La música clásica del siglo XX es música artística escrita entre los años 1901 y 2000, inclusive. Los estilos musicales divergieron durante el siglo XX como nunca antes, por lo que este siglo no tuvo un estilo dominante. El modernismo , el impresionismo y el posromanticismo se remontan a las décadas anteriores al cambio de siglo XX, pero pueden incluirse porque evolucionaron más allá de los límites musicales de los estilos del siglo XIX que formaban parte del período de práctica común anterior . El neoclasicismo y el expresionismo surgieron principalmente después de 1900. El minimalismo comenzó mucho más tarde en el siglo y puede verse como un cambio de la era moderna a la posmoderna, aunque algunos datan el posmodernismo ya en 1930 aproximadamente. Aleatorio , atonalidad , serialismo , música concreta , electrónica La música y la música conceptual se desarrollaron durante el siglo. El jazz y la música folclórica étnica se convirtieron en influencias importantes para muchos compositores durante este siglo.
A principios de siglo, la música tenía un estilo típicamente romántico tardío. Compositores como Gustav Mahler , Richard Strauss y Jean Sibelius estaban superando los límites de la escritura sinfónica posromántica . Al mismo tiempo, se desarrollaba en Francia el movimiento impresionista , encabezado por Claude Debussy . Debussy de hecho detestaba el término impresionismo: "Estoy tratando de hacer 'algo diferente, en cierto modo realidades'; lo que los imbéciles llaman 'impresionismo' es un término lo menos utilizado posible, especialmente por los críticos de arte". [1] La música de Maurice Ravel , también frecuentemente etiquetada como impresionista, explora la música en muchos estilos no siempre relacionados con ella (ver la discusión sobre el Neoclasicismo, más abajo).
Muchos compositores reaccionaron a los estilos posromántico e impresionista y avanzaron en direcciones muy diferentes. El momento más importante en la definición del curso de la música a lo largo del siglo fue la ruptura generalizada con la tonalidad tradicional, efectuada de diversas maneras por diferentes compositores en la primera década del siglo. De ahí surgió una "pluralidad lingüística" sin precedentes de estilos, técnicas y expresiones. [2] En Viena , Arnold Schoenberg desarrolló la atonalidad , a partir del expresionismo que surgió a principios del siglo XX. Más tarde desarrolló la técnica dodecafónica que fue desarrollada aún más por sus discípulos Alban Berg y Anton Webern ; compositores posteriores (incluido Pierre Boulez ) lo desarrollaron aún más. [3] Stravinsky (en sus últimas obras) también exploró la técnica dodecafónica, al igual que muchos otros compositores; de hecho, incluso Scott Bradley utilizó la técnica en sus partituras para los dibujos animados de Tom y Jerry . [4]
Después de la Primera Guerra Mundial, muchos compositores comenzaron a regresar al pasado en busca de inspiración y escribieron obras que extraen elementos de él (forma, armonía, melodía, estructura). Este tipo de música pasó así a denominarse neoclasicismo . Igor Stravinsky ( Pulcinella ), Sergei Prokofiev ( Sinfonía clásica ), Ravel ( Le Tombeau de Couperin ), Manuel de Falla ( El retablo de maese Pedro ) y Paul Hindemith ( Sinfonía: Mathis der Maler ) produjeron obras neoclásicas.
Compositores italianos como Francesco Balilla Pratella y Luigi Russolo desarrollaron el futurismo musical . Este estilo a menudo intentaba recrear sonidos cotidianos y colocarlos en un contexto "futurista". La "Música de Máquina" de George Antheil (comenzando con su Segunda Sonata, "El Avión") y Alexander Mosolov (más notoriamente su Fundición de Hierro ) se desarrolló a partir de esto. El proceso de ampliar el vocabulario musical mediante la exploración de todos los tonos disponibles fue impulsado aún más por el uso de Microtonos en obras de Charles Ives , Julián Carrillo , Alois Hába , John Foulds , Ivan Wyschnegradsky , Harry Partch y Mildred Couper , entre muchos otros. Los microtonos son aquellos intervalos que son menores que un semitono ; las voces humanas y las cuerdas sin trastes pueden producirlas fácilmente al pasar entre las notas "normales", pero otros instrumentos tendrán más dificultades: el piano y el órgano no tienen forma alguna de producirlas, aparte de una afinación y/o una reconstrucción importante.
En las décadas de 1940 y 1950, los compositores, en particular Pierre Schaeffer , comenzaron a explorar la aplicación de la tecnología a la música en la música concreta . [5] El término música electroacústica se acuñó más tarde para incluir todas las formas de música que involucran cintas magnéticas , computadoras , sintetizadores , multimedia y otros dispositivos y técnicas electrónicos. La música electrónica en vivo utiliza sonidos electrónicos en vivo dentro de una interpretación (a diferencia de los sonidos preprocesados que se sobregraban durante una interpretación), siendo Cartucho Music de John Cage un ejemplo temprano. La música espectral ( Gérard Grisey y Tristan Murail ) es un desarrollo posterior de la música electroacústica que utiliza análisis de espectros sonoros para crear música. [6] Cage, Berio, Boulez, Milton Babbitt , Luigi Nono y Edgard Varèse escribieron música electroacústica.
Desde principios de la década de 1950 en adelante, Cage introdujo elementos de azar en su música. La música de proceso ( Karlheinz Stockhausen Prozession , Aus den sieben Tagen ; y Steve Reich Piano Phase , Clapping Music ) explora un proceso particular que esencialmente queda al descubierto en la obra. [ vago ] El término música experimental fue acuñado por Cage para describir obras que producen resultados impredecibles, [7] según la definición "una acción experimental es aquella cuyo resultado no está previsto". [8] El término también se utiliza para describir la música dentro de géneros específicos que va más allá de sus límites o definiciones, o cuyo enfoque es un híbrido de estilos dispares, o incorpora ingredientes poco ortodoxos, nuevos y claramente únicos.
Importantes tendencias culturales a menudo influyeron en la música de este período, ya sea romántica, modernista, neoclásica, posmodernista o de otro tipo. Igor Stravinsky y Sergei Prokofiev se sintieron particularmente atraídos por el primitivismo en sus primeras carreras, como se explora en obras como La consagración de la primavera y Chout . Otros rusos, en particular Dmitri Shostakovich , reflejaron el impacto social del comunismo y posteriormente tuvieron que trabajar dentro de las restricciones del realismo socialista en su música. [9] [ página necesaria ] Otros compositores, como Benjamin Britten ( Réquiem de guerra ), exploraron temas políticos en sus obras, aunque totalmente por su propia voluntad. [10] El nacionalismo también fue un importante medio de expresión a principios de siglo. La cultura de los Estados Unidos de América, especialmente, comenzó a informar un estilo vernáculo estadounidense de música clásica, notablemente en las obras de Charles Ives , John Alden Carpenter y (más tarde) George Gershwin . La música folklórica ( Cinco variantes de Dives y Lazarus de Vaughan Williams , A Somerset Rhapsody de Gustav Holst ) y el jazz (Gershwin, Leonard Bernstein , La création du monde de Darius Milhaud ) también fueron influyentes.
En el último cuarto de siglo, el eclecticismo y el poliestilismo cobraron importancia. Estos, así como el minimalismo , la Nueva Complejidad y la Nueva Simplicidad , se exploran más a fondo en sus respectivos artículos.
A finales del siglo XIX (a menudo llamado fin de siècle ), el estilo romántico comenzaba a desintegrarse, avanzando por varios rumbos paralelos, como el impresionismo y el posromanticismo . En el siglo XX, los diferentes estilos que surgieron de la música del siglo anterior influyeron en los compositores para seguir nuevas tendencias, a veces como reacción a esa música, a veces como una extensión de ella, y ambas tendencias coexistieron hasta bien entrado el siglo XX. . [ cita necesaria ] Las tendencias anteriores, como el expresionismo, se analizan más adelante.
A principios del siglo XX, muchos compositores escribieron música que era una extensión de la música romántica del siglo XIX, y las agrupaciones instrumentales tradicionales, como la orquesta y el cuarteto de cuerdas, siguieron siendo las más típicas. Se siguieron utilizando formas tradicionales como la sinfonía y el concierto . Gustav Mahler y Jean Sibelius son ejemplos de compositores que tomaron las formas sinfónicas tradicionales y las reelaboraron. (Ver Música romántica .) Algunos escritores sostienen que la obra de Schoenberg está directamente dentro de la tradición romántica tardía de Wagner y Brahms [11] y, de manera más general, que "el compositor que conecta más directa y completamente a Wagner tardío y el siglo XX es Arnold Schönberg". [12]
El neoclasicismo fue un estilo cultivado entre las dos guerras mundiales, que buscaba revivir las formas equilibradas y los procesos temáticos claramente perceptibles de los siglos XVII y XVIII, en un repudio de lo que se consideraban gestos exagerados y falta de forma del romanticismo tardío. Debido a que estos compositores generalmente reemplazaron la tonalidad funcional de sus modelos con tonalidad, modalidad o atonalidad extendida, el término a menudo se considera una parodia o distorsión del estilo barroco o clásico. [13] Ejemplos famosos incluyen la Sinfonía clásica de Prokofiev y Pulcinella de Stravinsky , la Sinfonía de los Salmos y el Concierto en mi bemol "Dumbarton Oaks" . Paul Hindemith ( Sinfonía: Mathis der Maler ), Darius Milhaud , Francis Poulenc ( Concierto champêtre ) y Manuel de Falla ( El retablo de maese Pedro , Concierto para clavecín ) también utilizaron este estilo. Le Tombeau de Couperin de Maurice Ravel a menudo se considera [ palabras de comadreja ] como neobarroco (un término arquitectónico), aunque no siempre se hace la distinción entre los términos.
Varios compositores combinaron elementos del lenguaje del jazz con estilos compositivos clásicos, en particular:
El impresionismo comenzó en Francia como una reacción, liderada por Claude Debussy , contra la exuberancia emocional y los temas épicos del romanticismo alemán ejemplificados por Wagner . En opinión de Debussy, el arte era una experiencia sensual, más que intelectual o ética. Instó a sus compatriotas a redescubrir a los maestros franceses del siglo XVIII, para quienes la música estaba destinada a encantar, entretener y servir como una "fantasía de los sentidos". [14]
Otros compositores asociados con el impresionismo incluyen a Maurice Ravel , Albert Roussel , Isaac Albéniz , Paul Dukas , Manuel de Falla , Charles Martin Loeffler , Charles Griffes , Frederick Delius , Ottorino Respighi , Cyril Scott y Karol Szymanowski . [15] Muchos compositores franceses continuaron con el lenguaje del impresionismo durante la década de 1920 y posteriormente, incluidos Albert Roussel , Charles Koechlin , André Caplet y, más tarde, Olivier Messiaen . Compositores de culturas no occidentales, como Tōru Takemitsu , y músicos de jazz como Duke Ellington , Gil Evans , Art Tatum y Cecil Taylor también han sido fuertemente influenciados por el lenguaje musical impresionista. [dieciséis]
En su concepción, el futurismo fue un movimiento artístico italiano fundado en 1909 por Filippo Tommaso Marinetti ; Fue rápidamente adoptado por la vanguardia rusa. En 1913, el pintor Luigi Russolo publicó un manifiesto, L'arte dei rumori (El arte de los ruidos), en el que pedía la incorporación de ruidos de todo tipo a la música. [17] Además de Russolo, los compositores directamente asociados con este movimiento incluyen a los italianos Silvio Mix, Nuccio Fiorda, Franco Casavola y Pannigi (cuyo Ballo meccanico de 1922 incluía dos motocicletas), y los rusos Artur Lourié, Mikhail Matyushin y Nikolai Roslavets. .
Aunque hoy en día se interpretan pocas de las obras futuristas de estos compositores, la influencia del futurismo en el desarrollo posterior de la música del siglo XX fue enorme. Sergei Prokofiev , Maurice Ravel , Igor Stravinsky , Arthur Honegger , George Antheil , Leo Ornstein y Edgard Varèse se encuentran entre los compositores notables de la primera mitad del siglo que fueron influenciados por el futurismo. Los rasgos característicos de la música de finales del siglo XX con orígenes en el futurismo incluyen el piano preparado , el serialismo integral , técnicas vocales extendidas, notación gráfica, improvisación y minimalismo . [18]
A principios del siglo XX, Charles Ives integró tradiciones americanas y europeas, así como estilos vernáculos y eclesiásticos, mientras utilizaba técnicas innovadoras en su ritmo, armonía y forma. [19] Su técnica incluía el uso de politonalidad , polirritmia , grupos de tonos , elementos aleatorios y cuartos de tono . Edgard Varèse escribió piezas muy disonantes que utilizaban sonoridades inusuales y nombres futuristas que sonaban científicos. Fue pionero en el uso de nuevos instrumentos y recursos electrónicos (ver más abajo).
A finales de la década de 1920, aunque muchos compositores continuaron escribiendo de una manera vagamente expresionista, estaba siendo suplantada por el estilo más impersonal de la Neue Sachlichkeit alemana y el neoclasicismo . Debido a que el expresionismo, como cualquier movimiento que había sido estigmatizado por los nazis, obtuvo una reconsideración comprensiva después de la Segunda Guerra Mundial, la música expresionista resurgió en obras de compositores como Hans Werner Henze , Pierre Boulez , Peter Maxwell Davies , Wolfgang Rihm y Bernd Alois Zimmermann. . [20]
El posmodernismo es una reacción al modernismo, pero también puede verse como una respuesta a un cambio profundamente arraigado en la actitud social. Según este último punto de vista, el posmodernismo comenzó cuando el optimismo histórico (a diferencia del personal) se convirtió en pesimismo, a más tardar en 1930. [21]
John Cage es una figura prominente de la música del siglo XX, reivindicado con cierta justicia tanto para el modernismo como para el posmodernismo porque las complejas intersecciones entre modernismo y posmodernismo no son reducibles a esquemas simples. [22] Su influencia creció constantemente durante su vida. A menudo utiliza elementos del azar: Paisaje imaginario nº 4 para 12 receptores de radio y Música de cambios para piano. Sonatas and Interludes (1946-1948) está compuesta para un piano preparado : un piano normal cuyo timbre se altera dramáticamente colocando cuidadosamente varios objetos dentro del piano en contacto con las cuerdas. Actualmente, el posmodernismo incluye a compositores que reaccionan contra los estilos vanguardistas y experimentales de finales del siglo XX como Astor Piazzolla , Argentina, y Miguel del Águila , Estados Unidos.
A finales del siglo XX, compositores como La Monte Young , Arvo Pärt , Philip Glass , Terry Riley , Steve Reich y John Adams comenzaron a explorar lo que ahora se llama minimalismo , en el que la obra se reduce a sus características más fundamentales; la música a menudo presenta repetición e iteración. Un ejemplo temprano es In C (1964) de Terry Riley , una obra aleatoria en la que los músicos eligen frases cortas de una lista de canciones y las tocan un número arbitrario de veces, mientras que la nota C se repite en corcheas (corcheas) detrás de ellas. .
Las obras de Steve Reich Piano Phase (1967, para dos pianos) y Drumming (1970-71, para percusión, voces femeninas y flautín) emplean la técnica llamada fase en la que una frase tocada por un intérprete que mantiene un ritmo constante es tocada simultáneamente por otro. pero a un ritmo un poco más rápido. Esto hace que los jugadores se "desfasen" entre sí y la actuación puede continuar hasta que vuelvan a estar en fase. Según Reich, “ tocar la batería es la expansión y el refinamiento final del proceso de puesta en fase, así como el primer uso de cuatro nuevas técnicas: (1) el proceso de sustituir gradualmente tiempos por silencios (o silencios por tiempos); (2) el cambio gradual del timbre mientras el ritmo y el tono permanecen constantes; (3) la combinación simultánea de instrumentos de diferente timbre; y (4) el uso de la voz humana para formar parte del conjunto musical imitando el sonido exacto de los instrumentos”. [23] Tocar la batería fue el último uso que Reich hizo de la técnica de fases.
1 + 1 (1968) de Philip Glass emplea el proceso aditivo en el que frases cortas se expanden lentamente. Las Composiciones de La Monte Young de 1960 emplean tonos muy largos, volúmenes excepcionalmente altos y técnicas extramusicales como "dibuja una línea recta y síguela" o "enciende un fuego". Michael Nyman sostiene que el minimalismo fue una reacción y fue hecho posible tanto por el serialismo como por el indeterminismo. [24] (Ver también música experimental ).
Arnold Schoenberg es una de las figuras más importantes de la música del siglo XX. Si bien sus primeras obras tenían un estilo romántico tardío influenciado por Wagner ( Verklärte Nacht , 1899), este evolucionó hacia un lenguaje atonal en los años previos a la Primera Guerra Mundial ( Drei Klavierstücke en 1909 y Pierrot lunaire en 1912). En 1921, después de varios años de investigación, desarrolló la técnica de composición dodecafónica , que describió por primera vez en privado a sus asociados en 1923. [25] Su primera obra a gran escala compuesta íntegramente utilizando esta técnica fue el Quinteto de viento , op. . 26, escrito en 1923-24. Ejemplos posteriores incluyen las Variaciones para orquesta , op. 31 (1926–28), el tercer y cuarto cuarteto de cuerda (1927 y 1936, respectivamente), el Concierto para violín (1936) y el Concierto para piano (1942). En años posteriores, regresó intermitentemente a un estilo más tonal ( Kammersymphonie núm. 2 , iniciada en 1906 pero completada sólo en 1939; Variaciones sobre un recitativo para órgano en 1941).
Enseñó a Anton Webern y Alban Berg , y a menudo se hace referencia a estos tres compositores como los miembros principales de la Segunda Escuela de Viena (se considera a Haydn, Mozart y Beethoven, y a veces a Schubert, como la Primera Escuela de Viena en este contexto). Webern escribió obras utilizando un riguroso método dodecafónico e influyó en el desarrollo del serialismo total . Berg, al igual que Schoenberg, empleó la técnica dodecafónica dentro de un estilo romántico tardío o posromántico ( Concierto para violín , que cita un coral de Bach y utiliza la forma clásica). Escribió dos óperas importantes ( Wozzeck y Lulú ).
El desarrollo de la tecnología de grabación hizo que todos los sonidos estuvieran disponibles para su uso potencial como material musical. La música electrónica generalmente se refiere a un repertorio de música artística desarrollado en la década de 1950 en Europa, Japón y América. La creciente disponibilidad de cintas magnéticas en esta década proporcionó a los compositores un medio que permitía grabar sonidos y luego manipularlos de diversas formas. Toda la música electrónica depende de la transmisión a través de altavoces, pero hay dos tipos amplios: la música acusmática , que existe sólo en forma grabada destinada a ser escuchada por altavoces, y la música electrónica en vivo, en la que se utilizan aparatos electrónicos para generar, transformar o activar sonidos durante el proceso. interpretación de músicos que utilizan voces, instrumentos tradicionales, instrumentos electroacústicos u otros dispositivos. A partir de 1957, las computadoras adquirieron cada vez más importancia en este campo. [26] Cuando el material fuente eran sonidos acústicos del mundo cotidiano, se utilizaba el término música concreta ; cuando los sonidos eran producidos por generadores electrónicos, se denominaba música electrónica .
Después de la década de 1950, el término "música electrónica" pasó a utilizarse para ambos tipos. A veces , esta música electrónica se combinaba con instrumentos más convencionales, Déserts (1954) de Edgard Varèse , Hymnen (1969) de Stockhausen, Wo bist du Licht! (1981) y la serie de Sincronismos (1963-2006) de Mario Davidovsky son ejemplos notables.
Algunos compositores destacados del siglo XX no están asociados con ninguna escuela de composición ampliamente reconocida . La siguiente lista incluye algunos de ellos, así como compositores clasificables notables que no se mencionaron anteriormente en este artículo:
Citas
Fuentes
