Rococó , menos comúnmente rococó ( / r ə ˈ k oʊ k oʊ / rə- KOH -koh , EE. UU. también / ˌ r oʊ k ə ˈ k oʊ / ROH -kə- KOH , francés: [ʁɔkɔko] o [ʁokoko] ⓘ ), también conocido comoBarroco tardío, es un estilo excepcionalmente ornamental y dramático de arquitectura, arte y decoración que combina asimetría, curvas en movimiento, dorado, colores blancos y pasteles, molduras esculpidas y frescos trompe-l'œil para crear sorpresa y la ilusión de movimiento y drama. A menudo se describe como la expresión final delbarroco. [1]
El estilo rococó comenzó en Francia en la década de 1730 como una reacción contra el estilo Luis XIV, más formal y geométrico . Se le conocía como el "estilo Rocaille ", o "estilo Rocaille". [2] Pronto se extendió a otras partes de Europa, particularmente al norte de Italia, Austria, el sur de Alemania, Europa Central y Rusia. [3] También llegó a influir en otras artes, en particular la escultura, el mobiliario, la platería, la cristalería, la pintura, la música y el teatro. [4] Aunque originalmente era un estilo secular utilizado principalmente para interiores de residencias privadas, el rococó tenía un aspecto espiritual que llevó a su uso generalizado en interiores de iglesias, particularmente en Europa Central, Portugal y América del Sur. [5]
La palabra rococó fue utilizada por primera vez como una variación humorística de la palabra rocaille por Pierre-Maurice Quays . [6] [7] Rocaille era originalmente un método de decoración , utilizando guijarros, conchas marinas y cemento, que se usaba a menudo para decorar grutas y fuentes desde el Renacimiento. [8] [9] A finales del siglo XVII y principios del XVIII, rocaille se convirtió en el término para una especie de motivo u ornamento decorativo que apareció a finales del estilo Luis XIV , en forma de concha entrelazada con hojas de acanto . En 1736 el diseñador y joyero Jean Mondon publicó el Premier Livre de forme rocquaille et cartel , una colección de diseños para adornos de muebles y decoración de interiores. Fue la primera aparición impresa del término rocaille para designar el estilo. [10] El motivo de concha tallada o moldeada se combinaba con hojas de palma o enredaderas retorcidas para decorar puertas, muebles, paneles de pared y otros elementos arquitectónicos. [11]
El término rococó se utilizó por primera vez en forma impresa en 1825 para describir una decoración que estaba "pasada de moda y pasada de moda". Se utilizó en 1828 para una decoración "que pertenecía al estilo del siglo XVIII, sobrecargada de adornos retorcidos". En 1829, el autor Stendhal describió el rococó como "el estilo rocaille del siglo XVIII". [12]
En el siglo XIX, el término se utilizaba para describir la arquitectura o la música excesivamente ornamental. [13] [14] Desde mediados del siglo XIX, el término ha sido aceptado por los historiadores del arte . Si bien todavía existe cierto debate sobre la importancia histórica del estilo, el rococó ahora se considera a menudo como un período distinto en el desarrollo del arte europeo .
El rococó presenta una decoración exuberante, con abundancia de curvas, contracurvas, ondulaciones y elementos inspirados en la naturaleza. Los exteriores de los edificios rococó suelen ser sencillos, mientras que los interiores están enteramente dominados por su ornamentación. El estilo era muy teatral, diseñado para impresionar y asombrar a primera vista. Los planos de las iglesias eran a menudo complejos y presentaban óvalos entrelazados; En los palacios, las grandes escaleras se convirtieron en piezas centrales y ofrecían diferentes puntos de vista de la decoración. [1] Los principales adornos del rococó son: conchas asimétricas, acantos y otras hojas, pájaros, ramos de flores, frutas, instrumentos musicales, ángeles y chinoiserie ( pagodas , dragones, monos, flores extrañas y chinos). [15]
El estilo a menudo integraba pintura, estuco moldeado y tallado en madera, y quadratura , o pinturas ilusionistas en el techo, que fueron diseñadas para dar la impresión de que quienes entraban a la habitación miraban hacia el cielo, donde querubines y otras figuras los contemplaban. . Los materiales utilizados incluyeron estuco, pintado o dejado en blanco; combinaciones de maderas de diferentes colores (normalmente roble, haya o nogal); madera lacada al estilo japonés, adornos de bronce dorado y tapas de mármol de cómodas o mesas. [16] La intención era crear una impresión de sorpresa, asombro y asombro a primera vista. [17]
El rococó tiene las siguientes características, que el barroco no tiene:
El estilo Rocaille , o rococó francés, apareció en París durante el reinado de Luis XV y floreció aproximadamente entre 1723 y 1759. [20] El estilo se utilizó particularmente en salones, un nuevo estilo de habitación diseñado para impresionar y entretener a los invitados. El ejemplo más destacado fue el salón de la Princesa en el Hôtel de Soubise en París, diseñado por Germain Boffrand y Charles-Joseph Natoire (1735-1740). Las características del rococó francés incluían un arte excepcional, especialmente en los complejos marcos hechos para espejos y pinturas, esculpidos en yeso y a menudo dorados; y el uso de formas vegetales (enredaderas, hojas, flores) entrelazadas en diseños complejos. [21] Los muebles también presentaban curvas sinuosas y diseños vegetales. Los principales diseñadores de muebles y artesanos de este estilo incluyeron a Juste-Aurele Meissonier , Charles Cressent y Nicolas Pineau . [22] [23]
El estilo Rocaille duró en Francia hasta mediados del siglo XVIII y, aunque se volvió más curvo y vegetal, nunca alcanzó la extravagante exuberancia del rococó en Baviera, Austria e Italia. Los descubrimientos de antigüedades romanas que comenzaron en 1738 en Herculano y especialmente en Pompeya en 1748 orientaron la arquitectura francesa hacia un neoclasicismo más simétrico y menos extravagante .
Los artistas de Italia, particularmente de Venecia , también produjeron un estilo rococó exuberante. Las cómodas venecianas imitaban las líneas curvas y los adornos tallados de la Rocaille francesa, pero con una variación veneciana particular; las piezas estaban pintadas, a menudo con paisajes o flores o escenas de Guardi u otros pintores, o Chinoiserie , sobre un fondo azul o verde, a juego con los colores de la escuela veneciana de pintores cuyas obras decoraban los salones. Entre los pintores decorativos notables se encuentran Giovanni Battista Tiepolo , que pintó techos y murales de iglesias y palacios, y Giovanni Battista Crosato , que pintó el techo del salón de baile de Ca Rezzonico en forma de cuadrado , dando la ilusión de tres dimensiones. Tiepolo viajó a Alemania con su hijo durante 1752-1754, decorando los techos de la Residencia de Würzburg , uno de los principales hitos del rococó bávaro. Un pintor veneciano célebre anteriormente fue Giovanni Battista Piazzetta , quien pintó varios techos de iglesias notables. [24]
El rococó veneciano también presentó cristalería excepcional, en particular el cristal de Murano , a menudo grabado y coloreado, que se exportaba a toda Europa. Las obras incluyeron candelabros multicolores y espejos con marcos extremadamente ornamentados. [24]
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En la construcción de iglesias, especialmente en la región del sur de Alemania-Austria, a veces se crean creaciones espaciales gigantescas únicamente por motivos prácticos, que sin embargo no parecen monumentales, sino que se caracterizan por una fusión única de arquitectura, pintura, estuco, etc. a menudo eliminan las fronteras entre los géneros artísticos y se caracterizan por una ingravidez llena de luz, alegría festiva y movimiento. El estilo decorativo rococó alcanzó su apogeo en el sur de Alemania y Austria desde la década de 1730 hasta la de 1770. Allí domina el paisaje de la iglesia hasta el día de hoy y está profundamente arraigado en la cultura popular. Se introdujo por primera vez desde Francia a través de publicaciones y obras de arquitectos y decoradores franceses, entre ellos el escultor Claude III Audran , el diseñador de interiores Gilles-Marie Oppenordt , el arquitecto Germain Boffrand , el escultor Jean Mondon y el dibujante y grabador Pierre Lepautre . Su obra tuvo una importante influencia en el estilo rococó alemán, pero no alcanza el nivel de las construcciones del sur de Alemania. [25]
Los arquitectos alemanes adaptaron el estilo rococó, pero lo hicieron mucho más asimétrico y cargado de decoración más ornamentada que el original francés. El estilo alemán se caracterizó por una explosión de formas que caían en cascada por las paredes. Presentaba molduras formadas en curvas y contracurvas, patrones que se retorcían y giraban, techos y paredes sin ángulos rectos y follaje de estuco que parecía trepar por las paredes y atravesar el techo. La decoración era a menudo dorada o plateada para contrastar con las paredes blancas o de colores pastel pálidos. [26]
El arquitecto y diseñador de origen belga François de Cuvilliés fue uno de los primeros en crear un edificio rococó en Alemania, con el pabellón de Amalienburg en Múnich (1734-1739), inspirado en los pabellones de Trianon y Marly en Francia. Fue construido como pabellón de caza, con una plataforma en el techo para cazar faisanes. El Salón de los Espejos en el interior, obra del pintor y escultor de estuco Johann Baptist Zimmermann , era mucho más exuberante que cualquier rococó francés. [27]
Otro ejemplo notable del rococó alemán temprano es la Residencia de Würzburg (1737-1744) construida para el Príncipe-Obispo de Würzburg por Balthasar Neumann . Neumann había viajado a París y consultó con los artistas decorativos franceses de rocalla Germain Boffrand y Robert de Cotte . Si bien el exterior era de estilo barroco más sobrio, el interior, especialmente las escaleras y los techos, era mucho más luminoso y decorativo. El Príncipe-Obispo importó al pintor rococó italiano Giovanni Battista Tiepolo en 1750-1753 para crear un mural sobre la parte superior de la escalera ceremonial de tres niveles. [28] [29] [30] Neumann describió el interior de la residencia como "un teatro de luz". La escalera también fue el elemento central de una residencia que Neumann construyó en el Palacio de Augustusburg en Brühl (1743-1748). En ese edificio, la escalera conducía a los visitantes a través de una fantasía de estuco de pinturas, esculturas, herrajes y decoración, con vistas sorprendentes a cada paso. [28]
En las décadas de 1740 y 1750 se construyeron en Baviera varias iglesias de peregrinación notables , con interiores decorados en una variante distintiva del estilo rococó. Uno de los ejemplos más notables es la Wieskirche (1745-1754) diseñada por Dominikus Zimmermann . Como la mayoría de las iglesias de peregrinación bávaras, el exterior es muy sencillo, con paredes en colores pastel y pocos adornos. Al entrar en la iglesia, el visitante se encuentra con un asombroso teatro de movimiento y luz. Cuenta con una cabecera de forma ovalada, y una deambulatoria de la misma forma, llenando la iglesia de luz por todos lados. Las paredes blancas contrastaban con las columnas de estuco azul y rosa del coro, y el techo abovedado rodeado de ángeles de yeso debajo de una cúpula que representaba los cielos llenos de coloridas figuras bíblicas. Otras iglesias de peregrinación notables incluyen la Basílica de los Catorce Santos Auxiliadores de Balthasar Neumann (1743-1772). [31] [32]
Johann Michael Fischer fue el arquitecto de la abadía de Ottobeuren (1748-1766), otro hito del rococó bávaro. La iglesia presenta, como gran parte de la arquitectura rococó en Alemania, un notable contraste entre la regularidad de la fachada y la sobreabundancia de decoración en el interior. [28]
En Gran Bretaña, el rococó fue llamado el "gusto francés" y tuvo menos influencia en el diseño y las artes decorativas que en Europa continental, aunque su influencia se sintió en áreas como la platería, la porcelana y las sedas. William Hogarth ayudó a desarrollar una base teórica para la belleza rococó. Aunque no menciona el rococó por su nombre, argumentó en su Análisis de la belleza (1753) que las líneas onduladas y las curvas en S prominentes en el rococó eran la base de la gracia y la belleza en el arte o la naturaleza (a diferencia de la línea recta o el círculo en el clasicismo ). . [33]
El rococó tardó en llegar a Inglaterra. Antes de entrar en el Rococó, los muebles británicos siguieron durante un tiempo el modelo neoclásico palladiano bajo la dirección del diseñador William Kent , quien diseñó para Lord Burlington y otros importantes mecenas de las artes. Kent viajó a Italia con Lord Burlington entre 1712 y 1720 y trajo muchos modelos e ideas de Palladio. Diseñó los muebles para el Palacio de Hampton Court (1732), la Casa Chiswick de Lord Burlington (1729), Londres, el Holkham Hall de Thomas Coke , Norfolk, la pila de Robert Walpole en Houghton , para la Casa Devonshire en Londres y en Rousham. [22]
La caoba hizo su aparición en Inglaterra alrededor de 1720 e inmediatamente se hizo popular para muebles, junto con la madera de nogal . El rococó comenzó a hacer acto de presencia en Inglaterra entre 1740 y 1750. Los muebles de Thomas Chippendale fueron los más cercanos al estilo rococó. En 1754 publicó "Gentleman's and Cabinet-makers' directorio", un catálogo de diseños para rococó, chinoiserie y incluso los muebles góticos, que alcanzaron gran popularidad, pasando por tres ediciones. A diferencia de los diseñadores franceses, Chippendale no empleó marquetería ni incrustaciones en sus muebles. Los diseñadores predominantes de muebles con incrustaciones fueron Vile y Cob, los ebanistas del rey Jorge III. Otra figura importante del mueble británico fue Thomas Johnson , quien en 1761, muy avanzado el período, publicó un catálogo de diseños de muebles rococó. Estos incluyen muebles basados en motivos chinos e indios bastante fantásticos, incluida una cama con dosel coronada por una pagoda china (ahora en el Museo Victoria and Albert). [24]
Otras figuras notables del rococó británico incluyeron al platero Charles Friedrich Kandler.
El estilo rococó ruso fue introducido en gran medida por Isabel Petrovna y Catalina II, también conocida como Catalina la Grande, durante el siglo XVIII por arquitectos de la corte como Francesco Rastrelli y Charles Cameron.
El trabajo de Rastrelli en palacios como el Hermitage de San Petersburgo y el Palacio de Catalina en Tsarskoye Selo incorporó muchas características de la arquitectura rococó de Europa occidental, incluidas grandes salas adornadas con pan de oro, espejos y grandes ventanales para que entrara luz natural en los interiores, y suaves colores pastel. colores enmarcados con grandes ventanas capotas y cornisas en los exteriores con motivos rocaille, como conchas y rocas asimétricas. [34] Los plafones a menudo presentaban volutas rococó que rodeaban pinturas alegóricas de dioses y diosas griegos y romanos antiguos. [35] Los pisos a menudo tenían incrustaciones de diseños de parquet formados a partir de diferentes maderas para crear diseños elaborados en la carpintería.
Charles Cameron, un científico escocés que había estudiado los restos de antiguos baños públicos romanos, fue invitado a Rusia para trabajar como arquitecto de la corte y diseñó una serie de habitaciones en el Palacio de Catalina entre el bloque central del palacio y la capilla ortodoxa del palacio para ocupa el lugar de un antiguo jardín colgante. [36] Los jardines colgantes tuvieron que ser cerrados debido a problemas con la penetración de humedad en la planta baja del palacio. [37] El trabajo de Cameron se caracterizó por colores pastel más claros que los interiores del barroco tardío muy oscuros y dorados de Rastrelli, y puso mayor énfasis en el uso de motivos alegóricos como paneles de pared arabescos y hojas de acanto en los diseños, que se inspiraron en la antigua Roma. [38]
La arquitectura de la iglesia ortodoxa rusa también estuvo fuertemente influenciada por los diseños rococó durante el siglo XVIII, a menudo presentando un diseño de cruz griega cuadrada con cuatro alas equidistantes. Los exteriores estaban pintados en colores pastel claros, como azules y rosas, y los campanarios a menudo estaban rematados con cúpulas en forma de cebolla dorada. [39]
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El rococó frederiano es una forma de rococó que se desarrolló en Prusia durante el reinado de Federico el Grande y combinó influencias de Francia , Alemania (especialmente Sajonia) y los Países Bajos . [40] Su seguidor más famoso fue el arquitecto Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff . Además, el pintor Antoine Pesne e incluso el propio rey Federico influyeron en los diseños de Knobelsdorff. Los edificios famosos del estilo fredriciano incluyen el Palacio Sanssouci , [41] el Palacio de la ciudad de Potsdam y partes del Palacio de Charlottenburg .
El arte de Boucher y otros pintores de la época, con su énfasis en la mitología decorativa y la galantería, pronto inspiró una reacción y una demanda de temas más "nobles". Mientras el rococó continuaba en Alemania y Austria, la Academia Francesa de Roma comenzó a enseñar el estilo clásico. Esto fue confirmado por el nombramiento de De Troy como director de la academia en 1738, y luego en 1751 por Charles-Joseph Natoire .
Madame de Pompadour , amante de Luis XV, contribuyó al declive del estilo rococó. En 1750 envió a su hermano, Abel-François Poisson de Vandières , en una misión de dos años para estudiar los avances artísticos y arqueológicos en Italia. Lo acompañaron varios artistas, entre ellos el grabador Charles-Nicolas Cochin y el arquitecto Soufflot . Regresaron a París apasionados por el arte clásico. Vandières se convirtió en marqués de Marigny y fue nombrado director general de los Edificios del Rey. Giró la arquitectura oficial francesa hacia el neoclásico. Cochin se convirtió en un importante crítico de arte; Denunció el pequeño estilo de Boucher y pidió un gran estilo con un nuevo énfasis en la antigüedad y la nobleza en las academias de pintura y arquitectura. [42]
El principio del fin del rococó se produjo a principios de la década de 1760, cuando figuras como Voltaire y Jacques-François Blondel comenzaron a expresar sus críticas a la superficialidad y degeneración del arte. Blondel denunció la "ridícula mezcla de conchas, dragones, juncos, palmeras y plantas" en los interiores contemporáneos. [43]
En 1785, el rococó había pasado de moda en Francia, reemplazado por el orden y la seriedad de artistas neoclásicos como Jacques-Louis David . En Alemania, el rococó de finales del siglo XVIII fue ridiculizado como Zopf und Perücke ("coleta y peluca"), y esta fase a veces se denomina Zopfstil . El rococó siguió siendo popular en ciertos estados provinciales alemanes y en Italia, hasta que la segunda fase del neoclasicismo, el " estilo Imperio ", llegó con los gobiernos napoleónicos y arrasó con el rococó.
El estilo ornamental llamado rocaille surgió en Francia entre 1710 y 1750, principalmente durante la regencia y reinado de Luis XV ; el estilo también fue llamado Louis Quinze . Sus principales características eran detalles pintorescos, curvas y contracurvas, asimetría y exuberancia teatral. En las paredes de los nuevos salones de París, los diseños retorcidos y sinuosos, generalmente hechos de estuco dorado o pintado, se enroscaban alrededor de las puertas y espejos como enredaderas. Uno de los primeros ejemplos fue el Hôtel Soubise de París (1704-1705), con su famoso salón ovalado decorado con pinturas de Boucher y Charles-Joseph Natoire . [44]
El diseñador de muebles francés más conocido de la época fue Juste-Aurèle Meissonnier (1695-1750), que también fue escultor y pintor. y orfebre de la casa real. Ostentaba el título de diseñador oficial de la Cámara y el Gabinete de Luis XV. Su obra es muy conocida hoy en día por la enorme cantidad de grabados realizados de su obra que popularizaron el estilo en toda Europa. Diseñó obras para las familias reales de Polonia y Portugal.
Italia fue otro lugar donde floreció el rococó, tanto en sus fases tempranas como posteriores. Los artesanos de Roma, Milán y Venecia produjeron muebles y artículos decorativos profusamente decorados.
La decoración esculpida incluía florettes, palmetas, conchas y follajes tallados en madera. Las formas rocaille más extravagantes se encontraron en las consolas, mesas diseñadas para apoyarse contra las paredes. Las cómodas, que aparecieron por primera vez bajo Luis XIV, estaban ricamente decoradas con adornos de rocaille hechos de bronce dorado. Fueron hechos por maestros artesanos, incluido Jean-Pierre Latz , y también presentaban marquetería de maderas de diferentes colores, a veces colocadas en patrones cúbicos de damero, hechos con maderas claras y oscuras. El período también vio la llegada de la Chinoiserie , a menudo en forma de cómodas lacadas y doradas, llamadas Falcon de Chine de Vernis Martin , en honor al ebenista que introdujo la técnica en Francia. El ormolu , o bronce dorado, fue utilizado por maestros artesanos, entre ellos Jean-Pierre Latz . Latz hizo un reloj particularmente ornamentado montado sobre un cartonero para Federico el Grande para su palacio en Potsdam . Las piezas de porcelana china importada a menudo se montaban en entornos rococó de ormolu (bronce dorado) para exhibirlas en mesas o consolas de los salones. Otros artesanos imitaron el arte japonés de los muebles lacados y produjeron cómodas con motivos japoneses. [17]
El rococó británico tendía a ser más comedido. Los diseños de muebles de Thomas Chippendale mantuvieron las curvas y la sensación, pero no alcanzaron las alturas francesas de fantasía. El exponente más exitoso del rococó británico fue probablemente Thomas Johnson , un talentoso tallador y diseñador de muebles que trabajó en Londres a mediados del siglo XVIII.
Elementos del estilo Rocaille aparecieron en la obra de algunos pintores franceses, incluido el gusto por lo pintoresco en los detalles; curvas y contracurvas; y disimetría que reemplazó el movimiento del barroco con exuberancia, aunque la rocaille francesa nunca alcanzó la extravagancia del rococó germánico. [45] El principal proponente fue Antoine Watteau , particularmente en Peregrinación a la isla de Citera (1717), Louvre , en un género llamado Fête Galante que representa escenas de jóvenes nobles reunidos para celebrar en un ambiente pastoral. Watteau murió en 1721 a la edad de treinta y siete años, pero su obra siguió teniendo influencia durante el resto del siglo. El cuadro Peregrinación a Citera fue adquirido por Federico el Grande de Prusia en 1752 o 1765 para decorar su palacio de Charlottenburg en Berlín. [45]
El sucesor de Watteau y la Féte Galante en pintura decorativa fue François Boucher (1703-1770), el pintor favorito de Madame de Pompadour . Su obra incluyó la sensual Toilette de Venus (1746), que se convirtió en uno de los ejemplos más conocidos del estilo. Boucher participó en todos los géneros de la época, diseñando tapices, modelos para escultura de porcelana, escenografía para la ópera y la ópera cómica de París y decoración para la Feria de Saint-Laurent. [46] Otros pintores importantes del estilo Fête Galante fueron Nicolas Lancret y Jean-Baptiste Pater . El estilo influyó particularmente en François Lemoyne , quien pintó la fastuosa decoración del techo del Salón de Hércules en el Palacio de Versalles , terminado en 1735. [45] Pinturas con fiestas galantes y temas mitológicos de Boucher, Pierre-Charles Trémolières y Charles- Joseph Natoire decoró el famoso salón del Hôtel Soubise de París (1735-1740). [46] Otros pintores rococó incluyen: Jean François de Troy (1679-1752), Jean-Baptiste van Loo (1685-1745), sus dos hijos Louis-Michel van Loo (1707-1771) y Charles-Amédée-Philippe van Loo. (1719–1795), su hermano menor Charles-André van Loo (1705–1765), Nicolas Lancret (1690–1743) y Jean Honoré Fragonard (1732–1806).
En Austria y el sur de Alemania, la pintura italiana tuvo el mayor efecto en el estilo rococó. El pintor veneciano Giovanni Battista Tiepolo , con la ayuda de su hijo, Giovanni Domenico Tiepolo , fue invitado a pintar frescos para la Residencia de Würzburg (1720-1744). El pintor más destacado de las iglesias rococó bávaras fue Johann Baptist Zimmermann , quien pintó el techo de la Wieskirche (1745-1754).
La escultura rococó era teatral, sensual y dinámica, dando una sensación de movimiento en todas direcciones. Se encontraba más comúnmente en el interior de las iglesias, generalmente estrechamente integrado con la pintura y la arquitectura. La escultura religiosa siguió el estilo barroco italiano, como lo ejemplifica el retablo teatral de la Karlskirche de Viena.
La escultura temprana del Rococó o Rocaille en Francia era más ligera y ofrecía más movimiento que el estilo clásico de Luis XIV. Fue estimulada en particular por Madame de Pompadour , amante de Luis XV, que encargó numerosas obras para sus castillos y sus jardines. El escultor Edmé Bouchardon representó a Cupido ocupado en tallar sus dardos de amor en la maza de Hércules . Figuras rococó también llenaron las fuentes posteriores de Versalles, como la Fuente de Neptuno de Lambert-Sigisbert Adam y Nicolas-Sebastien Adam (1740). Debido a su éxito en Versalles, Federico el Grande los invitó a Prusia para crear una escultura de fuente para el Palacio Sanssouci , Prusia (década de 1740). [47]
Étienne-Maurice Falconet (1716-1791) fue otro destacado escultor francés de la época. Falconet era más famoso por su estatua de Pedro el Grande a caballo en San Petersburgo, pero también creó una serie de obras más pequeñas para coleccionistas adinerados, que podían reproducirse en una serie en terracota o fundidas en bronce. Los escultores franceses Jean-Louis Lemoyne , Jean-Baptiste Lemoyne , Louis-Simon Boizot , Michel Clodion , Lambert-Sigisbert Adam y Jean-Baptiste Pigalle produjeron esculturas en serie para coleccionistas. [48]
En Italia, Antonio Corradini fue uno de los principales escultores del estilo rococó. Veneciano, viajó por Europa, trabajando para Pedro el Grande en San Petersburgo, para las cortes imperiales de Austria y Nápoles. Prefería los temas sentimentales y realizó varias obras magistrales de mujeres con el rostro cubierto por velos, una de las cuales se encuentra ahora en el Louvre . [49]
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Los ejemplos más elaborados de escultura rococó se encontraron en España, Austria y el sur de Alemania, en la decoración de palacios e iglesias. La escultura estaba estrechamente integrada con la arquitectura; era imposible saber dónde terminaba uno y comenzaba el otro. En el Palacio Belvedere de Viena (1721-1722), el techo abovedado de la Sala de los Atlantes se sostiene sobre los hombros de figuras musculosas diseñadas por Johann Lukas von Hildebrandt . La portada del Palacio del Marqués de Dos Aguas en Valencia (1715-1776) estaba completamente empapada de escultura tallada en mármol, según diseños de Hipólito Rovira Brocandel. [50]
El altar de El Transparente , en la capilla mayor de la Catedral de Toledo , es una imponente escultura de mármol policromado y estuco dorado, combinada con pinturas, estatuas y símbolos. Fue realizado por Narciso Tomé (1721-1732). Su diseño deja pasar la luz y, al cambiar de luz, parece moverse. [51]
Apareció una nueva forma de escultura a pequeña escala, la figura de porcelana , o un pequeño grupo de figuras, que inicialmente reemplazó a las esculturas de azúcar en las grandes mesas de los comedores, pero pronto se hizo popular para colocarlas en repisas de chimeneas y muebles. El número de fábricas europeas creció de manera constante a lo largo del siglo, y algunas fabricaban porcelana que las clases medias en expansión podían permitirse. También aumentó la cantidad de decoración colorida sobre vidriado utilizada en ellos. Generalmente eran modelados por artistas formados en escultura. Los temas comunes incluían figuras de la commedia dell'arte , vendedores ambulantes de la ciudad, amantes y figuras vestidas a la moda, y parejas de pájaros.
Johann Joachim Kändler fue el modelador más importante de porcelana de Meissen , la primera fábrica europea, que siguió siendo la más importante hasta aproximadamente 1760. El escultor alemán nacido en Suiza Franz Anton Bustelli produjo una amplia variedad de figuras coloridas para la fábrica de porcelana de Nymphenburg en Baviera. que se vendieron en toda Europa. El escultor francés Étienne-Maurice Falconet (1716-1791) siguió este ejemplo. Al tiempo que realizaba obras de gran formato, se convirtió en director de la fábrica de porcelana de Sevres y produjo obras de pequeña escala, normalmente sobre el amor y la alegría, para su producción en serie.
Existió un período rococó en la historia de la música , aunque no es tan conocido como las formas barrocas anteriores y clásicas posteriores. El estilo de música rococó se desarrolló a partir de la música barroca tanto en Francia, donde se hacía referencia al nuevo estilo como style galant (estilo "galante" o "elegante"), como en Alemania, donde se le conocía como empfindsamer Stil ("sensible"). estilo"). Se puede caracterizar como música ligera e íntima con formas de ornamentación extremadamente elaboradas y refinadas . Los ejemplos incluyen a Jean Philippe Rameau , Louis-Claude Daquin y François Couperin en Francia; En Alemania, los principales defensores del estilo fueron CPE Bach y Johann Christian Bach , dos hijos de JS Bach .
En la segunda mitad del siglo XVIII, se produjo una reacción contra el estilo rococó, principalmente contra el uso excesivo de ornamentación y decoración. Dirigida por Christoph Willibald Gluck , esta reacción marcó el comienzo de la era clásica . A principios del siglo XIX, la opinión católica se había vuelto contra la idoneidad del estilo para contextos eclesiásticos porque "de ninguna manera propiciaba sentimientos de devoción". [52]
El compositor ruso de la época romántica Piotr Ilich Tchaikovsky escribió Las variaciones sobre un tema rococó , op. 33, para violonchelo y orquesta en 1877. Aunque el tema no es de origen rococó, está escrito en estilo rococó.
La moda rococó se basaba en la extravagancia, la elegancia, el refinamiento y la decoración. La moda femenina del siglo XVII contrastaba con la moda del siglo XVIII, que era ornamentada y sofisticada, el verdadero estilo rococó. [53] Estas modas se extendieron más allá de la corte real hacia los salones y cafés de la burguesía ascendente. [54] El estilo de decoración y diseño exuberante, divertido y elegante que ahora conocemos como "rococó" se conocía entonces como le style rocaille, le style moderne, le gout. [55]
Un estilo que apareció a principios del siglo XVIII fue la bata volante , [53] un vestido fluido que se hizo popular hacia el final del reinado del rey Luis XIV. Este vestido tenía las características de un corpiño con grandes pliegues que caían desde la espalda hasta el suelo sobre una enagua redondeada. La paleta de colores consistía en telas ricas y oscuras acompañadas de elementos de diseño elaborados y pesados. Después de la muerte de Luis XIV los estilos de vestimenta comenzaron a cambiar. La moda dio un giro hacia un estilo más ligero y frívolo, pasando del período barroco al conocido estilo rococó. [56] El período posterior fue conocido por sus colores pastel, vestidos más reveladores y la gran cantidad de volantes, volantes, lazos y encajes como adornos. Poco después se introdujo el vestido rococó típico de las mujeres, robe à la Française, [53] un vestido con un corpiño ajustado que tenía un escote escotado, generalmente con una gran cinta en el centro del frente, alforjas anchas y estaba lujosamente adornado en grandes cantidades de encaje, cintas y flores.
Los pliegues Watteau [53] también se hicieron más populares, llamados así en honor al pintor Jean-Antoine Watteau, quien pintó los detalles de los vestidos hasta las puntadas de encaje y otros adornos con inmensa precisión. Más tarde, el 'pannier' y la 'mantua ' se pusieron de moda alrededor de 1718. Eran aros anchos debajo del vestido para extender las caderas hacia los lados y pronto se convirtieron en un elemento básico en la vestimenta formal. Esto le dio al período rococó el vestido icónico de caderas anchas combinado con la gran cantidad de adornos en las prendas. Se usaban alforjas anchas para ocasiones especiales y podían alcanzar hasta 4,9 metros (16 pies) de diámetro, [57] y se usaban aros más pequeños para los entornos cotidianos. Estas características provienen originalmente de la moda española del siglo XVII, conocida como guardainfante , inicialmente diseñada para ocultar el estómago de la embarazada y luego reinventada como la alforja. [57] 1745 se convirtió en la Edad de Oro del Rococó con la introducción de una cultura oriental más exótica en Francia llamada a la turque . [53] Esto se hizo popular gracias a la amante de Luis XV, Madame Pompadour, quien encargó al artista Charles Andre Van Loo que la pintara como una sultana turca.
En la década de 1760 surgió un estilo de vestidos menos formales y uno de estos fue la polonesa , con inspiración tomada de Polonia. Era más corto que el vestido francés, dejando ver la enagua y los tobillos, lo que facilitaba el movimiento. Otro vestido que se puso de moda fue el robe a l'anglais , que incluía elementos inspirados en la moda masculina; chaqueta corta, solapas anchas y manga larga. [56] También tenía un corpiño ceñido, una falda amplia sin alforjas pero todavía un poco larga en la espalda para formar una pequeña cola y, a menudo, algún tipo de pañuelo de encaje que se llevaba alrededor del cuello. Otra pieza fue el 'redingote', a medio camino entre capa y abrigo.
Los accesorios también eran importantes para todas las mujeres durante esta época, ya que aumentaban la opulencia y la decoración del cuerpo a juego con sus vestidos. En cualquier ceremonia oficial, las mujeres debían cubrirse las manos y los brazos con guantes si no llevaban mangas. [56]
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![Criolla María de los Dolores Gutiérrez, en el Puerto Rico colonial, en 1796, por el pintor mulato rococó José Campeche. Pintura que se encuentra actualmente en el Museo de Brooklyn.[58]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/4f/Jos%C3%A9_Campeche_(Puerto_Rican,_1751-1809)._Do%C3%B1a_Mar%C3%ADa_de_los_Dolores_Guti%C3%A9rrez_del_Mazo_y_P%C3%A9rez,_ca._1796..jpg/1280px-Jos%C3%A9_Campeche_(Puerto_Rican,_1751-1809)._Do%C3%B1a_Mar%C3%ADa_de_los_Dolores_Guti%C3%A9rrez_del_Mazo_y_P%C3%A9rez,_ca._1796..jpg)
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