El Octeto para instrumentos de viento es una composición de música de cámara de Igor Stravinsky , terminada en 1923.
El Octeto de Stravinsky está compuesto por una combinación inusual de instrumentos de viento de madera y metal : flauta , clarinete en si ♭ y la, dos fagotes , trompeta en do, trompeta en la, trombón tenor y trombón bajo. Por sus sonoridades de viento seco, carácter divertimentario y adopción abierta y consciente de formas "clásicas" de la tradición alemana ( sonata , variación , fuga ), así como por el hecho de que el compositor publicó un artículo afirmando sus ideas formalistas sobre Poco después de la primera interpretación del Octeto, se ha considerado generalmente como el comienzo del neoclasicismo en la música de Stravinsky, aunque su ópera Mavra (1921-22) ya mostraba la mayoría de los rasgos asociados con esta fase de su carrera (Walsh 2001, § 5).
Según Stravinsky, compuso el Octeto con bastante rapidez en 1922. Después de completar el primer movimiento , compuso el vals que se convertiría en la cuarta variación del movimiento medio. Sólo después de componer este vals se le ocurrió la idea de que podría ser un buen tema para un movimiento de variación. La séptima variación, un fugato , agradó especialmente a Stravinsky, y el siguiente tercer movimiento surgió de esta variación final (Stravinsky y Craft 1963, 71). Un biógrafo concluye que Stravinsky comenzó a componer el Octeto después de regresar de Alemania a Biarritz a finales del otoño de 1922, y completó la partitura el 20 de mayo de 1923. [1]
Sin embargo, los materiales del boceto revelan una cronología más compleja. En 1919 se compusieron doce compases de lo que se convertiría en la variación del vals, y la variación fugato fue la primera sección completa que se compuso, en enero de 1921. Existe un borrador inicial de cinco páginas de fecha incierta para el comienzo de la sección Allegro en el primer movimiento, en aquel momento previsto para piano y orquesta de viento . Los segmentos principales del primer movimiento se redactaron en bocetos fechados entre el 12 de julio y el 8 de agosto, y la partitura completa del movimiento se completó el 16 de agosto de 1922. Dos días después, Stravinsky comenzó a trabajar en el segundo movimiento añadiendo el fugato previamente compuesto. , y luego el fragmento de vals, ligeramente ampliado. Casualmente, el vals contiene los mismos intervalos que la apertura del fugato, y el 23 de agosto de 1922 creó el tema y tituló el movimiento "Thème avec variaciones monométriques". A continuación se comenzó la variación D, pero el trabajo fue interrumpido y Stravinsky no la terminó hasta el 18 de noviembre, seguida de la variación A de las "cintas de escamas " el 1 de diciembre, la variación B el 6 de diciembre y la variación C el 9 de diciembre. El final se completó en París el 20 de mayo de 1923. [2] La partitura fue revisada por el compositor en 1952.
La partitura publicada no lleva dedicatoria, aunque Stravinsky dijo que estaba dedicada a Vera de Bosset . [3]
El propio Stravinsky dirigió el estreno del Octeto en uno de los conciertos de Serge Koussevitzky en la Ópera de París el 18 de octubre de 1923. Era la primera vez que dirigía el estreno de una nueva pieza, aunque no la primera vez que dirigía su propia obra. música en público. [4] El espacio cavernoso no puede haber sido ideal para presentar una obra de música de cámara de este tipo, pero Stravinsky expresó más tarde su satisfacción con el equilibrio del sonido en esa interpretación. [5]
La primera grabación que hizo Stravinsky fue la del Octeto: una grabación privada, probablemente realizada para sus propios fines de estudio, que ahora está perdida. [6]
El Octeto tiene tres movimientos:
= 116, Tempo giusto)Los materiales temáticos y rítmicos de los tres movimientos están interrelacionados, [7] y el segundo movimiento se conecta con el tercero sin interrupción.
La sinfonía inicial es un ejemplo comparativamente raro (a pesar de su etiqueta de "compositor neoclásico") del uso que hace Stravinsky de la forma sonata . [8] Su empleo de esta forma, junto con otros elementos de estilo tomados conscientemente del pasado, no se debe a un deseo reverente de perpetuarlos, sino que constituye un acto de burla desafiante y satírico. [9] La sección inicial de Lento funciona como una introducción clásica, presentando la estructura tonal de fondo que también regirá la sección principal de Allegro. [10] [11]
En el Allegro, Stravinsky explota la aparente contradicción de dos equilibrios formales: uno creado mediante la reformulación paralela de temas, el otro mediante la disposición simétrica de temas y eventos en diferentes capas estructurales de la composición. [12]
En 1922, cuando Stravinsky estaba componiendo el segundo movimiento, de temas y variaciones, le confió en una carta a Ernest Ansermet que Mozart era para él lo que Ingres era para Picasso . El híbrido de rondó y variación se asemeja al movimiento lento del Concierto para piano en mi ♭ mayor de Mozart , K. 482, con el que se ha comparado. [13] Las variaciones 1, 3 y 6 son prácticamente idénticas (todas están etiquetadas como "variación A" en la partitura) y sirven como introducción a las siguientes variaciones 2, 4 y 7. [14] Stravinsky se refirió a esta introducción recurrente. como la variación de las "cintas de escamas". [15] Las variaciones segunda, cuarta, quinta y séptima asumen los personajes de una marcha , un vals , un can-can y una fuga solemne, respectivamente. [16] El fugato está escrito casi uniformemente en5
8tiempo . [17] Esta séptima y última variación es particularmente sorprendente. El tema aquí es apenas reconocible y no parece prometedor como tema de una fuga; el carácter sonoro de la variación, con su énfasis en masas armónicas de lento movimiento, es sobrenatural, y su plan no es convencional, y el tema aparece sólo cuatro veces. [18]
El material del final se basa en un ritmo identificado por Stravinsky en obras anteriores (como El pájaro de fuego y La consagración de la primavera ) con la danza circular rusa llamada khorovod . Este ritmo sincopado repetitivo de tres notas con proporciones 3:3:2 (. . ) es especialmente evidente en los acordes que lo acompañan al final, pero todo el material anterior del movimiento se basa en él o lo contiene. El diseño formal general se puede representar como A–B–A′–C–A″–D–D′, donde el material del estribillo en las secciones A aparece una vez menos en cada repetición sucesiva: tres veces, luego dos veces, y finalmente solo una vez. En este proceso, el elemento tipo khorovod se vuelve progresivamente menos evidente en el estribillo, mientras que en los versos intermedios aumenta en claridad, desde un aumento disfrazado en el solo de trompeta en la sección B, hasta un solo de flauta construido sobre la forma rítmica original en C, con acompañamiento de acordes en D. La concepción de una danza circular se transforma aquí en un rondó instrumental , con un tema principal que se asemeja a un tema de fuga barroca. [19]
Aaron Copland presenció el estreno mundial en París e informó de la consternación general por el abrupto e inexplicable alejamiento del estilo neoprimitivista ruso bien establecido de Stravinsky hacia lo que a todos les pareció "un desastre de manierismos del siglo XVIII". La prensa también fue unánime al condenar lo que parecía una broma de mal gusto. Por supuesto, desde una perspectiva de varias décadas después, había quedado claro que Stravinsky se estaba embarcando en una nueva e importante fase estilística que estaba destinada a influir en compositores de todo el mundo al sacar a la luz una tendencia objetivista latente en la música de la época, al revertir abiertamente a los ideales, formas y texturas de la era prerromántica . [20]
Sin embargo, no todos los primeros críticos adoptaron una opinión negativa. Cuando el Octeto fue interpretado en el Festival de Salzburgo en 1924, por instrumentistas de Frankfurt dirigidos por Hermann Scherchen , un crítico anónimo del Times declaró que, "sin pretender, a la manera de los admiradores más violentos del compositor, que es un Séptimo Concierto de Brandeburgo ", hizo gala de "un completo dominio del medio", además de un seguro sentido de la forma y "un ingenio en el contrapunto" con leyes propias. Aunque encontró momentos de discordias inusuales que impedían la aceptación de la música como "hermosa", este crítico concluyó que "hay tanto que admirar en la obra que no puede descartarse como una bufonada". [21]
Fuentes
