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Mascarón (arquitectura)

Mascarón Art Déco sobre la puerta de la Rue Mademoiselle no. 40, París, c. 1930

En arquitectura y artes decorativas , un adorno de mascarón es un rostro, generalmente humano, a veces aterrador o quimérico , cuya supuesta función era originalmente ahuyentar a los malos espíritus para que no entraran en el edificio. [1] Posteriormente, el concepto se adaptó para convertirse en un elemento puramente decorativo. Los estilos arquitectónicos más recientes que emplearon ampliamente mascarones fueron Beaux Arts y Art Nouveau . [2] [3] Además de en la arquitectura, los mascarones se utilizan en otras artes aplicadas .

Tipos

Hombre verde

En el siglo XI, los canteros europeos comenzaron a añadir mascarones foliados tallados, conocidos como Hombres Verdes, a la decoración de las iglesias, una imagen que los eruditos de principios del siglo XX sugirieron que representaba en secreto a un dios precristiano superviviente. Hoy en día, pocos estudiosos creen en esta idea. El Hombre Verde se interpreta principalmente como un símbolo de renacimiento, que representa el ciclo de nuevo crecimiento que ocurre cada primavera . [4]

bucranio

Un bucranium (plural bucrania ) es básicamente un mascarón de calavera de buey, habitualmente utilizado en la Antigüedad , para decorar monumentos funerarios y conmemorativos. El motivo se originó en una ceremonia en la que se colgaba una cabeza de buey de las vigas de madera que sostenían el techo del templo; Esta escena se representó más tarde, en piedra, en el friso o dinteles de piedra, encima de las columnas de los templos dóricos . El cráneo de buey suele estar decorado con cintas y festones . El motivo es reutilizado durante el Renacimiento , perdiendo su simbolismo Antiguo, quedando reducido únicamente a un simple adorno. Posteriormente dejó de utilizarse hasta el siglo XVIII, cuando las excavaciones de Pompeya y Herculano dieron paso al Neoclasicismo , movimiento que intentó revivir la estética de la Grecia y Roma clásicas. [8] [9]

Historia

En la Antigüedad, la Edad Media y el Renacimiento , los mascarones se utilizaban principalmente como decoración, pero a veces para amenazar a los espíritus malignos. Desde el Barroco , se utilizaban únicamente como adorno, presentándose habitualmente en la parte superior de diversos objetos ( dovelas de ventanas o puertas , tiradores, cartelas , etc.).

Antigüedad

Antiguo Cercano Oriente y Egipto

Los mascarones rara vez estaban presentes en el Antiguo Cercano Oriente. Los que se utilizan suelen tener forma de cabezas de toro o león. Se pueden ver buenos ejemplos en las Liras de Ur .

En el antiguo Egipto, Hathor era la diosa suprema del amor, identificada por los griegos con Afrodita . Su rostro se utilizó para decorar múltiples objetos. La mayoría de las veces se la representaba como una mujer que llevaba un tocado con cuernos y un disco solar. Los espejos y la sistra (un instrumento musical utilizado en el antiguo Egipto) presentan un mascarón Hathor en el mango. Algunos espejos la representan porque en Egipto a menudo estaban hechos de oro o bronce y, por lo tanto, simbolizaban el disco solar, y porque estaban relacionados con la belleza y la feminidad. [12] Hathor a veces era representada como un rostro humano con orejas de bovino. Este rostro en forma de máscara se colocó en los capiteles de las columnas a partir de finales del Imperio Antiguo . Columnas de este estilo se utilizaron en muchos templos dedicados a Hathor y otras diosas. [13] Los mascarones también estaban presentes en las vasijas canópicas egipcias . Se trataba de recipientes utilizados para almacenar los órganos internos extraídos durante la momificación . Las primeras tinajas eran sencillas, pero durante el Primer Período Intermedio , las tapas de las tinajas comenzaron a modelarse en forma de cabezas humanas. A partir de la XVIII Dinastía , fueron diseñados cada uno con un mascarón diferente, por lo que se asemejan a los cuatro hijos de Horus ( babuino , chacal , halcón y humano). [14]

mundo grecorromano

En la antigua Grecia , Roma y en la arquitectura de la civilización etrusca , los mascarones de leones se utilizaban a menudo para decorar las cornisas de los templos . Los extremos de las tejas en los bordes de un techo estaban ocultos por bloques ornamentales conocidos como antefixae , que a veces estaban decorados con mascarones humanos. [dieciséis]

A veces se utilizaban mascarones para amenazar. Medusa decora el arquitrabe del templo de Dídima , y ​​está destinada a asustar a los enemigos de Apolo , estilizada para ser vista desde lejos y permitir juegos de luces y sombras.

Además de los rostros, los mascarones a veces tomaban la forma de máscaras de teatro. Las manifestaciones teatrales son inicialmente una ceremonia sagrada ligada al culto a Dioniso . Estas ceremonias sagradas se reflejan en frisos decorativos con los rostros de Dioniso ( también conocido como Baco), ménades (bacantes entre los romanos), sátiros y Sileno , todos con festones entre ellos, que decoran los edificios religiosos.

Posteriormente, el Imperio Romano tomó todos estos elementos decorativos, ya que incorporó muchos elementos culturales de la Antigua Grecia.

China antigua

En el Neolítico en China se crearon pequeños objetos de jade . La dureza del jade le confiere durabilidad, lo que ayudó a su conservación durante milenios. Algunos de estos objetos, como el cong , un tubo recto con un interior circular y una sección exterior cuadrada, estaban decorados con mascarones muy estilizados.

Durante la Edad del Bronce china (las dinastías Shang y Zhou ), las intercesiones en la corte y la comunicación con el mundo de los espíritus estaban a cargo de un chamán (posiblemente el propio rey). En la dinastía Shang ( c. 1600-1050 a. C.), la deidad suprema era Shangdi , pero las familias aristocráticas preferían contactar con los espíritus de sus antepasados. Les preparaban elaborados banquetes de comida y bebida, calentados y servidos en vasijas rituales de bronce . Estos vasos de bronce tenían muchas formas, según su finalidad: para vino, agua, cereales o carne, y algunos de ellos estaban marcados con caracteres legibles, lo que muestra el desarrollo de la escritura. Uno de los motivos más utilizados en estas vasijas era el taotie , un mascarón estilizado dividido simétricamente, con fosas nasales, ojos, cejas, mandíbulas, mejillas y cuernos, rodeado de patrones incisos. [22]

Mesoamérica precolombina

Edad media

El uso de mascarones continuó durante la Edad Media. Se encuentran en la arquitectura gótica , especialmente en el siglo XIV [24] Los mascarones también se utilizaron en la arquitectura medieval rusa .

Renacimiento

Los artistas del Renacimiento releyeron los mitos de la Antigüedad grecorromana, lo que les proporcionó nuevos temas y ornamentos. Descubrimientos arqueológicos como las excavaciones de las Termas de Caracalla por los farneses , o Laocoonte y sus hijos , inspiraron a escultores y arquitectos de los siglos XV y XVI. La Villa del Emperador Adriano y el Panteón de Roma ofrecen modelos constructivos radicalmente diferentes al estilo gótico . Las formas de la Antigüedad vuelven a estar de moda: columnas , pilastras , frontones , cúpulas y estatuas decoran los edificios de esta época.

En el Quattrocento , las últimas influencias góticas tendieron a desaparecer; No fue hasta principios del siglo XVI que los rostros decorativos de la Antigüedad volvieron a ocupar su lugar en forma de mascarones.

La moda renacentista se extendió por el resto de Europa occidental. Llegó a Francia con las Guerras Italianas . Rosso Fiorentino (nacido en Florencia en 1494, muerto en Fontainebleau en 1540) y Le Primatice (nacido en Bolonia en 1504 y muerto en París en 1570) llegaron a trabajar en Fontainebleau para el rey de Francia Francisco I. Rosso, que trabajó en Italia hasta el saqueo de la ciudad de Roma en 1527 , dominó la técnica del estuco . Le Primaticce había colaborado en Mantua con Giulio Romano .

Barroco y Rococó

Después del manierismo y desarrollándose como resultado de las tensiones religiosas entre católicos y protestantes en toda Europa, el arte barroco surgió a finales del siglo XVI. El nombre puede derivar de "barroco", la palabra portuguesa para perla deforme, y describe un arte que combina emoción, dinamismo y dramatismo con colores poderosos, realismo y fuertes contrastes tonales. Entre 1545 y 1563, en el Concilio de Trento , se decidió que el arte religioso debía fomentar la piedad, el realismo y la precisión y, al atraer la atención y la empatía de los espectadores, glorificar a la Iglesia católica y fortalecer la imagen del catolicismo. Dado que la arquitectura y el diseño barrocos ampliaron el vocabulario clásico del Renacimiento, se siguieron utilizando mascarones. Durante los siglos XVII y XVIII, la mayoría de las veces eran piedras angulares decoradas sobre puertas o ventanas arqueadas, dentro de un cartela . Estaban presentes especialmente en el primer piso de muchos palacios, que a menudo tienen ventanas y puertas arqueadas continuas. Otro uso frecuente fue en la parte superior de las cartelas.

Al Barroco le siguió el Rococó , que mantuvo algunas de las características del Barroco, como la monumentalidad y las formas curvas, pero llegó con características nuevas, como los colores pastel, la ornamentación foliar, la asimetría y un énfasis en la arquitectura secular. El rococó también se asocia principalmente con la arquitectura palaciega y doméstica, en comparación con el estilo barroco a menudo visto como un estilo principalmente eclesiástico. Una de las características más destacables es su delicadeza. Además del uso de líneas curvas y flores, la elegancia del estilo también es visible en las numerosas obras de arte que muestran escenas de la vida aristocrática. Las personas en la pintura rococó de artistas como Antoine Watteau , Jean-Baptiste van Loo , François Boucher o Jean Siméon Chardin tienen caras de cupido. Por supuesto, esta característica también está presente en la escultura, incluidos los mascarones. Como en el caso de la arquitectura barroca, la mayoría de los mascarones rococó se colocan sobre piedras angulares de puertas o ventanas arqueadas. Buenos ejemplos de ellos se encuentran en la mayoría de los hôtel particuliers del reinado de Luis XV (1715-1774).

Las interacciones entre las naciones de Europa occidental y el resto del mundo provocadas por la exploración colonialista han tenido un impacto en la estética. En raras ocasiones, para hacer que la construcción de un objeto fuera más exagerada, se agregaron mascarones de nativos americanos , mostrándolos con tocados de plumas estereotipados. De manera similar, se agregaron mascarones de africanos subsaharianos en edificios de la Place de la Bourse en Burdeos , Francia. Son el resultado de que la colonización y la esclavitud contribuyeron a la riqueza de la ciudad de Burdeos, tanto a través de la trata de esclavos, como del comercio de bienes producidos por esclavos y la posesión de plantaciones. De todas estas formas de exotismo , la más popular fue la chinoiserie , un estilo de bellas artes , arquitectura y diseño, popular durante el siglo XVIII, que se inspiró en gran medida en el arte chino, pero también en el rococó al mismo tiempo. Debido a que viajar a China u otros países del Lejano Oriente era algo difícil en ese momento y, por lo tanto, seguía siendo un misterio para la mayoría de los occidentales, la imaginación europea se vio alimentada por la percepción de Asia como un lugar de riqueza y lujo y, en consecuencia, mecenas, desde emperadores hasta comerciantes, competían entre sí. en adornar sus viviendas con productos asiáticos y decorarlas con estilos asiáticos. Cuando era difícil conseguir objetos asiáticos, los artesanos y pintores europeos dieron un paso al frente para satisfacer la demanda, creando una mezcla de formas rococó y figuras, motivos y técnicas asiáticas. Como resultado, algunos aristócratas europeos construyeron un pabellón de jardín inspirado en el aspecto que los arquitectos imaginaban de la arquitectura china. Por supuesto, muchos de sus elementos están mucho más cerca del rococó que de los palacios de la dinastía Qing . Algunas de estas estructuras presentan mascarones de personajes del Lejano Oriente , como es el caso de la Casa China del Parque Sanssouci de Potsdam , Alemania, o el Pabellón Chino de los jardines del Palacio de Drottningholm en Suecia . [31]

Neoclasicismo e historicismo

Las excavaciones realizadas durante el siglo XVIII en Pompeya y Herculano , ambas sepultadas bajo cenizas volcánicas durante la erupción del Monte Vesubio en el año 79 d.C. , inspiraron un retorno al orden y la racionalidad. [37] A mediados del siglo XVIII, la antigüedad se mantuvo como un estándar para la arquitectura como nunca antes. La arquitectura neoclásica se centró en detalles griegos y romanos antiguos , paredes blancas y sencillas y grandeza de escala. En comparación con los estilos anteriores, barroco y rococó, los exteriores neoclásicos tendían a ser más minimalistas, con líneas rectas y angulares, pero aún decorados.

El neoclasicismo fue el status quo desde mediados y finales del siglo XVIII, hasta mediados del XIX. La transición del rococó al neoclasicismo no fue dramática. El estilo Luis XVI en Francia muestra claramente el fuerte interés de arquitectos y diseñadores por los volúmenes, proporciones y motivos de la antigua Grecia y Roma, pero sus creaciones aún conservan el ambiente aristocrático y acogedor del rococó. Del mismo modo, algunas de las creaciones de Robert Adam , uno de los arquitectos británicos más conocidos que diseñaron en estilo neoclásico, aún conservan la delicadeza del rococó, como es el caso del Eating Room del Osterley Park de Londres.

Después de la Revolución Francesa , la arquitectura y el diseño neoclásico propugnaban un retorno a la austeridad tras los "excesos" del rococó y limitaban así el uso de mascarones. El estilo Imperio del Primer Imperio Francés (1800-1815) no incluía muchos mascarones, ya que son raros en la arquitectura y el diseño de la antigua Grecia y Roma. La clave, frecuentemente decorada en los siglos pasados, quedó vacía a principios del siglo XIX. El interés por la Antigua Grecia y Roma también generó un apetito por el Antiguo Egipto. Después de la campaña francesa en Egipto y Siria , el arte egipcio pasó a las colecciones europeas y los científicos documentaron la historia, la naturaleza y la vida en Egipto. A veces, los edificios y diseños neoclásicos mezclan elementos grecorromanos con motivos egipcios.

Paralelamente al Neoclasicismo, el Romanticismo fue otro movimiento que se desarrolló en el siglo XVIII y que alcanzó su apogeo en el XIX. El romanticismo se caracterizó por su énfasis en la emoción y el individualismo , así como por la glorificación del pasado y la naturaleza, prefiriendo lo medieval a lo clásico. Una combinación de factores literarios, religiosos y políticos impulsó a los arquitectos y diseñadores británicos de finales del siglo XVIII y XIX a mirar hacia la Edad Media en busca de inspiración. [38] En Francia, el romanticismo no fue el factor clave que condujo al resurgimiento de la arquitectura y el diseño góticos. El vandalismo de monumentos y edificios asociados con el Ancien Régime (Antiguo Régimen) ocurrió durante la Revolución Francesa . Por este motivo, un arqueólogo, Alexandre Lenoir , fue nombrado conservador del depósito de Petits-Augustins, donde se habían transportado esculturas, estatuas y tumbas retiradas de iglesias, abadías y conventos. Organizó el Museo de los Monumentos Franceses (1795-1816) y fue el primero en recuperar el gusto por el arte de la Edad Media, que progresaba lentamente hasta florecer un cuarto de siglo después. Los mascarones no son muy comunes en el Renacimiento gótico, ya que en la Edad Media estaban presentes principalmente en ménsulas . [39]

Además de la Edad Media, gracias al Romanticismo, apareció el interés por otras épocas, como el Renacimiento, el Barroco y el Rococó. Sin una única autoridad de estilo, el pluralismo se generalizó. El renacimiento gótico coexistió con un renacimiento del rococó y resurgimientos de otros estilos históricos, algunos de los cuales no eran occidentales.

Bellas Artes y Art Nouveau

El revivalismo del siglo XIX desembocó con el tiempo en el eclecticismo (mezcla de elementos de diferentes estilos). Debido a que los arquitectos generalmente revivieron los estilos clásicos, la mayoría de los edificios y diseños eclécticos tienen una apariencia distintiva. En Francia, solían ser mezclas de elementos tomados desde el Renacimiento hasta Napoleón (incluido el neoclasicismo y sus formas). El edificio más famoso de este tipo es la Ópera Garnier de París, que combina, por ejemplo, columnas dobles tomadas del barroco con tejados de mascarones y festones tomados del neoclasicismo, en la fachada principal. Por sí solos, estos elementos recuerdan a una época concreta, pero están unidos de forma coherente y armoniosa. Muchos de los mascarones de la arquitectura y los diseños eclécticos del siglo XIX y principios del XX están inspirados en los del barroco y el rococó y, al igual que en los siglos XVII y XVIII, suelen estar en una clave y en un cartucho .

La Belle Époque fue un período que comenzó alrededor de 1871-1880 y terminó con el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914. Se caracterizó por el optimismo, la paz regional, la prosperidad económica, la expansión colonial y las innovaciones tecnológicas, científicas y culturales. El eclecticismo alcanzó su apogeo en este período, con la arquitectura Beaux Arts . El estilo toma su nombre de la École des Beaux-Arts de París, donde se desarrolló y donde estudiaron muchos de los principales exponentes del estilo. Los edificios de este estilo suelen presentar columnas jónicas con sus volúmenes en las esquinas (como las que se encuentran en el barroco francés ), un sótano rústico, simplicidad general pero con algunas partes muy detalladas, puertas en arco y un arco sobre la entrada como el de el Petit Palais de París. El estilo buscaba una opulencia barroca a través de estructuras monumentales profusamente decoradas que evocaban el Versalles de Luis XIV . Debido a la vibra etérea del estilo, muchos mascarones Beaux Arts tienen una expresión tranquila y segura, la mayoría de ellos son femeninos. Los mascarones masculinos también estaban presentes a veces en la decoración, pero generalmente como rostros de Hermes , Poseidón o Hércules .

Además de las Bellas Artes, otro movimiento que fue popular durante la Belle Époque fue el Art Nouveau . Rechazando el eclecticismo, el Art Nouveau fue uno de los primeros estilos del Modernismo . Tuvo múltiples versiones en diferentes países. La forma belga y francesa se caracteriza por formas orgánicas, adornos tomados del mundo vegetal, líneas sinuosas, asimetría (especialmente cuando se trata de diseño de objetos), el motivo del latigazo cervical , la mujer fatal y otros elementos de la naturaleza. En Austria, Alemania y el Reino Unido adoptó una forma geométrica más estilizada, como forma de protesta contra el revivalismo y el eclecticismo. Los ornamentos geométricos que se encuentran en las pinturas de Gustav Klimt y en los muebles de Koloman Moser son representativos de la Secesión de Viena (Art Nouveau austriaco). [43] Los mascarones Art Nouveau consisten a menudo en rostros de mujeres jóvenes, lo que muestra la preferencia de muchos artistas Art Nouveau por la femme fatale , una tipología de la mujer misteriosa, hermosa y seductora cuyos encantos atrapan a sus amantes, llevándolos a menudo a comprometerse, trampas mortales. A menudo se la muestra como una criatura de la noche, fusionada con el mundo natural. Al igual que los de Bellas Artes, muchos mascarones Art Nouveau tienen expresiones tranquilas y seguras. Algunos de los más impresionantes se encuentran en la joyería. Los mascarones Art Nouveau eran a veces maximalistas , y la cara tenía diferentes accesorios y/o follaje a su alrededor.

Período de entreguerras

Art Déco es un estilo creado como un esfuerzo colectivo de varios diseñadores franceses para crear un nuevo estilo moderno alrededor de 1910. Era oscuro antes de la Primera Guerra Mundial, pero se hizo muy popular durante el período de entreguerras y estuvo fuertemente asociado con las décadas de 1920 y 1930. El movimiento fue una mezcla de múltiples características tomadas de las corrientes modernistas de los años 1900 y 1910, como la Secesión de Viena , el cubismo , el fauvismo , el primitivismo , el suprematismo , el constructivismo , el futurismo , el De Stijl y el expresionismo . Debido a esto, los mascarones son más angulosos y estilizados, parecidos a máscaras, claramente influenciados por el cubismo , un movimiento artístico con figuras humanas muy estilizadas y geometrizadas, como las que se encuentran en Las señoritas de Aviñón pintadas por Pablo Picasso . Pintores, escultores, diseñadores y arquitectos también encontraron inspiración en regiones no occidentales, como el este de Asia, la América precolombina o el arte del África subsahariana. [49] El Art Déco tuvo cuatro fases: temprana, madura, tardía y Streamline Moderne . Los edificios de los años 1910 y principios de los años 1930 son compositivamente y estilísticamente similares a los de Bellas Artes de los años 1900 y 1910, pero muy estilizados y con una geometría refinada. Durante esta década se utilizan pilastras y otros elementos clásicos , pero geometrizados, junto con motivos florales sencillos y ornamentos abstractos. Un ejemplo del Art Déco temprano es el edificio de la Compañía Central de Seguro Social (ahora Edificio Asirom) en Bulevardul Carol I, Bucarest , de Ion Ionescu, década de 1930. La mayoría de los mascarones Art Deco están presentes en los primeros edificios y diseños Art Deco. El Art Déco maduro, muy asociado con la década de 1930, era más moderno y exuberante en comparación con la forma anterior. Los retrocesos escalonados son una característica clave de este período. El Art Déco tardío, de finales de los años 1930 y de los años 1940, abre el camino al Estilo Internacional , pero sin abandonar por completo la ornamentación. Los adornos más complejos, como mascarones o follaje, desaparecen por completo durante este período y se consideran pasados ​​de moda. Las fachadas con esquinas en ángulo de 90° y decoradas mínimamente sólo con cornisas simples en cada nivel son características clave de esta fase. Sin embargo, esto no significa que estos edificios sean banales o aburridos. En el interior se utilizaban materiales de colores vivos, especialmente mármol y granito , y los exteriores solían contar con pararrayos. Al mismo tiempo, Streamline ModerneTambién fue popular en las décadas de 1930 y 1940, caracterizándose por sus esquinas redondeadas y su dinamismo general.

Aunque el modernismo fue dominante bajo la forma de Art Déco durante el período de entreguerras, continuaron los resurgimientos de estilos históricos o locales. En Rumania , por ejemplo, la arquitectura del Renacimiento mediterráneo fue uno de los estilos principales de la década de 1930, junto con el Art Déco y el Renacimiento rumano (el estilo nacional). Por supuesto, algunos de estos estilos utilizaban mascarones como ornamentación.

Al final del período de entreguerras, con el aumento de la popularidad del Estilo Internacional , caracterizado por la ausencia total de cualquier ornamentación, llevó al abandono total de cualquier adorno, incluidos los mascarones.

posmodernismo

El posmodernismo , un movimiento que cuestionó el modernismo (el status quo después de la Segunda Guerra Mundial), promovió la inclusión de elementos de estilos históricos en nuevos diseños. Uno de los primeros textos que cuestionaba el modernismo fue el del arquitecto Robert Venturi , Complexity and Contradiction in Architecture (1966), en el que recomendaba un resurgimiento de la "presencia del pasado" en el diseño arquitectónico. Trató de incluir en sus propios edificios cualidades que describió como "inclusión, inconsistencia, compromiso, acomodación, adaptación, superayacencia, equivalencia, enfoque múltiple, yuxtaposición o espacio bueno y malo". [53] Venturi fomentó la 'cita', lo que significa reutilizar elementos del pasado en nuevos diseños. En parte manifiesto, en parte álbum de recortes arquitectónicos acumulado durante la década anterior, el libro representaba la visión de una nueva generación de arquitectos y diseñadores que habían crecido con el modernismo pero que se sentían cada vez más limitados por sus rigideces percibidas. Múltiples arquitectos y diseñadores posmodernos incorporaron en sus creaciones reinterpretaciones simplificadas de los elementos que se encuentran en la decoración clásica. Sin embargo, en la mayoría de los casos fueron muy simplificados y más reinterpretaciones que verdaderas reutilizaciones de los elementos pretendidos. Debido a su complejidad, los mascarones rara vez se utilizaron en la arquitectura y el diseño posmodernos. [54]

Ver también

Notas

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Referencias

enlaces externos

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