La cerámica , debido a su relativa durabilidad, comprende una gran parte del registro arqueológico de la antigua Grecia , y dado que hay tanta (más de 100.000 vasos pintados están registrados en el Corpus vasorum antiquorum ), [1] ha ejercido un papel desproporcionado. gran influencia en nuestra comprensión de la sociedad griega . Los fragmentos de vasijas desechadas o enterradas en el primer milenio a. C. siguen siendo la mejor guía disponible para comprender la vida y la mente habituales de los antiguos griegos. Había varias vasijas producidas localmente para uso diario y de cocina, pero otras civilizaciones de todo el Mediterráneo , como los etruscos en Italia , importaron cerámica más fina de regiones como el Ática . [2] Había una multitud de variedades regionales específicas, como la cerámica griega antigua del sur de Italia .
En estos lugares se utilizaron diversos tipos y formas de jarrones . No todos eran puramente utilitarios; Se utilizaron grandes ánforas geométricas como marcadores de tumbas, las cráteras de Apulia sirvieron como ofrendas funerarias y las ánforas panatenaicas parecen haber sido consideradas en parte como objetos de arte , al igual que las figurillas de terracota posteriores. Algunas eran muy decorativas y estaban destinadas al consumo de la élite y al embellecimiento doméstico, además de servir como almacenamiento u otra función, como la crátera con su uso habitual para diluir el vino.
Los estilos de cerámica griegos anteriores, llamados "Egeo" en lugar de "Griego antiguo", [ cita requerida ] incluyen la cerámica minoica , muy sofisticada en sus etapas finales, la cerámica de las Cícladas , la cerámica Minyan y luego la cerámica micénica en la Edad del Bronce , seguida por la cerámica cultural. Interrupción de la Edad Oscura griega . A medida que la cultura se recuperó, la cerámica submicénica finalmente se mezcló con el estilo protogeométrico , que da comienzo a la cerámica griega antigua propiamente dicha. [ cita necesaria ]
El auge de la pintura de jarrones supuso una decoración cada vez mayor. El arte geométrico en la cerámica griega fue contiguo a finales de la Edad Oscura y principios de la Grecia Arcaica , que vio el surgimiento del período orientalizante . La cerámica producida en la Grecia Arcaica y Clásica incluía al principio la cerámica de figuras negras , pero surgieron otros estilos como la cerámica de figuras rojas y la técnica del fondo blanco . Estilos como West Slope Ware fueron característicos del período helenístico posterior , que vio el declive de la pintura de jarrones.
El interés por el arte griego quedó rezagado con respecto al resurgimiento de la erudición clásica durante el Renacimiento y revivió en el círculo académico que rodeaba a Nicolas Poussin en Roma en la década de 1630. Aunque en los siglos XV y XVI se hicieron modestas colecciones de jarrones recuperados de tumbas antiguas en Italia, estos fueron considerados como etruscos . Es posible que Lorenzo de Medici comprara varios jarrones áticos directamente de Grecia ; [3] sin embargo, la conexión entre ellos y los ejemplos excavados en el centro de Italia no se estableció hasta mucho más tarde. El Geschichte der Kunst des Alterthums de Winckelmann de 1764 refutó por primera vez el origen etrusco de lo que hoy conocemos como cerámica griega [4] sin embargo , las dos colecciones de Sir William Hamilton , una perdida en el mar y la otra ahora en el Museo Británico , todavía estaban publicado como "Jarrones etruscos"; Hubo que esperar hasta 1837, con Gräber der Hellenen de Stackelberg , para poner fin definitivamente a la controversia. [5]
Gran parte de los primeros estudios de los vasos griegos tomó la forma de producción de álbumes de las imágenes que representan; sin embargo, ni los folios de D'Hancarville ni los de Tischbein registran las formas ni intentan proporcionar una fecha y, por lo tanto, no son confiables como registro arqueológico. Los intentos serios de realizar estudios académicos lograron avances constantes durante el siglo XIX, comenzando con la fundación del Instituto di Corrispondenza en Roma en 1828 (más tarde el Instituto Arqueológico Alemán), seguido por el estudio pionero de Eduard Gerhard Auserlesene Griechische Vasenbilder (1840 a 1858). la creación de la revista Archaeologische Zeitung en 1843 y la Escuela de Atenas en 1846. Fue Gerhard quien esbozó por primera vez la cronología que utilizamos ahora, a saber: orientalizante (geométrica, arcaica), figura negra, figura roja, policromática (helenística).
Finalmente, fue el catálogo Vasensammlung de Otto Jahn de 1854 de la Pinakothek de Munich el que estableció el estándar para la descripción científica de la cerámica griega, registrando las formas e inscripciones con una minuciosidad nunca antes vista. El estudio de Jahn fue el libro de texto estándar sobre la historia y cronología de la cerámica griega durante muchos años, pero, al igual que Gerhard, fechó la introducción de la técnica de las figuras rojas un siglo después de lo que realmente fue el caso. Este error se corrigió cuando la Sociedad Arqueológica de Atenas emprendió la excavación de la Acrópolis en 1885 y descubrió los llamados " restos persas " de vasijas con figuras rojas destruidas por los invasores persas en el 480 a.C. Con una cronología más sólidamente establecida , Adolf Furtwängler y sus estudiantes en las décadas de 1880 y 1890 pudieron fechar los estratos de sus excavaciones arqueológicas por la naturaleza de la cerámica encontrada en ellos, un método de seriación que Flinders Petrie aplicaría más tarde a las piezas sin pintar. Cerámica egipcia.
Mientras que el siglo XIX fue un período de descubrimiento griego y de establecimiento de primeros principios, el siglo XX ha sido uno de consolidación e industria intelectual. Los esfuerzos para registrar y publicar la totalidad de las colecciones públicas de jarrones comenzaron con la creación del Corpus vasorum antiquorum bajo la dirección de Edmond Pottier y el archivo Beazley de John Beazley .
Beazley y otros que le siguieron también han estudiado fragmentos de cerámica griega en colecciones institucionales y han atribuido muchas piezas pintadas a artistas individuales. Los estudiosos han llamado a estos fragmentos disjecta membra (en latín, "partes dispersas") y en varios casos han podido identificar fragmentos ahora en diferentes colecciones que pertenecen al mismo jarrón. [6]
Los nombres que usamos para las formas de los vasos griegos son a menudo una cuestión de convención más que de un hecho histórico, algunos ilustran su propio uso o están etiquetados con sus nombres originales, otros son el resultado del intento de los primeros arqueólogos de reconciliar el objeto físico con una nombre conocido de la literatura griega, no siempre con éxito. Para comprender la relación entre forma y función, la cerámica griega se puede dividir en cuatro categorías amplias, que se presentan aquí con tipos comunes: [2] [7] [8]
Además de estas funciones utilitarias, algunas formas de jarrones se asociaban especialmente con los rituales , otras con el atletismo y el gimnasio . [9] No se conocen todos sus usos, pero cuando hay incertidumbre, los estudiosos hacen buenas conjeturas aproximadas sobre qué uso habría tenido una pieza. Algunos tienen una función puramente ritual, por ejemplo
Algunas vasijas fueron diseñadas como lápidas para tumbas . Los cráteres marcaban los lugares de los machos y las ánforas marcaban los de las hembras. [10] Esto les ayudó a sobrevivir, y es por eso que algunos representan procesiones fúnebres. [11] Los lekythoi molidos blancos contenían el aceite utilizado como ofrendas funerarias y parecen haber sido hechos únicamente con ese objeto en mente. Muchos ejemplos tienen una segunda copa oculta en su interior para dar la impresión de estar llenos de aceite, por lo que no habrían servido para ningún otro beneficio útil.
Existió un mercado internacional para la cerámica griega desde el siglo VIII a.C., que Atenas y Corinto dominaron hasta finales del siglo IV a.C. [12] Se puede obtener una idea del alcance de este comercio al trazar los mapas de hallazgos de estos jarrones fuera de Grecia, aunque esto no podría explicar los regalos o la inmigración. Sólo la existencia de un mercado de segunda mano podría explicar el número de panatenaicos encontrados en las tumbas etruscas . Los productos del sur de Italia llegaron a dominar el comercio de exportación en el Mediterráneo occidental a medida que Atenas perdió importancia política durante el período helenístico .
Las pocas formas en que la cerámica de arcilla puede dañarse es rompiéndose, desgastando o entrando en contacto con el fuego. [13] El proceso de hacer una olla y cocinarla es bastante simple. Lo primero que necesita un alfarero es arcilla . La arcilla rica en hierro del Ática daba a sus vasijas un color naranja. [14]
Cuando la arcilla se extrae del suelo por primera vez, está llena de rocas, conchas y otros elementos inútiles que deben eliminarse. Para ello el alfarero mezcla la arcilla con agua y deja que todas las impurezas se hunda hasta el fondo. A esto se le llama levigación o elutriación . Este proceso se puede realizar muchas veces. Cuantas más veces se haga esto, más suave quedará la arcilla.
Luego el alfarero amasa la arcilla y la coloca en un torno . Una vez que la arcilla está en el torno, el alfarero puede darle cualquiera de las muchas formas que se muestran a continuación, o cualquier otra cosa que desee. La cerámica hecha con torno se remonta aproximadamente al año 2500 a.C. Antes de esto, se empleaba el método de bobina para construir las paredes de la vasija. La mayoría de los jarrones griegos estaban hechos con ruedas, aunque, como ocurre con los Rhyton , también se encuentran piezas hechas con moldes (las llamadas piezas de "plástico") y se agregaron elementos decorativos hechos a mano o con molde a las vasijas arrojadas. Las piezas más complejas se hacían por partes y luego se ensamblaban cuando estaba dura como el cuero mediante unión con una barbotina, donde el alfarero regresaba al torno para darle la forma o torneado final. A veces, un joven ayudaba a girar el volante. [16] [17]
Después de hacer la vasija, el alfarero la pintó con una barbotina de arcilla de grano ultrafino; la pintura se aplicó en las zonas que debían volverse negras después de la cocción, según los dos estilos diferentes, es decir, la figura negra y la figura roja. [18] Para la decoración, los pintores de jarrones utilizaron pinceles de diferentes espesores, herramientas puntiformes para las incisiones y probablemente herramientas de un solo pelo para las líneas en relieve. [19]
Una serie de estudios analíticos han demostrado que el llamativo brillo negro con brillo metálico, tan característico de la cerámica griega, surgió de la fracción coloidal de una arcilla ilítica con muy bajo contenido de óxido de calcio. Esta barbotina era rica en óxidos e hidróxidos de hierro, diferenciándose de la utilizada para el cuerpo del vaso por el contenido en calcio, la composición mineral exacta y el tamaño de las partículas. La fina suspensión de arcilla utilizada para la pintura se produjo mediante el uso de varios aditivos defloculantes de la arcilla (potasa, urea, heces de vino, cenizas de huesos, cenizas de algas, etc.) o recogiéndola in situ de lechos de arcilla ilítica después de los períodos de lluvia. Estudios recientes han demostrado que algunos oligoelementos del vidriado negro (en particular el Zn) pueden ser característicos de los lechos de arcilla utilizados en la antigüedad. En general, diferentes equipos de estudiosos sugieren diferentes enfoques en relación con la producción de la barbotina de arcilla utilizada en la antigüedad. [20] [21] [22]
La cerámica griega, a diferencia de la cerámica actual, solo se cocía una vez, mediante un proceso muy sofisticado. [23] El efecto de color negro se logró cambiando la cantidad de oxígeno presente durante la cocción. Esto se hizo en un proceso conocido como cocción de tres fases que implica condiciones alternas de oxidación y reducción. Primero, el horno se calentó a alrededor de 920-950 °C, con todos los respiraderos abiertos llevando oxígeno a la cámara de cocción y haciendo que tanto la olla como la barbotina adquirieran un color marrón rojizo (condiciones oxidantes) debido a la formación de hematita (Fe 2 O 3 ). tanto en la pintura como en la pasta de arcilla. Luego se cerró el respiradero y se introdujo madera verde, creando monóxido de carbono que convierte la hematita roja en magnetita negra (Fe 3 O 4 ); en esta etapa la temperatura disminuye debido a una combustión incompleta. En una fase de reoxidación final (a aproximadamente 800–850 °C), se abrió el horno y se reintrodujo oxígeno, lo que provocó que la arcilla reservada sin engobe volviera a un color rojo anaranjado, mientras que el área engobe de la vasija que había sido sinterizada/vitrificada en la fase anterior. , ya no podía oxidarse y permanecía negro.
Si bien la descripción de una única cocción con tres etapas puede parecer económica y eficiente, algunos estudiosos afirman que es igualmente posible que cada una de estas etapas se limitara a cocciones separadas [24] en las que la cerámica se somete a múltiples cocciones, de diferente atmósfera. . En cualquier caso, la reproducción fiel del proceso que implicó un extenso trabajo experimental que condujo a la creación de una moderna unidad de producción en Atenas desde el año 2000, [25] ha demostrado que los antiguos vasos pueden haber sido sometidos a múltiples cocciones en tres etapas después del repintado. o como un intento de corregir fallas de color [20] La técnica que se conoce principalmente como "técnica de reducción de hierro" fue decodificada con la contribución de eruditos, ceramistas y científicos desde mediados del siglo XVIII hasta finales del siglo XX, es decir Conde de Caylus (1752), Durand-Greville (1891), Binns y Fraser (1925), Schumann (1942), Winter (1959), Bimson (1956), Noble (1960, 1965), Hofmann (1962), Oberlies ( 1968), Pavicevic (1974), Aloupi (1993). Estudios más recientes de Walton et al. (2009), Walton et al.(2014), Lühl et al.(2014) y Chaviara & Aloupi-Siotis (2016) mediante el uso de técnicas analíticas avanzadas proporcionan información detallada sobre el proceso y las materias primas utilizadas. [26]
El aspecto más familiar de la cerámica griega antigua son las vasijas pintadas de excelente calidad. No se trataba de la cerámica cotidiana utilizada por la mayoría de la gente, pero eran lo suficientemente baratas como para ser accesibles a una amplia gama de la población.
Han sobrevivido pocos ejemplos de pintura griega antigua, por lo que los eruditos modernos tienen que rastrear el desarrollo del arte griego antiguo en parte a través de la pintura de vasijas griega antigua, que sobrevive en grandes cantidades y es también, junto con la literatura griega antigua , la mejor guía que tenemos sobre la costumbre. Vida y mente de los antiguos griegos.
La cerámica griega se remonta a la Edad de Piedra , como las encontradas en Sesklo y Dimini .
La pintura más elaborada sobre la cerámica griega se remonta a la cerámica minoica y la cerámica micénica de la Edad del Bronce , algunos ejemplos posteriores de las cuales muestran la ambiciosa pintura figurativa que llegaría a ser muy desarrollada y típica.
Después de muchos siglos dominados por estilos de decoración geométrica, cada vez más complejos, los elementos figurativos volvieron con fuerza en el siglo VIII. Desde finales del siglo VII hasta aproximadamente el 300 a. C., los estilos en evolución de pintura basada en figuras alcanzaron su punto máximo de producción y calidad y se exportaron ampliamente.
Durante la Edad Oscura griega , que abarca los siglos XI al VIII a. C., el estilo temprano predominante fue el del arte protogeométrico , que utilizaba predominantemente patrones decorativos circulares y ondulados. A esto le sucedió en la Grecia continental , el Egeo , Anatolia e Italia el estilo de cerámica conocido como arte geométrico , que empleaba ordenadas hileras de formas geométricas. [27]
El período de la Grecia Arcaica , que comenzó en el siglo VIII a.C. y duró hasta finales del siglo V a.C., vio el nacimiento del período orientalizante , liderado en gran medida por la antigua Corinto , donde las anteriores figuras de palos de la cerámica geométrica cobran cuerpo entre motivos. que reemplazó los patrones geométricos. [12]
En la decoración cerámica clásica predomina principalmente la pintura de jarrones áticos . La producción ática fue la primera en reanudarse después de la Edad Oscura griega e influyó en el resto de Grecia, especialmente en Beocia , Corinto , las Cícladas (en particular Naxos ) y las colonias jónicas en el Egeo oriental . [28] La producción de jarrones era en gran medida prerrogativa de Atenas; está bien atestiguado que en Corinto, Beocia, Argos, Creta y Cícladas, los pintores y alfareros se conformaban con seguir el estilo ático. Al final del período Arcaico, los estilos de cerámica de figuras negras , cerámica de figuras rojas y la técnica del fondo blanco se habían establecido completamente y continuarían en uso durante la era de la Grecia clásica , desde principios del siglo V hasta finales del IV a.C. Corinto fue eclipsada por las tendencias atenienses, ya que Atenas fue la progenitora tanto del estilo de figuras rojas como del de fondo blanco. [12]
Los jarrones del período protogeométrico ( c. 1050-900 a. C.) representan el regreso de la producción artesanal después del colapso de la cultura palaciega micénica y la consiguiente edad oscura griega . Es uno de los pocos modos de expresión artística además de la joyería en este período, ya que desconocemos la escultura, la arquitectura monumental y la pintura mural de esta época. Hacia el año 1050 a. C. la vida en la península griega parece haberse asentado lo suficiente como para permitir una marcada mejora en la producción de loza. El estilo se limita a la representación de círculos, triángulos, líneas onduladas y arcos, pero colocados con evidente consideración y notable destreza, probablemente con la ayuda de compases y múltiples pinceles. [29] El sitio de Lefkandi es una de nuestras fuentes más importantes de cerámica de este período, donde se ha encontrado un alijo de ajuar funerario que da evidencia de un estilo protogeométrico eubeo distintivo que duró hasta principios del siglo VIII. [30]
El arte geométrico floreció en los siglos IX y VIII a.C. Se caracterizó por nuevos motivos, rompiendo con la representación de los períodos minoico y micénico : meandros, triángulos y otras decoraciones geométricas (de ahí el nombre del estilo) a diferencia de las figuras predominantemente circulares del estilo anterior. Sin embargo, nuestra cronología de esta nueva forma de arte proviene de productos exportados que se encuentran en contextos datables en el extranjero.
En el estilo geométrico temprano (aproximadamente 900-850 a. C.) sólo se encuentran motivos abstractos, en el llamado estilo "Dipylon negro", que se caracteriza por el uso extensivo de barniz negro, en el estilo geométrico medio (aprox. 850-770 a. C.). ), hace aparición la decoración figurativa: inicialmente se trata de bandas idénticas de animales como caballos, ciervos, cabras, gansos, etc., que se alternan con las bandas geométricas. Paralelamente, la decoración se complica y se vuelve cada vez más recargada; el pintor se resiste a dejar espacios vacíos y los llena de meandros o esvásticas . Esta fase se denomina horror vacui (miedo al vacío) y no cesará hasta el final del período geométrico.
A mediados de siglo comienzan a aparecer figuras humanas, cuyas representaciones más conocidas son las de los vasos encontrados en Dipylon , uno de los cementerios de Atenas . Los fragmentos de estos grandes vasos funerarios muestran principalmente procesiones de carros o guerreros o de las escenas funerarias: πρόθεσις / prótesis (exposición y lamentación de los muertos) o ἐκφορά / ekphora (transporte del ataúd al cementerio). Los cuerpos están representados de forma geométrica a excepción de las pantorrillas, que son más bien protuberantes. En el caso de los soldados, un escudo en forma de diábolo , llamado "escudo dipylon" por su dibujo característico, cubre la parte central del cuerpo. Las piernas y los cuellos de los caballos, las ruedas de los carros están representados uno al lado del otro sin perspectiva. La mano de este pintor, llamado así a falta de firma, el Maestro Dipylon , pudo identificarse en varias piezas, en particular en ánforas monumentales. [32]
Al final del período aparecen representaciones de la mitología, probablemente en el momento en que Homero codifica las tradiciones del ciclo troyano en la Ilíada y la Odisea . Aquí, sin embargo, la interpretación constituye un riesgo para el observador moderno: un enfrentamiento entre dos guerreros puede ser un duelo homérico o un simple combate; un barco averiado puede representar el naufragio de Odiseo o de cualquier desventurado marinero.
Por último, están las escuelas locales que aparecen en Grecia. La producción de jarrones era en gran medida prerrogativa de Atenas; está bien atestiguado que, como en el período protogeométrico, en Corinto, Beocia, Argos , Creta y Cícladas , los pintores y alfareros se conformaban con seguir el estilo ático . Aproximadamente desde el siglo VIII a. C. crearon sus propios estilos; Argos se especializó en las escenas figurativas, mientras que Creta permaneció apegada a una abstracción más estricta. [33]
El estilo orientalizante fue producto del fermento cultural en el Egeo y el Mediterráneo oriental de los siglos VIII y VII a.C. Fomentados por los vínculos comerciales con las ciudades-estado de Asia Menor , los artefactos de Oriente influyeron en un arte representacional muy estilizado pero reconocible. Marfiles, cerámica y orfebrería de los principados neohititas del norte de Siria y Fenicia llegaron a Grecia, al igual que bienes de Anatolia Urartu y Frigia , pero hubo poco contacto con los centros culturales de Egipto o Asiria . El nuevo idioma se desarrolló inicialmente en Corinto (como protocorintio) y más tarde en Atenas entre el 725 a. C. y el 625 a. C. (como protoático). [34]
Se caracterizó por un vocabulario ampliado de motivos: esfinge , grifo , leones , etc., así como por un repertorio de animales no mitológicos dispuestos en frisos a lo largo del vientre del jarrón. En estos frisos, los pintores también empezaron a aplicar flores de loto o palmetas. Las representaciones de humanos eran relativamente raras. Las que se han encontrado son figuras en silueta con algún detalle inciso, quizás el origen de las figuras de silueta incisa del período de las figuras negras. Hay suficientes detalles sobre estas figuras para permitir a los estudiosos discernir las manos de varios artistas diferentes. Los rasgos geométricos permanecieron en el estilo llamado protocorintio que abrazó estos experimentos orientalizantes, pero que coexistió con un estilo subgeométrico conservador.
La cerámica de Corinto se exportó a toda Grecia y su técnica llegó a Atenas, lo que provocó el desarrollo allí de un idioma menos marcadamente oriental. Durante esta época descrita como proto-ática, aparecen los motivos orientalizantes pero los rasgos siguen siendo poco realistas. Los pintores muestran preferencia por las escenas típicas del Período Geométrico, como procesiones de carros. Sin embargo, adoptan el principio del dibujo lineal para reemplazar la silueta. A mediados del siglo VII a.C. aparece el estilo blanco y negro: figuras negras sobre una zona blanca, acompañadas de policromía para reproducir el color de la carne o la ropa. La arcilla utilizada en Atenas era mucho más anaranjada que la de Corinto, por lo que no se prestaba tan fácilmente a la representación de la carne. Entre los pintores orientalizantes áticos se encuentran el pintor Analatos , el pintor Mesogeia y el pintor Polifemo .
Creta , y especialmente las islas de las Cícladas, se caracterizan por su atracción por los vasos conocidos como "de plástico", es decir, aquellos cuya barriga o cuello tiene la forma de la cabeza de un animal o de un hombre. En Egina , la forma más popular de jarrón de plástico es la cabeza del grifo. Las ánforas melanesias, fabricadas en Paros , muestran poco conocimiento de los avances corintios. Presentan un marcado gusto por la composición épica y un horror vacui, que se expresa en abundancia de esvásticas y meandros.
Finalmente se puede identificar el último estilo importante del período, el estilo de la cabra salvaje , asignado tradicionalmente a Rodas debido a un importante descubrimiento en la necrópolis de Kameiros . De hecho, está muy extendido por toda Asia Menor , con centros de producción en Mileto y Quíos . Prevalecen dos formas: las enóqueas , que copiaban modelos de bronce, y los platos, con o sin pies. La decoración se organiza en registros superpuestos en los que animales estilizados, en particular cabras salvajes (de ahí el nombre), se persiguen en frisos. Numerosos motivos decorativos (triángulos florales, esvásticas, etc.) llenan los espacios vacíos.
La figura negra es la que más comúnmente se imagina cuando se piensa en la cerámica griega. Fue un estilo popular en la antigua Grecia durante muchos años. El período de las figuras negras coincide aproximadamente con la era designada por Winckelmann como Arcaico medio a tardío , desde c. 620 al 480 a.C. La técnica de incidir figuras recortadas con detalles vivificantes que ahora llamamos método de figuras negras fue una invención corintia del siglo VII [35] y desde allí se extendió a otras ciudades-estado y regiones, incluidas Esparta , [36] Beocia , [37] Eubea , [38] las islas griegas orientales [39] y Atenas.
El tejido corintio, ampliamente estudiado por Humfry Payne [40] y Darrell Amyx, [41] puede rastrearse a través del tratamiento paralelo de figuras animales y humanas. Los motivos animales tienen mayor protagonismo en el jarrón y muestran la mayor experimentación en la fase temprana de la figura negra corintia. A medida que los artistas corintios ganaron confianza en su representación de la figura humana, el friso de animales disminuyó de tamaño en relación con la escena humana durante la fase media a tardía. A mediados del siglo VI a. C., la calidad de la cerámica corintia había disminuido significativamente hasta el punto de que algunos alfareros corintios disfrazaban sus vasijas con una barbotina roja a imitación de la cerámica ateniense superior.
En Atenas, los investigadores han encontrado los primeros ejemplos conocidos de pintores de vasijas firmando sus obras, siendo el primero un dinosaurio de Sófilo (ilus. a continuación, BM, c. 580 ), lo que tal vez sea indicativo de su creciente ambición como artistas a la hora de producir la obra monumental que exigían. como lápidas, como por ejemplo el jarrón François de Kleitias . Muchos estudiosos consideran que las mejores obras de este estilo pertenecen a Exequias y al pintor Amasis , que se destacan por su sentimiento para la composición y la narrativa.
Alrededor del año 520 a. C. se desarrolló la técnica de las figuras rojas y fue introducida gradualmente en forma de jarrón bilingüe por el pintor Andócides , Oltos y Psiax . [42] La figura roja rápidamente eclipsó a la figura negra, sin embargo, en la forma única del ánfora Panathanaica, la figura negra continuó utilizándose hasta bien entrado el siglo IV a.C.
La innovación de la técnica de las figuras rojas fue una invención ateniense de finales del siglo VI. Era todo lo contrario a la figura negra que tenía un fondo rojo. La capacidad de representar detalles mediante pintura directa en lugar de incisión ofreció nuevas posibilidades expresivas a los artistas, como perfiles de tres cuartos, mayor detalle anatómico y la representación de la perspectiva.
La primera generación de pintores de figuras rojas trabajó tanto con figuras rojas como con figuras negras, así como con otros métodos, incluida la técnica de Six y el fondo blanco ; este último se desarrolló al mismo tiempo que el de figura roja. Sin embargo, al cabo de veinte años, la experimentación había dado paso a la especialización, como se ve en los jarrones del Grupo Pionero , cuyo trabajo figurativo era exclusivamente en figuras rojas, aunque conservaron el uso de figuras negras para algunas de las primeras ornamentaciones florales. Los valores y objetivos compartidos de Los Pioneros como Eufronio y Eutímides indican que eran algo parecido a un movimiento consciente, aunque no dejaron otro testamento que su propio trabajo. John Boardman dijo sobre la investigación sobre su trabajo que "la reconstrucción de sus carreras, de su propósito común, incluso de sus rivalidades, puede tomarse como un triunfo arqueológico". [43]
La siguiente generación de pintores de vasijas del Arcaico tardío ( c. 500 a 480 a. C.) aportó un naturalismo cada vez mayor al estilo, como se ve en el cambio gradual del ojo de perfil. Esta fase también ve la especialización de los pintores en pintores de vasijas y tazas, destacando los pintores de Berlín y Kleophrades en la primera categoría y Douris y Onésimo en la segunda.
Desde principios hasta el alto período clásico de la pintura de figuras rojas ( c. 480-425 a. C.), habían evolucionado varias escuelas distintas. Los manieristas asociados con el taller de Myson y ejemplificados por el Pan Painter mantienen los rasgos arcaicos de las cortinas rígidas y las poses incómodas y los combinan con gestos exagerados. Por el contrario, la escuela del pintor berlinés en la forma del pintor de Aquiles y sus compañeros (que pueden haber sido alumnos del pintor berlinés) favorecían una pose naturalista, generalmente de una sola figura sobre un fondo negro sólido o de lekythoi sobrios en un fondo blanco. . Polignoto y el pintor Cleofonte pueden incluirse en la escuela del pintor nióbido , ya que su trabajo indica algo de la influencia de las esculturas del Partenón tanto en el tema (por ejemplo, la centauromaquia de Polignoto, Bruselas, Musées Royaux A. & Hist., A 134) y en sentimiento por la composición.
Hacia finales de siglo, el estilo "rico" de la escultura ática, como se ve en la balaustrada Nike, se refleja en la pintura de jarrones contemporánea con una atención cada vez mayor a los detalles secundarios, como el cabello y las joyas. El pintor Meidias suele ser el más identificado con este estilo.
La producción de jarrones en Atenas se detuvo alrededor del 330-320 a. C., posiblemente debido al control de la ciudad por parte de Alejandro Magno , y había estado en lento declive durante el siglo IV junto con la suerte política de la propia Atenas. Sin embargo, la producción de jarrones continuó en los siglos IV y III en las colonias griegas del sur de Italia, donde se pueden distinguir cinco estilos regionales. Se trata de los de Apulia , Lucania , Sicilia , Campania y Paesta . Allí floreció el trabajo de figuras rojas con la adición distintiva de pintura policromática y, en el caso de la colonia de Panticapeum en el Mar Negro, el trabajo dorado del estilo Kerch . Nos llega el trabajo de varios artistas notables, incluidos el pintor Darío y el pintor del inframundo , ambos activos a finales del siglo IV, cuyas escenas policromáticas abarrotadas a menudo ensayan una complejidad de emociones que los pintores anteriores no intentaron. Su trabajo representa una fase manierista tardía del logro de la pintura de vasijas griega.
La técnica del fondo blanco se desarrolló a finales del siglo VI a.C. A diferencia de las técnicas más conocidas de figuras negras y rojas, su coloración no se lograba mediante la aplicación y cocción de engobe sino mediante el uso de pinturas y dorado sobre una superficie de arcilla blanca. Permitió un mayor nivel de policromía que las otras técnicas, aunque los jarrones resultan menos llamativos visualmente. La técnica adquirió gran importancia durante los siglos V y IV, especialmente en forma de pequeños lekythoi que se convirtieron en típicas ofrendas funerarias. Entre los representantes importantes se encuentran su inventor, el pintor Aquiles , así como Psiax , el pintor Pistoxenos y el pintor Thanatos .
Los jarrones en relieve y de plástico se hicieron especialmente populares en el siglo IV a. C. y continuaron fabricándose durante el período helenístico. Se inspiraron en el llamado "estilo rico" desarrollado principalmente en Ática después del 420 a.C. Las características principales fueron las composiciones de múltiples figuras con el uso de colores añadidos (rosa/rojizo, azul, verde, dorado) y un énfasis en figuras mitológicas femeninas. El teatro y el espectáculo constituyeron una fuente más de inspiración.
El Museo Arqueológico de Delfos tiene algunos ejemplos particularmente buenos de este estilo, incluido un jarrón con Afrodita y Eros . La base es redonda, cilíndrica, y su mango vertical, con bandas, revestido de color negro. La figura femenina (Afrodita) está representada sentada y luciendo un himation . Junto a ella se encuentra una figura masculina, desnuda y alada. Ambas figuras lucen coronas de hojas y en sus cabellos se conservan restos de pintura dorada. Los rasgos de sus rostros están estilizados. El jarrón tiene un fondo blanco y mantiene en varias partes restos de pintura azulada, verdosa y rojiza. Data del siglo IV a.C.
En la misma sala se conserva un pequeño lekytos con decoración plástica que representa a una bailarina alada. La figura lleva un tocado persa y un vestido oriental, lo que indica que ya en esa época las bailarinas orientales, posiblemente esclavas, se habían puesto bastante de moda. La figura también está cubierta de color blanco. La altura total del jarrón es de 18 centímetros y data del siglo IV a.C.
El período helenístico , iniciado por las conquistas de Alejandro Magno , vio la virtual desaparición de la cerámica de figuras negras y rojas, pero también el surgimiento de nuevos estilos como la West Slope Ware en el este, la Centuripe en Sicilia y la Gnathia. jarrones al oeste. [44] Fuera de Grecia continental se desarrollaron otras tradiciones griegas regionales, como las de la Magna Grecia con los diversos estilos del sur de Italia, incluidos Apulian , Lucanian , Paestan , Campanian y Sicilian . [12]
Las inscripciones en la cerámica griega son de dos tipos; los incisos (los primeros de los cuales son contemporáneos de los inicios del alfabeto griego en el siglo VIII a. C.) y los pintados, que sólo comienzan a aparecer un siglo después. Ambas formas son relativamente comunes en jarrones pintados hasta el período helenístico, cuando la práctica de inscribir vasijas parece extinguirse. Se encuentran, con diferencia, con mayor frecuencia en la cerámica ática.
Se pueden distinguir varias subclases de inscripción. Ocasionalmente, los alfareros y pintores firmaban sus obras con epoiesen y egraphsen respectivamente. Se encuentran marcas registradas desde principios del siglo VI en piezas corintias; Es posible que pertenecieran a un comerciante exportador y no al campo de trabajo de la alfarería, y esto sigue siendo una cuestión de conjetura. A veces también se registran los nombres de los clientes, al igual que los nombres de los personajes y objetos representados. A veces podemos encontrar un fragmento de diálogo para acompañar una escena, como en 'El caballo de Disniketos ha vencido', anuncia un heraldo en un ánfora Panatenaica (BM, B 144). Más desconcertantes, sin embargo, son las inscripciones kalos y kalee , que podrían haber formado parte del ritual de cortejo en la alta sociedad ateniense, pero que se encuentran en una amplia variedad de jarrones no necesariamente asociados con un entorno social. Finalmente, hay abecedarios e inscripciones sin sentido, aunque en gran medida se limitan a vasijas con figuras negras. [45]
Las figurillas griegas de terracota fueron otro tipo importante de cerámica, inicialmente en su mayoría religiosas, pero que representaban cada vez más temas puramente decorativos. Las llamadas figuras de Tanagra , que de hecho también se fabrican en otros lugares, se encuentran entre los tipos más importantes. Las figurillas anteriores solían ser ofrendas votivas en los templos.
Varios vasos de barro debieron su inspiración a formas de orfebrería en bronce, plata y, a veces, oro. La élite los utilizaba cada vez más a la hora de cenar, pero no se colocaban en tumbas, donde habrían sido robados, y a menudo se los trataba como una reserva de valor para comercializar como lingotes cuando era necesario. Muy pocos recipientes de metal han sobrevivido ya que en algún momento fueron fundidos y el metal reutilizado.
En las últimas décadas, muchos estudiosos han cuestionado la relación convencional entre los dos materiales, viendo una producción mucho mayor de jarrones pintados de lo que antes se pensaba para ser colocados en tumbas, como un sustituto más barato de los artículos de metal tanto en Grecia como en Etruria. La pintura en sí también puede copiar la de las vasijas de metal más fielmente de lo que se pensaba. [46]
La Cráter Derveni , cerca de Tesalónica , es una gran crátera en voluta de bronce de aproximadamente el 320 a. C., que pesa 40 kilogramos y está finamente decorada con un friso de 32 centímetros de alto con figuras en relieve que representan a Dioniso rodeado por Ariadna y su procesión de sátiros y ménades . .
El nombre del alabastrón deriva del alabastro , del que se elaboraba originalmente. [47] También se utilizó vidrio, principalmente para pequeños y elegantes frascos de perfume, aunque algunos vidrios helenísticos rivalizaban con los trabajos en metal en calidad y probablemente en precio.
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