La música folclórica es un género musical que incluye la música folclórica tradicional y el género contemporáneo que evolucionó a partir de la primera durante el resurgimiento folclórico del siglo XX . Algunos tipos de música folclórica pueden denominarse músicas del mundo . La música folclórica tradicional se ha definido de varias maneras: como música transmitida oralmente, música de compositores desconocidos, música que se toca con instrumentos tradicionales, música sobre la identidad cultural o nacional, música que cambia entre generaciones (proceso folclórico), música asociada con la cultura de un pueblo. folklore , o música interpretada por costumbre durante un largo período de tiempo. Se ha contrastado con los estilos comerciales y clásicos . El término se originó en el siglo XIX, pero la música folclórica se extiende más allá.
A partir de mediados del siglo XX, una nueva forma de música folclórica popular evolucionó a partir de la música folclórica tradicional. Este proceso y período se denomina (segundo) renacimiento popular y alcanzó su cenit en la década de 1960. Esta forma de música a veces se denomina música folclórica contemporánea o música renacentista folclórica para distinguirla de formas folclóricas anteriores. [1] Se han producido avivamientos más pequeños y similares en otras partes del mundo en otras épocas, pero el término música folclórica generalmente no se ha aplicado a la nueva música creada durante esos avivamientos. Este tipo de música folklórica también incluye géneros de fusión como el folk rock , el folk metal y otros. Si bien la música folclórica contemporánea es un género generalmente distinto de la música folclórica tradicional, en inglés estadounidense comparte el mismo nombre y, a menudo, comparte los mismos intérpretes y lugares que la música folclórica tradicional.
musica folklórica tradicional
Definición
Los términos música folclórica , canción folclórica y danza folclórica son expresiones comparativamente recientes. Son extensiones del término folklore , que fue acuñado en 1846 por el anticuario inglés William Thoms para describir "las tradiciones, costumbres y supersticiones de las clases incultas". [2] El término deriva además de la expresión alemana volk , en el sentido de "el pueblo en su conjunto", tal como lo aplicaron Johann Gottfried Herder y los románticos alemanes a la música popular y nacional más de medio siglo antes. [3] Aunque se entiende que la música folklórica es la música del pueblo, los observadores encuentran difícil encontrar una definición más precisa. [4] [5] Algunos ni siquiera están de acuerdo en que se deba utilizar el término música folklórica. [4] La música folclórica puede tender a tener ciertas características [2] pero no puede diferenciarse claramente en términos puramente musicales. Un significado que se suele dar es el de "canciones antiguas, sin compositores conocidos", [6] otro es el de música que ha sido sometida a un "proceso evolutivo de transmisión oral ... la conformación y remodelación de la música por la comunidad que le da su carácter folklórico." [7]
Tales definiciones dependen de "procesos (culturales) más que de tipos musicales abstractos...", de " la continuidad y la transmisión oral ... vistas como características de un lado de una dicotomía cultural, cuyo otro lado se encuentra no sólo en el nivel inferior capas de sociedades feudales, capitalistas y algunas orientales, pero también en sociedades 'primitivas' y en partes de 'culturas populares'". [8] Una definición ampliamente utilizada es simplemente "La música popular es lo que canta la gente". [9]
Para Scholes, [2] así como para Cecil Sharp y Béla Bartók , [10] había un sentido de la música del país como distinta de la de la ciudad. La música folklórica ya era "... vista como la expresión auténtica de una forma de vida ahora pasada o a punto de desaparecer (o en algunos casos, ser preservada o de alguna manera revivida)", [11] particularmente en "una comunidad no influenciada por música artística" [7] y por canción comercial e impresa. Lloyd rechazó esto en favor de una simple distinción de clase económica [10] pero para él, la verdadera música folklórica estaba, en palabras de Charles Seeger , "asociada con una clase baja" [12] en sociedades cultural y socialmente estratificadas. En estos términos, la música folclórica puede verse como parte de un "esquema que comprende cuatro tipos musicales: 'primitiva' o 'tribal'; 'élite' o 'arte'; 'folk'; y 'popular'". [13]
La música de este género también suele denominarse música tradicional. Aunque el término suele ser sólo descriptivo, en algunos casos la gente lo utiliza como nombre de un género. Por ejemplo, el premio Grammy utilizó anteriormente los términos "música tradicional" y "folk tradicional" para la música folclórica que no es música folclórica contemporánea. [14] La música folclórica puede incluir la mayoría de la música indígena . [4]
Desde una perspectiva histórica, la música folclórica tradicional tenía estas características: [12]
Se transmitió a través de una tradición oral . Antes del siglo XX, la gente corriente solía ser analfabeta; adquirieron canciones memorizándolas. Principalmente, esto no estuvo mediado por libros ni medios grabados o transmitidos. Los cantantes pueden ampliar su repertorio utilizando folletos o cancioneros , pero estas mejoras secundarias son del mismo carácter que las canciones primarias experimentadas en persona.
La música a menudo estaba relacionada con la cultura nacional . Era culturalmente particular; de una región o cultura particular. En el contexto de un grupo de inmigrantes, la música folklórica adquiere una dimensión extra para la cohesión social. Es particularmente notorio en las sociedades de inmigrantes, donde los australianos griegos , los estadounidenses somalíes , los canadienses punjabíes y otros se esfuerzan por enfatizar sus diferencias con la corriente principal. Aprenden canciones y bailes originarios de los países de donde vinieron sus abuelos.
Conmemoran acontecimientos históricos y personales. En ciertos días del año, incluidos días festivos como Navidad, Pascua y Primero de Mayo, determinadas canciones celebran el ciclo anual. Cumpleaños, bodas y funerales también podrán celebrarse con canciones, bailes y disfraces especiales. Las fiestas religiosas suelen tener un componente de música folclórica. La música coral en estos eventos reúne a niños y cantantes no profesionales para participar en un escenario público, generando un vínculo emocional que no tiene relación con las cualidades estéticas de la música.
Las canciones han sido interpretadas, por costumbre , durante un largo período de tiempo, normalmente varias generaciones .
Como efecto secundario, a veces se presentan las siguientes características:
No hay derechos de autor sobre las canciones. Cientos de canciones populares del siglo XIX tienen autores conocidos, pero han continuado en la tradición oral hasta el punto de que se consideran tradicionales a los efectos de la publicación musical. Esto se ha vuelto mucho menos frecuente desde la década de 1940. Hoy en día, a casi todas las canciones populares que se graban se les atribuye un arreglista.
Fusión de culturas: debido a que las culturas interactúan y cambian con el tiempo, las canciones tradicionales que evolucionan con el tiempo pueden incorporar y reflejar influencias de culturas dispares. Los factores relevantes pueden incluir instrumentación, afinaciones , voces , fraseo , tema e incluso métodos de producción.
Melodía
En la música folclórica, una melodía es una pieza instrumental corta , una melodía , a menudo con secciones que se repiten , y que generalmente se toca varias veces. [15] Una colección de melodías con similitudes estructurales se conoce como familia de melodías . America's Musical Landscape dice que "la forma más común de las melodías en la música folclórica es AABB, también conocida como forma binaria ". [16] [ página necesaria ]
En algunas tradiciones, las melodías se pueden unir en popurrís o " conjuntos ". [17]
Orígenes
Los indios siempre distinguieron entre música clásica y folclórica, aunque en el pasado incluso la música clásica india solía depender de la transmisión no escrita del repertorio.Músico folclórico indio nepalí Navneet Aditya Waiba
Durante la mayor parte de la prehistoria y la historia de la humanidad, no era posible escuchar música grabada . [18] [19] La gente común hacía música tanto durante su trabajo como en su tiempo libre, así como durante sus actividades religiosas. El trabajo de producción económica era a menudo manual y comunitario. [20] El trabajo manual a menudo incluía el canto de los trabajadores, lo que servía para varios propósitos prácticos. [21] Reducía el aburrimiento de las tareas repetitivas, mantenía el ritmo durante los empujones y tirones sincronizados y marcaba el ritmo de muchas actividades como plantar , desmalezar , cosechar , trillar , tejer y moler . En el tiempo libre , cantar y tocar instrumentos musicales eran formas comunes de entretenimiento y narración de historia, incluso más comunes que hoy, cuando las tecnologías eléctricas y la alfabetización generalizada hacen competitivas otras formas de entretenimiento e intercambio de información. [22]
Algunos creen que la música folclórica se originó como música artística que fue modificada y probablemente degradada por la transmisión oral, al tiempo que reflejaba el carácter de la sociedad que la producía. [2] En muchas sociedades, especialmente en las prealfabetizadas, la transmisión cultural de la música folclórica requiere aprender de oído , aunque la notación ha evolucionado en algunas culturas. [23] Diferentes culturas pueden tener diferentes nociones sobre la división entre la música "folclórica", por un lado, y la música "artística" y "de la corte", por el otro. Con la proliferación de géneros musicales populares, parte de la música folclórica tradicional también pasó a denominarse " música del mundo " o "música de raíces". [24]
El término inglés " folklore ", para describir la música y la danza folclóricas tradicionales, entró en el vocabulario de muchas naciones de Europa continental, cada una de las cuales tenía sus coleccionistas y revitalizadores de canciones folclóricas. [2] La distinción entre folk "auténtico" y canción nacional y popular en general siempre ha sido vaga, particularmente en Estados Unidos y Alemania [2] ; por ejemplo, compositores populares como Stephen Foster podrían denominarse "folk" en Estados Unidos. [2] [25] La definición del Consejo Internacional de Música Folclórica permite que el término también pueda aplicarse a la música que, "... se ha originado con un compositor individual y posteriormente ha sido absorbida por la tradición viva y no escrita de una comunidad. Pero el El término no cubre una canción, baile o melodía que se haya adoptado ya preparada y que permanezca sin cambios". [26]
El resurgimiento del folk después de la Segunda Guerra Mundial en Estados Unidos y Gran Bretaña inició un nuevo género, la música folklórica contemporánea , y aportó un significado adicional al término "música folk": canciones recién compuestas, de forma fija y por autores conocidos, que imitaban algunos forma de música tradicional. La popularidad de las grabaciones de "folk contemporáneo" provocó la aparición de la categoría "Folk" en los premios Grammy de 1959; [27] en 1970 el término se abandonó a favor de "Mejor grabación étnica o tradicional (incluido el blues tradicional)", [28] mientras que en 1987 se introdujo una distinción entre "Mejor grabación folclórica tradicional" y "Mejor grabación folclórica contemporánea". [29] Después de eso, tuvieron una categoría de "música tradicional" que posteriormente evolucionó a otras. El término "folk", a principios del siglo XXI, podría abarcar a cantautores, como Donovan [30] de Escocia y el estadounidense Bob Dylan , [31] que surgió en los años 1960 y muchos más. Esto completó un proceso en el que "música folclórica" ya no significaba sólo música folclórica tradicional. [6]
Tema en cuestion
Músicos tradicionales armeniosLos asirios tocaban una zurna y un davul , instrumentos típicamente utilizados para la música y la danza folclóricas asirias .
La música folclórica tradicional a menudo incluye palabras cantadas , aunque la música instrumental folclórica ocurre comúnmente en las tradiciones de música de baile . El verso narrativo ocupa un lugar preponderante en la música folclórica tradicional de muchas culturas. [32] [33] Esto abarca formas como la poesía épica tradicional , gran parte de la cual estaba destinada originalmente a la interpretación oral, a veces acompañada de instrumentos. [34] [35] Muchos poemas épicos de diversas culturas se construyeron a partir de piezas más cortas de versos narrativos tradicionales, lo que explica su estructura episódica, elementos repetitivos y sus frecuentes desarrollos de trama in medias res . Otras formas de verso narrativo tradicional relatan los resultados de batallas o lamentan tragedias o desastres naturales . [36]
A veces, como en el Canto triunfal de Débora [37] que se encuentra en el Libro bíblico de los Jueces , estos cánticos celebran la victoria. Los lamentos por las batallas y guerras perdidas, y por las vidas perdidas en ellas, son igualmente prominentes en muchas tradiciones; estos lamentos mantienen viva la causa por la que se libró la batalla. [38] [39] Las narraciones de canciones tradicionales a menudo también recuerdan a héroes populares como John Henry [40] [41] o Robin Hood . [42] Algunas narraciones de canciones tradicionales recuerdan eventos sobrenaturales o muertes misteriosas. [43]
Las canciones de trabajo frecuentemente presentan estructuras de llamado y respuesta y están diseñadas para permitir a los trabajadores que las cantan coordinar sus esfuerzos de acuerdo con los ritmos de las canciones. [48] Con frecuencia, pero no invariablemente, están compuestos. En las fuerzas armadas estadounidenses , una viva tradición oral conserva los llamados jody ("cantos de Duckworth") que se cantan mientras los soldados están en marcha. [49] Los marineros profesionales hicieron un uso similar de un gran número de chabolas marinas . [50] [51] La poesía amorosa , a menudo de naturaleza trágica o lamentable, ocupa un lugar destacado en muchas tradiciones populares. [52] Las canciones infantiles , las canciones infantiles y los versos sin sentido utilizados para divertir o tranquilizar a los niños también son temas frecuentes en las canciones tradicionales. [53]
Transformaciones y variaciones de canciones populares.
Músicos tradicionales coreanos
La música transmitida de boca en boca a través de una comunidad, con el tiempo, desarrolla muchas variantes, ya que esta transmisión no puede producir precisión palabra por palabra y nota por nota. Además, los cantantes folclóricos pueden optar por modificar las canciones que escuchan.
Por ejemplo, las palabras de " Soy un hombre que no conoces todos los días " (Roud 975) fueron escritas en una andanada en el siglo XVIII y parecen tener un origen irlandés. [54] En 1958 la canción fue grabada en Canadá (Mi nombre es Pat y estoy orgulloso de eso). La viajera escocesa Jeannie Robertson de Aberdeen, hizo la siguiente versión grabada en 1961. La cambió para hacer referencia a "Jock Stewart", uno de sus parientes, y no hay referencias irlandesas. En 1976, el artista escocés Archie Fisher alteró deliberadamente la canción para eliminar la referencia a un perro al que le dispararon. En 1985, The Pogues cerraron el círculo al restaurar las referencias irlandesas. [ ¿ investigacion original? ]
Debido a que las variantes proliferan de forma natural, generalmente no existe una versión "autorizada" de la canción. Los investigadores de canciones tradicionales han encontrado innumerables versiones de la balada de Barbara Allen en todo el mundo de habla inglesa, y estas versiones a menudo difieren mucho entre sí. Se desconoce el original; muchas versiones pueden presentar el mismo reclamo de autenticidad.
El influyente folclorista Cecil Sharp consideró que estas variantes en competencia de una canción tradicional sufrirían un proceso de mejora similar a la selección natural biológica : sólo aquellas nuevas variantes que fueran más atractivas para los cantantes comunes serían recogidas por otros y transmitidas en el tiempo. Por lo tanto, con el tiempo esperaríamos que cada canción tradicional se volviera más atractiva estéticamente, debido a la mejora gradual de la comunidad.
El interés literario por la balada popular se remonta al menos a Thomas Percy y William Wordsworth . Los compositores ingleses isabelinos y Estuardo a menudo habían desarrollado su música a partir de temas folclóricos, la suite clásica se basaba en danzas folclóricas estilizadas y se destaca el uso de melodías populares por parte de Joseph Haydn . Pero la aparición del término "folk" coincidió con un "estallido de sentimiento nacional en toda Europa" que fue particularmente fuerte en los límites de Europa, donde la identidad nacional era más afirmada. Los compositores nacionalistas surgieron en Europa Central, Rusia, Escandinavia, España y Gran Bretaña: la música de Dvořák , Smetana , Grieg , Rimsky-Korsakov , Brahms , Liszt , de Falla , Wagner , Sibelius , Vaughan Williams , Bartók y muchos otros se basaron en el folk. melodías. [ cita necesaria ]
Si bien la pérdida de la música folclórica tradicional frente al auge de la música popular es un fenómeno mundial, [55] no ocurre a un ritmo uniforme en todo el mundo. [56] El proceso es más avanzado "donde la industrialización y comercialización de la cultura son más avanzadas" [57] pero también ocurre más gradualmente incluso en entornos de menor avance tecnológico. Sin embargo, la pérdida de la música tradicional se ralentiza en naciones o regiones donde la música folclórica tradicional es una insignia de identidad cultural o nacional. [ cita necesaria ]
Música folclórica antigua, trabajo de campo y becas.
Gran parte de lo que se sabe sobre la música folclórica antes del desarrollo de la tecnología de grabación de audio en el siglo XIX proviene del trabajo de campo y de los escritos de académicos, coleccionistas y defensores. [58]
Europa del siglo XIX
A partir del siglo XIX, académicos y eruditos aficionados, al darse cuenta de la pérdida de las tradiciones musicales, iniciaron diversos esfuerzos para preservar la música del pueblo. [59] Uno de esos esfuerzos fue la recopilación por Francis James Child a finales del siglo XIX de los textos de más de trescientas baladas en las tradiciones inglesa y escocesa (llamadas Child Ballads ), algunas de las cuales son anteriores al siglo XVI. [9]
Al mismo tiempo que Child, la reverenda Sabine Baring-Gould y más tarde Cecil Sharp trabajaron para preservar una gran cantidad de canciones, música y danzas tradicionales rurales inglesas, bajo los auspicios de lo que se convirtió y sigue siendo la English Folk Dance and Song Society (EFDSS). [60] Sharp hizo campaña con cierto éxito para que se enseñaran canciones tradicionales en inglés (en sus propias versiones muy editadas y expurgadas) a los escolares con la esperanza de revivir y prolongar la popularidad de esas canciones. [61] [62] A lo largo de la década de 1960 y principios y mediados de la década de 1970, el académico estadounidense Bertrand Harris Bronson publicó una colección exhaustiva en cuatro volúmenes de las variaciones entonces conocidas tanto de los textos como de las melodías asociadas con lo que llegó a conocerse como el Niño. Canon. [63] También avanzó algunas teorías importantes sobre el funcionamiento de la tradición oral-auditiva. [64]
En otros países también se estaban llevando a cabo actividades similares. Uno de los más extensos fue quizás el trabajo realizado en Riga por Krisjanis Barons , quien entre los años 1894 y 1915 publicó seis volúmenes que incluían los textos de 217.996 canciones populares letonas, las Latvju dainas . [65] En Noruega , Edvard Grieg utilizó ampliamente el trabajo de coleccionistas como Ludvig Mathias Lindeman en sus Piezas líricas para piano y en otras obras, que se hicieron inmensamente populares. [66]
Por esta época, los compositores de música clásica desarrollaron un fuerte interés en recopilar canciones tradicionales, y varios compositores llevaron a cabo su propio trabajo de campo sobre la música tradicional. Entre ellos se encontraban Percy Grainger [67] y Ralph Vaughan Williams [68] en Inglaterra y Béla Bartók [69] en Hungría. Estos compositores, como muchos de sus predecesores, hicieron arreglos de canciones populares e incorporaron material tradicional en composiciones clásicas originales. [70] [71]
América del norte
Lugares en los Apalaches del sur y central visitados por el folclorista británico Cecil Sharp en 1916 (azul), 1917 (verde) y 1918 (rojo). Sharp buscó baladas inglesas y escocesas del "viejo mundo" transmitidas a los habitantes de la región desde sus antepasados británicos. Recopiló cientos de baladas de este tipo, siendo las zonas más productivas las montañas Blue Ridge de Carolina del Norte y las montañas Cumberland de Kentucky.
La llegada de la tecnología de grabación de audio proporcionó a los folcloristas una herramienta revolucionaria para preservar formas musicales en desaparición. [72] Los primeros estudiosos de la música folclórica estadounidense estuvieron en la American Folklore Society (AFS), que surgió a finales del siglo XIX. [73] Sus estudios se ampliaron para incluir la música nativa americana , pero aún trataron la música folclórica como un elemento histórico preservado también en sociedades aisladas. [74] En América del Norte, durante las décadas de 1930 y 1940, la Biblioteca del Congreso trabajó a través de las oficinas de los coleccionistas de música tradicional Robert Winslow Gordon , [75] Alan Lomax [76] [77] [78] y otros para capturar la mayor cantidad posible de música del Norte. Material de campo americano posible. [79] John Lomax (el padre de Alan Lomax) fue el primer erudito destacado en estudiar la música folclórica claramente estadounidense, como la de los vaqueros y los negros del sur. Su primer trabajo importante publicado fue en 1911, Cowboy Songs and Other Frontier Ballads . [80] y podría decirse que fue el estudioso de la música folclórica estadounidense más destacado de su tiempo, especialmente durante los inicios del renacimiento de la música folclórica en los años 1930 y principios de los 1940. Cecil Sharp también trabajó en Estados Unidos, grabando las canciones tradicionales de los Apalaches en 1916-1918 en colaboración con Maud Karpeles y Olive Dame Campbell y es considerado el primer estudioso importante que se ocupa de la música folclórica estadounidense. [81] Campbell y Sharp están representados con otros nombres por actores en la película moderna Songcatcher . [82]
Un tema fuerte entre los estudiosos del folklore en las primeras décadas del siglo XX fue el regionalismo , [83] el análisis de la diversidad de la música folklórica (y culturas relacionadas) basado en regiones de los EE. UU. en lugar de basarse en las raíces históricas de una canción determinada. [84] [85] Posteriormente, a esto se le sumó una dinámica de clases y circunstancias. [86] Los regionalistas más destacados eran figuras literarias con un interés particular en el folclore. [87] [88] Carl Sandburg viajó a menudo por los Estados Unidos como escritor y poeta. [89] También recopiló canciones en sus viajes y, en 1927, las publicó en el libro The American Songbag . [90] Rachel Donaldson, una historiadora que trabajó para Vanderbilt, afirmó más tarde esto sobre The American Songbird en su análisis del renacimiento de la música folclórica. "En sus colecciones de canciones populares, Sandburg añadió una dinámica de clase a la comprensión popular de la música popular estadounidense. Este fue el elemento final de la base sobre la cual los primeros revitalizadores de la música popular construyeron su propia visión del americanismo. Los estadounidenses de clase trabajadora de Sandburg se unieron a los ciudadanos étnica , racial y regionalmente diversos que otros académicos, intelectuales públicos y folcloristas celebraron sus propias definiciones del folk estadounidense, definiciones que los revitalizadores del folk utilizaron para construir su propia comprensión de la música folklórica estadounidense y una identidad estadounidense global". [91]
Antes de la década de 1930, el estudio de la música folclórica era principalmente competencia de eruditos y coleccionistas. La década de 1930 vio el comienzo de temas, puntos en común y vínculos a mayor escala en la música folclórica que se desarrollaron entre la población y también entre los practicantes, a menudo relacionados con la Gran Depresión . [92] El regionalismo y el pluralismo cultural crecieron como influencias y temas. Durante este tiempo, la música folclórica comenzó a mezclarse con temas y movimientos de activismo político y social. [92] Dos acontecimientos relacionados fueron el interés del Partido Comunista de EE. UU. en la música folclórica como una forma de llegar e influir en los estadounidenses, [93] y destacados músicos y académicos folclóricos políticamente activos que ven el comunismo como un posible sistema mejor, a través de la lente de la Gran Depresión. . [94] Woody Guthrie es un ejemplo de compositores y artistas con esa perspectiva. [95]
Los festivales de música folclórica proliferaron durante la década de 1930. [96] El presidente Franklin Roosevelt era un fanático de la música folclórica, organizaba conciertos folclóricos en la Casa Blanca y, a menudo, patrocinaba festivales folclóricos. [97] Un festival destacado fue el Festival Folclórico Nacional de Sarah Gertrude Knott , establecido en St. Louis, Missouri en 1934. [98] Bajo el patrocinio del Washington Post , el festival se celebró en Washington, DC en el Constitution Hall desde 1937. hasta 1942. [99] El movimiento de música folclórica, los festivales y el esfuerzo en tiempos de guerra fueron vistos como fuerzas en favor de bienes sociales como la democracia, el pluralismo cultural y la eliminación de las barreras culturales y raciales. [100]
Los renovadores de la música folclórica estadounidense de la década de 1930 abordaron la música folclórica de diferentes maneras. [101] Surgieron tres escuelas primarias de pensamiento: los "tradicionalistas" (por ejemplo, Sarah Gertrude Knott y John Lomax ) enfatizaron la preservación de las canciones como artefactos de culturas fallecidas. Los folcloristas "funcionales" (por ejemplo, Botkin y Alan Lomax) sostuvieron que las canciones sólo conservan relevancia cuando son utilizadas por aquellas culturas que conservan las tradiciones que dieron origen a esas canciones. Los revitalizadores del folk "de izquierda" (por ejemplo, Charles Seeger y Lawrence Gellert) enfatizaron el papel de la música "en las luchas del 'pueblo' por los derechos sociales y políticos". [101] A finales de la década de 1930, estos y otros habían convertido la música folclórica estadounidense en un movimiento social. [101]
A veces los músicos folclóricos se convertían ellos mismos en eruditos y defensores. Por ejemplo, Jean Ritchie (1922-2015) era el hijo menor de una familia numerosa de Viper, Kentucky , que había conservado muchas de las antiguas canciones tradicionales de los Apalaches . [102] Ritchie, que vivía en una época en la que los Apalaches se habían abierto a la influencia externa, recibió educación universitaria y finalmente se mudó a la ciudad de Nueva York, donde hizo varias grabaciones clásicas del repertorio familiar y publicó una importante recopilación de estas canciones. . [103]
En enero de 2012, el American Folklife Center de la Biblioteca del Congreso , junto con la Asociación para la Equidad Cultural, anunciaron que publicarían el vasto archivo de Lomax de 1946 y sus grabaciones posteriores en formato digital. Lomax pasó los últimos 20 años de su vida trabajando en un proyecto informático educativo multimedia interactivo al que llamó Global Jukebox , que incluía 5.000 horas de grabaciones de sonido, 400.000 pies de película, 3.000 cintas de vídeo y 5.000 fotografías. [104] A partir de marzo de 2012, esto se ha cumplido. Aproximadamente 17.400 de las grabaciones de Lomax de 1946 y posteriores están disponibles de forma gratuita en línea. [105] [106] Este material del archivo independiente de Alan Lomax, iniciado en 1946, que ha sido digitalizado y ofrecido por la Asociación para la Equidad Cultural, es "distinto de las miles de grabaciones anteriores en discos de acetato y aluminio que realizó desde 1933 hasta 1942 bajo los auspicios de la Biblioteca del Congreso. Esta colección anterior, que incluye las famosas sesiones de Jelly Roll Morton, Woody Guthrie, Lead Belly y Muddy Waters, así como las prodigiosas colecciones de Lomax realizadas en Haití y el este de Kentucky (1937), está la procedencia del American Folklife Center" [105] en la biblioteca del Congreso.
Muchas civilizaciones asiáticas distinguen entre estilos artísticos , cortesanos y clásicos y música "folclórica". [113] [114] Por ejemplo, el fallecido Alam Lohar es un ejemplo de un cantante del sur de Asia que fue clasificado como cantante folk. [115]
Khunung Eshei/Khuland Eshei es una antigua canción folklórica de la India, un país de Asia, de los Meiteis de Manipur , que es un ejemplo de la música folklórica asiática, y de cómo la integran en su propio género. [116]
música folklórica de china
Los descubrimientos arqueológicos datan la música folclórica china hace 7000 años; [117] se basa en gran medida en la escala pentatónica . [118]
Las bodas y funerales tradicionales Han suelen incluir una forma de oboe llamada suona , [119] y conjuntos de percusión llamados chuigushou . [120] Los conjuntos compuestos por armónicas ( sheng ), chirimías ( suona ), flautas ( dizi ) e instrumentos de percusión (especialmente gongs yunluo ) son populares en las aldeas del norte; [121] su música desciende de la música de los templos imperiales de Beijing, Xi'an , Wutai shan y Tianjin . La música de tambores de Xi'an , que consta de instrumentos de viento y percusión, [122] es popular en Xi'an y ha recibido cierta popularidad comercial fuera de China. [123] Otro instrumento importante es el sheng , un tipo de flauta china , un instrumento antiguo que es antepasado de todos los instrumentos occidentales de lengüeta libre , como el acordeón . [124] Los desfiles encabezados por bandas de música de tipo occidental son comunes, y a menudo compiten en volumen con una banda de chirimía/chuigushou.
En el sur de Fujian y Taiwán , Nanyin o Nanguan es un género de baladas tradicionales. [125] Son cantados por una mujer acompañada de un xiao y una pipa , además de otros instrumentos tradicionales. [126] La música es generalmente triste y típicamente trata sobre personas enamoradas. [127] [128] Más al sur, en Shantou , Hakka y Chaozhou , los conjuntos zheng son populares. [129] Los conjuntos Sizhu utilizan flautas e instrumentos de cuerda pulsada o frotada para crear música armoniosa y melodiosa que se ha vuelto popular en Occidente entre algunos oyentes. [130] Estos son populares en Nanjing y Hangzhou , así como en otros lugares a lo largo del área sur del Yangtze . [131] Jiangnan Sizhu (música de seda y bambú de Jiangnan ) es un estilo de música instrumental, a menudo interpretado por músicos aficionados en casas de té de Shanghai. [132] La música de Guangdong o música cantonesa es música instrumental de Guangzhou y sus alrededores. [133] La música de esta región influyó en la música de Yueju (ópera cantonesa), [134] que más tarde se haría popular durante la autodenominada "Edad de Oro" de China bajo la República Popular China . [135]
Las canciones populares se han grabado desde la antigüedad en China. El término Yuefu se utilizó para una amplia gama de canciones como baladas, lamentos, canciones populares, canciones de amor y canciones interpretadas en la corte. [136] China es un país vasto, con una multiplicidad de regiones lingüísticas y geográficas. Las canciones populares se clasifican por región geográfica, tipo de idioma, etnia, función social (por ejemplo, canción de trabajo, canción ritual, canción de cortejo) y tipo musical. Las antologías modernas recopiladas por folcloristas chinos distinguen entre canciones tradicionales, canciones revolucionarias y canciones recién inventadas. [137] Las canciones del noroeste de China se conocen como "canciones de flores" ( hua'er ), una referencia a mujeres hermosas, mientras que en el pasado eran famosas por su contenido erótico. [138] Las "canciones de montaña" de la aldea ( shan'ge ) de la provincia de Jiangsu también eran conocidas por sus temas amorosos. [139] [140] Otras tradiciones de canciones regionales incluyen las "letras rasgueadas" ( tanci ) del bajo delta del Yangtze, la tradición cantonesa del pez de madera ( muyu o muk-yu ) y las canciones de tambor ( guci ) del norte de China. [141]
En el siglo XXI, muchas canciones populares chinas preciadas han sido inscritas en la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad de la UNESCO . [142] En el proceso, las canciones que alguna vez se consideraron vulgares ahora se reconstruyen como canciones románticas de cortejo. [143] Los concursos de canciones regionales, populares en muchas comunidades, han promovido el canto folclórico profesional como carrera, y algunos cantantes folclóricos individuales han ganado prominencia nacional. [144]
Música folclórica tradicional de Sri Lanka
El arte, la música y la danza de Sri Lanka derivan de los elementos de la naturaleza y se han disfrutado y desarrollado en el entorno budista . [145] La música es de varios tipos y utiliza sólo unos pocos tipos de instrumentos. [146] Las canciones y poemas populares se utilizaban en reuniones sociales para trabajar juntos. La música clásica con influencia india se ha convertido en única. [147] [148] [149] [150] El drama, la música y las canciones tradicionales de la música ligera cingalés son típicamente de Sri Lanka. [151]
Las pinturas y tallas del templo presentan pájaros, elefantes, animales salvajes, flores y árboles, y las 18 Danzas Tradicionales muestran la danza de pájaros y animales. [152] Por ejemplo:
Mayura Wannama – La danza del pavo real [153] [154]
Hanuma Wannama – La danza del mono [155]
Gajaga Wannama – La danza del elefante
Los tipos musicales incluyen:
La música dramática local incluye los tipos Kolam [156] y Nadagam. [157] La música Kolam se basa en melodías country bajas principalmente para acompañar la danza de máscaras en los rituales de exorcismo . [158] [159] Se considera menos desarrollado/evolucionado, fiel a la tradición popular y la preservación de una forma de arte más antigua. [160] Está limitado a aproximadamente 3 o 4 notas y es utilizado por la gente corriente por placer y entretenimiento. [161]
La música Nadagam es una forma más desarrollada de drama influenciada por el drama callejero del sur de la India que fue introducido por algunos artistas del sur de la India. Phillippu Singho de Negombo en 1824 interpretó "Harishchandra Nadagama" en Hnguranketha , que fue escrito originalmente en idioma telingu . Posteriormente se introdujeron "Maname", [162] "Sanda kinduru" [163] y otros. Don Bastian de Dehiwala presentó a Noorthy primero analizando los dramas indios y luego John de Silva lo desarrolló al igual que Ramayanaya en 1886. [164]
La música ligera cingalés es actualmente el tipo de música más popular en Sri Lanka y está enriquecida con la influencia de la música folk, la música kolam, la música nadagam, la música noorthy, la música de cine , la música clásica, la música occidental y otras. [165] Algunos artistas visitaron la India para aprender música y luego comenzaron a introducir la música ligera. Ananda Samarakone fue el pionero de esto [166] [167] y también compuso el himno nacional. [168]
La orquesta clásica cingalesa consta de cinco categorías de instrumentos, pero entre los instrumentos de percusión, el tambor es fundamental para la danza. [169]
El ritmo vibrante del ritmo de los tambores forma la base del baile. [170] Los pies de los bailarines rebotan en el suelo y saltan y giran en patrones que reflejan los complejos ritmos del tambor. Este ritmo de tambor puede parecer simple a primera vista, pero lleva mucho tiempo dominar los intrincados ritmos y variaciones, que el baterista a veces puede llevar a un crescendo de intensidad. Hay seis tipos comunes de tambores que se dividen en 3 estilos (de una cara, de dos caras y de cara plana): [171] [172]
La danza típica cingalés se identifica como la danza de Kandy y el tambor Gatabera es indispensable para esta danza. [173]
Yak-bera es el tambor demoníaco o el tambor utilizado en la danza country baja en la que los bailarines usan máscaras y realizan danzas del diablo, que se ha convertido en una forma de arte muy desarrollada. [174]
El Daula es un tambor con forma de barril , y en el pasado se usaba como tambor acompañante de un Thammattama, para mantener un ritmo estricto con el ritmo. [175]
El Thammattama es un tambor plano de dos caras. El baterista golpea el tambor en las dos superficies superiores con baquetas, a diferencia de otros tambores en los que se toca en los lados. Este es un tambor que acompaña al mencionado Dawula. [176]
Se utiliza un pequeño tambor de mano de dos cabezas para acompañar las canciones. Se escucha principalmente en danzas poéticas como vannam. [ se necesita aclaración ]
El Rabana es un tambor circular de cara plana y viene en varios tamaños. [177] La Rabana grande, llamada Banku Rabana, debe colocarse en el suelo como una mesa circular de patas cortas y varias personas (tradicionalmente mujeres) pueden sentarse alrededor de ella y golpearla con ambas manos. [178] Esto se utiliza en festivales como el Año Nuevo cingalés y ceremonias como bodas. [179] El resonante ritmo de la Rabana simboliza los alegres estados de ánimo de la ocasión. La pequeña Rabana es una forma de tambor móvil ya que el jugador lo lleva a donde quiera que vaya. [180]
Otros instrumentos incluyen:
La Thalampata: 2 platillos pequeños unidos por una cuerda. [181]
La sección de viento, está dominada por un instrumento parecido al clarinete. [ se necesita aclaración ] Esto normalmente no se usa para bailes. Es importante tener esto en cuenta porque la danza cingalesa no tiene música como la conoce el mundo occidental; el ritmo es el rey.
Las flautas de metal, como la plata y el latón, producen música estridente para acompañar las danzas de Kandy, mientras que los quejumbrosos acordes musicales de la flauta de caña pueden perforar el aire en la danza del diablo. La caracola ( Hakgediya ) es otra forma de instrumento natural, y el jugador la toca para anunciar la apertura de ceremonias de grandeza. [182]
El Ravanahatha (ravanhatta, rawanhattha, ravanastron o ravana hasta veena) es un violín frotado que alguna vez fue popular en la India occidental. [183] [184] Se cree que se originó entre la civilización Hela de Sri Lanka en la época del rey Ravana. [185] El cuenco está hecho de cáscara de coco cortada, cuya boca está cubierta con piel de cabra. A esta concha se adjunta un dandi, hecho de bambú. [185] Las cuerdas principales son dos: una de acero y la otra de un juego de crin. El arco largo tiene cascabeles [186] [187]
Australia
Las tradiciones de las canciones populares fueron llevadas a Australia por los primeros colonos de Inglaterra, Escocia e Irlanda y se afianzaron especialmente en el interior rural . [188] [189] Las canciones, poemas y cuentos que riman escritos en forma de baladas a menudo se relacionan con el espíritu itinerante y rebelde de Australia en The Bush , y a los autores e intérpretes a menudo se les llama bardos arbustivos. [190] El siglo XIX fue la época dorada de las baladas de bush. [191] Varios coleccionistas han catalogado las canciones, incluido John Meredith , cuya grabación en la década de 1950 se convirtió en la base de la colección de la Biblioteca Nacional de Australia . [190]
Las canciones cuentan historias personales de la vida en el campo abierto de Australia. [192] [193] Los temas típicos incluyen la minería, la cría y el pastoreo de ganado, la esquila de ovejas , los vagabundeos, las historias de guerra, la huelga de esquiladores australianos de 1891 , los conflictos de clases entre la clase trabajadora sin tierra y los ocupantes ilegales (terratenientes) y forajidos como Ned. Kelly , así como intereses amorosos y tarifas más modernas como el transporte por carretera . [194] La balada de bush más famosa es " Waltzing Matilda ", que ha sido llamada "el himno nacional no oficial de Australia". [195]
La música indígena australiana incluye la música de los aborígenes australianos y de los isleños del Estrecho de Torres , a quienes se les llama colectivamente australianos indígenas ; [196] incorpora una variedad de estilos musicales tradicionales distintivos practicados por los pueblos indígenas australianos, así como una variedad de estilos musicales contemporáneos y fusiones con tradiciones europeas interpretadas e interpretadas por artistas indígenas australianos. [197] La música ha formado parte integral de las prácticas sociales , culturales y ceremoniales de estos pueblos, a lo largo de los milenios de sus historias individuales y colectivas hasta nuestros días. [198] [199] Las formas tradicionales incluyen muchos aspectos de interpretación e instrumentos musicales exclusivos de regiones particulares o grupos indígenas australianos . [200] Elementos iguales de tradición musical son comunes en gran parte del continente australiano, e incluso más allá. [201] La cultura de los isleños del Estrecho de Torres está relacionada con la de las partes adyacentes de Nueva Guinea y, por lo tanto, su música también está relacionada. La música es una parte vital del mantenimiento cultural de los australianos indígenas. [202]
En Irlanda, The Clancy Brothers y Tommy Makem (aunque todos sus miembros eran nacidos en Irlanda, el grupo se hizo famoso mientras tenía su sede en el Greenwich Village de Nueva York [208] ), The Dubliners , [209] Clannad , [210] Planxty , [211 ] The Chieftains , [212] [213] The Pogues , [214] The Corrs , [215] The Irish Rovers , [216] y una variedad de otras bandas folclóricas han hecho mucho en las últimas décadas para revitalizar y volver a popularizar Música tradicional irlandesa . [217] Estas bandas estaban arraigadas, en mayor o menor medida, en una tradición de la música irlandesa y se beneficiaron de los esfuerzos de artistas como Seamus Ennis y Peter Kennedy . [207]
En Escocia , The Corries , [218] Silly Wizard , [219] [220] Urogallo , [221] Runrig , [222] Jackie Leven , [223] Julie Fowlis , [224] Karine Polwart , [225] Alasdair Roberts , [ 226] [227] Dick Gaughan , [228] Wolfstone , [229] Boys of the Lough , [230] y The Silencers [231] han mantenido el folk escocés vibrante y fresco mezclando canciones tradicionales escocesas y gaélicas con géneros más contemporáneos. [232] Estos artistas también han tenido éxito comercial en Europa continental y América del Norte. [233] Hay una riqueza emergente de talento en la escena de la música tradicional escocesa, con bandas como Mànran , [234] Skipinnish , [235] Barluath [236] y Breabach [237] y artistas solistas como Patsy Reid, [238 ] Robyn Stapleton [239] y Mischa MacPherson [240] han obtenido mucho éxito en los últimos años. [241]
Europa central y oriental
Durante la era del Bloque del Este , el estado promovía activamente las danzas folclóricas nacionales. [242] Compañías de danza de Rusia y Polonia realizaron giras por la Europa no comunista aproximadamente entre 1937 y 1990. [243] El Coro del Ejército Rojo grabó muchos álbumes, convirtiéndose en la banda militar más popular. [244] Europa del Este es también el origen de la tradición judía Klezmer . [245]
El grupo húngaro Muzsikás realizó numerosas giras americanas [261] y participó en la película de Hollywood El paciente inglés [262] mientras que la cantante Márta Sebestyén trabajó con la banda Deep Forest . [263] El movimiento húngaro táncház , iniciado en la década de 1970, implica una fuerte cooperación entre expertos en musicología y aficionados entusiastas. [264] Sin embargo, la música y la cultura folclórica tradicionales húngaras apenas sobrevivieron en algunas zonas rurales de Hungría, y también han comenzado a desaparecer entre los húngaros étnicos de Transilvania . El movimiento táncház revivió tradiciones folclóricas más amplias de música, danza y vestimenta y creó un nuevo tipo de club de música. [265] El movimiento se extendió a comunidades étnicas húngaras en otras partes del mundo. [265]
Una parte importante de toda la música folclórica de los Balcanes es la música de la minoría étnica romaní local , que se llama tallava y música de bandas de música. [271] [272]
música folklórica nórdica
El conjunto folclórico masculino letón Vilki, actuando en el festival de artesanía y guerra del Báltico Apuolė 854 en Apuolė , agosto de 2009
Las numerosas regiones de los países nórdicos comparten ciertas tradiciones, muchas de las cuales han divergido significativamente, como el Salmodicon de Dinamarca, Suecia y Noruega. [275] Es posible agrupar a los estados bálticos (o, a veces, solo a Estonia) y partes del noroeste de Rusia como si compartieran similitudes culturales, [276] aunque la relación se ha enfriado en los últimos años. [277] En contraste con Noruega, Suecia, Dinamarca y las islas atlánticas de Islandia y las Islas Feroe, que prácticamente no comparten similitudes de ese tipo. La cultura inuit de Groenlandia tiene sus propias tradiciones musicales únicas. [278] Finlandia comparte muchas similitudes culturales tanto con las naciones bálticas como con las naciones escandinavas. Los samis de Suecia, Noruega, Finlandia y Rusia tienen su propia cultura única, con vínculos con las culturas vecinas. [279]
La música folclórica sueca es un género musical basado en gran medida en trabajos de recopilación folclórica que comenzaron a principios del siglo XIX en Suecia. [280] El instrumento principal de la música folclórica sueca es el violín . [281] Otro instrumento común , exclusivo de las tradiciones suecas, es la nyckelharpa . [282] La mayor parte de la música folclórica instrumental sueca es música de baile ; La forma musical y de danza característica de la música folclórica sueca es la polska . [283] Las tradiciones vocales e instrumentales en Suecia han tendido a compartir melodías históricamente, aunque se han interpretado por separado. [284] A partir del resurgimiento de la música folclórica de la década de 1970, vocalistas e instrumentistas también han comenzado a actuar juntos en conjuntos de música folclórica .
América Latina
La música folklórica de América consiste en el encuentro y unión de tres tipos musicales principales: la música tradicional europea, la música tradicional de los nativos americanos y la música tribal africana que llegó con los esclavos de ese continente.
El caso particular de la música latina y sudamericana apunta a la música andina [285] entre otros estilos musicales autóctonos (como la caribeña [286] y pampeana), la música ibérica de España y Portugal , y en general la música tribal africana , las tres de las cuales fusionados evolucionando en formas musicales diferenciadas en Centro y Sudamérica.
La música andina proviene de la región de los quechuas , aymaras y otros pueblos que habitaron el área general del Imperio Inca antes del contacto europeo. [287] Incluye música folklórica de partes de Bolivia , Ecuador , [288] Chile, Colombia , Perú y Venezuela . La música andina es popular en diferentes grados en América Latina y tiene su público principal en las zonas rurales y entre las poblaciones indígenas. El movimiento Nueva Canción de la década de 1970 revivió el género en toda América Latina y lo llevó a lugares donde era desconocido u olvidado.
Nueva canción es un movimiento y género dentro delatinoamericanaeibérica, la música de inspiración folclórica y la música socialmente comprometida. En algunos aspectos, su desarrollo y papel son similares al segundo resurgimiento de la música folclórica en América del Norte. Esto incluye la evolución de este nuevo género a partir de la música folclórica tradicional, esencialmente música folclórica contemporánea, excepto que ese término de género en inglés no se le aplica comúnmente. Se reconoce que la Nueva Canción jugó un papel poderoso en los levantamientos sociales en Portugal, España y América Latina durante los años 1970 y 1980.
Moda de viola es el nombre que se le da a la música folclórica brasileña. Suele realizarse con una guitarra acústica de nailon de 6 cuerdas, pero el instrumento más tradicional es la viola caipira . Las canciones básicamente detallan las dificultades de la vida de quienes trabajan en el país. Los temas suelen estar asociados a la tierra, los animales, el folklore, el amor imposible y la separación. Aunque hay algunas canciones alegres, la mayoría son nostálgicas y melancólicas.
América del norte
Canadá
Leñadores francocanadienses tocando el violín con baquetas de percusión en un campamento maderero en 1943.
La música folclórica tradicional de Canadá es particularmente diversa. [289] Incluso antes de liberalizar sus leyes de inmigración en la década de 1960, Canadá era étnicamente diverso con docenas de diferentes grupos indígenas y europeos presentes. En términos de música, los académicos no hablan de una tradición canadiense, sino de tradiciones étnicas ( música acadiana , música irlandesa-canadiense , música Blackfoot , música innu , música inuit , violín métis , etc.) y más tarde en tradiciones regionales del este de Canadá ( Música de Terranova , violín de Cabo Bretón , música de Quebec , etc.)
La música folclórica tradicional de origen europeo ha estado presente en Canadá desde la llegada de los primeros colonos franceses y británicos en los siglos XVI y XVII... Pescaban en las aguas costeras y cultivaban las costas de lo que se convirtió en Terranova, Nueva Escocia, Nuevo Brunswick. , la Isla del Príncipe Eduardo y el valle del río San Lorenzo en Quebec.
El comercio de pieles y sus viajeros llevaron esto más al norte y al oeste, hasta Canadá; Posteriormente las operaciones madereras y los leñadores continuaron este proceso.
Los asentamientos agrarios en el este y sur de Ontario y el oeste de Quebec a principios del siglo XIX establecieron un entorno favorable para la supervivencia de muchas canciones populares anglocanadienses y baladas de Gran Bretaña y Estados Unidos. A pesar de la industrialización masiva, las tradiciones de la música folclórica han persistido en muchas áreas hasta hoy. En el norte de Ontario, una gran población franco-ontaria mantuvo viva la música folclórica de origen francés.
Las populosas comunidades acadianas de las provincias atlánticas contribuyeron con sus variantes de canciones al enorme corpus de música folclórica de origen francés centrado en la provincia de Quebec. Una rica fuente de música folclórica anglocanadiense se puede encontrar en la región del Atlántico, especialmente en Terranova. Completan este mosaico de folclore musical la música gaélica de los asentamientos escoceses, particularmente en Cape Breton, y los cientos de canciones irlandesas cuya presencia en el este de Canadá data de la hambruna irlandesa de la década de 1840, que obligó a grandes migraciones de irlandeses a América del Norte. [289]
"El conocimiento de la historia de Canadá ", escribió Isabelle Mills en 1974, "es esencial para comprender el mosaico de las canciones populares canadienses. Parte de este mosaico lo aportan las canciones populares de Canadá traídas por los colonos europeos y anglosajones al nuevo tierra." [12] Ella describe cómo la colonia francesa en Quebec trajo inmigrantes franceses, seguidos en poco tiempo por oleadas de inmigrantes de Gran Bretaña, Alemania y otros países europeos, todos trayendo música de sus países de origen, algunos de los cuales sobreviven hasta el día de hoy. El etnógrafo y folclorista Marius Barbeau estimó que en Canadá se habían recopilado más de diez mil canciones populares francesas y sus variantes. Muchos de los más antiguos ya se habían extinguido en Francia.
La música como entretenimiento pago profesionalizado creció relativamente lentamente en Canadá, especialmente en las zonas rurales remotas, durante el siglo XIX y principios del XX. Mientras que en los clubes de música urbana se hizo popular la variedad de salón de baile / vaudeville , seguida por el jazz, el Canadá rural siguió siendo principalmente una tierra de música tradicional. Sin embargo, cuando las cadenas de radio estadounidenses comenzaron a transmitir en Canadá en las décadas de 1920 y 1930, la audiencia de la música tradicional canadiense disminuyó progresivamente en favor de la música country estadounidense al estilo de Nashville y los estilos urbanos como el jazz. La americanización de la música canadiense llevó a la Canadian Radio League a presionar para conseguir una emisora pública nacional en la década de 1930, lo que finalmente condujo a la creación de la Canadian Broadcasting Corporation (CBC) en 1936. La CBC promovió la música canadiense, incluida la música tradicional, en su radio. y más tarde los servicios de televisión, pero la locura de mediados de siglo por todo lo "moderno" condujo al declive de la música folklórica en relación con el rock y el pop. Sin embargo, Canadá fue influenciado por el resurgimiento de la música folklórica de la década de 1960, cuando lugares locales como el Montreal Folk Workshop y otros clubes folklóricos y cafeterías de todo el país se convirtieron en crisoles para compositores e intérpretes emergentes, así como para el intercambio con artistas visitantes de todo el país. en el extranjero.
Estados Unidos
La música tradicional estadounidense también se llama música de raíces. La música de raíces es una categoría amplia de música que incluye bluegrass , música country , gospel , música antigua , bandas de jarras , folk de los Apalaches , blues , cajún y música nativa americana . La música se considera estadounidense porque es originaria de los Estados Unidos o porque se desarrolló allí, a partir de orígenes extranjeros, hasta tal punto que a los musicólogos les pareció algo claramente nuevo. Se considera "música de raíces" porque sirvió como base de la música desarrollada posteriormente en los Estados Unidos, incluido el rock and roll , la música folclórica contemporánea, el Rhythm and Blues y el jazz . Algunos de estos géneros se consideran música folclórica tradicional.
Oklahoma y las llanuras del sur de Estados Unidos: antes de la historia registrada, los indios americanos de esta zona utilizaban canciones e instrumentación; la música y la danza siguen siendo el núcleo de las actividades ceremoniales y sociales. [292] " Stomp dance " sigue siendo en su esencia, una forma de llamada y respuesta ; La instrumentación la proporcionan sonajeros o grilletes que las mujeres llevan en las piernas. [292] "Otras naciones del sudeste tienen sus propios complejos de canciones sagradas y sociales, incluidas aquellas para danzas de animales y danzas de la amistad, y canciones que acompañan a los juegos de stickball . Un elemento central de la música de los indios de las llanuras del sur es el tambor, que ha sido llamado "El latido del corazón de la música de los indios de las llanuras. La mayor parte de ese género se remonta a las actividades de caza y guerra, en las que se basaba la cultura de las llanuras". [292] El tambor es fundamental en la música de los indios de las llanuras del sur. Durante el periodo de reserva, utilizaron música para aliviar el aburrimiento. Los vecinos se reunieron, intercambiaron y crearon canciones y bailes; esto es parte de las raíces de la reunión intertribal moderna . Otro instrumento común es la flauta de cortejo. [292]
La música folclórica afroamericana de la zona tiene sus raíces en la esclavitud y la emancipación. La música sacra , a capella y acompañada instrumentalmente, está en el corazón de la tradición. Los primeros espirituales enmarcaron las creencias cristianas dentro de las prácticas nativas y estuvieron fuertemente influenciados por la música y los ritmos de África". [292] Los espirituales son prominentes y, a menudo, utilizan un patrón de llamada y respuesta. [292] "El evangelio se desarrolló después de la Guerra Civil (1861– 1865). Se basó en textos bíblicos para gran parte de su dirección, y el uso de metáforas e imágenes era común. El gospel es un "ruido alegre", a veces acompañado de instrumentación y casi siempre puntuado por palmas, golpecitos con los dedos de los pies y movimientos del cuerpo." [ 292] " El canto de notas de forma o arpa sagrada se desarrolló a principios del siglo XIX como una forma de música itinerante. instructores de canto para enseñar canciones de la iglesia en comunidades rurales. Enseñaron utilizando cancioneros en los que las notaciones musicales de tonos estaban representadas por formas geométricas diseñadas para asociar una forma con su tono. El canto del arpa sagrada se hizo popular en muchas comunidades rurales de Oklahoma, independientemente de su origen étnico". [292] Posteriormente se desarrolló la tradición del blues, con raíces y paralelos con la música sacra. [292] Luego se desarrolló el jazz, nacido de una "mezcla de ragtime, gospel y blues" [292]
Las tradiciones musicales anglo-escocesas-irlandesas ganaron un lugar en Oklahoma después del Land Run de 1889 . Debido a su tamaño y portabilidad, el violín fue el núcleo de la música angloamericana temprana de Oklahoma, pero más tarde se agregaron otros instrumentos como la guitarra, la mandolina , el banjo y la guitarra de acero . Varias tradiciones musicales de Oklahoma tienen sus raíces en las Islas Británicas, incluidas las baladas de vaqueros , el swing occidental y el country y el western contemporáneos ." [292] Los inmigrantes mexicanos comenzaron a llegar a Oklahoma en la década de 1870, trayendo hermosas canciones y corridos , canciones de amor, valses y baladas junto con ellos. Al igual que las comunidades indias americanas, cada rito de iniciación en las comunidades hispanas va acompañado de música tradicional. La guitarra acústica, el contrabajo y el violín proporcionan la instrumentación básica de la música mexicana, con maracas , flauta, trompas o, a veces, acordeón . completando el sonido. [292] Otros europeos (como los bohemios y los alemanes) se establecieron a finales del siglo XIX. Sus actividades sociales se centraban en los salones comunitarios, "donde los músicos locales tocaban polcas y valses en el acordeón, el piano y los instrumentos de metal " . [292] Más tarde , los asiáticos contribuyeron a la mezcla musical: "Las antiguas tradiciones de música y danza de los templos y cortes de China , India e Indonesia se conservan en las comunidades asiáticas de todo el estado, y los géneros de canciones populares se superponen continuamente a estas formas de música clásica" [292]
Renacimientos de la música folclórica
"Se perpetúa a sí misma, es regenerativa. Es lo que llamarías una canción estadounidense perenne. No creo que necesite un renacimiento, una reanimación. Vive y florece. Realmente solo necesita que personas de 18 años se expongan a Pero continuará con o sin ellas. La canción popular es más poderosa que cualquier cosa en la radio, que cualquier cosa que se publique... Es esa destilación de las voces que continúa durante mucho, mucho tiempo, y eso es lo que los hace fuertes." [293]
"Renacimiento de la música folclórica" se refiere a un período de renovado interés por la música folclórica tradicional o a un acontecimiento o período que la transforma; este último suele incluir un componente de activismo social. Un ejemplo destacado de lo primero es el resurgimiento del folklore británico de aproximadamente 1890-1920. El ejemplo más destacado e influyente de este último (hasta el punto de que suele denominarse " el renacimiento de la música folclórica") es el renacimiento folclórico de mediados del siglo XX, centrado en el mundo de habla inglesa que dio origen a la música folclórica contemporánea. [294] Véase el artículo " Música folclórica contemporánea " para obtener una descripción de este resurgimiento.
Un renacimiento anterior influyó en la música clásica occidental. Compositores como Percy Grainger , Ralph Vaughan Williams y Béla Bartók realizaron grabaciones de campo o transcripciones de cantantes y músicos folclóricos.
En España, Isaac Albéniz (1860-1909) produjo obras para piano que reflejan su herencia española, incluida la Suite Iberia (1906-1909). Enrique Granados (1867-1918) compuso zarzuela , ópera ligera española y Danzas Españolas . Manuel de Falla (1876-1946) se interesó por el cante jondo del flamenco andaluz , cuya influencia se puede sentir fuertemente en muchas de sus obras, entre las que se incluyen Noches en los jardines de España y Siete canciones populares españolas. ", para voz y piano). Compositores como Fernando Sor y Francisco Tárrega establecieron la guitarra como instrumento nacional de España. Abundan los artistas folclóricos españoles modernos (Mil i Maria, Russian Red , et al.) que se modernizan respetando las tradiciones de sus antepasados.
El flamenco ganó popularidad a lo largo del siglo XX, al igual que los estilos del norte, como la música celta de Galicia . Los compositores clásicos franceses, desde Bizet hasta Ravel , también recurrieron a temas españoles, y los géneros españoles distintivos llegaron a ser universalmente reconocidos.
Los resurgimientos de la música folclórica o los resurgimientos de las raíces también abarcan una variedad de fenómenos en todo el mundo donde existe un interés renovado por la música tradicional. Esto suele ser obra de jóvenes, a menudo en la música tradicional de su propio país, y muchas veces incluye nuevas incorporaciones de conciencia social, causas y evoluciones de nueva música en el mismo estilo. Nueva canción , una evolución similar de una nueva forma de música socialmente comprometida ocurrió en varios países de habla hispana.
Música folklórica contemporánea
festivales
Estados Unidos
A veces se afirma que el primer festival de música folclórica de los Estados Unidos fue el Mountain Dance and Folk Festival, [295] [296] 1928, en Asheville, Carolina del Norte , fundado por Bascom Lamar Lunsford . [297] El Festival Folclórico Nacional (EE.UU.) es un festival folclórico itinerante en los Estados Unidos. [298] Desde 1934, ha sido dirigido por el Consejo Nacional de las Artes Tradicionales (NCTA) y se ha presentado en 26 comunidades de todo el país. [299] Después de abandonar algunas de estas comunidades, el Festival Folclórico Nacional ha creado varios festivales folclóricos organizados localmente, incluido el Festival Folclórico de Lowell , [300] el Festival Folclórico de Richmond, [301] el Festival Folclórico Americano [302] y , más recientemente, el Festival Folclórico de Montana. [303]
El Newport Folk Festival es un festival folclórico anual que se celebra cerca de Newport, Rhode Island. [304] Funcionó la mayor parte de los años desde 1959 a 1970 y desde 1985 hasta la actualidad, con una asistencia de aproximadamente 10.000 personas cada año. [305]
El Festival Folclórico de Filadelfia, de cuatro días de duración, comenzó en 1962. [306] Está patrocinado por la Philadelphia Folksong Society, una organización sin fines de lucro. [307] El evento presenta a artistas contemporáneos y tradicionales en géneros que incluyen mundo/fusión, celta, cantautor, folk rock, country, klezmer y danza. [308] [309] Se lleva a cabo anualmente el tercer fin de semana de agosto. [310] El evento ahora recibe aproximadamente 12.000 visitantes, presentando bandas en 6 escenarios. [311]
El Festival de Sidmouth comenzó en 1954, [313] y el Festival Folclórico de Cambridge comenzó en 1965. [314] El Festival Folclórico de Cambridge en Cambridge , Inglaterra, se caracteriza por tener una definición muy amplia de quiénes pueden ser invitados como músicos folclóricos. [315] Las "carpas club" permiten a los asistentes descubrir un gran número de artistas desconocidos que, durante diez o quince minutos cada uno, presentan su trabajo al público del festival. [316]
Australia
El Festival Folclórico Nacional es el principal festival folclórico de Australia y al que asisten más de 50.000 personas. [317] [318] El Woodford Folk Festival y el Port Fairy Folk Festival se encuentran igualmente entre los eventos anuales más importantes de Australia y atraen a los mejores artistas folclóricos internacionales, así como a muchos artistas locales. [319] [320]
Canadá
Stan Rogers es un elemento permanente del festival folclórico canadiense Summerfolk , que se celebra anualmente en Owen Sound, Ontario , donde el escenario principal y el anfiteatro están dedicados como el "Stan Rogers Memorial Canopy". [321] El festival está firmemente arraigado en la tradición, con la canción de Rogers " The Mary Ellen Carter " cantada por todos los involucrados, incluido el público y una mezcla de actos en el festival. [322] [323] El Festival de Música Folclórica de Canmore es el festival de música folclórica de mayor duración de Alberta. [324]
Otro
Urkult Näsåker, Ångermanland, que se celebra cada año en agosto, es supuestamente el festival de música mundial más grande de Suecia. [325]
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