclasicismo fue una elección fácil para la URSS ya que no dependía de tecnologías de construcción modernas ( estructura de acero u hormigón armado ) y podía reproducirse en mampostería tradicional . Así, los diseños de Zholtovsky, Fomin y otros viejos maestros se replicaron fácilmente en ciudades remotas bajo un estricto racionamiento de materiales . La mejora de la tecnología de la construcción después de la Segunda Guerra Mundial permitió a los arquitectos estalinistas aventurarse en la construcción de rascacielos, aunque estilísticamente estos rascacielos (incluida la arquitectura "exportada" del Palacio de Cultura y Ciencia de Varsovia y el Centro Internacional de Convenciones de Shanghai ) comparten poco con los modelos clásicos. El neoclasicismo y el neorrenacimiento persistieron en proyectos residenciales y de oficinas menos exigentes hasta 1955, cuando Nikita Khrushchev puso fin a la costosa arquitectura estalinista.

El Reino Unido

El estilo Adam fue creado por dos hermanos, Adam y James , quienes publicaron en 1777 un volumen de grabados con ornamentación interior. En la decoración interior realizada según los dibujos de Robert Adam, las paredes, los techos, las puertas y cualquier otra superficie se dividen en grandes paneles: rectangulares, redondos, cuadrados, con estucos y motivos grecorromanos en los bordes. Los adornos utilizados incluyen festones , perlas, bandas de huevos y dardos , medallones y cualquier otro motivo utilizado durante la antigüedad clásica (especialmente los etruscos ). Los elementos decorativos como jarrones de piedra con forma de urna, cubiertos dorados, lámparas y estatuillas tienen la misma fuente de inspiración: la antigüedad clásica. El estilo Adam enfatiza los refinados espejos rectangulares, enmarcados como cuadros (en marcos con hojas estilizadas), o con un frontón encima, que sostiene una urna o un medallón. Otro diseño de espejos Adam tiene forma de ventana veneciana , con un gran espejo central entre otros dos más delgados y alargados. Otro tipo de espejos son los ovalados, normalmente decorados con festones. Los muebles de este estilo tienen una estructura similar a los muebles Luis XVI . [94]

Además del estilo Adam, en lo que respecta a las artes decorativas, Inglaterra también es conocida por el fabricante de cerámica Josiah Wedgwood (1730-1795), quien fundó una alfarería llamada Etruria. La cerámica Wedgwood está hecha de un material llamado jasperware, un tipo de gres duro y de grano fino. Los jarrones Wedgwood suelen estar decorados con relieves en dos colores, siendo en la mayoría de los casos las figuras blancas y el fondo azul.

Los Estados Unidos

En el continente americano , la arquitectura y la decoración de interiores han estado muy influenciadas por los estilos desarrollados en Europa. El gusto francés ha marcado mucho su presencia en los estados del sur (después de la Revolución Francesa algunos emigrantes se han trasladado aquí, y en Canadá una gran parte de la población es de origen francés). El espíritu práctico y la situación material de los americanos de aquella época daban a los interiores una atmósfera típica. Todos los muebles, alfombras, vajillas, cerámicas y cubiertos americanos, con todas las influencias europeas, y a veces islámicas , turcas o asiáticas , fueron fabricados de conformidad con las normas, gustos y requisitos funcionales americanos. Ha existido en Estados Unidos un período del estilo Queen Anne y otro Chippendale . En el siglo XVIII y principios del XIX se desarrolló completamente un estilo propio, el estilo federal, que floreció influenciado por el gusto británico. Bajo el impulso del Neoclasicismo se ha creado arquitectura, interiores y mobiliario. El estilo, aunque tiene numerosas características que difieren de un estado a otro, es unitario. Las estructuras de arquitectura, interiores y muebles son clasicistas e incorporan influencias barrocas y rococó . Las formas utilizadas incluyen rectángulos, óvalos y medias lunas. Paneles de estuco o madera en paredes y techos reproducen motivos clasicistas. Los muebles suelen estar decorados con marquetería floral e incrustaciones de bronce o latón (a veces dorado ). [98]

Jardines

En Inglaterra, la literatura de Augusto tenía un paralelo directo con el estilo de diseño de paisajes de Augusto. Los vínculos se ven claramente en la obra de Alexander Pope . Los mejores ejemplos supervivientes de jardines ingleses neoclásicos son Chiswick House , Stowe House y Stourhead . [99]

Moda

En la moda, el neoclasicismo influyó en la mayor simplicidad de los vestidos de las mujeres y en la duradera moda del blanco, desde mucho antes de la Revolución Francesa, pero no fue hasta después que se pusieron de moda en Francia los intentos exhaustivos de imitar los estilos antiguos. al menos para las mujeres. Durante mucho tiempo, las damas elegantes llevaban trajes clásicos que se hacían pasar por alguna figura del mito griego o romano en un retrato (en particular, hubo una serie de retratos de este tipo de la joven modelo Emma, ​​Lady Hamilton de la década de 1780), pero tales trajes sólo se usaban para el retrato sentado y bailes de máscaras hasta el período revolucionario, y quizás, como otros estilos exóticos, como desnudez en casa. Pero los estilos usados ​​en los retratos de Juliette Récamier , Joséphine de Beauharnais , Thérésa Tallien y otros creadores de tendencias parisinos también estaban destinados a salir en público. Al ver a la señora Tallien en la ópera, Talleyrand bromeó diciendo: " Il n'est pas posible de s'exposer plus somptueusement! " ("No se puede estar más suntuosamente desnudo"). En 1788, justo antes de la Revolución, la retratista de la corte Louise Élisabeth Vigée Le Brun había celebrado una cena griega en la que las damas vestían sencillas túnicas griegas blancas. [100] Los peinados clásicos más cortos, cuando era posible con rizos, fueron menos controvertidos y ampliamente adoptados, y el cabello ahora estaba descubierto incluso al aire libre; A excepción del vestido de noche, antes se solían usar gorros u otras prendas incluso en interiores. En su lugar, se utilizaban cintas o filetes finos de estilo griego para atar o decorar el cabello.

Vestidos muy ligeros y sueltos, generalmente blancos y a menudo con los brazos sorprendentemente desnudos, se elevaban transparentes desde el tobillo hasta justo debajo del corpiño, donde había un dobladillo fino fuertemente enfatizado o un lazo alrededor del cuerpo, a menudo en un color diferente. La forma ahora se conoce a menudo como la silueta del Imperio , aunque es anterior al Primer Imperio Francés de Napoleón, pero su primera emperatriz Joséphine de Beauharnais fue influyente en su difusión por Europa. Un chal o mantón largo y rectangular, muy a menudo rojo liso pero con un borde decorado en los retratos, ayudaba en climas más fríos y aparentemente se colocaba alrededor del abdomen cuando estaba sentado, para lo cual se favorecían las posturas semi recostadas. [101] A principios del siglo XIX, estos estilos se habían extendido ampliamente por toda Europa.

La moda neoclásica para hombres fue mucho más problemática y nunca despegó, salvo en el caso del cabello, donde jugó un papel importante en los estilos más cortos que finalmente eliminaron el uso de pelucas y luego de polvos blancos para el cabello para los hombres más jóvenes. El pantalón había sido el símbolo del bárbaro para los griegos y romanos, pero fuera del estudio del pintor o, especialmente, del escultor, pocos hombres estaban dispuestos a abandonarlo. De hecho, el período vio el triunfo del pantalón puro, o pantalón , sobre el culotte o calzones hasta la rodilla del Antiguo Régimen . Incluso cuando David diseñó un nuevo "traje nacional" francés a pedido del gobierno durante el apogeo del entusiasmo revolucionario por cambiar todo en 1792, incluía calzas bastante ajustadas debajo de un abrigo que llegaba hasta arriba de la rodilla. Una alta proporción de jóvenes acomodados pasó gran parte del período clave en el servicio militar debido a las Guerras Revolucionarias Francesas , y el uniforme militar, que comenzó a enfatizar las chaquetas que eran cortas en el frente, dando una visión completa de las prendas ajustadas. pantalones ajustados, se usaba a menudo cuando no estaba de servicio e influía en los estilos masculinos civiles.

Los artistas habían reconocido el problema de los pantalones como una barrera para la creación de pinturas de historia contemporánea ; Al igual que otros elementos de la vestimenta contemporánea, muchos artistas y críticos los consideraban irremediablemente feos y poco heroicos. Se utilizaron diversas estratagemas para evitar representarlos en escenas modernas. En James Dawkins y Robert Wood Descubriendo las ruinas de Palmyra (1758) de Gavin Hamilton , los dos caballeros anticuarios se muestran con túnicas árabes parecidas a togas . En Watson y el tiburón (1778) de John Singleton Copley , la figura principal podría mostrarse desnuda, y la composición es tal que de los otros ocho hombres mostrados, sólo uno muestra de manera prominente una pierna con calzones . Sin embargo, los estadounidenses Copley y Benjamin West encabezaron a los artistas que demostraron con éxito que los pantalones podían usarse en escenas heroicas, con obras como La muerte del general Wolfe (1770) de West y La muerte del mayor Peirson de Copley , 6 de enero de 1781 (1783), aunque El pantalón todavía se evitaba cuidadosamente en La balsa de la Medusa , terminada en 1819.

Los peinados masculinos de inspiración clásica incluían el Bedford Crop , posiblemente el precursor de la mayoría de los estilos masculinos modernos y sencillos, que fue inventado por el político radical Francis Russell, quinto duque de Bedford como protesta contra un impuesto sobre los polvos para el cabello ; animó a sus amigos a adoptarlo apostándoles que no lo harían. Otro estilo (o grupo de estilos) influyente fue nombrado por los franceses "à la Titus" en honor a Titus Junius Brutus (no en realidad el emperador romano Tito como se supone a menudo), con cabello corto y en capas pero algo amontonado en la coronilla, a menudo con tupés recogidos o mechones colgando hacia abajo; Las variantes son familiares por el cabello de Napoleón y Jorge IV del Reino Unido. Se supone que el estilo fue introducido por el actor François-Joseph Talma , quien eclipsó a sus co-actores con peluca cuando aparecía en producciones de obras como Brutus de Voltaire (sobre Lucius Junius Brutus , que ordena la ejecución de su hijo Titus). . En 1799, una revista de moda parisina informó que incluso los hombres calvos estaban adoptando pelucas de Titus, [102] y que el estilo también lo usaban las mujeres; el Journal de Paris informó en 1802 que "más de la mitad de las mujeres elegantes llevaban su cabello o peluca à la Tito [ 103]

Música

El neoclasicismo en la música es un movimiento del siglo XX; en este caso son los estilos musicales clásico y barroco de los siglos XVII y XVIII, con su afición por los temas griegos y romanos, los que estaban reviviendo, no la música del mundo antiguo en sí. (A principios del siglo XX aún no se había distinguido el período barroco en la música, en el que se basaron principalmente los compositores neoclásicos, de lo que ahora llamamos el período clásico). El movimiento fue una reacción en la primera parte del siglo XX al cromatismo desintegrador de El romanticismo tardío y el impresionismo surgieron en paralelo con el modernismo musical, que buscaba abandonar por completo la tonalidad clave. Manifestó un deseo de limpieza y simplicidad de estilo, lo que permitió una paráfrasis bastante disonante de los procedimientos clásicos, pero buscó eliminar las telarañas del romanticismo y los destellos crepusculares del impresionismo en favor de ritmos audaces, armonía asertiva y formas seccionales limpias. , coincidiendo con la moda de la danza y el vestuario "clásicos" reconstruidos en ballet y educación física .

La suite de danza de los siglos XVII y XVIII había tenido un resurgimiento menor antes de la Primera Guerra Mundial , pero los neoclásicos no estaban del todo contentos con el diatonicismo sin modificaciones y tendían a enfatizar la brillante disonancia de las suspensiones y adornos, las cualidades angulares de la armonía modal del siglo XVII y la líneas enérgicas de escritura parcial contrapuntística. Ancient Airs and Dances (1917) de Respighi abrió el camino para el tipo de sonido al que aspiraban los neoclásicos. Aunque la práctica de tomar prestados estilos musicales del pasado no ha sido infrecuente a lo largo de la historia musical, las músicas artísticas han pasado por períodos en los que los músicos utilizaron técnicas modernas junto con formas o armonías más antiguas para crear nuevos tipos de obras. Las características compositivas notables son: referencia a la tonalidad diatónica, formas convencionales (suites de danza, concerti grossi, formas de sonata, etc.), la idea de una música absoluta sin asociaciones descriptivas o emotivas, el uso de texturas musicales ligeras y una expresión musical concisa. . En la música clásica, esto se percibió más notablemente entre los años 1920 y 1950. Igor Stravinsky es el compositor más conocido que utiliza este estilo; Efectivamente inició la revolución musical con su Octeto para instrumentos de viento, al estilo de Bach (1923). Una obra individual particular que representa bien este estilo es la Sinfonía clásica n.° 1 en re de Prokofiev , que recuerda el estilo sinfónico de Haydn o Mozart . El ballet neoclásico , innovado por George Balanchine, limpió el estilo imperial ruso en términos de vestuario, pasos y narrativa, al tiempo que introdujo innovaciones técnicas.

Neoclasicismo posterior y continuaciones

Después de mediados del siglo XIX, el Neoclasicismo comienza a dejar de ser el estilo principal, siendo reemplazado por el Eclecticismo de estilos Clásicos . El Palacio Garnier de París es un buen ejemplo de ello, ya que a pesar de ser predominantemente neoclásico, presenta elementos y ornamentos tomados de la arquitectura barroca y renacentista . Esta práctica era frecuente en la arquitectura de finales del siglo XIX y principios del XX, antes de la Primera Guerra Mundial. Además del neoclasicismo, las Bellas Artes de París son muy conocidas por este eclecticismo de estilos clásicos.

Pablo Picasso experimentó con motivos clasicistas en los años inmediatamente posteriores a la Primera Guerra Mundial . [106]

En la arquitectura estadounidense, el neoclasicismo fue una expresión del movimiento renacentista estadounidense , ca. 1890-1917; su última manifestación fue en la arquitectura Beaux-Arts , y sus grandes proyectos públicos finales fueron el Monumento a Lincoln (muy criticado en ese momento), la Galería Nacional de Arte en Washington, DC (también fuertemente criticada por la comunidad arquitectónica por ser un pensamiento retrógrado y antiguo en su diseño), y el Museo Americano de Historia Natural en memoria de Roosevelt. Estos se consideraron anacronismos estilísticos cuando estuvieron terminados. En el Raj británico, la monumental planificación urbana de Sir Edwin Lutyens para Nueva Delhi marca el ocaso del neoclasicismo. La Segunda Guerra Mundial iba a hacer añicos el anhelo (y la imitación) de una época mítica.

Hubo todo un movimiento en las artes no visuales del siglo XX que también se llamó Neoclasicismo. Abarcaba al menos música, filosofía y literatura. Fue entre el final de la Primera Guerra Mundial y el final de la Segunda Guerra Mundial. (Para obtener información sobre los aspectos musicales, consulte Música clásica del siglo XX y Neoclasicismo en la música . Para obtener información sobre los aspectos filosóficos, consulte Grandes libros ).

Este movimiento literario neoclásico rechazó el romanticismo extremo de (por ejemplo) Dada , a favor de la moderación, la religión (específicamente el cristianismo) y un programa político reaccionario. Aunque las bases de este movimiento en la literatura inglesa las sentó TE Hulme , los neoclásicos más famosos fueron TS Eliot y Wyndham Lewis . En Rusia, el movimiento cristalizó ya en 1910 bajo el nombre de acmeísmo , con Anna Akhmatova y Osip Mandelshtam como principales representantes.

Arte deco

Aunque empezó a considerarse "anticuado" después de la Primera Guerra Mundial, los principios, proporciones y otros elementos neoclásicos no se abandonaron todavía. El Art Déco fue el estilo dominante durante el período de entreguerras y se corresponde con el gusto de una élite burguesa por los estilos franceses de clase alta del pasado, incluidos el Luis XVI , el Directorio y el Imperio (los estilos de época del neoclasicismo francés). Al mismo tiempo, esta élite francesa era igualmente capaz de apreciar el arte moderno , como las obras de Pablo Picasso o Amedeo Modigliani . El resultado de esta situación es el estilo Art Déco temprano, que utiliza elementos tanto nuevos como antiguos. El Palacio de Tokio de 1937 en París, de André Aubert y Marcel Dastugue, es un buen ejemplo de ello. Aunque aquí no se utilizan adornos, ya que la fachada está decorada únicamente con relieves , la forma en que están presentes las columnas aquí es una fuerte reminiscencia del neoclasicismo. El diseño Art Déco a menudo se basaba en motivos neoclásicos sin expresarlos abiertamente: cómodas severas y cuadradas de Émile-Jacques Ruhlmann o Louis Süe & André Mare ; frisos nítidos y de muy bajo relieve de damiselas y gacelas en todos los medios; vestidos de moda drapeados o cortados al bies para recrear líneas griegas; la danza artística de Isadora Duncan . Los arquitectos modernistas conservadores como Auguste Perret en Francia mantuvieron los ritmos y el espaciado de la arquitectura de columnas incluso en los edificios de las fábricas.

La oscilación del Art Déco entre el uso de elementos, formas y proporciones históricas y el apetito por lo "nuevo", por el modernismo, es el resultado de múltiples factores. Uno de ellos es el eclecticismo . La complejidad y heterogeneidad del Art Déco se debe en gran medida al espíritu ecléctico. Elementos estilizados del repertorio de Bellas Artes, Neoclasicismo o de culturas distantes en el tiempo y el espacio ( Antiguo Egipto , América precolombina o arte del África subsahariana ) se combinan con referencias a artistas modernistas de vanguardia de principios del siglo XX. siglo ( Henri Matisse , Amedeo Modigliani o Constantin Brâncuși ). El fenómeno Art Déco debe al eclecticismo académico y al Neoclasicismo principalmente la existencia de una arquitectura específica. Sin la contribución de los arquitectos formados en Bellas Artes, la arquitectura Art Déco habría seguido siendo, con excepción de los edificios residenciales, una colección de objetos decorativos ampliados a escala urbana, como los pabellones de la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas de 1925, controvertido en su época. Otra razón para el vaivén entre elementos históricos y modernismo fue la cultura de consumo . Los objetos y edificios de estilo puritano internacional , desprovistos de cualquier ornamentación o cita del pasado, eran demasiado radicales para el público en general. En la Francia y la Inglaterra de entreguerras, el espíritu del público y gran parte de la crítica arquitectónica no podían concebir un estilo totalmente desprovisto de ornamentación, como el estilo Internacional.

El uso de estilos históricos como fuentes de inspiración para el Art Déco se remonta a los años anteriores a la Primera Guerra Mundial, gracias al esfuerzo de decoradores como Maurice Dufrêne , Paul Follot , Paul Iribe , André Groult , Léon Jallot o Émile-Jacques Ruhlmann , quienes relacionan a la prestigiosa tradición artística y artesanal francesa de finales del siglo XVIII y principios del XIX ( Luis XVI , Directorio y Luis Felipe ), y que quieren aportar un nuevo enfoque a estos estilos. El estilo neo-Luis XVI fue muy popular en Francia y Rumania en los años previos a la Primera Guerra Mundial, alrededor de 1910, e influyó en gran medida en múltiples diseños y edificios del Art Déco temprano. Un buen ejemplo de ello es el castillo de Sept-Saulx en Gran Este , Francia, de Louis Süe , 1928-1929. [114]

Neoclasicismo y regímenes totalitarios

En la Italia fascista , la Alemania nazi , la Rumania bajo el gobierno de Carlos II y la Unión Soviética , durante las décadas de 1920 y 1930, los regímenes totalitarios eligieron el neoclasicismo para los edificios estatales y el arte. La arquitectura fue fundamental para la expresión de la permanencia de los regímenes totalitarios (a pesar de su evidente novedad). La forma en que los regímenes totalitarios se inspiraron en el clasicismo adoptó muchas formas. Cuando se trata de edificios estatales en Italia y Rumania, los arquitectos intentaron fusionar una sensibilidad moderna con formas clásicas abstractas. Dos buenos ejemplos de esto son el Palazzo della Civiltà Italiana en Roma y el Rectorado de la Universidad y el edificio de la Facultad de Derecho en Bucarest (Bulevardul Mihail Kogălniceanu no. 36–46). En cambio, el Clasicismo de la Unión Soviética, conocido como Realismo Socialista , era grandilocuente, sobrecargado de ornamentos y esculturas arquitectónicas, como un intento de contrastar con la sencillez de estilos 'capitalistas' o 'burgueses' como el Art Déco o el Modernismo . La Universidad Lomonosov de Moscú es un buen ejemplo de ello. A Nikita Khrushchev , el líder soviético que sucedió a Stalin, no le gustó esta pomposa arquitectura socialista realista del reinado de su predecesor. Debido a la baja velocidad y costo de estas construcciones neoclásicas, afirmó que 'gastaron el dinero de la gente en belleza que nadie necesita, en lugar de construir más simple, pero más'.

En la Unión Soviética , el neoclasicismo fue adoptado como un rechazo del Art Déco y el Modernismo, que los comunistas consideraban demasiado "burgueses" y "capitalistas". Este estilo neoclásico comunista se conoce como realismo socialista y fue popular durante el reinado de Joseph Stalin (1924-1953). En bellas artes . En general, se manifestó a través de representaciones profundamente idealizadas de trabajadores nervudos, mostrados como héroes en granjas colectivas o ciudades industrializadas, asambleas políticas, logros de la tecnología soviética y a través de representaciones de niños felices que estaban cerca de Lenin o Stalin. Tanto el tema como la representación fueron monitoreados cuidadosamente. El mérito artístico estaba determinado por el grado en que una obra contribuía a la construcción del socialismo. Todos los artistas tenían que unirse a la Unión de Artistas Soviéticos, controlada por el estado, y producir obras en el estilo aceptado. Los tres principios rectores del realismo socialista fueron la lealtad al partido, la presentación de una ideología correcta y la accesibilidad. El realismo, más fácilmente comprendido por las masas, fue el estilo elegido. Al principio, en la Unión Soviética, estaban presentes múltiples movimientos de vanguardia en competencia, en particular el constructivismo . Sin embargo, a medida que Stalin consolidó su poder hacia finales de la década de 1920, el arte y la arquitectura de vanguardia fueron suprimidos y finalmente prohibidos y se establecieron estilos estatales oficiales. Después de que Boris Iofan ganara el concurso para el diseño del Palacio de los Soviéticos con una torre clásica escalonada, coronada por una estatua gigante de Lenin, la arquitectura pronto volvió a los estilos de arte y arquitectura prerrevolucionarios, no contaminados por la influencia occidental percibida del constructivismo. [121] Aunque el realismo socialista en la arquitectura terminó más o menos con la muerte de Stalin y el ascenso de Nikita Khrushchev, se continuaron produciendo pinturas de este estilo, especialmente en países donde había un fuerte culto a la personalidad del líder en el poder, como en el caso de la China de Mao Zedong , la Corea del Norte de Kim Il Sung o la Rumanía de Nicolae Ceaușescu .

Los nazis suprimieron la vibrante cultura vanguardista de Alemania una vez que obtuvieron el control del gobierno en 1933. Albert Speer fue designado asesor arquitectónico de Adolf Hitler en 1934, e intentó crear una arquitectura que reflejara la unidad percibida de los alemanes. personas y actúan como telón de fondo para las expresiones de poder de los nazis. El enfoque de los nazis hacia la arquitectura estaba plagado de contradicciones: mientras que los planes de Hitler y Speer para reordenar Berlín aspiraban a imitar a la Roma imperial, en contextos rurales los edificios nazis se inspiraron en las lenguas vernáculas locales , tratando de canalizar un espíritu alemán "auténtico". En lo que respecta a las bellas artes, los nazis crearon el término " arte degenerado " para el arte moderno , un tipo de arte que para ellos era "no alemán", "judío" o "comunista". Los nazis odiaban el arte moderno y lo vinculaban al "bolchevismo cultural", la teoría de la conspiración de que el arte (o la cultura en general) estaba controlado por una camarilla judía de izquierda que buscaba destruir la raza aria. La guerra de Hitler contra el arte moderno consistió principalmente en una exposición que intentaba desacreditar a los artistas modernos, llamada ' Exposición de Arte Degenerado ' ( en alemán : Die Ausstellung "Entartete Kunst" ). Esta exposición se exhibió junto a la Gran Exposición de Arte Alemán , que consistía en obras de arte que los nazis aprobaron. De esta manera, los visitantes de ambas exposiciones pudieron comparar el arte calificado por el régimen como 'bueno' y 'malo'. Con una actitud similar, el régimen cierra en 1931 la Bauhaus , una escuela de arte de vanguardia en Dessau que resultará extremadamente influyente en el futuro. Se reabre en Berlín en 1932, pero se cierra de nuevo en 1933.

En comparación con Alemania y la Unión Soviética, en Italia la vanguardia contribuyó a la arquitectura estatal. La arquitectura clásica también fue una influencia, haciéndose eco de los intentos mucho más crudos de Benito Mussolini de crear vínculos entre su régimen fascista y la antigua Roma . Algunos arquitectos italianos intentaron crear fusiones entre modernismo y clasicismo , como Marcello Piacentini con la Universidad Sapienza de Roma , o Giuseppe Terragni con la Casa del Fascio en Como . [122]

En Rumanía, hacia finales de los años 1930, influenciada por la tendencia autocrática del rey Carlos II , se construyen múltiples edificios estatales. Eran neoclásicos, muchos de ellos muy similares a los que eran populares en los mismos años en la Italia fascista. Los ejemplos en Bucarest incluyen el Rectorado de la Universidad y el edificio de la Facultad de Derecho (Bulevardul Mihail Kogălniceanu nº 36–46), el edificio de apartamentos Kretzulescu ( Calea Victoriei nº 45), el edificio CFR (Bulevardul Dinicu Golescu nº 38) o el Palacio Victoria ( Piața Victoriei nº 1). El Palacio Real , cuyos interiores son en su mayoría de estilo neoadán , destaca por estar más decorado, un poco más cerca de la arquitectura anterior a la Primera Guerra Mundial.

posmodernismo

Uno de los primeros textos que cuestionaba el modernismo fue el del arquitecto Robert Venturi , Complexity and Contradiction in Architecture (1966), en el que recomendaba un resurgimiento de la "presencia del pasado" en el diseño arquitectónico. Trató de incluir en sus propios edificios cualidades que describió como "inclusión, inconsistencia, compromiso, acomodación, adaptación, superayacencia, equivalencia, enfoque múltiple, yuxtaposición o espacio bueno y malo". [136] El trabajo de Robert Venturi reflejó el sentimiento contracultural más amplio de la década de 1960, en el que las generaciones más jóvenes comenzaron a cuestionar y desafiar las realidades políticas, sociales y raciales a las que se enfrentaban. Este rechazo al Modernismo se conoce como Posmodernismo . Robert Venturi parodia la conocida máxima de Ludwig Mies van der Rohe " menos es más " con "menos es aburrido". Durante las décadas de 1980 y 1990, algunos arquitectos posmodernos encontraron un refugio en una especie de neoneoclasicismo. Su uso del Clasicismo no se limitó sólo a los ornamentos, utilizando más o menos proporciones y también otros principios. Algunas personas habían descrito el clasicismo posmoderno como "camp" o " kitsch ". Un arquitecto que se ha destacado a través del Clasicismo Posmoderno es Ricardo Bofill . Su obra incluye dos proyectos de viviendas de escala titánica cerca de París, conocidos como Les Arcades du Lac de 1975 a 1981, y Les Espaces d'Abraxas de 1978 a 1983. Un edificio que destaca por su revivalismo es el Museo J. Paul Getty . en Malibú , California , de 1970 a 1975, inspirado en la antigua Villa Romana de los Papiros en Herculano . El Museo J. Paul Getty está mucho más cerca del neoclasicismo del siglo XIX, como el Pompejanum en Aschaffenburg , Alemania, que del clasicismo posmoderno de los años 1980. [137]

Arquitectura en el siglo XXI

Después de una pausa durante el período de dominio arquitectónico moderno (aproximadamente después de la Segunda Guerra Mundial hasta mediados de la década de 1980), el neoclasicismo ha experimentado una especie de resurgimiento.

A partir de la primera década del siglo XXI, la arquitectura neoclásica contemporánea suele clasificarse bajo el término general de Nueva Arquitectura Clásica . A veces también se le conoce como neohistoricismo o tradicionalismo. [139] Además, varias piezas de arquitectura posmoderna se inspiran e incluyen referencias explícitas al neoclasicismo, el distrito de Antígona y el Teatro Nacional de Cataluña en Barcelona , ​​entre ellos. La arquitectura posmoderna incluye ocasionalmente elementos históricos, como columnas, capiteles o el tímpano.

Para una arquitectura sincera de estilo tradicional que se ciñe a la arquitectura, los materiales y la artesanía regionales, se utiliza principalmente el término Arquitectura Tradicional (o vernácula). El Premio de Arquitectura Driehaus se otorga a los principales contribuyentes en el campo de la arquitectura tradicional o clásica del siglo XXI y está dotado con una dotación económica dos veces mayor que la del Premio Pritzker modernista . [140]

En los Estados Unidos, varios edificios públicos contemporáneos están construidos en estilo neoclásico, siendo un ejemplo el Centro Sinfónico Schermerhorn de 2006 en Nashville .

En Gran Bretaña, varios arquitectos trabajan en el estilo neoclásico. Ejemplos de su trabajo incluyen dos bibliotecas universitarias: la Biblioteca Maitland Robinson de Quinlan Terry en Downing College y la Biblioteca Sackler de Robert Adam Architects .

Ver también

Notas

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Referencias

Otras lecturas

enlaces externos

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