El rock es un género amplio de música popular que se originó como " rock and roll " en los Estados Unidos a finales de los años 1940 y principios de los 1950, desarrollándose en una variedad de estilos diferentes a partir de mediados de los años 1960, particularmente en los Estados Unidos y el Reino Unido. . [3] Tiene sus raíces en el rock and roll de los años 1940 y 1950, un estilo que se inspiró directamente en los géneros blues y Rhythm and Blues de la música afroamericana y de la música country . El rock también se basó en gran medida en géneros como el blues eléctrico y el folk , e incorporó influencias del jazz , la música clásica y otros estilos musicales. Para la instrumentación, el rock se ha centrado en la guitarra eléctrica , generalmente como parte de un grupo de rock con bajo eléctrico , batería y uno o más cantantes. Por lo general, el rock es música basada en canciones con un4
4tipo de compás usando una forma de verso-estribillo , pero el género se ha vuelto extremadamente diverso. Al igual que la música pop , las letras a menudo enfatizan el amor romántico pero también abordan una amplia variedad de otros temas que frecuentemente son sociales o políticos. El rock fue el género musical más popular en Estados Unidos y en gran parte del mundo occidental desde la década de 1950 hasta la de 2010.
A mediados de la década de 1960, los músicos de rock comenzaron a impulsar el álbum por delante del sencillo como forma dominante de expresión y consumo de música grabada, con los Beatles a la vanguardia de este desarrollo. Sus contribuciones dieron al género una legitimidad cultural en la corriente principal e iniciaron una era de álbumes basados en el rock en la industria musical durante las siguientes décadas. A finales de la década de 1960, en el período del " rock clásico " [3] , habían surgido varios subgéneros distintos de la música rock, incluidos híbridos como el blues rock , el folk rock , el country rock , el sureño rock , el raga rock y el jazz rock , que contribuyeron al desarrollo. de rock psicodélico , influenciado por la escena psicodélica contracultural y hippie . Los nuevos géneros que surgieron incluyeron el rock progresivo con elementos artísticos extendidos, el glam rock , que destaca el talento para el espectáculo y el estilo visual, y el subgénero diverso y duradero del heavy metal , con énfasis en el volumen, la potencia y la velocidad. En la segunda mitad de la década de 1970, el punk rock reaccionó produciendo críticas sociales y políticas enérgicas y sencillas. El punk fue una influencia en la década de 1980 en la nueva ola , el post-punk y, finalmente, el rock alternativo .
A partir de la década de 1990, el rock alternativo comenzó a dominar la música rock y a irrumpir en la corriente principal en forma de grunge , britpop y rock independiente . Desde entonces, han surgido otros subgéneros de fusión, incluidos el pop-punk , el rock electrónico , el rap rock y el rap metal . Algunos movimientos fueron intentos conscientes de revisar la historia del rock, incluido el renacimiento del garage rock / post-punk en la década de 2000. Desde la década de 2010, el rock ha perdido su posición como género musical popular preeminente en la cultura mundial, pero sigue siendo un éxito comercial. La creciente influencia del hip-hop y la música electrónica de baile se puede ver en la música rock, especialmente en la escena tecno-pop de principios de la década de 2010 y el resurgimiento del pop-punk-hip-hop de la década de 2020.
El rock también ha encarnado y servido como vehículo para movimientos culturales y sociales, dando lugar a importantes subculturas, entre ellas mods y rockeros en el Reino Unido, el movimiento hippie y el movimiento contracultural occidental más amplio que se extendió desde San Francisco (Estados Unidos) en los años 1960, el El último de los cuales continúa hasta el día de hoy. De manera similar, la cultura punk de la década de 1970 generó las subculturas gótica , punk y emo . Heredera de la tradición popular de la canción de protesta , la música rock se ha asociado con el activismo político , así como con cambios en las actitudes sociales hacia la raza, el sexo y el uso de drogas, y a menudo se la ve como una expresión de la revuelta juvenil contra el consumismo y la conformidad de los adultos . Al mismo tiempo, ha tenido un gran éxito comercial, lo que ha dado lugar a acusaciones de venta .
De hecho, una buena definición de rock es que es música popular a la que, hasta cierto punto, no le importa si es popular.
— Bill Wyman en Buitre (2016) [4]
El sonido del rock se centra tradicionalmente en la guitarra eléctrica amplificada , que surgió en su forma moderna en la década de 1950 con la popularidad del rock and roll. [5] También estuvo muy influenciado por los sonidos de los guitarristas de blues eléctrico . [6] El sonido de una guitarra eléctrica en la música rock suele estar respaldado por un bajo eléctrico, que fue pionero en la música jazz en la misma época, [7] y por una percusión producida a partir de una batería que combina batería y platillos. [8] Este trío de instrumentos a menudo se ha complementado con la inclusión de otros instrumentos, particularmente teclados como el piano, el órgano Hammond y el sintetizador. [9] La instrumentación básica del rock se derivó de la instrumentación básica de la banda de blues (guitarra principal destacada, segundo instrumento de cuerdas, bajo y batería). [6] Un grupo de músicos que interpretan música rock se denomina banda de rock o grupo de rock. Además, normalmente consta de entre tres (el trío de poder ) y cinco miembros. Clásicamente, una banda de rock toma la forma de un cuarteto cuyos miembros cubren uno o más roles, incluido el de vocalista, guitarrista principal, guitarrista rítmico, bajista, baterista y, a menudo, teclista u otro instrumentista. [10]
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La música rock se construye tradicionalmente sobre una base de ritmos sincopados simples en un4
4 metro , con un ritmo de caja repetitivo en los tiempos dos y cuatro. [11] Las melodías a menudo se originan en modos musicales más antiguos , como el dórico y el mixolidio , así como en modos mayores y menores . Las armonías van desde la tríada común hasta cuartas y quintas perfectas paralelas y progresiones armónicas disonantes. [11] Desde finales de la década de 1950, [12] y particularmente desde mediados de la década de 1960 en adelante, la música rock a menudo usaba la estructura verso-coro derivada del blues y la música folk, pero ha habido una variación considerable de este modelo. [13] Los críticos han destacado el eclecticismo y la diversidad estilística del rock. [14] Debido a su compleja historia y su tendencia a tomar prestado de otras formas musicales y culturales, se ha argumentado que "es imposible vincular la música rock a una definición musical rígidamente delineada". [15] En opinión del periodista musical Robert Christgau , "el mejor rock traslada las virtudes del arte popular (franqueza, utilidad, audiencia natural) al presente con tomas de tecnología moderna y disociación modernista ". [dieciséis]
El rock and roll fue concebido como una salida para los anhelos adolescentes... Hacer rock and roll es también una forma ideal de explorar las intersecciones del sexo, el amor, la violencia y la diversión, para transmitir los placeres y las limitaciones de lo regional , y para abordar con las depredaciones y beneficios de la propia cultura de masas .
— Robert Christgau en Guía de registros de Christgau (1981) [17]
A diferencia de muchos estilos anteriores de música popular, las letras de rock han tratado una amplia gama de temas, incluido el amor romántico, el sexo, la rebelión contra " The Establishment ", preocupaciones sociales y estilos de vida. [11] Estos temas fueron heredados de una variedad de fuentes, como la tradición pop de Tin Pan Alley , la música folk y el Rhythm and Blues . [18] Christgau caracteriza las letras de rock como un "medio genial" con dicción simple y estribillos repetidos, y afirma que la "función" principal del rock "pertenece a la música o, más generalmente, al ruido ". [19] A menudo se ha observado el predominio de músicos blancos, masculinos y, a menudo, de clase media en la música rock, [20] y el rock ha sido visto como una apropiación de formas musicales negras para una audiencia joven, blanca y mayoritariamente masculina. [21] Como resultado, también se ha visto que articula las preocupaciones de este grupo tanto en estilo como en letras. [22] Christgau, escribiendo en 1972, dijo que a pesar de algunas excepciones, "el rock and roll generalmente implica una identificación de la sexualidad masculina y la agresión". [23]
Desde que el término "rock" empezó a utilizarse con preferencia a "rock and roll" a finales de los años 1960, se le ha contrastado habitualmente con la música pop, con la que comparte muchas características, pero de la que a menudo se distancia por un énfasis en la musicalidad, la interpretación en vivo y un enfoque en temas serios y progresistas como parte de una ideología de autenticidad que frecuentemente se combina con una conciencia de la historia y el desarrollo del género. [24] Según Simon Frith , el rock era "algo más que pop, algo más que rock and roll" y "los músicos de rock combinaban un énfasis en la habilidad y la técnica con el concepto romántico del arte como expresión artística, original y sincera". ". [24]
En el nuevo milenio, el término rock se ha utilizado ocasionalmente como un término general que incluye formas como la música pop, la música reggae , la música soul e incluso el hip hop , con las que ha sido influenciado pero que a menudo se ha contrastado a lo largo de gran parte de su historia. [25] Christgau ha utilizado el término de manera amplia para referirse a la música popular y semipopular que satisface su sensibilidad como "un rockero", incluida la afición por un buen ritmo, una letra significativa con algo de ingenio y el tema de juventud, que ejerce una "eterna atracción" tan objetiva "que toda música juvenil participa de la sociología y del informe de campo ". En Christgau's Record Guide: The '80s (1990), dijo que esta sensibilidad es evidente en la música de la cantautora folk Michelle Shocked , el rapero LL Cool J y el dúo de synth-pop Pet Shop Boys : "todos niños practicando sus identidades", tanto como lo es en la música de Chuck Berry , los Ramones y los Reemplazos . [26]
Las bases de la música rock están en el rock and roll, que se originó en los Estados Unidos a finales de los años 1940 y principios de los 1950, y rápidamente se extendió a gran parte del resto del mundo. Sus orígenes inmediatos se encuentran en una fusión de varios géneros musicales negros de la época, incluido el ritmo y el blues y la música gospel , con el country y el western . [27] En 1951, el disc jockey de Cleveland, Ohio, Alan Freed, comenzó a tocar música de ritmo y blues (entonces denominada " música racial ") para una audiencia multirracial, y se le atribuye haber utilizado por primera vez la frase "rock and roll" para describir la música. [28]
El debate gira en torno a las numerosas grabaciones que se han sugerido como "el primer disco de rock and roll ". Los contendientes incluyen " Cosas extrañas que suceden todos los días " de la hermana Rosetta Tharpe (1944); [29] " La casa de las luces azules " de Ella Mae Morse y Freddie Slack (1946); [30] " Good Rocking Tonight " de Wynonie Harris (1948); [31] "Rock A while" de Goree Carter (1949); [32] " Rock the Joint " de Jimmy Preston (1949), que más tarde fue versionada por Bill Haley & His Comets en 1952; [33] y " Rocket 88 " de Jackie Brenston y sus Delta Cats (de hecho, Ike Turner y su banda The Kings of Rhythm ), grabado por Sam Phillips para Sun Records en 1951. [34] Cuatro años después, Bill Haley ' " Rock Around the Clock " (1955) se convirtió en la primera canción de rock and roll en encabezar las principales listas de ventas y difusión de la revista Billboard , y abrió la puerta en todo el mundo a esta nueva ola de cultura popular. [35] [36]
También se ha argumentado que " That's All Right (Mama) " (1954), el primer sencillo de Elvis Presley para Sun Records en Memphis , podría ser el primer disco de rock and roll, [37] pero, al mismo tiempo, Big " Shake, Rattle & Roll " de Joe Turner , posteriormente versionada por Haley, ya estaba en lo más alto de las listas de R&B de Billboard . Otros artistas con primeros éxitos del rock and roll fueron Chuck Berry , Bo Diddley , Fats Domino , Little Richard , Jerry Lee Lewis y Gene Vincent . [34] Pronto el rock and roll se convirtió en la fuerza principal en las ventas de discos estadounidenses y los cantantes , como Eddie Fisher , Perry Como y Patti Page , que habían dominado la década anterior de la música popular, vieron su acceso a las listas pop significativamente restringido. [38]
Se ha considerado que el rock and roll conduce a una serie de subgéneros distintos, incluido el rockabilly, que combina el rock and roll con la música country "hillbilly", que generalmente era tocada y grabada a mediados de la década de 1950 por cantantes blancos como Carl Perkins , Jerry Lee. Lewis, Buddy Holly y con mayor éxito comercial, Elvis Presley. [39] Los movimientos hispanos y latinoamericanos en el rock and roll, que eventualmente conducirían al éxito del rock latino y del rock chicano en los EE. UU., comenzaron a surgir en el suroeste ; con el músico estándar de rock and roll Ritchie Valens e incluso aquellos dentro de otros géneros heredados, como Al Hurricane junto con sus hermanos Tiny Morrie y Baby Gaby cuando comenzaron a combinar el rock and roll con el country- western dentro de la música tradicional de Nuevo México . [40] Otros estilos como el doo-wop pusieron énfasis en armonías vocales de varias partes y letras de acompañamiento (de las cuales el género luego obtuvo su nombre), que generalmente estaban respaldadas con instrumentación ligera y tuvieron sus orígenes en las décadas de 1930 y 1940. grupos. [41] Actos como los Crows , los Penguins , los El Dorados y los Turbans obtuvieron grandes éxitos, y grupos como los Platters , con canciones que incluyen " The Great Pretender " (1955), [42] y los Coasters con canciones humorísticas como " Yakety Yak " (1958), [43] se ubicó entre los actos de rock and roll más exitosos de la época. [44]
La época también vio el crecimiento en popularidad de la guitarra eléctrica y el desarrollo de un estilo de tocar específicamente rock and roll a través de exponentes como Chuck Berry, Link Wray y Scotty Moore . [45] El uso de la distorsión , iniciado por guitarristas de swing occidentales como Junior Barnard [46] y Eldon Shamblin, fue popularizado por Chuck Berry a mediados de la década de 1950. [47] El uso de acordes de potencia , iniciado por Francisco Tárrega y Heitor Villa-Lobos en el siglo XIX y más tarde por Willie Johnson y Pat Hare a principios de la década de 1950, fue popularizado por Link Wray a finales de la década de 1950. [48]
Los comentaristas tradicionalmente han percibido un declive del rock and roll a finales de los años cincuenta y principios de los sesenta. En 1959, la muerte de Buddy Holly, el Big Bopper y Ritchie Valens en un accidente aéreo, la partida de Elvis al ejército, el retiro de Little Richard para convertirse en predicador, los procesamientos de Jerry Lee Lewis y Chuck Berry y la ruptura de El escándalo de la soborno (que implicó a figuras importantes, incluido Alan Freed, en sobornos y corrupción al promover actos o canciones individuales), dio la sensación de que la era del rock and roll establecida en ese momento había llegado a su fin. [49]
El rock se extendió rápidamente desde sus orígenes en Estados Unidos, asociado con la rápida americanización que estaba teniendo lugar a nivel mundial después de la Segunda Guerra Mundial . [50] A Cliff Richard se le atribuye uno de los primeros éxitos del rock and roll fuera de Norteamérica con " Move It ", que marcó el comienzo del sonido del rock británico . [51] Varios artistas, sobre todo Tommy Steele del Reino Unido, tuvieron éxito con versiones de los principales éxitos del rock and roll estadounidense antes de que las grabaciones pudieran difundirse internacionalmente, a menudo traduciéndolas a los idiomas locales cuando correspondía. [52] [53] Steele en particular realizó una gira por Gran Bretaña, Escandinavia, Australia, la URSS y Sudáfrica de 1955 a 1957, influyendo en la globalización del rock. [52] A finales de la década de 1950, así como en el mundo occidental influenciado por Estados Unidos, el rock era popular en estados comunistas como Yugoslavia, [54] y la URSS, [55] así como en regiones como América del Sur. [53]
A finales de la década de 1950 y principios de la de 1960, los artistas de blues y blues rock estadounidenses , que habían sido superados por el auge del rock and roll en los EE. UU., encontraron nueva popularidad en el Reino Unido, donde realizaron giras exitosas. [56] El éxito de Lonnie Donegan de 1955, " Rock Island Line ", fue una gran influencia y ayudó a desarrollar la tendencia de los grupos de música skiffle en todo el país, muchos de los cuales, incluidos los Quarrymen de John Lennon (más tarde los Beatles ), siguieron adelante. para tocar rock and roll. [57] Mientras que el rock and roll en los EE. UU. estaba siendo dominado por el pop ligero y las baladas, los grupos de rock británicos en clubes y bailes locales estaban desarrollando un estilo más fuertemente influenciado por los pioneros del blues-rock, y estaban comenzando a tocar con intensidad y empuje. rara vez se encuentra en actos estadounidenses blancos; [58] esta influencia continuaría dando forma al futuro de la música rock a través de la invasión británica . [56]
El término pop se ha utilizado desde principios del siglo XX para referirse a la música popular en general, pero a partir de mediados de la década de 1950 comenzó a utilizarse para un género distinto, dirigido a un mercado juvenil, a menudo caracterizado como una alternativa más suave al rock y al rock. rollo. [59] [60] Aproximadamente desde 1967, se utilizó cada vez más en oposición al término música rock, para describir una forma que era más comercial, efímera y accesible. [24] En contraste, se consideraba que la música rock se centraba en obras extendidas, particularmente álbumes, a menudo se asociaba con subculturas particulares (como la contracultura de la década de 1960 ), ponía énfasis en los valores artísticos y la "autenticidad", enfatizaba la interpretación en vivo y virtuosismo instrumental o vocal y a menudo se consideraba que encapsulaba desarrollos progresistas en lugar de simplemente reflejar tendencias existentes. [24] [59] [60] [61] Sin embargo, gran parte de la música pop y rock ha sido muy similar en sonido, instrumentación e incluso contenido lírico. [nota 1]
El período de finales de los años cincuenta y principios de los sesenta se ha visto tradicionalmente como una era de pausa para el rock and roll. [65] Más recientemente, algunos autores [ palabras de comadreja ] han enfatizado importantes innovaciones y tendencias en este período sin las cuales los desarrollos futuros no habrían sido posibles. [66] [67] Si bien el rock and roll temprano, particularmente a través de la llegada del rockabilly, vio el mayor éxito comercial para los artistas masculinos y blancos, en esta era, el género estaba dominado por artistas negros y femeninos. El rock and roll no había desaparecido a finales de la década de 1950 y parte de su energía se puede ver en la moda del baile Twist de principios de la década de 1960, beneficiando principalmente la carrera de Chubby Checker . [67] [nota 2]
También fue significativo el advenimiento de la música soul como fuerza comercial importante. Desarrollado a partir del Rhythm and Blues con una reinyección de música gospel y pop, liderado por pioneros como Ray Charles y Sam Cooke desde mediados de los años cincuenta, [70] por figuras de principios de los sesenta como Marvin Gaye , James Brown , Aretha Franklin , Curtis Mayfield y Stevie Wonder dominaban las listas de R&B y se abrían paso en las principales listas de pop, ayudando a acelerar su desegregación, mientras que Motown y Stax/Volt Records se estaban convirtiendo en fuerzas importantes en la industria discográfica. [71] [nb 3] Algunos historiadores de la música también han señalado desarrollos técnicos importantes e innovadores que se basaron en el rock and roll en este período, incluido el tratamiento electrónico del sonido por parte de innovadores como Joe Meek y los elaborados métodos de producción del Wall. de Sonido perseguido por Phil Spector . [67]
El rock and roll instrumental de artistas como Duane Eddy , Link Wray y los Ventures fue desarrollado por Dick Dale , quien agregó una distintiva reverberación "húmeda" , punteo alternativo rápido e influencias de Medio Oriente y México . Produjo el éxito regional " Let's Go Trippin ' " en 1961 y lanzó la moda de la música surf, siguiendo con canciones como " Misirlou " (1962). [73] Al igual que Dale y sus Del-Tones , la mayoría de las primeras bandas de surf se formaron en el sur de California, incluidos los Bel-Airs , los Challengers y Eddie & the Showmen . [73] Los Chantays obtuvieron un éxito nacional entre los diez primeros con " Pipeline " en 1963 y probablemente la canción de surf más conocida fue " Wipe Out " de 1963, de los Surfaris , que alcanzó el número 2 y el número 10 en las listas de Billboard en 1965. [74]
La música surf alcanzó su mayor éxito comercial como música vocal, particularmente el trabajo de los Beach Boys , formados en 1961 en el sur de California. Sus primeros álbumes incluían tanto surf rock instrumental (entre ellos versiones de música de Dick Dale) como canciones vocales, basadas en el rock and roll y el doo wop y las estrechas armonías de actos de pop vocal como los Four Freshmen . [75] El primer éxito de los Beach Boys, " Surfin ' ", en 1962 alcanzó el top 100 de Billboard y ayudó a que la música surf se convirtiera en un fenómeno nacional. [76] A menudo se argumenta que la moda de la música surf y las carreras de casi todos los grupos de surf terminaron efectivamente con la llegada de la invasión británica de 1964, porque la mayoría de los éxitos de la música surf fueron grabados y lanzados entre 1961 y 1965. [77] [nota 4]
A finales de 1962, lo que se convertiría en la escena del rock británico había comenzado con grupos beat como los Beatles , Gerry & the Pacemakers y los Searchers de Liverpool y Freddie and the Dreamers , Herman's Hermits y los Hollies de Manchester. Se basaron en una amplia gama de influencias estadounidenses, incluido el rock and roll de los años 50, el soul, el Rhythm and Blues y la música surf, [78] inicialmente reinterpretando melodías estadounidenses estándar y tocando para bailarines. Bandas como los Animals de Newcastle y Them from Belfast , [79] y particularmente las de Londres como los Rolling Stones y los Yardbirds , fueron influenciadas mucho más directamente por el Rhythm and Blues y más tarde por la música Blues. [80] Pronto estos grupos estaban componiendo su propio material, combinando formas de música estadounidenses e infundiéndoles un ritmo de alta energía. Las bandas beat tendían a "melodías vivaces e irresistibles", mientras que los primeros grupos de blues británicos tendían a canciones menos sexualmente inocentes y más agresivas, adoptando a menudo una postura antisistema. Sin embargo, especialmente en las primeras etapas, hubo un considerable cruce musical entre las dos tendencias. [81] En 1963, liderados por los Beatles, los grupos beat habían comenzado a alcanzar el éxito nacional en Gran Bretaña, y pronto serían seguidos en las listas por actos más centrados en el ritmo y el blues. [82]
" I Want to Hold Your Hand " fue el primer éxito número uno de los Beatles en el Billboard Hot 100 , [83] pasando siete semanas en la cima y un total de 15 semanas en la lista. [84] [85] Su primera aparición en The Ed Sullivan Show el 9 de febrero de 1964, que atrajo a unos 73 millones de espectadores (en ese momento un récord para un programa de televisión estadounidense), se considera un hito en la cultura pop estadounidense. Durante la semana del 4 de abril de 1964, los Beatles ocuparon 12 posiciones en la lista de sencillos Billboard Hot 100 , incluidos los cinco primeros. Los Beatles se convirtieron en la banda de rock con mayores ventas de todos los tiempos y fueron seguidos en las listas estadounidenses por numerosas bandas británicas. [81] Durante los dos años siguientes, los actos británicos dominaron sus propias listas y las estadounidenses con Peter and Gordon , The Animals, [86] Manfred Mann , Petula Clark , [86] Freddie and the Dreamers, Wayne Fontana and the Mindbenders , Herman's Hermits. , los Rolling Stones, [87] los Troggs y Donovan [88], todos con uno o más sencillos número uno. [84] Otros actos importantes que formaron parte de la invasión incluyeron a los Kinks y los Dave Clark Five . [89] [90]
La invasión británica ayudó a internacionalizar la producción de rock and roll, abriendo la puerta para que los artistas británicos (e irlandeses) posteriores alcanzaran el éxito internacional. [91] En Estados Unidos, podría decirse que significó el fin de la música surf instrumental, los grupos vocales de chicas y (por un tiempo) los ídolos adolescentes , que habían dominado las listas estadounidenses a finales de los años cincuenta y sesenta. [92] Afectó las carreras de artistas establecidos de R&B como Fats Domino y Chubby Checker e incluso descarriló temporalmente el éxito en las listas de artistas de rock and roll supervivientes, incluido Elvis. [93] La invasión británica también jugó un papel importante en el surgimiento de un género distinto de música rock y consolidó la primacía del grupo de rock, basado en guitarras y baterías y produciendo su propio material como cantautores. [41] Siguiendo el ejemplo establecido por el LP Rubber Soul de 1965 de los Beatles en particular, otros grupos de rock británico lanzaron álbumes de rock con la intención de ser declaraciones artísticas en 1966, incluidos Aftermath de los Rolling Stones , Revolver de los Beatles y Who . A Quick One , así como actuaciones estadounidenses en los Beach Boys ( Pet Sounds ) y Bob Dylan ( Blonde on Blonde ). [94]
El garage rock era una forma cruda de música rock, particularmente frecuente en América del Norte a mediados de la década de 1960 y llamada así debido a la percepción de que se ensayaba en el garaje familiar suburbano. [95] [96] Las canciones de garage rock a menudo giraban en torno a los traumas de la vida en la escuela secundaria, siendo particularmente comunes las canciones sobre "chicas mentirosas" y circunstancias sociales injustas. [97] La letra y la interpretación tendían a ser más agresivas de lo que era común en ese momento, a menudo con voces gruñidas o gritadas que se disolvían en gritos incoherentes. [95] Variaban desde música cruda de un solo acorde (como los Seeds ) hasta calidad de músicos cercanos al estudio (incluidos los Knickerbockers , los Remains y los Fifth Estate ). También hubo variaciones regionales en muchas partes del país con escenas florecientes, particularmente en California y Texas. [97] Los estados del noroeste del Pacífico, Washington y Oregón, tal vez tenían [ ¿ según quién? ] el sonido regional más definido. [98]
El estilo había ido evolucionando a partir de escenas regionales ya en 1958. "Tall Cool One" (1959) de los Wailers y " Louie Louie " de los Kingsmen (1963) son ejemplos convencionales del género en sus etapas de formación. [99] En 1963, los sencillos de bandas de garage estaban apareciendo en las listas nacionales en mayor número, incluidos Paul Revere and the Raiders (Boise), [100] the Trashmen (Minneapolis) [101] y the Rivieras (South Bend, Indiana). [102] Otras bandas de garage influyentes, como los Sonics (Tacoma, Washington), nunca alcanzaron el Billboard Hot 100 . [103]
La invasión británica influyó mucho en las bandas de garage, proporcionándoles una audiencia nacional, lo que llevó a muchos (a menudo grupos de surf o hot rod ) a adoptar una influencia británica y animó a que se formaran muchos más grupos. [97] Miles de bandas de garage existieron en los Estados Unidos y Canadá durante la época y cientos produjeron éxitos regionales. [97] A pesar de que decenas de bandas firmaron con sellos regionales importantes o grandes, la mayoría fueron fracasos comerciales. En general, se acepta que el garage rock alcanzó su punto máximo tanto comercial como artísticamente alrededor de 1966. [97] En 1968, el estilo desapareció en gran medida de las listas nacionales y a nivel local a medida que los músicos aficionados se enfrentaban a la universidad, el trabajo o el reclutamiento . [97] Nuevos estilos habían evolucionado para reemplazar el garage rock. [97] [nota 5]
Aunque el primer impacto de la invasión británica en la música popular estadounidense se produjo a través de actuaciones basadas en el beat y el R&B, el impulso pronto fue retomado por una segunda ola de bandas que se inspiraron más directamente en el blues estadounidense , incluidos los Rolling Stones y los Yardbirds . [105] Los músicos de blues británicos de finales de los años cincuenta y principios de los sesenta se habían inspirado en la interpretación acústica de figuras como Lead Belly , que fue una gran influencia en la moda del Skiffle, y Robert Johnson . [106] Adoptaron cada vez más un sonido fuerte y amplificado, a menudo centrado en la guitarra eléctrica, basado en el blues de Chicago , particularmente después de la gira por Gran Bretaña de Muddy Waters en 1958, que impulsó a Cyril Davies y al guitarrista Alexis Korner a formar la banda Blues Incorporated. . [107] La banda involucró e inspiró a muchas de las figuras del posterior boom del blues británico , incluidos miembros de los Rolling Stones y Cream , combinando estándares y formas del blues con instrumentación y énfasis del rock. [58]
El otro foco clave del blues británico fue John Mayall ; su banda, los Bluesbreakers , incluía a Eric Clapton (después de la salida de Clapton de los Yardbirds) y más tarde a Peter Green . Particularmente significativo fue el lanzamiento del álbum Blues Breakers con Eric Clapton (Beano) (1966), considerado una de las grabaciones fundamentales del blues británico y cuyo sonido fue muy emulado tanto en Gran Bretaña como en Estados Unidos. [108] Eric Clapton pasó a formar los supergrupos Cream, Blind Faith y Derek and the Dominos , seguidos de una extensa carrera en solitario que ayudó a llevar el blues rock a la corriente principal. [107] Green, junto con la sección rítmica de Bluesbreaker, Mick Fleetwood y John McVie , formaron Fleetwood Mac de Peter Green , que disfrutó de uno de los mayores éxitos comerciales del género. [107] A finales de la década de 1960, Jeff Beck , también alumno de los Yardbirds, trasladó el blues rock hacia el heavy rock con su banda, el Jeff Beck Group . [107] El último guitarrista de los Yardbirds fue Jimmy Page , quien pasó a formar The New Yardbirds , que rápidamente se convirtió en Led Zeppelin . Muchas de las canciones de sus primeros tres álbumes, y ocasionalmente más adelante en sus carreras, fueron expansiones de canciones de blues tradicionales. [107]
En Estados Unidos, el blues rock fue iniciado a principios de la década de 1960 por el guitarrista Lonnie Mack , [109] pero el género comenzó a despegar a mediados de la década de 1960 cuando las bandas desarrollaron un sonido similar al de los músicos de blues británicos. Los actos clave incluyeron a Paul Butterfield (cuya banda actuó como Mayall's Bluesbreakers en Gran Bretaña como punto de partida para muchos músicos exitosos), Canned Heat , los primeros Jefferson Airplane , Janis Joplin , Johnny Winter , la J. Geils Band y Jimi Hendrix con sus power tríos. , Jimi Hendrix Experience (que incluía dos miembros británicos y fue fundada en Gran Bretaña) y Band of Gypsys , cuyo virtuosismo en la guitarra y talento para el espectáculo estarían entre los más emulados de la década. [107] Las bandas de blues rock de los estados del sur, como Allman Brothers Band , Lynyrd Skynyrd y ZZ Top , incorporaron elementos country en su estilo para producir el género distintivo Southern rock . [110]
Las primeras bandas de blues rock a menudo emulaban el jazz, tocando largas e involucradas improvisaciones, que más tarde serían un elemento importante del rock progresivo. Aproximadamente desde 1967, bandas como Cream y Jimi Hendrix Experience se habían alejado de la música puramente basada en el blues y se adentraban en la psicodelia . [111] En la década de 1970, el blues rock se había vuelto más pesado y más basado en riffs, ejemplificado por el trabajo de Led Zeppelin y Deep Purple , y las líneas entre el blues rock y el hard rock "eran apenas visibles", [111] cuando las bandas comenzaron Grabar álbumes de estilo rock. [111] El género fue continuado en la década de 1970 por figuras como George Thorogood y Pat Travers , [107] pero, particularmente en la escena británica (excepto quizás por la llegada de grupos como Status Quo y Foghat que avanzaron hacia una forma de alta energía y boogie rock repetitivo ), las bandas se centraron en la innovación del heavy metal y el blues rock comenzó a desaparecer de la corriente principal. [112]
En la década de 1960, la escena que se había desarrollado a partir del resurgimiento de la música folclórica estadounidense se había convertido en un movimiento importante, utilizando música tradicional y nuevas composiciones en un estilo tradicional, generalmente con instrumentos acústicos. [113] En Estados Unidos, el género fue iniciado por figuras como Woody Guthrie y Pete Seeger y a menudo se identifica con la política progresista o laborista . [113] A principios de los años sesenta, figuras como Joan Baez y Bob Dylan habían pasado a primer plano en este movimiento como cantautores. [114] Dylan había comenzado a llegar a una audiencia mayoritaria con éxitos como " Blowin' in the Wind " (1963) y " Masters of War " (1963), que llevaron las " canciones de protesta " a un público más amplio, [115] pero, Aunque empezaban a influirse mutuamente, el rock y la música folk habían seguido siendo géneros en gran medida separados, a menudo con audiencias mutuamente excluyentes. [116]
Los primeros intentos de combinar elementos del folk y el rock incluyeron " House of the Rising Sun " (1964) de los Animals, que fue la primera canción folk comercialmente exitosa grabada con instrumentación de rock and roll [117] y los Beatles " I'm a Loser " (1964), posiblemente la primera canción de los Beatles influenciada directamente por Dylan. [118] Se suele pensar que el movimiento folk rock despegó con la grabación de los Byrds de " Mr. Tambourine Man " de Dylan, que encabezó las listas en 1965. [116] Con miembros que habían formado parte de la escena folk basada en cafés En Los Ángeles, los Byrds adoptaron instrumentación de rock, incluida la batería y las guitarras Rickenbacker de 12 cuerdas , que se convirtieron en un elemento importante en el sonido del género. [116] Más tarde ese año, Dylan adoptó los instrumentos eléctricos, para indignación de muchos puristas del folk, y su " Like a Rolling Stone " se convirtió en un sencillo de éxito en Estados Unidos. [116] Según Ritchie Unterberger , Dylan (incluso antes de adoptar los instrumentos eléctricos) influyó en músicos de rock como los Beatles, demostrando "a la generación del rock en general que un álbum podría ser una declaración importante e independiente sin sencillos exitosos", como en El Bob Dylan libre (1963). [119]
El folk rock despegó particularmente en California, donde llevó a grupos como Mamas & the Papas y Crosby, Stills y Nash a pasar a la instrumentación eléctrica, y en Nueva York, donde engendró artistas como Lovin' Spoonful y Simon and Garfunkel . El tema acústico de este último, " The Sounds of Silence " (1965), fue remezclado con instrumentos de rock para ser el primero de muchos éxitos. [116] Estos actos influyeron directamente en artistas británicos como Donovan y Fairport Convention . [116] En 1969, Fairport Convention abandonó su mezcla de versiones estadounidenses y canciones influenciadas por Dylan para tocar música folclórica tradicional inglesa con instrumentos eléctricos. [120] Este folk-rock británico fue adoptado por bandas como Pentangle , Steeleye Span y Albion Band , lo que a su vez impulsó a grupos irlandeses como Horslips y actos escoceses como JSD Band , Spencer's Feat y más tarde Five Hand Reel , a usar su música tradicional para crear una marca de rock celta a principios de los años 1970. [121]
El folk-rock alcanzó su punto máximo de popularidad comercial en el período 1967-1968, antes de que muchos grupos tomaran diversas direcciones, incluidos Dylan y los Byrds, que comenzaron a desarrollar el country rock . [122] Sin embargo, se ha considerado que la hibridación del folk y el rock tiene una gran influencia en el desarrollo de la música rock, incorporando elementos de psicodelia y ayudando a desarrollar las ideas del cantautor, la canción de protesta y los conceptos. de "autenticidad". [116] [123]
La vibra inspirada en el LSD de la música psicodélica comenzó en la escena folk. [124] El primer grupo en promocionarse como rock psicodélico fueron los 13th Floor Elevators de Texas. [124] Los Beatles introdujeron muchos de los elementos principales del sonido psicodélico al público de este período, como la retroalimentación de la guitarra , el sitar indio y los efectos de sonido de enmascaramiento . [125] El rock psicodélico despegó particularmente en la escena musical emergente de California cuando los grupos siguieron el cambio de los Byrds del folk al folk rock a partir de 1965. [125] El estilo de vida psicodélico, que giraba en torno a las drogas alucinógenas, ya se había desarrollado en San Francisco y era particularmente prominente. Productos de la escena fueron Big Brother and the Holding Company , Grateful Dead y Jefferson Airplane . [125] [126] El guitarrista principal de The Jimi Hendrix Experience , Jimi Hendrix, hizo extensas improvisaciones distorsionadas y llenas de retroalimentación que se convirtieron en una característica clave de la psicodelia. [125] El rock psicodélico alcanzó su apogeo en los últimos años de la década. En 1967, los Beatles lanzaron su declaración psicodélica definitiva en Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band , incluyendo el controvertido tema " Lucy in the Sky with Diamonds ", los Rolling Stones respondieron más tarde ese año con Their Satanic Majesties Request , [125] y Pink Floyd debutó con The Piper at the Gates of Dawn . Las grabaciones clave incluyeron Surrealistic Pillow de Jefferson Airplane y Strange Days de The Doors . [127] Estas tendencias alcanzaron su punto máximo en el festival de Woodstock de 1969 , en el que actuaron la mayoría de los principales actos psicodélicos. [125]
Sargento. Más tarde, Pepper fue considerado el mejor álbum de todos los tiempos y un punto de partida para la era del álbum , durante la cual la música rock pasó del formato de singles al formato de álbumes y alcanzó legitimidad cultural en la corriente principal. [128] Liderados por los Beatles a mediados de la década de 1960, [129] los músicos de rock hicieron avanzar el LP como la forma dominante de expresión y consumo de música grabada, iniciando una era de álbumes basada en el rock en la industria musical durante las siguientes décadas. [130]
El rock progresivo, un término que a veces se usa indistintamente con art rock , fue más allá de las fórmulas musicales establecidas al experimentar con diferentes instrumentos, tipos de canciones y formas. [131] Desde mediados de la década de 1960 , Left Banke , los Beatles, los Rolling Stones y los Beach Boys fueron pioneros en la inclusión de clavecines , viento y secciones de cuerdas en sus grabaciones para producir una forma de rock barroco que se puede escuchar en sencillos como " A Whiter Shade of Pale " (1967) de Procol Harum , con su introducción inspirada en Bach . [132] The Moody Blues utilizó una orquesta completa en su álbum Days of Future Passed (1967) y posteriormente crearon sonidos orquestales con sintetizadores. [131] La orquestación clásica, teclados y sintetizadores fueron una adición frecuente al formato de rock establecido de guitarras, bajo y batería en el rock progresivo posterior. [133]
Las canciones instrumentales eran comunes, mientras que las canciones con letra eran a veces conceptuales, abstractas o basadas en la fantasía y la ciencia ficción. [134] SF Sorrow (1968) de The Pretty Things y Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire) (1969) de The Kinks introdujeron el formato de las óperas rock y abrieron la puerta a álbumes conceptuales , que a menudo cuentan una historia épica. historia o abordar un gran tema general. [135] El álbum debut de King Crimson de 1969, In the Court of the Crimson King , que mezclaba poderosos riffs de guitarra y mellotron con jazz y música sinfónica , a menudo se considera la grabación clave del rock progresivo, lo que ayudó a la adopción generalizada del género a principios de la década de 1970 entre las bandas psicodélicas y de blues-rock existentes, así como entre los actos recién formados. [131] La vibrante escena de Canterbury vio actos que siguieron a Soft Machine desde la psicodelia, pasando por influencias del jazz, hasta un hard rock más expansivo, incluidos Caravan , Hatfield and the North , Gong y National Health . [136]
Mayor éxito comercial tuvo Pink Floyd, que también se alejó de la psicodelia tras la marcha de Syd Barrett en 1968, con The Dark Side of the Moon (1973), considerada una obra maestra del género, convirtiéndose en uno de los más vendidos. álbumes de todos los tiempos. [137] Hubo un énfasis en el virtuosismo instrumental, con Yes mostrando las habilidades tanto del guitarrista Steve Howe como del teclista Rick Wakeman , mientras que Emerson, Lake & Palmer fueron un supergrupo que produjo algunos de los trabajos técnicamente más exigentes del género. [131] Jethro Tull y Genesis siguieron marcas de música muy diferentes, pero claramente inglesas. [138] Renaissance , formada en 1969 por los ex-Yardbirds Jim McCarty y Keith Relf, evolucionó hasta convertirse en una banda de alto concepto con la voz de tres octavas de Annie Haslam . [139] La mayoría de las bandas británicas dependían de un grupo de culto relativamente pequeño, pero unas cuantas, incluidas Pink Floyd, Genesis y Jethro Tull, lograron producir diez sencillos entre los diez primeros en casa y romper el mercado estadounidense. [140] El estilo estadounidense de rock progresivo variaba desde el ecléctico e innovador Frank Zappa , Captain Beefheart y Blood, Sweat & Tears , [141] hasta bandas más orientadas al pop rock como Boston , Foreigner , Kansas , Journey y Styx . [131] Estos, además de las bandas británicas Supertramp y ELO , demostraron una influencia del rock progresivo y, aunque se ubicaron entre los actos de mayor éxito comercial de la década de 1970, presagiaron la era de la pompa o el rock de arena , que duraría hasta los costos de espectáculos complejos ( a menudo con puesta en escena teatral y efectos especiales), serían reemplazados por festivales de rock más económicos como importantes lugares en vivo en la década de 1990. [ cita necesaria ]
La vertiente instrumental del género dio como resultado álbumes como Tubular Bells (1973) de Mike Oldfield , el primer disco y éxito mundial del sello Virgin Records , que se convirtió en un pilar del género. [131] El rock instrumental fue particularmente significativo en Europa continental, permitiendo a bandas como Kraftwerk , Tangerine Dream , Can y Faust sortear la barrera del idioma. [142] Su " krautrock " cargado de sintetizadores, junto con el trabajo de Brian Eno (durante un tiempo el teclista de Roxy Music ), sería una gran influencia en el rock electrónico posterior . [131] Con la llegada del punk rock y los cambios tecnológicos a finales de la década de 1970, el rock progresivo fue cada vez más descartado por ser pretencioso y exagerado. [143] [144] Muchas bandas se separaron, pero algunas, incluidas Genesis, ELP, Yes y Pink Floyd, lograron regularmente el top ten de álbumes con exitosas giras mundiales. [104] Algunas bandas que surgieron después del punk, como Siouxsie and the Banshees , Ultravox y Simple Minds , mostraron la influencia del rock progresivo, así como sus influencias punk más habitualmente reconocidas. [145]
A finales de la década de 1960, el jazz-rock surgió como un subgénero distinto de las escenas del blues-rock, el psicodélico y el rock progresivo, mezclando el poder del rock con la complejidad musical y los elementos de improvisación del jazz. AllMusic afirma que el término jazz-rock "puede referirse a las bandas de fusión más ruidosas, salvajes y electrificadas del campo del jazz, pero la mayoría de las veces describe a intérpretes que provienen del lado del rock de la ecuación". El jazz-rock "... generalmente surgió de los subgéneros del rock artísticamente más ambiciosos de finales de los 60 y principios de los 70", incluido el movimiento de cantautores. [146] Muchos de los primeros músicos de rock and roll estadounidenses se habían iniciado en el jazz y llevaron algunos de estos elementos a la nueva música. En Gran Bretaña, el subgénero del blues rock, y muchas de sus principales figuras, como Ginger Baker y Jack Bruce de la banda Cream liderada por Eric Clapton , habían surgido de la escena del jazz británico . A menudo destacado como la primera grabación verdadera de jazz-rock es el único álbum de los relativamente oscuros Free Spirits, con sede en Nueva York, con Out of Sight and Sound (1966). El primer grupo de bandas que utilizaron conscientemente el sello fueron bandas de rock blanco orientadas al R&B que utilizaron secciones de instrumentos de jazz, como Electric Flag , Blood, Sweat & Tears y Chicago , para convertirse en algunos de los grupos de mayor éxito comercial de la última década. Década de 1960 y principios de 1970. [147]
Los actos británicos que surgieron en el mismo período de la escena del blues, para hacer uso de los aspectos tonales y de improvisación del jazz, incluyeron Nucleus [148] y el spin-off Colosseum de Graham Bond y John Mayall . Del rock psicodélico y las escenas de Canterbury surgió Soft Machine, quien, según se ha sugerido, produjo una de las fusiones artísticamente exitosas de los dos géneros. Quizás la fusión más aclamada por la crítica provino del lado del jazz de la ecuación, con Miles Davis , particularmente influenciado por el trabajo de Hendrix, incorporando instrumentación de rock a su sonido para el álbum Bitches Brew (1970). Fue una gran influencia para los artistas de jazz posteriores influenciados por el rock, incluidos Herbie Hancock , Chick Corea y Weather Report . [147] El género comenzó a desvanecerse a finales de la década de 1970, cuando una forma más suave de fusión comenzó a conquistar a su audiencia, [146] pero artistas como Steely Dan , [146] Frank Zappa y Joni Mitchell grabaron importantes álbumes con influencia del jazz en esta década. período, y ha seguido siendo una gran influencia en la música rock. [147]
Reflexionando sobre los desarrollos que ocurrieron en la música rock a principios de la década de 1970, Robert Christgau escribió en Christgau's Record Guide: Rock Albums of the Seventies (1981): [17]
La década es, por supuesto, un esquema arbitrario en sí mismo: el tiempo no ejecuta simplemente un giro claro hacia el futuro cada diez años. Pero como muchos conceptos artificiales (dinero, por ejemplo), la categoría adquiere una realidad propia una vez que la gente descubre cómo ponerla en práctica. "Los años 60 han terminado", un eslogan que sólo comenzó a escucharse alrededor de 1972, movilizó a todos aquellos deseosos de creer que el idealismo había quedado obsoleto, y una vez que se movilizaron, así fue. En la música popular, abrazar los años 70 significó tanto una retirada elitista de la desordenada escena de conciertos y contracultura como una búsqueda lucrativa del mínimo común denominador en la radio FM y el álbum de rock .
El rock experimentó una mayor mercantilización durante esta década, convirtiéndose en una industria multimillonaria y duplicando su mercado mientras, como señaló Christgau, sufría una importante "pérdida de prestigio cultural". "Tal vez los Bee Gees se hicieron más populares que los Beatles, pero nunca fueron más populares que Jesús ", dijo. "En la medida en que la música conservaba algún poder mítico, el mito era autorreferencial : había muchas canciones sobre la vida del rock and roll, pero muy pocas sobre cómo el rock podía cambiar el mundo, excepto como una nueva marca de analgésico... En En los años 70, los poderosos tomaron el poder, cuando los industriales del rock capitalizaron el estado de ánimo nacional para reducir la música potente a una especie de entretenimiento a menudo reaccionaria y para transmutar la base popular del rock de la audiencia al mercado. [17]
Roots rock es el término que ahora se utiliza para describir un alejamiento de lo que algunos veían como los excesos de la escena psicodélica, hacia una forma más básica de rock and roll que incorporó sus influencias originales, particularmente la música country y folk, lo que llevó a la creación de country rock y rock sureño. [149] En 1966 Bob Dylan fue a Nashville para grabar el álbum Blonde on Blonde . [150] Se ha considerado que este y los álbumes posteriores con una influencia más clara del country, como Nashville Skyline , crean el género del country folk , una ruta seguida por varios músicos folk en gran medida acústicos. [150] Otros actos que siguieron la tendencia de volver a lo básico fueron el grupo canadiense The Band y Creedence Clearwater Revival , con sede en California , que mezclaron rock and roll básico con folk, country y blues, para estar entre los más exitosos. y bandas influyentes de finales de los años 1960. [151] El mismo movimiento vio el comienzo de las carreras discográficas de artistas solistas californianos como Ry Cooder , Bonnie Raitt y Lowell George , [152] e influyó en el trabajo de artistas consagrados como Beggar's Banquet (1968) de los Rolling Stones y el Déjalo ser de los Beatles (1970). [125] Reflexionando sobre este cambio de tendencias en la música rock en los últimos años, Christgau escribió en su columna "Consumer Guide" de junio de 1970 que esta "nueva ortodoxia" y "retraso cultural" abandonaron las producciones improvisadas adornadas en estudio en favor de un énfasis en la "instrumentación ajustada y sobria" y la composición de canciones: "Sus referentes son el rock de los años 50, la música country y el Rhythm-and-Blues, y su inspiración clave es la Banda". [153]
En 1968, Gram Parsons grabó Safe at Home con la International Submarine Band , posiblemente el primer álbum de verdadero country rock . [154] Más tarde ese año se unió a los Byrds para Sweetheart of the Rodeo (1968), generalmente considerada una de las grabaciones más influyentes del género. [154] Los Byrds continuaron en la misma línea, pero Parsons se fue para unirse a otro ex miembro de Byrds, Chris Hillman, para formar los Flying Burrito Brothers , quienes ayudaron a establecer la respetabilidad y los parámetros del género, antes de que Parsons partiera para seguir una carrera en solitario. . [154] Las bandas en California que adoptaron el country rock incluyeron Hearts and Flowers, Poco , New Riders of the Purple Sage , [154] Beau Brummels , [154] y Nitty Gritty Dirt Band . [155] Algunos artistas también disfrutaron de un renacimiento al adoptar sonidos country, entre ellos: los Everly Brothers; el ex ídolo adolescente Rick Nelson, quien se convirtió en el líder de Stone Canyon Band; el ex Monkee Mike Nesmith que formó la Primera Banda Nacional ; y Neil Young . [154] Los Dillards eran, inusualmente, un acto country, que avanzó hacia la música rock. [154] El mayor éxito comercial del country rock se produjo en la década de 1970, con artistas como los Doobie Brothers , Emmylou Harris , Linda Ronstadt y los Eagles (compuestos por miembros de Burritos, Poco y Stone Canyon Band), que emergieron como uno de los grupos de rock más exitosos de todos los tiempos, produciendo álbumes que incluyen Hotel California (1976). [156]
Se suele pensar que los fundadores del rock sureño fueron la Allman Brothers Band, que desarrolló un sonido distintivo, en gran medida derivado del blues rock , pero incorporando elementos de boogie , soul y country a principios de los años 1970. [110] El acto más exitoso que les siguió fue Lynyrd Skynyrd, quien ayudó a establecer la imagen de "buen chico" del subgénero y la forma general del rock de guitarra de los años 70. [110] Sus sucesores incluyeron a los instrumentistas de fusión/progresivo Dixie Dregs , los Outlaws , más influenciados por el country , Wet Willie , de tendencia funk/R&B y (incorporando elementos de R&B y gospel) los Ozark Mountain Daredevils . [110] Después de la pérdida de los miembros originales de Allmans y Lynyrd Skynyrd, el género comenzó a perder popularidad a fines de la década de 1970, pero se mantuvo en la década de 1980 con actos como .38 Special , Molly Hatchet y Marshall Tucker Band . [110]
El glam rock surgió de las escenas psicodélicas y art rock inglesas de finales de la década de 1960 y puede verse como una extensión y una reacción contra esas tendencias. [157] Musicalmente diverso, que varía desde el simple resurgimiento del rock and roll de figuras como Alvin Stardust hasta el complejo art rock de Roxy Music, y puede verse tanto como una moda como un subgénero musical. [157] Visualmente era una malla de varios estilos, que iban desde el glamour de Hollywood de la década de 1930, pasando por el atractivo sexual pin-up de la década de 1950, el teatro de cabaret de antes de la guerra, los estilos literarios y simbolistas victorianos , la ciencia ficción y el misticismo y la mitología antiguos y ocultos ; manifestándose en ropa, maquillaje, peinados y botas con suela de plataforma escandalosos. [158] El glam es más conocido por su ambigüedad sexual y de género y sus representaciones de androginia , además de un uso extensivo de la teatralidad. [159] Fue prefigurado por el talento para el espectáculo y la manipulación de la identidad de género de actos estadounidenses como los Cockettes y Alice Cooper . [160]
Los orígenes del glam rock están asociados con Marc Bolan , quien cambió el nombre de su dúo folk a T. Rex y se dedicó a los instrumentos eléctricos a finales de los años 1960. A menudo se cita como el momento de su creación su aparición en el programa musical de la BBC Top of the Pops en marzo de 1971 vistiendo purpurina y satén, para interpretar lo que sería su segundo éxito en el Top 10 del Reino Unido (y su primer éxito número 1 en el Reino Unido), " Hot Love". ". [161] A partir de 1971, ya una estrella menor, David Bowie desarrolló su personaje Ziggy Stardust, incorporando elementos de maquillaje profesional, mimo y actuación en su acto. [162] Estos artistas pronto fueron seguidos en el estilo por artistas como Roxy Music, Sweet , Slade , Mott the Hoople , Mud y Alvin Stardust . [162] Si bien tuvieron gran éxito en las listas de sencillos del Reino Unido, muy pocos de estos músicos lograron tener un impacto serio en los Estados Unidos; Bowie fue la gran excepción al convertirse en una superestrella internacional e impulsó la adopción de estilos glamorosos entre artistas como Lou Reed , Iggy Pop , New York Dolls y Jobriath , a menudo conocidos como "glitter rock" y con un contenido lírico más oscuro que sus homólogos británicos. [163] En el Reino Unido, el término glitter rock se usaba con mayor frecuencia para referirse a la versión extrema del glam perseguida por Gary Glitter y sus músicos de apoyo, Glitter Band , quienes entre ellos lograron dieciocho sencillos entre los diez primeros en el Reino Unido entre 1972 y 1976. [164] Una segunda ola de actos de glam rock, incluidos Suzi Quatro , Wizzard y Sparks de Roy Wood , dominaron las listas de singles británicas aproximadamente entre 1974 y 1976. [162] Los actos existentes, algunos de los cuales no suelen considerarse centrales para el género, también Adoptó estilos glamorosos, incluidos Rod Stewart , Elton John , Queen y, durante un tiempo, incluso los Rolling Stones. [162] También fue una influencia directa en actos que saltaron a la fama más tarde, incluidos Kiss y Adam Ant , y menos directamente en la formación del rock gótico y el glam metal , así como en el punk rock, que ayudó a poner fin a la moda del glam de alrededor de 1976. [163] Desde entonces, Glam ha disfrutado de modestos resurgimientos esporádicos a través de bandas como Chainsaw Kittens ,the Darkness [165] y en el acto cruzado de R&B Prince . [166]
Después de los primeros éxitos del rock latino en los años 1960, músicos chicanos como Carlos Santana y Al Hurricane continuaron teniendo carreras exitosas durante los años 1970. Santana abrió la década con éxito con su sencillo de 1970 " Black Magic Woman " del álbum Abraxas . [167] Su tercer álbum Santana III produjo el sencillo "No One to Depend On", y su cuarto álbum Caravanserai experimentó con su sonido con una recepción mixta. [168] [169] Más tarde lanzó una serie de cuatro álbumes que alcanzaron el estatus de oro: Welcome , Borboletta , Amigos y Festivál . Al Hurricane continuó mezclando su música rock con música de Nuevo México , aunque también estaba experimentando más intensamente con la música Jazz , lo que le llevó a varios sencillos exitosos, especialmente en su álbum Vestido Mojado , incluido el homónimo "Vestido Mojado", así como " Por Una Mujer Casada" y "Puño de Tierra"; sus hermanos tuvieron sencillos exitosos de música de Nuevo México en "La Del Moño Colorado" de Tiny Morrie y "La Cumbia De San Antone" de Baby Gaby. [170] Al Hurricane Jr. también comenzó su exitosa carrera discográfica de música en Nuevo México con infusión de rock en la década de 1970, con su interpretación de 1976 de "Flor De Las Flores". [171] [172] Los Lobos ganaron popularidad en este momento, con su primer álbum Los Lobos del Este de Los Ángeles en 1977.
Una época extraña, 1971: aunque la balcanización del rock en géneros estaba en marcha, a menudo era difícil distinguir un eslogan de otro. " Art-rock " podía significar cualquier cosa, desde los Velvets hasta los Moody Blues , y aunque se lanzó Led Zeppelin y se celebró Black Sabbath , el " heavy metal " siguió siendo un concepto amorfo.
—Robert Christgau [173]
Desde finales de la década de 1960 se hizo común dividir la música rock convencional en rock suave y duro. El rock suave a menudo se derivaba del folk rock, utilizaba instrumentos acústicos y ponía más énfasis en la melodía y las armonías. [174] Los artistas principales incluyeron a Carole King , Cat Stevens y James Taylor . [174] Alcanzó su pico comercial a mediados y finales de la década de 1970 con actos como Billy Joel , America y el reformado Fleetwood Mac , cuyo Rumours (1977) fue el álbum más vendido de la década. [175] Por el contrario, el hard rock se derivaba más a menudo del blues-rock y se tocaba más fuerte y con más intensidad. [176] A menudo enfatizaba la guitarra eléctrica, tanto como instrumento rítmico que usaba riffs repetitivos simples como como instrumento principal solista, y era más probable que se usara con distorsión y otros efectos. [176] Los actos clave incluyeron bandas de British Invasion como los Kinks, así como artistas de la era psicodélica como Cream, Jimi Hendrix y Jeff Beck Group . [176] Las bandas con influencia del hard rock que disfrutaron de éxito internacional a finales de la década de 1970 incluyeron a Queen, [177] Thin Lizzy , [178] Aerosmith , AC/DC , [176] y Van Halen .
Desde finales de la década de 1960, el término "heavy metal" comenzó a utilizarse para describir algo de hard rock tocado con aún más volumen e intensidad, primero como adjetivo y a principios de la década de 1970 como sustantivo. [179] El término se utilizó por primera vez en la música en " Born to Be Wild " de Steppenwolf (1967) y comenzó a asociarse con bandas pioneras como Blue Cheer de San Francisco , James Gang de Cleveland y Grand Funk Railroad de Michigan . [180] En 1970, tres bandas británicas clave habían desarrollado los sonidos y estilos característicos que ayudarían a dar forma al subgénero. Led Zeppelin añadió elementos de fantasía a su blues-rock cargado de riffs, Deep Purple trajo intereses sinfónicos y medievales de su fase de rock progresivo y Black Sabbath introdujo facetas de la armonía gótica y modal , ayudando a producir un sonido "más oscuro". [181] Estos elementos fueron adoptados por una "segunda generación" de bandas de heavy metal a finales de la década de 1970, entre ellas: Judas Priest , UFO , Motörhead y Rainbow de Gran Bretaña; Kiss , Ted Nugent y Blue Öyster Cult de Estados Unidos; Rush de Canadá y Scorpions de Alemania, todos marcando la expansión de la popularidad del subgénero. [181] A pesar de la falta de difusión y muy poca presencia en las listas de sencillos, el heavy metal de finales de la década de 1970 consiguió un número considerable de seguidores, especialmente entre los varones adolescentes de clase trabajadora en América del Norte y Europa. [182] En la década de 1980, bandas como Bon Jovi , Guns N' Roses , Skid Row y Def Leppard lograron un gran éxito, con hard rock y una fusión de hard rock con pop. Durante la década de 1990, el hard rock experimentó una ligera disminución en popularidad, salvo algunos éxitos importantes como November Rain de Guns N' Roses . Pero a principios de la década de 2000, " It's My Life " de Bon Jovi experimentó un enorme aumento en la popularidad del rock y el pop rock y ayudó a presentar estos géneros a una nueva base de fans.
El rock, principalmente el género heavy metal, ha sido criticado por algunos líderes cristianos, que lo han condenado como inmoral, anticristiano e incluso satánico. [183] Sin embargo, el rock cristiano comenzó a desarrollarse a fines de la década de 1960, particularmente a partir del movimiento de Jesús que comenzó en el sur de California, y surgió como un subgénero en la década de 1970 con artistas como Larry Norman , generalmente visto como la primera "estrella" importante de rock cristiano. [184] El género fue principalmente un fenómeno en los Estados Unidos. [185] Muchos artistas de rock cristiano tienen vínculos con la escena de la música cristiana contemporánea . A partir de la década de 1980, los artistas de pop cristiano han tenido cierto éxito generalizado. Si bien estos artistas eran en gran medida aceptables en las comunidades cristianas, la adopción de estilos de heavy rock y glam metal por parte de bandas como Stryper , que lograron un considerable éxito en la década de 1980, fue más controvertida. [186] [187] A partir de la década de 1990 hubo un número cada vez mayor de actos que intentaron evitar la etiqueta de banda cristiana, prefiriendo ser vistos como grupos que también eran cristianos, incluido POD . [188]
El rock del corazón de la clase trabajadora estadounidense, caracterizado por un estilo musical sencillo y una preocupación por la vida de la gente corriente y obrera estadounidense, se desarrolló en la segunda mitad de la década de 1970. El término heartland rock se utilizó por primera vez para describir grupos de rock de arena del Medio Oeste como Kansas , REO Speedwagon y Styx, pero llegó a asociarse con una forma de rock de raíces más socialmente influenciada y más directamente influenciada por el folk, el country y el rock and roll. [189] Se ha visto como una contraparte del Medio Oeste y el Cinturón de Óxido de Estados Unidos al country rock de la costa oeste y al rock sureño del sur de Estados Unidos. [190] Liderado por figuras que inicialmente habían sido identificadas con el punk y la New Wave, estuvo fuertemente influenciado por artistas como Bob Dylan, los Byrds, Creedence Clearwater Revival y Van Morrison , y el rock básico del garage de los años 60 y los Rolling Stones. . [191]
Ejemplificado por el éxito comercial de los cantautores Bruce Springsteen , Bob Seger y Tom Petty , junto con actos menos conocidos como Southside Johnny and the Asbury Jukes y Joe Grushecky and the Houserockers , fue en parte una reacción al declive urbano postindustrial. en el Este y Medio Oeste, a menudo insistiendo en temas de desintegración social y aislamiento, además de una forma de revivalismo del rock and roll de los buenos tiempos. [191] El género alcanzó su pico comercial, artístico e influyente a mediados de la década de 1980, con Born in the USA (1984) de Springsteen, que encabezó las listas mundiales y generó una serie de sencillos entre los diez primeros, junto con la llegada de artistas como John Mellencamp , Steve Earle y cantautores más amables como Bruce Hornsby . [191] También se puede escuchar como una influencia en artistas tan diversos como Billy Joel , [192] Kid Rock [193] y los Killers . [194]
El rock de Heartland se desvaneció como género reconocido a principios de la década de 1990, a medida que la música rock en general, y los temas obreros y de la clase trabajadora blanca en particular, perdieron influencia entre el público más joven y los artistas de Heartland recurrieron a obras más personales. [191] Muchos artistas de rock del corazón continúan grabando hoy con éxito comercial y de crítica, sobre todo Bruce Springsteen, Tom Petty y John Mellencamp, aunque sus trabajos se han vuelto más personales y experimentales y ya no encajan fácilmente en un solo género. Los artistas más nuevos cuya música tal vez habría sido etiquetada como heartland rock si hubiera sido lanzada en las décadas de 1970 y 1980, como Bottle Rockets de Missouri y Uncle Tupelo de Illinois , a menudo se encuentran etiquetados como alt-country . [195]
El punk rock se desarrolló entre 1974 y 1976 en Estados Unidos y Reino Unido. Arraigadas en el garage rock y otras formas de lo que ahora se conoce como música protopunk, las bandas de punk rock evitaron los excesos percibidos del rock convencional de los años 70. [196] Crearon música rápida y dura, típicamente con canciones cortas, instrumentación simplificada y, a menudo, letras políticas y antisistema. El punk adopta una ética del bricolaje (hazlo tú mismo) , y muchas bandas autoproducen sus grabaciones y las distribuyen a través de canales informales. [197]
A finales de 1976, grupos como los Ramones y Patti Smith , en la ciudad de Nueva York, y los Sex Pistols y The Clash , en Londres, fueron reconocidos como la vanguardia de un nuevo movimiento musical. [196] Al año siguiente, el punk rock se extendió por todo el mundo. El punk se convirtió rápidamente en un fenómeno cultural importante en el Reino Unido. La escaramuza televisiva en vivo de los Sex Pistols con Bill Grundy el 1 de diciembre de 1976 fue el momento decisivo en la transformación del punk británico en un fenómeno mediático importante, incluso cuando algunas tiendas se negaron a almacenar los discos y la transmisión por radio era difícil de conseguir. [198] En mayo de 1977, los Sex Pistols alcanzaron nuevos niveles de controversia (y el número dos en la lista de sencillos) con una canción que hacía referencia a la reina Isabel II , " God Save the Queen ", durante su Jubileo de Plata . [199] En su mayor parte, el punk echó raíces en escenas locales que tendían a rechazar la asociación con la corriente principal. Surgió una subcultura punk asociada , que expresaba rebelión juvenil y se caracterizaba por estilos de ropa distintivos y una variedad de ideologías antiautoritarias . [200]
A principios de la década de 1980, estilos más rápidos y agresivos como el hardcore y Oi! se había convertido en el modo predominante del punk rock. [201] Esto ha resultado en varias variedades evolucionadas de hardcore punk, como D-beat (un subgénero con mucha distorsión influenciado por la banda británica Discharge ), anarco-punk (como Crass ), grindcore (como Napalm Death ), y crust punk . [202] Los músicos que se identificaron con el punk o se inspiraron en él también buscaron una amplia gama de otras variaciones, dando origen al movimiento New Wave , post-punk y rock alternativo . [196]
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Aunque el punk rock fue un fenómeno social y musical significativo, logró menos en términos de ventas de discos (distribuidos por pequeños sellos especializados como Stiff Records ), [203] o difusión en la radio estadounidense (ya que la escena de la radio siguió estando dominada por formatos convencionales como disco y rock orientado a álbumes ). [204] El punk rock había atraído a devotos del mundo artístico y universitario y pronto bandas que lucían un enfoque más alfabetizado y artístico, como Talking Heads y Devo comenzaron a infiltrarse en la escena punk; En algunos sectores, la descripción "nueva ola" comenzó a utilizarse para diferenciar a estas bandas menos abiertamente punk. [205] Los ejecutivos discográficos, que habían estado en su mayoría desconcertados por el movimiento punk, reconocieron el potencial de los actos más accesibles de la nueva ola y comenzaron a contratar y comercializar agresivamente cualquier banda que pudiera reclamar una conexión remota con el punk o la nueva ola. [206] Muchas de estas bandas, como Cars y Go-Go's, pueden verse como bandas de pop comercializadas como new wave; [207] otros grupos existentes, incluidos Police , The Pretenders y Elvis Costello , utilizaron el movimiento new wave como trampolín para carreras relativamente largas y de éxito crítico, [208] mientras que las bandas de "corbata delgada" ejemplificadas por The Knack , [209] o los fotogénicos Blondie , comenzaron como actos punk y se trasladaron a un territorio más comercial. [210]
Entre 1979 y 1985, influenciada por Kraftwerk, Yellow Magic Orchestra , David Bowie y Gary Numan , la nueva ola británica tomó la dirección de nuevos románticos como Spandau Ballet , Ultravox , Japan , Duran Duran , A Flock of Seagulls , Culture Club , Talk . Talk and the Eurythmics , utilizando a veces el sintetizador para sustituir a todos los demás instrumentos. [211] Este período coincidió con el auge de MTV y dio lugar a una gran exposición para este tipo de synth-pop, creando lo que se ha caracterizado como una segunda invasión británica . [212] Algunas bandas de rock más tradicionales se adaptaron a la era del vídeo y se beneficiaron de la difusión de MTV , más obviamente Dire Straits , cuyo " Money for Nothing " se burló suavemente de la estación, a pesar de que había ayudado a convertirlos en estrellas internacionales, [ 213] pero, en general, el rock orientado a la guitarra quedó eclipsado comercialmente. [214]
Si el hardcore perseguía más directamente la estética minimalista del punk, y la new wave pasó a representar su ala comercial, el post-punk surgió a finales de los años 1970 y principios de los 1980 como su lado más artístico y desafiante. Las principales influencias además de las bandas de punk fueron Velvet Underground , Frank Zappa y Captain Beefheart , y la escena no wave con sede en Nueva York que puso énfasis en la interpretación, incluidas bandas como James Chance and the Contortions , DNA y Sonic Youth . [215] Los primeros contribuyentes al género incluyeron las bandas estadounidenses Pere Ubu , Devo, the Residents y Talking Heads . [215]
La primera ola de post-punk británico incluyó a Gang of Four , Siouxsie and the Banshees y Joy Division , que pusieron menos énfasis en el arte que sus homólogos estadounidenses y más en las oscuras cualidades emocionales de su música. [215] Bandas como Siouxsie and the Banshees, Bauhaus , the Cure y Sisters of Mercy se movieron cada vez más en esta dirección para fundar el rock gótico, que se había convertido en la base de una importante subcultura a principios de los años 1980. [216] Actos australianos como The Birthday Party y Nick Cave persiguieron un territorio emocional similar . [215] Los miembros de Bauhaus y Joy Division exploraron nuevos territorios estilísticos como Love and Rockets y New Order respectivamente. [215] Otro movimiento post-punk temprano fue la música industrial [217] desarrollada por las bandas británicas Throbbing Gristle y Cabaret Voltaire , y Suicide , con sede en Nueva York , utilizando una variedad de técnicas electrónicas y de muestreo que emulaban el sonido de la producción industrial y que se convertiría en una variedad de formas de música postindustrial en la década de 1980. [218]
La segunda generación de bandas británicas de post-punk que irrumpieron a principios de la década de 1980, incluidas Fall , Pop Group , Mekons , Echo and the Bunnymen y Teardrop Explodes , tendieron a alejarse de los paisajes sonoros oscuros. [215] Podría decirse que la banda más exitosa que surgió del post-punk fue la irlandesa U2 , que incorporó elementos de imágenes religiosas junto con comentarios políticos en su música, a menudo himno, y a finales de la década de 1980 se había convertido en una de las bandas más grandes del mundo. [219] Aunque muchas bandas post-punk continuaron grabando y actuando, decayó como movimiento a mediados de la década de 1980 cuando los grupos se disolvieron o se trasladaron para explorar otras áreas musicales, pero ha seguido influyendo en el desarrollo de la música rock y ha Ha sido visto como un elemento importante en la creación del movimiento de rock alternativo. [220]
El término rock alternativo fue acuñado a principios de la década de 1980 para describir a los artistas de rock que no encajaban en los géneros principales de la época. Las bandas denominadas "alternativas" no tenían un estilo unificado, pero todas eran vistas como distintas de la música convencional. Las bandas alternativas estaban ligadas por su deuda colectiva con el punk rock, a través del hardcore, la New Wave o los movimientos post-punk. [221] Importantes bandas de rock alternativo de la década de 1980 en los EE. UU. incluyeron a REM , Hüsker Dü , Jane's Addiction , Sonic Youth y Pixies , [221] y en el Reino Unido the Cure , New Order , Jesus and Mary Chain y the Herreros . [222] Los artistas se limitaron en gran medida a sellos discográficos independientes , construyendo una extensa escena musical underground basada en la radio universitaria , fanzines, giras y el boca a boca. [223] Rechazaron el synth-pop dominante de principios de la década de 1980, marcando un regreso al rock de guitarra grupal. [224] [225] [226]
Pocas de estas primeras bandas lograron un éxito generalizado, aunque las excepciones a esta regla incluyen a REM, The Smiths y The Cure. A pesar de la falta general de ventas espectaculares de álbumes, las bandas originales de rock alternativo ejercieron una influencia considerable en la generación de músicos que alcanzaron la mayoría de edad en los años 1980 y terminaron alcanzando el éxito general en los años 1990. Los estilos de rock alternativo en los EE. UU. durante la década de 1980 incluyeron jangle pop , asociado con las primeras grabaciones de REM, que incorporaban las guitarras resonantes del pop y rock de mediados de la década de 1960, y el rock universitario, utilizado para describir bandas alternativas que comenzaron en el circuito universitario. y radio universitaria, incluidos actos como 10,000 Maniacs and the Feelies . [221] En el Reino Unido, el rock gótico era dominante a principios de la década de 1980, pero a finales de la década, el indie o el dream pop [227] como Primal Scream , Bogshed , Half Man Half Biscuit y the Wedding Present , y los que fueron apodados Entraron bandas de shoegaze como My Bloody Valentine , Slowdive , Ride y Lush . [228] Particularmente vibrante fue la escena de Madchester , produciendo bandas como Happy Mondays , Inspiral Carpets y Stone Roses . [222] [229] La próxima década vería el éxito del grunge en los EE. UU. y del britpop en el Reino Unido, llevando el rock alternativo a la corriente principal.
Desafectados por el pop y el rock comercializados y altamente producidos a mediados de la década de 1980, las bandas del estado de Washington (particularmente en el área de Seattle ) formaron un nuevo estilo de rock que contrastaba marcadamente con la música dominante de la época. [230] El género en desarrollo llegó a ser conocido como "grunge", un término que describe el sonido sucio de la música y la apariencia descuidada de la mayoría de los músicos, quienes se rebelaron activamente contra las imágenes demasiado cuidadas de otros artistas. [230] El grunge fusionó elementos del hardcore punk y el heavy metal en un solo sonido, e hizo un uso intensivo de la distorsión de la guitarra , el fuzz y la retroalimentación . [230] Las letras eran típicamente apáticas y llenas de angustia, y a menudo trataban temas como la alienación social y la trampa, aunque también era conocida por su humor negro y parodias del rock comercial. [230]
Bandas como Green River , Soundgarden , Melvins y Skin Yard fueron pioneras en el género, y Mudhoney se convirtió en la más exitosa a finales de la década. El grunge siguió siendo en gran medida un fenómeno local hasta 1991, cuando el álbum Nevermind de Nirvana se convirtió en un gran éxito y contenía el himno " Smells Like Teen Spirit ". [231] Nevermind era más melódico que sus predecesores; al firmar con Geffen Records, la banda fue una de las primeras en emplear mecanismos tradicionales de promoción y marketing corporativos, como un vídeo de MTV, exhibidores en tiendas y el uso de "consultores" de radio que promocionaban Retransmisión en las principales estaciones de rock convencionales. Durante 1991 y 1992, otros álbumes grunge como Ten de Pearl Jam , Badmotorfinger de Soundgarden y Dirt de Alice in Chains , junto con el álbum Temple of the Dog con miembros de Pearl Jam y Soundgarden, se convirtieron entre los 100 álbumes más vendidos. . [232] Los principales sellos discográficos contrataron a la mayoría de las bandas de grunge restantes en Seattle, mientras que una segunda afluencia de actos se trasladó a la ciudad con la esperanza de tener éxito. [233] Sin embargo, con la muerte de Kurt Cobain y la posterior ruptura de Nirvana en 1994, los problemas de gira de Pearl Jam y la salida del cantante principal de Alice in Chains, Layne Staley , en 1998, el género comenzó a declinar, en parte debido a quedar eclipsado por el britpop y el post-grunge con un sonido más comercial . [234]
El britpop surgió de la escena del rock alternativo británico de principios de los años 1990 y se caracterizó por bandas particularmente influenciadas por la música de guitarra británica de los años 1960 y 1970. [222] Los Smiths fueron una influencia importante, al igual que las bandas de la escena de Madchester , que se habían disuelto a principios de la década de 1990. [91] El movimiento ha sido visto en parte como una reacción contra varias tendencias musicales y culturales basadas en Estados Unidos a finales de los 80 y principios de los 90, en particular el fenómeno grunge , y como una reafirmación de la identidad del rock británico. [222] El britpop tenía un estilo variado, pero a menudo usaba melodías y ganchos pegadizos, además de letras con preocupaciones particularmente británicas y la adopción de la iconografía de la invasión británica de la década de 1960, incluidos los símbolos de la identidad británica utilizados anteriormente por los mods. [235] Se lanzó alrededor de 1993 con lanzamientos de grupos como Suede y Blur , a los que pronto se unieron otros como Oasis , Pulp , Supergrass y Elastica , que produjeron una serie de álbumes y sencillos exitosos. [222] Durante un tiempo, la prensa popular convirtió la contienda entre Blur y Oasis en la "Batalla del Britpop", inicialmente ganada por Blur, pero con Oasis logrando un mayor éxito internacional y a largo plazo, influyendo directamente en las bandas de Britpop posteriores, como como Ocean Color Scene y Kula Shaker . [236] Los grupos de britpop llevaron el rock alternativo británico a la corriente principal y formaron la columna vertebral de un movimiento cultural británico más amplio conocido como Cool Britannia . [237] Aunque sus bandas más populares, particularmente Blur y Oasis, pudieron extender su éxito comercial en el extranjero, especialmente en los Estados Unidos, el movimiento se había desmoronado en gran medida a finales de la década. [222]
El término post-grunge fue acuñado para la generación de bandas que siguieron al surgimiento de la corriente principal y la posterior pausa de las bandas grunge de Seattle. Las bandas post-grunge emularon sus actitudes y su música, pero con un sonido más radiofónico y de orientación comercial. [234] A menudo trabajaron a través de los principales sellos discográficos y llegaron a incorporar diversas influencias del jangle pop, pop-punk, metal alternativo o hard rock. [234] El término post-grunge originalmente pretendía ser peyorativo, sugiriendo que eran simplemente musicalmente derivados, o una respuesta cínica a un movimiento de rock "auténtico". [238] Originalmente, las bandas de grunge que surgieron cuando el grunge era popular y se sospechaba que emulaban el sonido grunge fueron etiquetadas peyorativamente como post-grunge. [238] A partir de 1994, la nueva banda del ex baterista de Nirvana Dave Grohl , Foo Fighters , ayudó a popularizar el género y definir sus parámetros. [239]
Algunas bandas post-grunge, como Candlebox , eran de Seattle, pero el subgénero estuvo marcado por una ampliación de la base geográfica del grunge, con bandas como Audioslave de Los Ángeles y Collective Soul de Georgia y más allá de los EE. UU. hasta Silverchair de Australia y Bush de Gran Bretaña. , quienes consolidaron el post-grunge como uno de los subgéneros más viables comercialmente de finales de los noventa. [221] [234] Aunque las bandas masculinas predominaron el post-grunge, el álbum de 1995 de la solista Alanis Morissette , Jagged Little Pill , etiquetado como post-grunge, también se convirtió en un éxito multiplatino. [240] El post-grunge se transformó a finales de la década de 1990 cuando surgieron bandas post-grunge como Creed y Nickelback . [238] Bandas como Creed y Nickelback llevaron el post-grunge al siglo XXI con considerable éxito comercial, abandonando la mayor parte de la angustia y la ira del movimiento original por himnos, narrativas y canciones románticas más convencionales, y fueron seguidas en esta línea por nuevas actos que incluyen Shinedown , Seether , 3 Doors Down y Puddle of Mudd . [238]
Los orígenes del pop-punk de los años 1990 se pueden ver en las bandas más orientadas a las canciones del movimiento punk de los años 1970 como Buzzcocks and the Clash , grupos de la nueva ola comercialmente exitosos como Jam and the Undertones , y los elementos más influidos por el hardcore de la música alternativa. rock en los años 80. [241] El pop-punk tiende a utilizar melodías power-pop y cambios de acordes con tempos punk rápidos y guitarras ruidosas. [242] La música punk sirvió de inspiración para algunas bandas con sede en California en sellos independientes a principios de la década de 1990, incluidas Rancid , Pennywise , Weezer y Green Day . [241] En 1994, Green Day se mudó a un sello importante y produjo el álbum Dookie , que encontró una nueva audiencia, en su mayoría adolescente, y demostró ser un éxito sorpresa en la venta de diamantes, lo que llevó a una serie de sencillos exitosos, incluidos dos números uno en el A NOSOTROS. [221] Pronto les siguió el debut homónimo de Weezer , que generó tres sencillos entre los diez primeros en los EE. UU. [243] Este éxito abrió la puerta a las ventas multiplatino de la banda de punk metálico The Offspring con Smash (1994). [221] Esta primera ola de pop punk alcanzó su pico comercial con Nimrod (1997) de Green Day y Americana (1998) de Offspring . [244]
Una segunda ola de pop-punk fue encabezada por Blink-182 , con su exitoso álbum Enema of the State (1999), seguida por bandas como Good Charlotte , Simple Plan y Sum 41 , que hicieron uso del humor en sus vídeos y tenían un tono más radiofónico a su música, conservando al mismo tiempo la velocidad, algo de la actitud e incluso el aspecto del punk de los setenta. [241] Las bandas de pop-punk posteriores, incluidas All Time Low , All-American Rejects y Fall Out Boy , tenían un sonido que ha sido descrito como más cercano al hardcore de los 80, sin dejar de lograr éxito comercial. [241]
En la década de 1980, los términos indie rock y rock alternativo se usaban indistintamente. [245] A mediados de la década de 1990, cuando los elementos del movimiento comenzaron a atraer el interés de la corriente principal, particularmente el grunge y luego el britpop, el post-grunge y el pop-punk, el término alternativo comenzó a perder su significado. [245] El sello indie se refería cada vez más a aquellas bandas que seguían los contornos menos comerciales de la escena. [245] Característicamente intentaron mantener el control de sus carreras lanzando álbumes en sus propios sellos o en pequeños sellos independientes, mientras dependían de las giras, el boca a boca y la difusión en estaciones de radio independientes o universitarias para su promoción. [245] Vinculado por un ethos más que un enfoque musical, el movimiento de indie rock abarcó una amplia gama de estilos, desde bandas duras con influencia grunge como Cranberries y Superchunk , hasta bandas experimentales de bricolaje como Pavement , hasta cantantes de punk-folk como Ani DiFranco . [221] [222] Se ha observado que el rock independiente tiene una proporción relativamente alta de artistas femeninas en comparación con los géneros de rock anteriores, una tendencia ejemplificada por el desarrollo de la música Riot grrrl con información feminista . [246] Muchos países han desarrollado una extensa escena indie local , floreciente con bandas con suficiente popularidad para sobrevivir dentro del país respectivo, pero prácticamente desconocidas fuera de ellos. [247]
A finales de la década de 1990, muchos subgéneros reconocibles, la mayoría con sus orígenes en el movimiento alternativo de finales de la década de 1980, se incluyeron bajo el paraguas del indie. Lo-fi evitó técnicas de grabación pulidas por un espíritu de bricolaje y fue encabezado por Beck , Sebadoh y Pavement . [221] El trabajo de Talk Talk y Slint ayudó a inspirar tanto el post rock, un estilo experimental influenciado por el jazz y la música electrónica , iniciado por Bark Psychosis y retomado por actos como Tortoise , Stereolab y Laika , [248] [249] además de conducir a un rock matemático más denso y complejo, basado en guitarras, desarrollado por artistas como Polvo y Chávez . [250] El rock espacial miró hacia atrás a las raíces progresivas, con actos minimalistas y pesados con drones como Spacemen 3 , las dos bandas creadas a partir de su división, Spectrum y Spiritualized , y grupos posteriores como Flying Saucer Attack , Godspeed You! Emperador Negro y Quickspace . [251] En contraste, Sadcore enfatizó el dolor y el sufrimiento a través del uso melódico de instrumentación acústica y electrónica en la música de bandas como American Music Club y Red House Painters , [252] mientras que el resurgimiento del pop barroco reaccionó contra la música lo-fi y experimental. poniendo énfasis en la melodía y la instrumentación clásica, con artistas como Arcade Fire , Belle and Sebastian y Rufus Wainwright . [253]
El metal alternativo surgió de la escena hardcore del rock alternativo en Estados Unidos a finales de los años 1980, pero ganó una audiencia más amplia después de que el grunge irrumpiera en la corriente principal a principios de los años 1990. [254] Las primeras bandas de metal alternativo mezclaron una amplia variedad de géneros con sensibilidades de hardcore y heavy metal, con actos como Jane's Addiction y Primus usando rock progresivo, Soundgarden y Corrosion of Conformity usando garage punk, Jesus Lizard y Helmet mezclando noise rock , Ministry . y Nine Inch Nails influenciados por la música industrial , Monster Magnet pasando a la psicodelia , Pantera , Sepultura y White Zombie creando groove metal , mientras que Biohazard , Limp Bizkit y Faith No More recurrieron al hip hop y el rap. [254]
El hip hop había ganado la atención de los grupos de rock a principios de la década de 1980, incluidos The Clash con " The Magnificent Seven " (1980) y Blondie con " Rapture " (1980). [255] [256] Los primeros actos cruzados incluyeron a Run DMC y los Beastie Boys . [257] El rapero de Detroit Esham se hizo conocido por su estilo de "rap ácido", que fusionaba el rap con un sonido que a menudo se basaba en el rock y el heavy metal. [258] [259] Los raperos que probaron canciones de rock incluyeron a Ice-T , los Fat Boys , LL Cool J , Public Enemy y Whodini . [260] Anthrax fue pionero en la mezcla de thrash metal y rap en su sencillo de 1987 con influencias de comedia " I'm the Man ". [260]
En 1990, Faith No More irrumpió en la corriente principal con su sencillo " Epic ", a menudo visto como la primera combinación verdaderamente exitosa de heavy metal con rap. [261] Esto allanó el camino para el éxito de bandas existentes como 24-7 Spyz y Living Color , y nuevos actos como Rage Against the Machine y Red Hot Chili Peppers , quienes fusionaron rock y hip hop, entre otras influencias. [260] [262] Entre la primera ola de artistas que obtuvieron éxito como rap rock se encontraban 311 , [263] Bloodhound Gang , [264] y Kid Rock . [265] Bandas como Limp Bizkit , Korn y Slipknot buscaron un sonido más metálico, el nu metal . [260] Más adelante en la década, este estilo, que contenía una mezcla de grunge, punk, metal, rap y scratching de tocadiscos , generó una ola de bandas exitosas como Linkin Park , POD y Staind , que a menudo fueron clasificadas como rap metal o nu metal. , los primeros de los cuales son la banda más vendida del género. [266]
En 2001, el nu metal alcanzó su apogeo con álbumes como Break the Cycle de Staind , Satellite de POD , Iowa de Slipknot y Hybrid Theory de Linkin Park . También surgieron nuevas bandas como Disturbed , Godsmack y Papa Roach , cuyo debut en un sello importante, Infest, se convirtió en un éxito de platino. [267] El esperado quinto álbum de Korn, Untouchables , y el segundo álbum de Papa Roach, Lovehatetragedy , no se vendieron tan bien como sus lanzamientos anteriores, mientras que las bandas de nu metal se tocaron con menos frecuencia en las estaciones de radio de rock y MTV comenzó a centrarse en el pop punk y el emo . [268] Desde entonces, muchas bandas han cambiado a un sonido de hard rock, heavy metal o música electrónica más convencional. [268]
Aproximadamente desde 1997, a medida que crecía la insatisfacción con el concepto de Cool Britannia y el Britpop como movimiento comenzaba a disolverse, las bandas emergentes comenzaron a evitar el sello Britpop sin dejar de producir música derivada de él. [269] [270] Muchas de estas bandas tendían a mezclar elementos del rock tradicional británico (o trad rock británico), [271] particularmente los Beatles, Rolling Stones y Small Faces , [272] con influencias estadounidenses, incluido el post-grunge. [273] [274] Provenientes de todo el Reino Unido (con varias bandas importantes surgiendo del norte de Inglaterra, Escocia, Gales e Irlanda del Norte), los temas de su música tendían a centrarse menos provincianamente en la vida británica, inglesa y londinense. y más introspectivo que lo que había sido el caso del Britpop en su apogeo. [275] [276] Esto, además de una mayor voluntad de interactuar con la prensa y los fanáticos estadounidenses, puede haber ayudado a algunos de ellos a lograr el éxito internacional. [277] Varias bandas alternativas que habían disfrutado de cierto éxito a mediados de la década de 1990, pero que no encontraron un gran éxito comercial hasta finales de la década de 1990, incluyeron a Verve y Radiohead . Después del declive del britpop, comenzaron a ganar más atención crítica y popular. El álbum Urban Hymns (1997) de The Verve fue un éxito mundial, y Radiohead logró elogios de la crítica casi universal con su tercer álbum experimental OK Computer (1997), así como su seguimiento Kid A (2000).
Se ha considerado que las bandas post-britpop presentan la imagen de la estrella de rock como una persona común y corriente y su música, cada vez más melódica, fue criticada por ser insulsa o derivada. [278] Bandas post-britpop como Travis de The Man Who (1999), Stereophonics de Performance and Cocktails (1999), Feeder de Echo Park (2001) y, particularmente, Coldplay de su álbum debut Parachutes (2000), lograron un reconocimiento internacional mucho más amplio. éxito que la mayoría de los grupos de britpop que los habían precedido, y fueron algunos de los actos de mayor éxito comercial de finales de los 90 y principios de los 2000, lo que posiblemente proporcionó una plataforma de lanzamiento para el posterior renacimiento del garage rock y el post-punk , que también se ha visto. como reacción a su tipo de rock introspectivo. [274] [279] [280] [281]
El post-hardcore se desarrolló en los EE. UU., particularmente en las áreas de Chicago y Washington, DC, entre principios y mediados de la década de 1980, con bandas que se inspiraron en la ética del "hazlo tú mismo" y la música del hardcore punk con muchas guitarras, pero influenciadas por por el post-punk, adoptando formatos de canciones más largos, estructuras musicales más complejas y, en ocasiones, estilos vocales más melódicos. [282]
Emo también surgió de la escena hardcore en Washington, DC en la década de 1980, inicialmente como "emocore", usado como término para describir bandas que favorecían voces expresivas sobre el estilo más común abrasivo y ladrador. [283] La escena emo inicial funcionó como clandestina, con bandas de corta duración que lanzaban pequeños discos de vinilo en pequeños sellos independientes. [283] Emo irrumpió en la cultura dominante a principios de la década de 2000 con el éxito de ventas de platino de Bleed American (2001) de Jimmy Eat World y The Places You Have Come to Fear the Most (2003) de Dashboard Confessional . [284] El nuevo emo tenía un sonido mucho más convencional que en la década de 1990 y un atractivo mucho mayor entre los adolescentes que sus encarnaciones anteriores. [284] Al mismo tiempo, el uso del término emo se expandió más allá del género musical, asociándose con la moda, el peinado y cualquier música que expresara emoción. [285] En 2003, las bandas post-hardcore también habían llamado la atención de los principales sellos discográficos y comenzaron a disfrutar del éxito general en las listas de álbumes. [ cita requerida ] Varias de estas bandas fueron vistas como una rama más agresiva del emo y se les dio la etiqueta a menudo vaga de gritón . [286]
A principios de la década de 2000, surgió en la corriente principal un nuevo grupo de bandas que tocaban una versión simplificada y de regreso a lo básico del rock con guitarra. Se caracterizaron de diversas formas como parte de un renacimiento del garage rock, el post-punk o la New Wave . [287] [288] [289] [290] Debido a que las bandas vinieron de todo el mundo, citaron diversas influencias (desde el blues tradicional, pasando por la New Wave hasta el grunge) y adoptaron diferentes estilos de vestimenta, su unidad como género ha sido cuestionado. [291] Hubo intentos de revivir el garage rock y elementos del punk en las décadas de 1980 y 1990 y en 2000 las escenas habían crecido en varios países. [292]
El avance comercial a partir de estas escenas estuvo liderado por cuatro bandas: los Strokes , que surgieron de la escena de clubes de Nueva York con su álbum debut Is This It (2001); los White Stripes , de Detroit, con su tercer disco White Blood Cells (2001); los Hives de Suecia después de su álbum recopilatorio Your New Favourite Band (2001); y los Vines de Australia con Highly Evolved (2002). [293] Fueron bautizados por los medios como "Las" bandas y apodados "Los salvadores del rock 'n' roll", lo que generó acusaciones de exageración. [294] Una segunda ola de bandas que ganaron reconocimiento internacional debido al movimiento incluyó a Black Rebel Motorcycle Club , The Killers , Interpol y Kings of Leon de EE. UU., [295] The Libertines , Arctic Monkeys , Bloc Party , Kaiser Chiefs y Franz. Ferdinand del Reino Unido, [296] Jet de Australia, [297] y los Datsun y el D4 de Nueva Zelanda. [298]
En la década de 2000, a medida que la tecnología informática se volvió más accesible y el software musical avanzó, fue posible crear música de alta calidad utilizando poco más que una sola computadora portátil. [299] Esto resultó en un aumento masivo en la cantidad de música electrónica producida en casa disponible para el público en general a través de Internet en expansión, [300] y nuevas formas de interpretación como laptronica [299] y codificación en vivo . [301] Estas técnicas también comenzaron a ser utilizadas por bandas existentes y por géneros en desarrollo que mezclaban rock con técnicas y sonidos digitales, incluidos el indie electrónico , el electroclash , el dance-punk y el new rave . [ cita necesaria ]
Durante la década de 2010, la música rock decayó de su posición como principal género musical popular, compartiéndola ahora con la danza electrónica y el hip hop , este último lo había superado como el género musical más consumido en los Estados Unidos en 2017. [302] [ 303] [304] El auge del streaming y la llegada de la tecnología, que cambiaron los enfoques hacia la creación musical, se citaron como factores importantes. [305] Ken Partridge de Genius sugirió que el hip-hop se hizo más popular porque es un género más transformador y no necesita depender de sonidos pasados y que existe una conexión directa con el declive de la música rock y el cambio de actitudes sociales durante el Década de 2010. [303] Bill Flanagan, en un artículo de opinión de 2016 para The New York Times , comparó el estado del rock durante este período con el estado del jazz a principios de la década de 1980, "desacelerando y mirando hacia atrás". [306] Vice sugiere que esta disminución de la popularidad en realidad podría beneficiar al género al atraer a forasteros con "algo que demostrar y nada que ganar". [307]
Las bandas de rock que tuvieron éxito en las listas en la década de 2010 se asociaron principalmente con las tendencias que habían sido populares en la década de 2000 en lugar de reflejar nuevas escenas. [308] Fuera de las listas, la comercialización de los festivales de rock fue un tema importante de la década, con megafestivales globales como Coachella , Glastonbury y Roskilde , y festivales locales de menor escala en expansión. [309]
A principios de la década de 2020, la pandemia de COVID-19 , el virus trajo cambios extremos a la escena del rock a nivel mundial. Las restricciones, como las normas de cuarentena , provocaron cancelaciones y aplazamientos generalizados de conciertos, giras, festivales, lanzamientos de álbumes, ceremonias de premios y concursos. [310] [311] [312] [313] [314] Algunos artistas recurrieron a realizar presentaciones en línea para mantener activas sus carreras. [315] Otro plan para eludir las limitaciones de la cuarentena se utilizó en un concierto del músico de rock danés Mads Langer : el público vio la actuación desde el interior de sus coches, como en un autocine . [316] Musicalmente, la pandemia provocó un aumento de nuevos lanzamientos de los subgéneros de la música rock más lentos, menos enérgicos y más acústicos. [317] [318] La industria recaudó fondos para ayudarse a sí misma a través de esfuerzos como Crew Nation, un fondo de ayuda para equipos de música en vivo organizado por Livenation . [319]
A principios de la década de 2020, artistas de música pop y rap lanzaron grabaciones populares de pop-punk, muchas de ellas producidas o asistidas por el baterista de Blink-182, Travis Barker . Representando un resurgimiento comercial del género, estos actos incluyeron a Machine Gun Kelly , Willow Smith , Trippie Redd , Halsey , Yungblud y Olivia Rodrigo . La popularidad de la plataforma de redes sociales TikTok ayudó a despertar la nostalgia por el estilo musical impulsado por la angustia entre los jóvenes oyentes durante la pandemia. Entre los lanzamientos más exitosos se encuentra el álbum de 2020 de Machine Gun Kelly, Tickets to My Downfall , que encabezó el Billboard 200, y el sencillo número uno de Rodrigo, " Good 4 U " (2021). [320]
A mediados y finales de la década de 2010 y principios de la de 2020, surgió una nueva ola de bandas de post-punk de Gran Bretaña e Irlanda. Los grupos en esta escena han sido descritos con el término "Crank Wave" por NME y The Quietus en 2019, y como "Post- Brexit New Wave" por el escritor de NPR Matthew Perpetua en 2021. [321] [322] [323] Artistas que han sido identificados como parte del estilo incluyen Black Midi , Wet Leg , Squid , Black Country, New Road , Dry Cleaning , Shame , Sleaford Mods , Fontaines DC , The Murder Capital , Idles y Yard Act . [321] [322] [323] [324] Los artistas post-punk que alcanzaron prominencia en la década de 2010 y principios de la de 2020 en otros países además del Reino Unido incluyeron Parquet Courts , Protomartyr y Geese (Estados Unidos), Preocupaciones (Canadá), Iceage ( Dinamarca) y Viagra Boys (Suecia). [325] [326] [327]
Diferentes subgéneros del rock fueron adoptados y se convirtieron en elementos centrales de la identidad de un gran número de subculturas . En las décadas de 1950 y 1960, respectivamente, los jóvenes británicos adoptaron las subculturas Teddy Boy y Rocker , que giraban en torno al rock and roll estadounidense. [328] La contracultura de la década de 1960 estuvo estrechamente asociada con el rock psicodélico . [328] La subcultura punk de mediados y finales de la década de 1970 comenzó en los EE. UU., pero la diseñadora británica Vivienne Westwood le dio un aspecto distintivo , un aspecto que se extendió por todo el mundo. [329] Fuera de la escena punk, crecieron las subculturas gótica y emo , las cuales presentaron estilos visuales distintivos. [330]
Cuando se desarrolló una cultura del rock internacional, suplantó al cine como principal fuente de influencia en la moda. [331] Paradójicamente, los seguidores de la música rock a menudo han desconfiado del mundo de la moda, que ha sido visto como algo que eleva la imagen por encima de la sustancia. [331] Se ha considerado que las modas del rock combinan elementos de diferentes culturas y períodos, además de expresar puntos de vista divergentes sobre la sexualidad y el género, y la música rock en general ha sido señalada y criticada por facilitar una mayor libertad sexual. [331] [332] El rock también se ha asociado con diversas formas de consumo de drogas, incluidas las anfetaminas consumidas por los mods a principios y mediados de la década de 1960, a través del LSD , la mescalina , el hachís y otras drogas alucinógenas relacionadas con el rock psicodélico a mediados de la década de 1960. -finales de los años 1960 y principios de los 1970; y a veces al cannabis , la cocaína y la heroína, todos los cuales han sido elogiados en canciones. [333] [334]
Al rock se le atribuye el cambio de actitudes hacia la raza al abrir la cultura afroamericana al público blanco; pero al mismo tiempo se ha acusado al rock de apropiarse y explotar esa cultura. [335] [336] Si bien la música rock ha absorbido muchas influencias e introducido al público occidental a diferentes tradiciones musicales, [337] la difusión global de la música rock se ha interpretado como una forma de imperialismo cultural . [338] La música rock heredó la tradición popular de la canción de protesta , haciendo declaraciones políticas sobre temas como la guerra, la religión, la pobreza, los derechos civiles, la justicia y el medio ambiente. [339] El activismo político alcanzó su punto máximo con el sencillo " Do They Know It's Christmas? " (1984) y el concierto Live Aid para Etiopía en 1985, que, si bien crearon conciencia sobre la pobreza mundial y los fondos para ayuda, también han sido criticados ( junto con eventos similares), por proporcionar un escenario para el autoengrandecimiento y mayores ganancias para las estrellas de rock involucradas. [340]
Desde su desarrollo inicial, la música rock se ha asociado con la rebelión contra las normas sociales y políticas, sobre todo en el rechazo del rock and roll temprano a una cultura dominada por los adultos, el rechazo de la contracultura al consumismo y la conformidad y el rechazo del punk a todas las formas de convención social . 341] , sin embargo, también puede verse como un medio de explotación comercial de tales ideas y de desviar a los jóvenes de la acción política. [342] [343]
Las instrumentistas profesionales son poco comunes en géneros de rock como el heavy metal, aunque bandas como Within Temptation han presentado a mujeres como cantantes principales y a hombres tocando instrumentos. Según Schaap y Berkers, "tocar en una banda es una actividad homosocial masculina, es decir, aprender a tocar en una banda es una experiencia basada en pares..., moldeada por redes de amistad existentes segregadas por sexo. [ 344] Señalan que la música rock "a menudo se define como una forma de rebelión masculina frente a la cultura del dormitorio femenina" [345] (La teoría de la "cultura del dormitorio" sostiene que la sociedad influye en las niñas para que no se involucren en delitos y desviaciones, atrapándolas virtualmente en su dormitorio; fue identificado por una socióloga llamada Angela McRobbie .) En la música popular, ha habido una "distinción de género entre la participación pública (masculina) y privada (femenina)" en la música. [345] "Varios estudiosos han argumentado que los hombres excluyen a las mujeres de las bandas o de los ensayos, grabaciones, actuaciones y otras actividades sociales de las bandas". [346] "Las mujeres son consideradas consumidoras pasivas y privadas de música pop ingeniosa, prefabricada y, por tanto, inferior..., excluyendo impedirles participar como músicos de rock de alto estatus". [346] Una de las razones por las que existen bandas mixtas de género es que "las bandas funcionan como unidades muy unidas en las que la solidaridad homosocial (vínculos sociales entre personas del mismo sexo...) juega un papel crucial". [346] En la escena de la música rock de la década de 1960, "cantar era a veces un pasatiempo aceptable para una niña, pero tocar un instrumento... simplemente no se hacía". [347]
"La rebelión de la música rock fue una rebelión masculina; las mujeres - a menudo, en las décadas de 1950 y 1960, niñas adolescentes - en el rock cantaban canciones como personas... dependientes de sus novios machos ...". Philip Auslander dice que "aunque había muchas mujeres en el rock a finales de la década de 1960, la mayoría actuaba sólo como cantantes, una posición femenina en la música popular". Aunque algunas mujeres tocaron instrumentos en bandas estadounidenses de garage rock exclusivamente femeninas , ninguna de estas bandas logró más que un éxito regional. Por lo tanto, "no proporcionaron modelos viables para la participación continua de las mujeres en el rock". [348] En relación con la composición de género de las bandas de heavy metal , se ha dicho que "los intérpretes de [h]eavy metal son casi exclusivamente hombres" [349] "... al menos hasta mediados de la década de 1980" [350] aparte de "...excepciones como Girlschool ". [349] Sin embargo, "... ahora [en la década de 2010] tal vez más que nunca: las mujeres fuertes del metal se han puesto manos a la obra", [351] "labrando un lugar considerable para [ellas] ] nosotros mismos." [352] Cuando Suzi Quatro surgió en 1973, "ninguna otra música destacada trabajó en el rock simultáneamente como cantante, instrumentista, compositora y directora de banda". [348] Según Auslander, ella estaba "derribando la puerta masculina en el rock and roll y demostrando que una músico femenina ... y este es un punto que me preocupa mucho... podría tocar tan bien, si no mejor, que el Niños". [348]
Una banda exclusivamente femenina es un grupo musical de géneros como el rock y el blues que está compuesto por músicas femeninas . Esto es distinto de un grupo de chicas, en el que las integrantes femeninas son vocalistas, aunque esta terminología no se sigue universalmente. [353]
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