La balsa de la Medusa ( francés : Le Radeau de la Méduse [lə ʁado d(ə) la medyz] ), originalmente titulada Scène de Naufrage ( Escena del naufragio ), es una pintura al óleo de 1818-19 delpintor y litógrafo romántico francés. Théodore Géricault (1791–1824). [1] Completada cuando el artista tenía 27 años, la obra se ha convertido en un icono del romanticismo francés. Con 491 por 716 cm (16 pies 1 por 23 pies 6 pulgadas), [2] es una pintura de tamaño superior al natural que representa un momento de las secuelas del naufragio de la fragata naval francesa Méduse , que encalló frente a la costa de la actual Mauritania el 2 de julio de 1816. El 5 de julio de 1816, al menos 147 personas quedaron a la deriva en una balsa construida apresuradamente; todos menos 15 murieron en los 13 días previos a su rescate, y los que sobrevivieron soportaron hambre y deshidratación y practicaron canibalismo (una costumbre del mar ). El suceso se convirtió en un escándalo internacional, en parte porque su causa fue ampliamente atribuida a la incompetencia del capitán francés.
Géricault eligió esta obra de gran formato no encargada para iniciar su carrera, a partir de un tema que ya había suscitado un gran interés público. [3] El evento le fascinó y, antes de comenzar a trabajar en la pintura final, llevó a cabo una extensa investigación y produjo muchos bocetos preparatorios. Entrevistó a dos de los supervivientes y construyó un modelo a escala detallado de la balsa. Visitó hospitales y morgues donde pudo ver, de primera mano, el color y la textura de la carne de los moribundos y los muertos. Como había anticipado, la pintura resultó muy controvertida en su primera aparición en el Salón de París de 1819 , atrayendo apasionados elogios y condenas a partes iguales. Sin embargo, estableció su reputación internacional y hoy en día se considera fundamental en la historia temprana del movimiento romántico en la pintura francesa.
Aunque La balsa de la Medusa conserva elementos de las tradiciones de la pintura histórica , tanto en la elección del tema como en su presentación dramática, representa una ruptura con la calma y el orden de la escuela neoclásica predominante. La obra de Géricault atrajo gran atención desde su primera exposición y luego se exhibió en Londres. El Louvre lo adquirió poco después de la muerte del artista a los 32 años. La influencia de la pintura se puede ver en las obras de Eugène Delacroix , JMW Turner , Gustave Courbet y Édouard Manet . [4]
En junio de 1816, la fragata francesa Méduse , capitaneada por Hugues Duroy de Chaumareys , partió de Rochefort , con destino al puerto senegalés de Saint-Louis . Encabezó un convoy de otros tres barcos: el buque almacén Loire , el bergantín Argus y la corbeta Écho . El vizconde Hugues Duroy de Chaumereys, un emigrado realista recientemente regresado , había sido nombrado capitán de la fragata por la recién restaurada administración borbónica a pesar de haber apenas navegado en 20 años. [6] [7] Después del naufragio, la indignación pública atribuyó erróneamente la responsabilidad de su nombramiento a Luis XVIII , aunque se trataba de un nombramiento naval de rutina realizado dentro del Ministerio de Marina y muy fuera de las preocupaciones del monarca. [8] La misión de la fragata era aceptar la devolución británica de Senegal bajo los términos de la aceptación por parte de Francia de la Paz de París . Entre los pasajeros se encontraban el gobernador francés designado de Senegal, el coronel Julien-Désiré Schmaltz , y su esposa e hija. [9]
En un esfuerzo por hacer buen tiempo, el Méduse adelantó a los otros barcos, pero debido a la mala navegación se desvió 160 kilómetros (100 millas) de su rumbo. El 2 de julio encalló en un banco de arena frente a la costa de África occidental, cerca de la actual Mauritania . La colisión se atribuyó ampliamente a la incompetencia de De Chaumereys, un emigrado que regresó y carecía de experiencia y capacidad, pero que había obtenido su cargo como resultado de un acto de ascenso político. [10] [11] [12] Los esfuerzos para liberar el barco fracasaron, por lo que, el 5 de julio, los asustados pasajeros y la tripulación comenzaron un intento de viajar los 100 km (60 millas) hasta la costa africana en los seis barcos de la fragata. Aunque el Méduse transportaba a 400 personas, entre ellas 160 tripulantes, en los barcos sólo había espacio para unas 250 personas. El resto de la dotación del barco y la mitad de un contingente de infantería de marina destinado a guarnecer Senegal [13] —al menos 146 hombres y una mujer— fueron amontonados en una balsa construida apresuradamente, que se sumergió parcialmente una vez cargada. Diecisiete miembros de la tripulación optaron por permanecer a bordo del Méduse en tierra . El capitán y la tripulación a bordo de los otros barcos intentaron remolcar la balsa, pero después de sólo unas pocas millas la balsa se soltó. [14] Para sustento, la tripulación de la balsa sólo tenía una bolsa de galletas de barco (consumidas el primer día), dos barriles de agua (perdidos por la borda durante los combates) y seis barriles de vino. [15]
Según el crítico Jonathan Miles, la balsa llevó a los supervivientes "a las fronteras de la experiencia humana. Enloquecidos, sedientos y hambrientos, masacraron a los amotinados, se comieron a sus compañeros muertos y mataron a los más débiles". [10] [16] Después de 13 días, el 17 de julio de 1816, la balsa fue rescatada por el Argus por casualidad; los franceses no hicieron ningún esfuerzo particular de búsqueda de la balsa. [17] En ese momento sólo 15 hombres todavía estaban vivos; los demás habían sido asesinados o arrojados por la borda por sus compañeros, habían muerto de hambre o se habían arrojado al mar desesperados. [18] El incidente se convirtió en una enorme vergüenza pública para la monarquía francesa, recientemente restaurada en el poder después de la derrota de Napoleón en 1815 . [19] [20]
La Balsa de la Medusa retrata el momento en el que, tras 13 días a la deriva en la balsa, los 15 supervivientes restantes ven a lo lejos un barco que se acerca. Según uno de los primeros críticos británicos, la obra se sitúa en un momento en el que "se puede decir que la ruina de la balsa está completa". [21] La pintura tiene una escala monumental de 491 cm × 716 cm (193 x 282 pulgadas), de modo que la mayoría de las figuras representadas son de tamaño natural [22] y las que están en primer plano casi el doble de su tamaño natural, empujadas cerca del plano de la imagen y apretujándose sobre el espectador, quien se ve arrastrado a la acción física como participante. [23]
La balsa improvisada se muestra apenas en condiciones de navegar mientras navega sobre las olas profundas, mientras que los hombres aparecen rotos y en absoluta desesperación. Un anciano sostiene sobre sus rodillas el cadáver de su hijo; otro se arranca el pelo por la frustración y la derrota. Varios cuerpos se encuentran en el primer plano, esperando ser arrastrados por las olas circundantes. Los hombres del medio acaban de ver un barco de rescate; uno se lo señala a otro, y un tripulante africano, Jean Charles [24] , se encuentra sobre un barril vacío y agita frenéticamente su pañuelo para llamar la atención del barco. [25]
La composición pictórica del cuadro se construye sobre dos estructuras piramidales. El perímetro del gran mástil a la izquierda del lienzo forma el primero. La agrupación horizontal de figuras muertas y moribundas en primer plano forma la base de la que emergen los supervivientes, elevándose hacia la cima emocional, donde la figura central saluda desesperadamente a un barco de rescate. [ cita necesaria ]
La atención del espectador se dirige primero al centro del lienzo, luego sigue el flujo direccional de los cuerpos de los supervivientes, vistos desde atrás y desplazándose hacia la derecha. [22] Según el historiador de arte Justin Wintle, "un único ritmo diagonal horizontal [nos lleva] desde los muertos en la parte inferior izquierda hasta los vivos en la cúspide". [26] Se utilizan otras dos líneas diagonales para aumentar la tensión dramática. Uno sigue el mástil y sus aparejos y dirige la mirada del espectador hacia una ola que se acerca y amenaza con hundir la balsa, mientras que el segundo, compuesto por figuras que se extienden, conduce a la silueta distante del Argus , el barco que finalmente rescató a los supervivientes. [3]
La paleta de Géricault se compone de tonos de piel pálidos y los colores turbios de la ropa de los supervivientes, el mar y las nubes. [27] En general, la pintura es oscura y se basa en gran medida en el uso de pigmentos sombríos, en su mayoría marrones, una paleta que Géricault creía que era eficaz para sugerir tragedia y dolor. [28] La iluminación de la obra ha sido descrita como " caravaggesca ", [29] en honor al artista italiano estrechamente asociado con el tenebrismo , el uso del contraste violento entre la luz y la oscuridad. Incluso el tratamiento que Géricault da al mar es apagado, representado en verdes oscuros en lugar de los azules profundos que podrían haber contrastado con los tonos de la balsa y sus figuras. [30] Desde el área distante del barco de rescate, brilla una luz brillante, iluminando una escena marrón que de otro modo sería aburrida. [30]
Géricault quedó cautivado por los relatos del naufragio de 1816, ampliamente publicitado, y se dio cuenta de que una representación del evento podría ser una oportunidad para establecer su reputación como pintor. [31] Habiendo decidido continuar, emprendió una extensa investigación antes de comenzar a pintar. A principios de 1818, se reunió con dos supervivientes: Henri Savigny, un cirujano, y Alexandre Corréard , un ingeniero de la École nationale supérieure d'arts et métiers . Las descripciones emocionales de sus experiencias inspiraron en gran medida el tono de la pintura final. [21] Según el historiador de arte Georges-Antoine Borias, "Géricault instaló su estudio frente al hospital de Beaujon. Y aquí comenzó un triste descenso. A puertas cerradas, se lanzó a su trabajo. Nada le repugnaba. Era temido y evitado. " [32]
Viajes anteriores habían expuesto a Géricault a víctimas de la locura y la peste, y mientras investigaba las Méduse , su esfuerzo por ser históricamente preciso y realista lo llevó a una obsesión por la rigidez de los cadáveres. [11] Para lograr la representación más auténtica de los tonos de carne de los muertos, [3] hizo bocetos de los cuerpos en la morgue del Hospital Beaujon, [31] estudió los rostros de los pacientes moribundos del hospital, [33] trajo miembros amputados Regresó a su estudio para estudiar su deterioro, [31] [34] y durante quince días dibujó una cabeza cortada, tomada prestada de un manicomio y almacenada en el techo de su estudio. [33]
Trabajó con Corréard, Savigny y otro de los supervivientes, el carpintero Lavillette, para construir un modelo a escala minuciosamente detallado de la balsa, que se reprodujo en el lienzo terminado, mostrando incluso los espacios entre algunas de las tablas. [33] Géricault posó modelos, compiló un expediente de documentación, copió pinturas relevantes de otros artistas y fue a Le Havre para estudiar el mar y el cielo. [33] A pesar de sufrir fiebre, viajó a la costa en varias ocasiones para presenciar las tormentas que rompían en la costa, y una visita a artistas en Inglaterra le brindó una mayor oportunidad de estudiar los elementos mientras cruzaba el Canal de la Mancha . [28] [35]
Dibujó y pintó numerosos bocetos preparatorios mientras decidía cuál de varios momentos alternativos del desastre representaría en la obra final. [36] La concepción de la pintura resultó lenta y difícil para Géricault, y luchó por seleccionar un único momento pictóricamente efectivo para capturar mejor el drama inherente del evento.
Entre las escenas que consideró estaban el motín contra los oficiales del segundo día en la balsa, el canibalismo que se produjo a los pocos días y el rescate. [37] Géricault finalmente se decidió por el momento, relatado por uno de los supervivientes, en el que vieron por primera vez, en el horizonte, el barco de rescate Argus que se acercaba —visible en la parte superior derecha del cuadro—al que intentaron hacer señales. El barco, sin embargo, pasó de largo. En palabras de uno de los tripulantes supervivientes: "Del delirio de alegría caímos en un profundo desaliento y pena". [37]
Para un público bien versado en los detalles del desastre, se habría entendido que la escena abarcaba las consecuencias del abandono de la tripulación, centrándose en el momento en que toda esperanza parecía perdida [37] : el Argus reapareció dos horas más tarde y rescató a los quien quedó. [39]
El autor Rupert Christiansen señala que la pintura muestra más figuras de las que había en la balsa en el momento del rescate, incluidos cadáveres que no fueron registrados por los rescatistas. En lugar de la mañana soleada y el agua tranquila reportada el día del rescate, Géricault describió una tormenta que se avecinaba y un mar oscuro y agitado para reforzar la tristeza emocional. [33]
Géricault, que acababa de verse obligado a romper una dolorosa relación con su tía, se afeitó la cabeza y desde noviembre de 1818 hasta julio de 1819 vivió una existencia monástica disciplinada en su estudio del Faubourg du Roule, siendo llevado comida por su conserje y sólo ocasionalmente. pasar una tarde fuera. [33] Él y su asistente de 18 años, Louis-Alexis Jamar, dormían en una pequeña habitación adyacente al estudio; ocasionalmente hubo discusiones y en una ocasión Jamar se alejó; después de dos días, Géricault lo convenció de que regresara. En su ordenado estudio, el artista trabajó metódicamente en completo silencio y descubrió que incluso el ruido de un ratón era suficiente para romper su concentración. [33]
.jpg/1280px-Th%C3%A9odore_G%C3%A9ricault_-_Le_Radeau_de_la_M%C3%A9duse_esquisse_(salon_de_1819).jpg)
Usó amigos como modelos, sobre todo el pintor Eugène Delacroix (1798-1863), quien modeló la figura del primer plano con el rostro vuelto hacia abajo y un brazo extendido. Dos de los supervivientes de la balsa se ven en la sombra al pie del mástil; [36] tres de las figuras fueron pintadas del natural: Corréard, Savigny y Lavillette. Jamar posó desnudo para el joven muerto que se muestra en primer plano a punto de deslizarse al mar, y también sirvió de modelo para otras dos figuras. [33]
Mucho más tarde, Delacroix, que se convertiría en el abanderado del romanticismo francés tras la muerte de Géricault, escribió: "Géricault me permitió ver su Balsa de Medusa mientras todavía estaba trabajando en ella. Me causó una impresión tan tremenda que cuando Salí del estudio y comencé a correr como un loco y no paré hasta llegar a mi habitación". [40] [41] [42] [43]
Géricault, que era abolicionista , [44] [45] contrató a un modelo haitiano llamado Joseph para pintar al menos a dos individuos negros en la balsa. [46] En particular, Joseph sirvió como modelo para lo que se considera una representación de Jean Charles, un oficial militar que agitaba un pañuelo rojo oscuro con la esperanza de ser notado por el barco que pasaba. Influenciado por una antigua escultura clásica griega titulada Belvedere Torso y de espaldas al espectador, la silueta de José se coloca encima del grupo piramidal de supervivientes en la mitad derecha de la composición. [47] Además, una pequeña representación del rostro de José, con la mirada dirigida hacia el espectador, se coloca dentro de un grupo de tres figuras colocadas entre el mástil de madera y la cuerda de soporte en el lado derecho del mástil. [46]
Géricault pintaba con pinceles pequeños y óleos viscosos, que dejaban poco tiempo para reelaborar y estaban secos a la mañana siguiente. Mantuvo sus colores separados entre sí: su paleta consistía en bermellón , blanco, amarillo Nápoles , dos ocres amarillos diferentes , dos ocres rojos , siena crudo , rojo claro , siena tostado , lago carmesí , azul de Prusia , negro melocotón , negro marfil , Tierra de Cassel y betún . [33] El betún tiene una apariencia aterciopelada y brillante cuando se pinta por primera vez, pero con el tiempo se decolora hasta convertirse en una melaza negra, mientras se contrae y crea así una superficie arrugada que no se puede renovar. [48] Como resultado de esto, hoy en día apenas se pueden discernir detalles en grandes áreas de la obra. [23]
Géricault trazó un boceto de la composición sobre el lienzo. Luego planteó los modelos uno por uno, completando cada figura antes de pasar a la siguiente, en contraposición al método más habitual de trabajar sobre toda la composición. La concentración de esta manera en elementos individuales dio a la obra tanto una "física impactante" [26] como una sensación de teatralidad deliberada, que algunos críticos consideran un efecto adverso. Más de 30 años después de la finalización de la obra, su amigo Montfort recuerda:
[El método de Géricault] me asombró tanto como su intensa laboriosidad. Pintaba directamente sobre el lienzo blanco, sin bocetos ni preparación alguna, salvo los contornos firmemente trazados, y sin embargo la solidez de la obra no empeoraba por ello. Me llamó la atención la gran atención con la que examinaba el modelo antes de tocar el lienzo con el pincel. Parecía avanzar lentamente, cuando en realidad ejecutaba muy rápidamente, colocando un toque tras otro en su lugar, y rara vez tenía que repasar su trabajo más de una vez. Había muy poco movimiento perceptible de su cuerpo o brazos. Su expresión era perfectamente tranquila... [33] [49]
Trabajando sin apenas distracciones, el artista completó la pintura en ocho meses; [28] el proyecto en su conjunto duró 18 meses. [33]
La Balsa de la Medusa fusiona muchas influencias de los viejos maestros , desde el Juicio Final y el techo de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel (1475-1564) y la Transfiguración de Rafael , [50] hasta el enfoque monumental de Jacques-Louis David (1748-1825). ) y Antoine-Jean Gros (1771–1835), hasta los acontecimientos contemporáneos. En el siglo XVIII, los naufragios se habían convertido en una característica reconocida del arte marino , así como en un hecho cada vez más común a medida que se realizaban más viajes por mar. Claude Joseph Vernet (1714-1789) creó muchas de estas imágenes, [51] logrando colores naturalistas mediante la observación directa, a diferencia de otros artistas de la época, y se decía que se ató al mástil de un barco para presenciar una tormenta. [52]
Aunque los hombres representados en la balsa pasaron 13 días a la deriva y sufrieron hambre, enfermedades y canibalismo, Géricault rinde homenaje a las tradiciones de la pintura heroica y presenta sus figuras musculosas y saludables. Según el historiador del arte Richard Muther , en la obra todavía existe una fuerte deuda con el clasicismo . El hecho de que la mayoría de las figuras estén casi desnudas, escribió, surgió del deseo de evitar trajes "no pictóricos". Muther observa que "todavía hay algo académico en las cifras, que no parecen estar suficientemente debilitadas por las privaciones, las enfermedades y la lucha contra la muerte". [30]
La influencia de Jacques-Louis David se puede ver en la escala de la pintura, en la tensión escultórica de las figuras y en la forma intensificada en la que se describe un "momento fructífero" particularmente significativo: la primera conciencia del barco que se acerca. [29] En 1793, David también pintó un importante acontecimiento actual con La muerte de Marat . Su pintura tuvo un enorme impacto político durante la época de la revolución en Francia , y sirvió como un precedente importante para la decisión de Géricault de pintar también un acontecimiento actual. El alumno de David, Antoine-Jean Gros, había representado, como David, "las grandiosidades de una escuela irremediablemente asociada con una causa perdida", [54] pero en algunas obras importantes, había dado igual prominencia a Napoleón y a figuras anónimas muertas o moribundas. . [37] [55] Géricault quedó particularmente impresionado por el cuadro de 1804 Bonaparte visitando a las víctimas de la peste de Jaffa , de Gros. [11]
El joven Géricault había pintado copias de obras de Pierre-Paul Prud'hon (1758-1823), cuyos "cuadros estruendosamente trágicos" incluyen su obra maestra, Justicia y venganza divina persiguiendo el crimen , donde la oscuridad opresiva y la base compositiva de una mujer desnuda y despatarrada El cadáver influyó evidentemente en la pintura de Géricault. [48]
La figura en primer plano del hombre mayor puede ser una referencia a Ugolino del Infierno de Dante —un tema que Géricault había contemplado pintar— y parece tomar prestado de una pintura de Ugolini de Henry Fuseli (1741-1825) que Géricault pudo haber conocido de huellas dactilares. En Dante, Ugolino es culpable de canibalismo , que fue uno de los aspectos más sensacionales de los días en la balsa. Géricault parece aludir a esto mediante el préstamo de Fuseli. [56] Uno de los primeros estudios para La balsa de la Medusa en acuarela , ahora en el Louvre, es mucho más explícito y representa una figura mordiendo el brazo de un cadáver decapitado. [57]
Varias pinturas inglesas y estadounidenses, incluida La muerte del mayor Pierson de John Singleton Copley (1738-1815), también pintada dos años después del evento, habían sentado un precedente para un tema contemporáneo. Copley también había pintado varias representaciones grandes y heroicas de desastres en el mar que Géricault pudo haber conocido por sus grabados: Watson y el tiburón (1778), en la que un hombre negro es central en la acción y que, como La balsa de la Medusa , concentrado en los actores del drama más que en el paisaje marino; La derrota de las baterías flotantes en Gibraltar, septiembre de 1782 (1791), que influyó tanto en el estilo como en el tema de la obra de Géricault; y Escena de un naufragio (década de 1790), que tiene una composición sorprendentemente similar. [37] [58] Otro precedente importante para el componente político fueron las obras de Francisco Goya , en particular su serie Los desastres de la guerra de 1810-12, y su obra maestra de 1814 El 3 de mayo de 1808 . Goya también pintó un cuadro de un desastre en el mar, llamado simplemente Naufragio (fecha desconocida), pero aunque el sentimiento es similar, la composición y el estilo no tienen nada en común con La balsa de la Medusa . Es poco probable que Géricault hubiera visto la foto. [58]
La Balsa de la Medusa se mostró por primera vez en el Salón de París de 1819 , bajo el título Scène de Naufrage ( Escena del naufragio ), aunque su tema real habría sido inconfundible para los espectadores contemporáneos. [33] La exposición fue patrocinada por Luis XVIII y contó con casi 1.300 pinturas, 208 esculturas y muchos otros grabados y diseños arquitectónicos. [11] El lienzo de Géricault fue el protagonista de la exposición: "Golpea y atrae todas las miradas" ( Le Journal de Paris ). Luis XVIII lo visitó tres días antes de la inauguración y supuestamente dijo: " Monsieur, vous venez de faire un naufrage qui n'en est pas un pour vous ", [59] traducido libremente como "Monsieur Géricault, su naufragio no es ciertamente un desastre". [60] Los críticos estaban divididos: el horror y la "terribilità" del tema ejercían fascinación, pero los devotos del clasicismo expresaron su disgusto por lo que describieron como un "montón de cadáveres", cuyo realismo consideraban muy alejado del "ideal". belleza" representada por Pigmalión y Galatea de Girodet , que triunfaron el mismo año. La obra de Géricault expresaba una paradoja: ¿cómo podría un tema espantoso traducirse en una pintura poderosa, cómo podría el pintor conciliar arte y realidad? Marie-Philippe Coupin de la Couperie , pintora francesa contemporánea de Géricault, dio una respuesta: "Monsieur Géricault parece equivocado. El objetivo de la pintura es hablar al alma y a los ojos, no repeler". La pintura también tenía fervientes admiradores, incluido el escritor y crítico de arte francés Auguste Jal , quien elogió su tema político, su posición liberal (su avance del negro y su crítica del ultrarrealismo) y su modernidad . El historiador Jules Michelet lo afirmó: "toda nuestra sociedad está a bordo de la balsa de la Medusa". [3]
Géricault había buscado deliberadamente ser conflictivo tanto política como artísticamente. Los críticos respondieron de la misma manera a su enfoque agresivo, y sus reacciones fueron de repulsión o de elogio, dependiendo de si las simpatías del escritor favorecían el punto de vista borbónico o liberal. Se consideró que la pintura simpatizaba en gran medida con los hombres de la balsa y, por tanto, con la causa antiimperial adoptada por los supervivientes Savigny y Corréard . [21] La decisión de colocar a un hombre negro en la cima de la composición fue una expresión controvertida de las simpatías abolicionistas de Géricault . La crítica de arte Christine Riding ha especulado que la posterior exposición del cuadro en Londres se planeó para que coincidiera con la agitación contra la esclavitud allí . [62] Según la crítica de arte y curadora Karen Wilkin , la pintura de Géricault actúa como una "acusación cínica de la mala conducta de la burocracia posnapoleónica de Francia, gran parte de la cual fue reclutada entre las familias supervivientes del Antiguo Régimen ". [27]
En general, la pintura impresionó al público, aunque su tema repelió a muchos, negándole así a Géricault la aclamación popular que esperaba lograr. [33] Al final de la exposición, la pintura recibió una medalla de oro por parte del jurado, pero no le dieron a la obra el mayor prestigio de seleccionarla para la colección nacional del Louvre. En cambio, Géricault recibió un encargo sobre el tema del Sagrado Corazón de Jesús , que ofreció clandestinamente a Delacroix, cuyo cuadro terminado luego firmó como propio. [33] Géricault se retiró al campo, donde colapsó de cansancio, y su obra no vendida fue enrollada y almacenada en el estudio de un amigo. [63]
Géricault dispuso que la pintura se exhibiera en Londres en 1820, donde se mostró en el Salón Egipcio de William Bullock en Piccadilly , Londres, desde el 10 de junio hasta finales de año, y fue vista por unos 40.000 visitantes. [64] La recepción en Londres fue más positiva que en París, y la pintura fue aclamada como representativa de una nueva dirección en el arte francés . Recibió críticas más positivas que cuando se mostró en el Salón. [65] En parte, esto se debió a la forma de exposición de la pintura: en París inicialmente había estado colgada en lo alto del Salón Carré (un error que Géricault reconoció cuando vio la obra instalada), pero en Londres se colocó cerca de el suelo, enfatizando su impacto monumental. Es posible que también haya otras razones para su popularidad en Inglaterra, incluido "un grado de autocomplacencia nacional", [66] el atractivo de la pintura como entretenimiento escabroso, [66] y dos entretenimientos teatrales basados en los acontecimientos del balsa que coincidió con la exposición y se inspiró en gran medida en la representación de Géricault. [67] De la exposición de Londres, Géricault ganó cerca de 20.000 francos, que era su parte de los honorarios cobrados a los visitantes, y sustancialmente más de lo que le habrían pagado si el gobierno francés le hubiera comprado la obra. [68] Después de la exposición de Londres, Bullock llevó la pintura a Dublín a principios de 1821, pero la exposición allí tuvo mucho menos éxito, en gran parte debido a una exposición competitiva de un panorama en movimiento , "El naufragio de la Medusa" del Marshall. empresa de los hermanos, que se decía que había sido pintada bajo la dirección de uno de los supervivientes del desastre. [69]
La Balsa de la Medusa fue defendida por el curador del Louvre, el conde de Forbin , quien la compró para el museo a los herederos de Géricault después de su muerte en 1824. La pintura ahora domina su galería allí. [19] El título de la pantalla nos dice que "el único héroe en esta conmovedora historia es la humanidad". [3]
En algún momento entre 1826 y 1830, el artista estadounidense George Cooke (1793-1849) hizo una copia de la pintura en un tamaño más pequeño (130,5 x 196,2 cm; aproximadamente 4 pies × 6 pies), que se mostró en Boston, Filadelfia, Nueva York. York y Washington, DC a multitudes que conocían la controversia en torno al naufragio. Las críticas favorecieron la pintura, que también estimuló obras de teatro, poemas, representaciones y un libro para niños. [71] Fue comprado por un ex almirante, Uriah Phillips, quien lo dejó en 1862 a la Sociedad Histórica de Nueva York , donde fue catalogado erróneamente como de Gilbert Stuart y permaneció inaccesible hasta que se descubrió el error en 2006, después de una investigación de Nina. Athanassoglou-Kallmyer, profesora de historia del arte en la Universidad de Delaware . El departamento de conservación de la universidad se encargó de la restauración de la obra. [72]
Debido al deterioro del estado del original de Géricault, el Louvre encargó en 1859-1860 a dos artistas franceses, Pierre-Désiré Guillemet y Étienne-Antoine-Eugène Ronjat , que hicieran una copia a tamaño completo del original para exposiciones en préstamo. [70]
En el otoño de 1939, la Medusa fue empaquetada para ser retirada del Louvre en previsión del estallido de la guerra. Un camión de escenografía de la Comédie-Française transportó el cuadro a Versalles la noche del 3 de septiembre. Tiempo después, la Medusa fue trasladada al castillo de Chambord , donde permaneció hasta el final de la Segunda Guerra Mundial. [73]
En su insistencia en retratar una verdad desagradable, La balsa de la Medusa fue un hito en el emergente movimiento romántico en la pintura francesa y "sentó las bases de una revolución estética" [74] contra el estilo neoclásico predominante. La estructura compositiva de Géricault y la representación de las figuras son clásicas, pero la turbulencia contrastante del tema representa un cambio significativo en la dirección artística y crea un puente importante entre los estilos neoclásico y romántico. En 1815, Jacques-Louis David, entonces exiliado en Bruselas, era a la vez el principal defensor del género de pintura de historia popular , que había perfeccionado, y un maestro del estilo neoclásico. [75] En Francia, tanto la pintura de historia como el estilo neoclásico continuaron a través de la obra de Antoine-Jean Gros, Jean Auguste Dominique Ingres , François Gérard , Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson , Pierre-Narcisse Guérin —maestro de Géricault y Delacroix y otros artistas que permanecieron comprometidos con las tradiciones artísticas de David y Nicolas Poussin .
En su introducción a The Journal of Eugène Delacroix , Hubert Wellington escribió sobre la opinión de Delacroix sobre el estado de la pintura francesa justo antes del Salón de 1819. Según Wellington, "La curiosa mezcla de perspectiva clásica y realista que había sido impuesta por la disciplina La obra de David estaba perdiendo animación e interés. El propio maestro estaba llegando a su fin y exiliado en Bélgica. Su alumno más dócil, Girodet, un clasicista refinado y cultivado, estaba pintando cuadros de una frigidez asombrosa. Gérard, pintor de retratos de inmenso éxito. Bajo el Imperio, algunos de ellos admirables, se adaptaron a la nueva moda de los grandes cuadros de la historia, pero sin entusiasmo. [42]
La Balsa de la Medusa contiene los gestos y la gran escala de la pintura histórica tradicional; sin embargo, presenta a personas comunes y corrientes, en lugar de héroes, reaccionando al drama que se desarrolla. [76] La balsa de Géricault carece manifiestamente de héroe, y su pintura no presenta ninguna causa más allá de la pura supervivencia. La obra representa, en palabras de Christine Riding, "la falacia de la esperanza y el sufrimiento inútil y, en el peor de los casos, el instinto humano básico de supervivencia, que había superado todas las consideraciones morales y sumido al hombre civilizado en la barbarie". [21]
Se dice que las opiniones abolicionistas del artista se expresaron en su decisión de presentar de manera destacada al menos a dos individuos negros, en particular la figura dominante vista agitando un pañuelo rojo oscuro. Según los estudiosos Klaus Berger y Diane Chalmers Johnson, Géricault lo convirtió en "el punto focal del drama, el más fuerte y perspicaz de los supervivientes, en cierto sentido, el 'héroe de la escena ' " . La decisión del artista de hacerlo no fue una decisión de "último minuto", como lo demuestran los primeros bocetos de la obra, incluido un estudio de retrato del modelo haitiano Joseph, y señalan las preocupaciones de Géricault con respecto a las "crueldades extremas" de la trata ilegal de esclavos en el Colonias francesas . [45] Representar a una figura negra como un héroe para transmitir un mensaje abolicionista era poco común en ese momento, ya que el símbolo oficial del grupo abolicionista francés, la Société des amis des Noirs , era un emblema, creado originalmente por Josiah Wedgewood , titulado “ ¿No soy un hombre y un hermano? (o “Ne suis-je pas ton frere?”) que muestra a un hombre negro suplicando de rodillas por la liberación. La académica Susan Libby destaca cómo este tropo del esclavo indefenso y servil se convirtió en algo común en el arte europeo. [77] La elección de Géricault de colocar al hombre negro como el “héroe” activo se desvió de las ideas populares sobre las personas esclavizadas. El tema de la tragedia marina fue abordado por JMW Turner (1775-1851), quien, como muchos artistas ingleses, probablemente vio la pintura de Géricault cuando se exhibió en Londres en 1820. [78] [79] Su desastre en el mar ( c. 1835 ) narra un incidente similar, esta vez una catástrofe británica, con un barco hundido y figuras moribundas también colocadas en primer plano. Colocar a una persona de color en el centro del drama fue retomado por Turner, con connotaciones abolicionistas similares , en su El barco de esclavos (1840). [78]
La musculatura inmaculada de la figura central saludando al barco de rescate recuerda al Neoclásico, sin embargo el naturalismo de luces y sombras, la autenticidad de la desesperación mostrada por los supervivientes y el carácter emocional de la composición la diferencian de la austeridad neoclásica. Fue un alejamiento adicional de los temas religiosos o clásicos de obras anteriores porque describía eventos contemporáneos con figuras ordinarias y poco heroicas. Tanto la elección del tema como la forma intensa en la que se representa el momento dramático son típicos de la pintura romántica: fuertes indicios de hasta qué punto Géricault se había alejado del movimiento neoclásico predominante. [27]
Hubert Wellington dijo que si bien Delacroix fue un admirador de Gros durante toda su vida, el entusiasmo dominante de su juventud fue por Géricault. La composición dramática de Géricault, con sus fuertes contrastes de tono y gestos poco convencionales, estimuló a Delacroix a confiar en sus propios impulsos creativos en una obra de gran tamaño. Delacroix dijo: "Géricault me permitió ver su Balsa de Medusa mientras todavía estaba trabajando en ella". [42] La influencia de la pintura se ve en La barca de Dante (1822) de Delacroix y reaparece como inspiración en las obras posteriores de Delacroix, como El naufragio de Don Juan (1840). [74]
Según Wellington, la obra maestra de Delacroix de 1830, La libertad guiando al pueblo , surge directamente de La balsa de la Medusa de Géricault y de la Masacre del propio Delacroix en Quíos . Wellington escribió que "Mientras Géricault llevó su interés por los detalles reales hasta el punto de buscar más supervivientes del naufragio como modelos, Delacroix sintió su composición más vívidamente en su conjunto, pensó en sus figuras y multitudes como tipos, y las dominó por el Figura simbólica de la Libertad Republicana, que es uno de sus mejores inventos plásticos." [80]
El historiador de arte Albert Elsen creía que La balsa de la Medusa y la masacre de Delacroix en Quíos proporcionaron la inspiración para la grandiosa extensión de la monumental escultura de Auguste Rodin Las puertas del infierno . Escribió que " La masacre de Delacroix en Quíos y la Balsa de la Medusa de Géricault enfrentaron a Rodin en una escala heroica con las víctimas inocentes y anónimas de tragedias políticas... Si Rodin se inspiró para rivalizar con el Juicio Final de Miguel Ángel , tenía la Balsa de la Medusa de Géricault al frente". de él para que me anime." [81]
Si bien Gustave Courbet (1819-1877) podría describirse como un pintor antirromántico, sus principales obras como Un entierro en Ornans (1849-1850) y El estudio del artista (1855) tienen una deuda con La balsa de la Medusa . La influencia no está sólo en la enorme escala de Courbet, sino en su voluntad de retratar a la gente corriente y los acontecimientos políticos actuales, [82] y registrar personas, lugares y acontecimientos en entornos reales y cotidianos. La exposición de 2004 en el Clark Art Institute , Bonjour Monsieur Courbet: The Bruyas Collection from the Musee Fabre, Montpellier , buscaba comparar a los pintores realistas del siglo XIX Courbet, Honoré Daumier (1808–1879) y los primeros Édouard Manet (1832–1883) . ) con artistas asociados al romanticismo, incluidos Géricault y Delacroix. Citando La balsa de la Medusa como una influencia instrumental en el realismo, la exposición generó comparaciones entre todos los artistas. [83] El crítico Michael Fried ve a Manet tomando prestada directamente la figura del hombre acunando a su hijo para la composición de Ángeles en la tumba de Cristo . [84]
La influencia de La balsa de la Medusa se sintió en artistas fuera de Francia. Francis Danby , pintor británico nacido en Irlanda, probablemente se inspiró en el cuadro de Géricault cuando pintó Puesta de sol en el mar después de una tormenta en 1824, y escribió en 1829 que La balsa de la Medusa era "el cuadro histórico más hermoso y grandioso que jamás haya visto". ". [85]
La Corriente del Golfo (1899), del artista estadounidense Winslow Homer (1836-1910), replica la composición de La balsa de la Medusa con una embarcación averiada, ominosamente rodeada de tiburones y amenazada por una tromba marina. Al igual que Géricault, Homero convierte a un hombre negro en la figura central de la escena, aunque aquí es el único ocupante del barco. Un barco a lo lejos refleja el Argus del cuadro de Géricault. [86] El paso del drama del romanticismo al nuevo realismo se ejemplifica en la estoica resignación de la figura de Homero. [87] La condición del hombre, que en obras anteriores podría haberse caracterizado por la esperanza o la impotencia, se ha convertido en "ira hosca". [86]
A principios de la década de 1990, el escultor estadounidense John Connell , en su Raft Project , un proyecto colaborativo con el pintor Eugene Newmann, recreó La balsa de la Medusa haciendo esculturas de tamaño natural con madera, papel y alquitrán y colocándolas sobre una gran plataforma de madera. balsa. [88]
Observando el contraste entre las figuras moribundas en primer plano y las figuras en el medio saludando hacia el barco de rescate que se acercaba, el historiador de arte francés Georges-Antoine Borias escribió que la pintura de Géricault representa, "por un lado, desolación y muerte. Por el otro, la esperanza y la vida". [89]
Para Kenneth Clark , La balsa de la Medusa "sigue siendo el principal ejemplo de patetismo romántico expresado a través del desnudo; y esa obsesión por la muerte, que llevó a Géricault a frecuentar cámaras mortuorias y lugares de ejecución pública, da veracidad a sus figuras de los muertos y Los moribundos. Sus líneas pueden ser tomadas de los clásicos, pero se les ha visto nuevamente con un anhelo de experiencia violenta." [50]
Hoy en día, un bajorrelieve en bronce de La balsa de la Medusa de Antoine Étex adorna la tumba de Géricault en el cementerio Père Lachaise de París. [90]
![Antoine-Jean Gros, detalle de Napoleón en el campo de batalla de Eylau, 1807, Louvre. Al igual que Gros, Géricault había visto y sentido el regocijo de la violencia y estaba angustiado por las consecuencias humanas.[11]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3d/Gros_-_Napoleon_on_the_Battlefield_of_Eylau_cropped.png/1280px-Gros_-_Napoleon_on_the_Battlefield_of_Eylau_cropped.png)
'...Il me permit d'aller voir sa Méduse colgante qu'il l'exécutait dans un atelier bizarre qu'il avait près des Ternes. L'impression que j'en reçus fut si vive, qu'en sortant je revins toujours courant et comme un fou jusqu'à la rue de la Planche ou j'habitais alors.'
![Eugène Delacroix, La barca de Dante, 1822. La influencia de La balsa de la Medusa en la obra del joven Delacroix fue inmediatamente evidente en esta pintura, así como en obras posteriores.[74]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/ca/Delacroix_barque_of_dante_1822_louvre_189cmx246cm_950px.jpg/1280px-Delacroix_barque_of_dante_1822_louvre_189cmx246cm_950px.jpg)
![Eugène Delacroix, Masacre de Quíos, 1824, 419 cm × 354 cm, Louvre. Esta pintura surge directamente de La balsa de la Medusa de Géricault y fue pintada en 1824, el año en que murió Géricault.[91]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/66/Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Le_Massacre_de_Scio.jpg/1280px-Eug%C3%A8ne_Delacroix_-_Le_Massacre_de_Scio.jpg)
