Days of Future Passed es el segundo álbum y primer álbum conceptual de la bandainglesa de rock progresivo The Moody Blues , lanzado en noviembre de 1967 por Deram Records . [5]
El álbum representa un importante punto de inflexión creativo para la banda. El álbum es el primero con el guitarrista y cantante Justin Hayward en lugar de Denny Laine y el bajista John Lodge en lugar de Clint Warwick . El álbum también es el primero que presenta al productor y colaborador Tony Clarke y el primero que presenta al teclista Mike Pinder en Mellotron . Estos cambios, combinados con un alejamiento de las versiones de R&B hacia composiciones originales y un concepto temático, ayudaron a definir el sonido de la banda para los siguientes álbumes y le valieron al grupo un nuevo éxito comercial y de crítica.
El álbum fue grabado para mostrar las técnicas de grabación estéreo del nuevo sello de Decca Records , Deram . El sello había solicitado al grupo grabar portadas de música pop y clásica junto con una orquesta. En cambio, el álbum presenta composiciones originales que expresan el día a día de la vida de una persona común, intercaladas con interludios orquestales arreglados y dirigidos por Peter Knight e interpretados por la London Festival Orchestra .
El álbum fue un éxito moderado tras su lanzamiento, pero la constante difusión en la radio FM y el éxito del sencillo " Nights in White Satin " hicieron que el álbum se convirtiera en uno de los diez primeros éxitos de Estados Unidos en 1972. Desde entonces, ha figurado entre los álbumes más importantes. de 1967 por Rolling Stone , y es citado por el Salón de la Fama del Rock and Roll y otros como ejemplo del primer álbum de rock progresivo [6] y uno de los primeros álbumes conceptuales . [7]
The Moody Blues habían comenzado como una banda de Rhythm and Blues y habían alcanzado el éxito comercial a finales de 1964 y principios de 1965 con el sencillo número uno en el Reino Unido y el Top 10 en Estados Unidos, " Go Now ", pero a finales de 1966 se habían topado con dificultades financieras. dificultades y cambios de personal, y decidió cambiar de rumbo creativo. El guitarrista Denny Laine y el bajista Clint Warwick abandonaron el grupo para dedicarse a otros intereses, lo que permitió a John Lodge , ex compañero de banda y amigo de Ray Thomas, unirse al grupo en el bajo. La banda encontraría al guitarrista y cantante Justin Hayward a través de Eric Burdon de The Animals , quien había publicado un anuncio para un nuevo miembro de la banda. Thomas recuerda: "Había hecho un anuncio en la prensa musical local y encontró a alguien. Estaba tomando una copa con él en un club y me dijo: 'Tengo un montón de respuestas en mi oficina; si quieres ir' a través de ellos, eres más que bienvenido." [8]
La incorporación de Lodge y Hayward trajo dos compositores más al grupo, lo que permitió a la banda seguir una nueva dirección creativa. El nuevo cantante y guitarrista Justin Hayward explica: "Originalmente éramos una banda de ritmo y blues, usábamos trajes azules y cantábamos sobre la gente y los problemas del Sur Profundo. Estaba bien, pero era incongruente, no nos llevaba a ninguna parte y, en Al final, no teníamos dinero, ni nada. Cuando entré en la banda como compositor a principios de 1966, Mike era el único en la banda que escribía, y las canciones que escribíamos juntos no se parecían en nada a lo que estábamos haciendo. en nuestro acto en vivo. Y luego, literalmente un día, dijimos que teníamos que hacer algo completamente diferente, así que decidimos escribir nuestro propio material y hacer solo nuestras propias canciones". [9] El nuevo cantante y bajista John Lodge continúa: "No habíamos estado en Estados Unidos. Ese fue el sorprendente problema porque, antes de hacer Days of Future Passed , cantábamos canciones que se originaron en Estados Unidos y, como nunca habíamos estado allí, Parecía algo realmente extraño: cantar sobre un país o un entorno del que no tenía conocimiento de primera mano. Por eso dijimos: 'Está bien, escribamos sobre el blues inglés'".
Una experiencia de concierto en particular le dio a la banda una nueva determinación y la impulsó a romper con su estilo pasado. Justin Hayward recuerda: "Estábamos teniendo cada vez menos público y menos dinero. Todo llegó a un punto crítico cuando hicimos un show en Stockton en marzo de 1967. Éramos tan malos que un fan nos abordó después y nos dijo que éramos la peor banda que había conocido". Lo había visto alguna vez, y les arruinamos la noche a él y a su esposa, quienes habían pagado £12 por una noche de fiesta y habían visto el espantoso Moody Blues. ¡En el camino de regreso en la camioneta, Graeme, que estaba dormido acostado! el equipo en la parte de atrás – de repente se despertó y dijo en voz baja: '¡Ese tipo tenía razón! ¡Somos basura!' Fue el momento en que nos deshicimos de las versiones de R&B, nos deshicimos de nuestros trajes de Moody Blues y decidimos defender nuestras propias canciones. ¿Qué teníamos que perder?" [11] Hayward continúa: "Habíamos estado tocando música que no se adaptaba a nuestros personajes. Éramos chicos ingleses de clase media baja que cantábamos sobre la vida en el sur profundo de los EE. UU. y no era honesto. Tan pronto como empezamos Para expresar nuestros propios sentimientos y crear nuestra propia música, nuestra suerte cambió". [12] "Nuestra audiencia de repente fue diferente. Empezamos a gustarle a la gente por las razones correctas. Había una honestidad en nuestra forma de tocar que era completamente evidente". [13]
Un elemento destacado de la nueva dirección musical del grupo fue el uso del Mellotron . Lodge recuerda: "Cuando nos reunimos en 1966, estábamos tratando de encontrar el teclado adecuado para Mike. Probamos con el piano y en realidad no era el sonido que queríamos. Luego probamos con un órgano Hammond, una caja órgano, un piano Rhodes Probamos un órgano Farfisa y no funcionó y luego Mike dijo: 'Sabes, solía trabajar para una empresa llamada Mellotron y ellos inventaron esta máquina que simula cuerdas'. Así que fuimos en busca de uno". [10] El Mellotron es un instrumento de teclado donde cada tecla reproduce un bucle de cinta de una grabación de otro instrumento, coro u orquesta. Desarrollado por la empresa Streetly Electronics de West Midlands a principios de la década de 1960, el instrumento sirvió como precursor del muestreo de teclados y sintetizadores. Mike Pinder, un antiguo empleado de Streetly, utilizó sus conexiones para comprar uno de los instrumentos para el grupo. Lodge recuerda: "Había un club social en una de las fábricas de Birmingham, llamado Dunlap (ellos fabricaban los neumáticos) y tenían uno de esos Mellotrons al que nadie podía tocar. Así que fuimos a verlos. Creo que Mike y Fui y hablé con ellos y se lo compramos. Nunca lo habían jugado, así que Mike se puso a descubrir cómo hacerlo funcionar". [10] Pinder continúa: "Les Bradley de Streetly electronics me llamó y me dijo que me había encontrado un instrumento adecuado en el club social de la fábrica de neumáticos Dunlop. Fui a verlo y necesitaba tenerlo. A las tres cien libras, en lugar de las habituales tres mil libras, el instrumento fue una ganga". [14]
Aunque el instrumento podía resultar voluble en concierto, la experiencia de Pinder le permitió superar cualquier desafío. Explica: "Sabía cómo estaban construidos. Sabía cómo montar el Mellotron y cómo desmontarlo". [15] Lodge continúa: "Básicamente eran bucles de cinta en cada nota y después de cada 12 segundos, las notas se detenían. Así que tuvo que encontrar una manera de tocar otras notas hasta que el resorte lo devolvió al modo de reproducción. Todo fue bastante complicado y Mike resolvió esto. El Mellotron tenía dos teclados. Uno era para tocar en solitario y el otro tenía todas las secciones rítmicas. Entonces, Mike quitó todas las secciones rítmicas y duplicó las partes de solo, para poder usar dos lados del Mellotron. como instrumento. Eso fue muy inteligente". [10] Edge recuerda: "A Mike se le ocurrió agregar trompetas, cuerdas, gaitas y todo ese tipo de cosas detrás y convertirlo en un instrumento musical más natural". [16] La capacidad del instrumento para reproducir sonidos de cuerdas orquestales en el estudio y en concierto combinaba bien con la flauta de Ray Thomas, que había adoptado recientemente en lugar de la armónica. Explica: "Había estado tocando la flauta, por lo que era una combinación ideal entre la flauta y las cuerdas. Decidimos hacerlo realmente como una fusión de rock clásico, supongo que lo llamarías". [17]
Hayward reflexiona sobre el impacto general del Mellotron en la música de la banda: "Mike y el melotron hicieron que mis canciones funcionaran. Esa es la forma más sencilla en que puedo decirlo. Cuando él tocaba el piano, me resultaba difícil intentar encontrar algo que Moody El blues sería percusivo en el piano y eso sería interesante, y particularmente porque Mike ya había tocado, ya sabes, el mejor sencillo de piano de todos los tiempos , así que iba a ser un acto imposible de seguir, pero cuando encontró el mellotron, de repente mi. Las canciones funcionaron, ya sabes. Cuando toqué 'Nights in White Satin' con los otros chicos, no quedaron tan impresionados hasta que Mike entró en el mellotron y entonces todos se interesaron un poco (risas). el melotrón." [18] Edge reflexiona sobre tres desarrollos distintos que impulsaron el cambio de la banda en el sonido y el desarrollo creativo: "Creo que fueron tres fuerzas diferentes que se unieron. Una era Tony Clarke , el productor. La otra era Mellotron, que tocaba Mike Pinder. Y el otro fue que Justin Hayward se uniera a la banda, porque no vino por la ruta del rock 'n' roll, sino por la ruta del folk inglés, así que su sentimiento por la estructura de los acordes era un poco diferente". [19]
En octubre de 1966, el grupo se trasladó a Mouscron, Bélgica, para escribir material nuevo y embarcarse en una gira por Bélgica. Sus espectáculos normalmente consistían en dos sets, el primero consistía en versiones de Rhythm and Blues que incluían " Go Now " y el segundo consistía en canciones originales recién escritas. Lodge dice: "Nos encantaba tocar juntos. Fue realmente bueno. Era emocionante cuando eran nuestras propias canciones, no estábamos tocando una canción que alguien había escrito para nosotros. Así que cada parte de cada canción la habíamos inventado nosotros mismos. Quería tocar cada parte exactamente correcta y nueva y como si nadie hubiera tocado esa parte en particular en una canción antes. Eso fue emocionante en Days of Future Passed , crear algo que nadie más había creado antes. Eso dio una gran sensación. " [20] Lodge continúa: "Fuimos a un pequeño pueblo en Mouscron para comenzar a escribir nuestras propias canciones y escribimos muchas canciones antes de Days of Future Passed . Pero Days of Future Passed dictó su propio álbum, en realidad. Cuando supimos qué queríamos hacer con Days of Future Passed , dedicamos la composición exactamente a ese álbum y todo lo que hicimos antes quedó solo [21] .
Graeme Edge recuerda: "Diseñamos un espectáculo que iba a ser de '24 horas': día 12 y noche 12, y teníamos "Tuesday Afternoon" y "Nights" y creo que "Peak Hour" estaban escritas para eso". [22] Lodge continúa: "En última instancia, se acordó que el disco sería un álbum conceptual que rastrearía un día en la vida de Everyman, con canciones originales relacionadas con diferentes partes del día interpretadas en orden cronológico, introducidas e intercaladas con música orquestal. "Teniendo en cuenta que los cinco miembros del grupo escribieron material para el álbum antes de que se estableciera el concepto, es notable lo perfecta que fue su ejecución". [23] Pinder explica el deseo de un tema cohesivo: "Siempre quise crear algo que fuera conceptual. Me encantaban las obras de Mantovani . Quería tener nuestros álbumes en los estantes de la gente... álbumes que la gente quisiera coleccionar". , y jugar en su totalidad." [24]
El teclista Mike Pinder escribió "Dawn Is a Feeling" y Hayward escribió "Nights in White Satin", que sirvieron como primeros sujetalibros del concepto. Hayward explica que "Nights In White Satin" se había grabado mucho tiempo antes de que fuera para Days of Future Passed. "Nights In White Satin" y "Dawn Is A Feeling" fueron las dos canciones clave que nos dieron la idea de la historia de un día en la vida de un hombre, y de eso se trataba nuestro espectáculo antes de que fuera Days of Future Passed . mencionado o pensado. Así que teníamos esos dos momentos del día y la idea, luego era sólo cuestión de elegir diferentes momentos del día para escribir; Fue bastante frívolo, en realidad... nada realmente demasiado serio. Acabo de levantar la mano por la tarde. Así que terminé con "Tuesday Afternoon" y Ray Thomas escribió "Twilight Time". [25]
"Dawn is a Feeling" de Mike Pinder abre el concepto con una sensación de optimismo. Sus letras reconocen el espíritu del actual Verano del Amor y abrazan el sentimiento de que la sociedad se acercaba a una nueva sensación de iluminación, una nueva espiritualidad. [26] Lodge recuerda la canción como un paso en una nueva dirección para el grupo y para la composición de Pinder: "Creo que fue como un despertar para él también. Quería ser un escritor creativo. Mike escribió canciones fabulosas. Hay algo especial en esa mañana y creo que ese fue el amanecer del Moody Blues, en realidad". [27]
La caprichosa "Another Morning" fue escrita por el flautista Ray Thomas. Lodge recuerda: "Él me cantó la canción. Ray toca la flauta y la armónica. No toca ningún instrumento de cuerdas. Así que recuerdo que me cantó la canción. Y recuerdo haber sacado la guitarra y tocarla con él en el House. Ray tiene esta maravillosa actitud sonriente ante la vida. Es una mirada infantil a la vida, lo cual es realmente agradable". [28]
El bajista John Lodge recuerda la inspiración para "Peak Hour": "Escribí "Peak Hour" en la parte trasera de un camión. Volvíamos de un concierto y el ritmo de las ruedas sobre el asfalto daban un ritmo muy fuerte. Estaba golpeando mi pie en el suelo y le dije a Graeme: '¿Podrías mantener este ritmo durante unos tres minutos? Creo que he escrito una canción'". [29] Continúa: "Ahí es donde básicamente la escribí. Saqué la parte principal, la parte de rock and roll, de ahí y desarrollé la parte de bajo, pero realmente quería hacer algo diferente en la canción. Por eso la dividí en una parte tipo coro de catedral. En el medio, podría volver a convertirse en una canción de rock and roll. Una parte se aceleraría y luego se detendría y se volvería realmente silenciosa con los sonidos del órgano y luego comenzaría de nuevo el rock and roll. [30]
Hayward recuerda haber escrito " Tuesday Afternoon ": "Estaba un poco obsesionado con hacer cambios de tempo en medio de las canciones. Si me aburría, para abrir otra puerta dentro de la canción, simplemente quería ir a un tipo diferente. De hecho, "Tuesday Afternoon" fue la primera vez que hicimos eso. Para entonces, cuando escribí "Tuesday Afternoon", supe que íbamos a hacer este espectáculo basado en un día en. la vida de un chico, incluso antes de grabar el álbum, ya tenía "Nights in White Satin", y ya estábamos empezando a aprenderlo y tocarlo, pero había un vacío en esta historia del día, así que fui. Fui a casa de mis padres en el oeste del país, y en ese momento tenía un perro llamado Tuesday. No es que el perro esté en la canción, de ninguna manera me fumé un porro al costado de un campo con una guitarra. y esa canción acaba de salir." [31] Continúa: "Se trataba simplemente de buscar algún tipo de iluminación o algún tipo de experiencia religiosa o psicodélica en la vida. Realmente no era mi intención que se tomara demasiado en serio, pero seis meses después, ahí estaba: Nuestro primer sencillo en Estados Unidos." [32]
Lodge explica el tema de "(Tarde) Hora de escapar": "Se trata realmente de que si puedes lograr algo todos los días, no importa lo pequeño que sea, simplemente te da esa energía para seguir adelante y tener una vida agradable En cuanto a "The Sun Set" y "Twilight Time", Lodge recuerda: "Estábamos tratando de asegurarnos de que cada canción del álbum tuviera un aspecto diferente. Eso fue lo más importante. Que en cada canción del álbum nadie pudiera decir: 'Oh, eso suena así'". [33]
Hayward escribió " Noches de satén blanco " sobre los cambios entre una relación y otra, utilizando las sábanas como metáfora. Recuerda la inspiración: "Yo era el final de una gran historia de amor y el comienzo de otra. Cuando tienes sólo 20 años, como yo, eso es muy importante en tu vida. Una amiga me había regalado sábanas de raso blanco. Fue un gesto romántico encantador, y eso es lo que pensé. Llegué a casa una noche después de un concierto, me senté en el borde de la cama y escribí cartas sin querer. enviar. Lo encuentro algo catártico. Si tengo un problema con alguien o sobre algo, me resulta más fácil escribirlo y sacarlo a la luz en lugar de darle vueltas en mi mente. Es una serie de pensamientos e ideas aleatorios. "Un joven de 20 años muy drogado que estaba desesperadamente triste por sí mismo por una historia de amor y desesperadamente emocionado por la siguiente". [34] Hayward continúa: "Regresé de un concierto una noche y me senté en el borde de mi cama. Estaba compartiendo piso con Graeme en ese momento. Era muy temprano, casi había luz. Los versos de las canciones Simplemente salió. Lo llevé a la sala de ensayo al día siguiente y se lo toqué al resto del grupo. Llegué al final y todos dijeron: 'Bueno, está bien'. Mike Pinder dijo: "Ponlo de nuevo". Lo toqué de nuevo y él tocó la línea de Mellotron y de repente todos estaban interesados. Le puso ese tipo de orquestación y de repente funcionó". [35]
El álbum comienza con el poema de Graeme Edge "Morning Glory" y concluye con su "Late Lament". Edge recuerda: "Escribí ambos versos porque la sección 'Morning' parecía bastante vacía cuando la escuchamos por primera vez. La última parte del poema parecía un final perfecto para el disco. Originalmente había escrito las palabras como "La letra es para que alguien más pueda ponerle música, pero la poesía tiene una estructura rítmica que hace que sea difícil convertirla en una canción, por lo que Tony Clarke sugirió grabarla como una pieza hablada". [36] En otra entrevista, da más detalles: "Como músicos, sabíamos mucho sobre la vida después del mediodía. Pero no habíamos visto tantas mañanas a lo largo de los años (risas). Así que estábamos un poco en blanco. Y Me propuse escribir una canción que abarcara las mañanas, "Morning Glory", y a medida que avanzaba, también hice una parte nocturna, que se convirtió en "Late Lament", pero tenía la intención de escribir la letra de una canción. Lo tomé, se lo presenté a los chicos y les dije: '¿Alguien puede ponerle música a esto?' Todos lo leyeron y dijeron: 'Esto es fantástico, pero hay demasiadas palabras, simplemente no puedes cantar eso. Tienes que tener espacios donde puedan sostener una vocal y cantar en lugar de simplemente hablar'. Dije: 'Oh, sí, veamos, puedo reducirlo'. Y Tony Clarke dijo: 'No, no, no, eso es fantástico. Lo lees y le pondremos música detrás, algunas cuerdas, lo convertiremos en algo', lo cual hicieron. dijo: 'Sabes, es genial, pero es un poco mejor con la voz de Mike'. ¡Como si me fuera a enfadar! Estaba absolutamente emocionado de tener algo en el álbum". [37]
En el verano de 1967, el grupo hizo varias apariciones en la BBC, debutando " Nights in White Satin " y "Peak Hour". Escuchar la mezcla final de la BBC de "Nights in White Satin" aumentó el entusiasmo de la banda por la canción y su nuevo material. Hayward recuerda: "Mucho antes de grabarlo para Decca, lo grabamos para la BBC. Lo grabamos y no nos invitaron a la sala de control para escucharlo. Y luego en nuestra camioneta camino a un concierto. Lo escuchamos, porque estaba en un programa llamado Saturday Club, un sábado, por supuesto, y íbamos por la autopista y lo escuchamos en la radio y detuvimos el auto o la camioneta. al costado de la carretera, y dijimos: 'Oye, tal vez haya algo en esa canción', porque había algo en ella, sonaba realmente bien. No nos habíamos dado cuenta hasta que la escuchamos nosotros mismos". [38]
En octubre, al grupo se le concedió tiempo de estudio para grabar un disco de demostración para la recién formada división Deram Records de Decca . La compañía estaba ansiosa por demostrar sus últimas técnicas de grabación, que recibieron el nombre de "Deramic Sound". [5] Decca había experimentado con sonido estereofónico para grabaciones clásicas y esperaba capturar el mercado pop de la misma manera, entrelazando grabaciones clásicas con la interpretación del grupo de la misma música. [39] Hayward recuerda: "Estaban lanzando un sello llamado Deramic Sound System que más tarde se convertiría en Deram y cada grabación era en estéreo, no sólo remasterizada más tarde en estéreo, como los Beatles, sino que en realidad se grababa con un sonido estéreo amplio, todo en El lugar que le correspondía al estéreo entonces estaba confinado a la música clásica y querían demostrar que el estéreo podía ser tan interesante para el rock and roll como lo era para la música clásica". [40]
Para el disco de demostración, se pidió a Knight y al grupo que grabaran material no original para demostrar la nueva tecnología estéreo, incorporando música orquestal y popular. Los miembros de la banda recuerdan que el sello les pidió que grabaran un álbum incorporando elementos de la Sinfonía nº 9 de Antonín Dvořák . Thomas explica: "Querían un disco de demostración hecho para que todos los vendedores intentaran vender Deramic Sound y nunca pudimos conseguir tiempo en el estudio. Estábamos desarrollando Days of Future Passed como un espectáculo en el escenario. Querían que tocáramos temas como " Blue Suede Shoes ", " Rock Around the Clock " y cosas así, y quería que Peter Knight y la Orquesta del Festival de Londres tocaran la Sinfónica del Nuevo Mundo de Dvorák. Dijimos que iba a sonar terriblemente horrible. En un momento estaban escuchando "Blue Suede". Shoes" y luego, al minuto siguiente, la sinfónica y nosotros interpretando a otra persona". [41]
Ansiosa por aprovechar la oportunidad de pasar tiempo en el estudio y confiada en la calidad de su material recién escrito, la banda aceptó el plan del sello y luego decidió silenciosamente grabar su conjunto en vivo de canciones originales. [39] [38] John Lodge recuerda: "La compañía Decca Record se acercó a nosotros y nos dijo que querían hacer lo que llamaban un álbum de muestras para su nuevo sistema de sonido de rango de cuatro frecuencias en estéreo, y que querían incorporar lo que llamaron un banda de 'pop'. Querían que grabáramos la 'Sinfonía del Nuevo Mundo' de Dvorak y dijimos: '¡Sí, fantástico!' Pero no les dijimos que íbamos al estudio con el director, Peter Knight, y grabaríamos básicamente nuestro espectáculo. Eso es lo que hicimos". [42] Hayward recuerda: "Dijimos, sí, seguro que lo haríamos, y luego, después de decir que sí, fuimos al pub y decidimos hacer nuestras propias canciones. Fue una conspiración entre todos nosotros, los músicos. que estaban presentes, y simplemente entramos al estudio y grabamos nuestro propio espectáculo". [43] El ingeniero de sesión y colaborador de estudio desde hace mucho tiempo Derek Varnals confirma que ni la banda ni Knight y la orquesta hicieron ningún esfuerzo por grabar material no original durante las sesiones. [38]
Las sesiones de grabación del álbum se llevaron a cabo en Decca Studios en West Hampstead , Londres, comenzando con "Dawn Is a Feeling" el 18 de octubre y concluyendo el 27, con la mezcla completada el 3 de noviembre. [38] "Nights in White Satin" se grabó antes que el resto del álbum, el 8 de octubre. [38] [44] [45] Lodge recuerda: "Tomó siete días. Por lo tanto, tomó una semana entera para grabar Days of Future Passed". [46] Thomas recuerda: "Grabamos una y dos canciones al día, lo que estábamos acostumbrados a hacer. Porque en esos días no tenías tiempo en el estudio". [47]
La banda trabajó con el productor discográfico Tony Clarke , el ingeniero Derek Varnals y el director Peter Knight . [4] Hayward recuerda: "Tuvimos suerte. Teníamos a Decca, que tenía ingenieros con formación clásica, y nuestro material se grabó maravillosamente. El ingeniero Derek Varnals y Tony Clarke influyeron en la forma en que se presentaron nuestras canciones. Si Si miras otras cosas que hicimos en ese momento que no estaban en los estudios de Decca, se basan mucho más en el rock 'n' roll y el piano y tratan de ser un poco más directos y pensar en singles. El material que hicimos en Decca tenía un sonido particular y una calidad particular que tenía ese toque orquestal. Sabían cómo armarlo. Decca era una compañía que estaba realmente comprometida con la venta de álbumes, no de sencillos. Toda la división de consumidores para sistemas estéreo que estaban tratando de impulsar. Eso fue de gran ayuda para nosotros en los primeros días porque querían que hiciéramos hermosos discos estéreo que pudieran demostrar que el estéreo podía ser interesante para el rock 'n' roll. Coincidió con nuestra ida a Estados Unidos y el nacimiento de la radio FM. Se juntaron muchas cosas. [48]
A diferencia de la práctica habitual, la banda pudo reservar el estudio durante las sesiones durante días enteros a la vez, en lugar de sesiones intermitentes. Las sesiones prolongadas facilitaron su trabajo, permitiendo al grupo grabar hasta altas horas de la noche. Lodge explica: "En aquella época, los estudios [seguían un formato] de tres sesiones de grabación al día. Como de 10:00 a 1:00, de 2:00 a 5:00 y de 6:00 a 10:00. Solías reservar tus sesiones, y cuando terminaban tenías que salir del estudio o esperar a que regresaran los ingenieros. Sabíamos que si queríamos hacer algo diferente, queríamos un "bloqueo" de 24 horas. compañía y dijeron que nos gustaría un "bloqueo". Y no creo que nunca hubieran tenido una solicitud para eso antes, pero, afortunadamente, estuvieron de acuerdo. Y fue maravilloso, porque estábamos grabando una canción por día y. Cuando llegaba la noche, nos relajábamos un rato. Llegaba la medianoche y luego empezábamos de nuevo. Cuando llegaban las primeras horas: 2:00, 3:00, 4:00 de la mañana, nos dimos cuenta de que era genial. Es hora de ser constructivo y creativo. Fue fantástico poder hacer eso". [49]
El grupo grabó y mezcló sus sesiones primero, luego pasó las cintas terminadas a Knight para que arreglara y grabara los interludios orquestales. [39] Hayward explica: "Nos tomó cinco días terminar y, después de cada día, se los enviábamos al director de la orquesta, Peter Knight, y él escribía estos arreglos orquestales. Habíamos editado todas las cintas. "Tenía la duración adecuada y simplemente tocaron en vivo en los huecos". [50] Pinder recuerda: "No estábamos allí cuando se terminaron las partes de la orquesta. Pero tuvimos una sesión de escucha grupal maravillosa después de que agregaron sus contribuciones. Nos encantó lo que habían hecho". [51]
Los interludios orquestales se grabaron durante una única sesión el 3 de noviembre [38] y fueron interpretados por la London Festival Orchestra dirigida por Peter Knight . La orquesta era una agrupación ad hoc de músicos profesionales que sirvieron como orquesta interna de Decca Records. Hayward explica: "Eran sólo un grupo de gitanos, lo que llamaban los músicos de cuerda en Londres en ese momento. Estaban formados por varias orquestas diferentes; eran grandes intérpretes. Pero lo más importante fue Peter Knight, quien orquestó y arregló las partes clásicas del disco fue, en mi opinión, el mejor arreglista de cuerdas romántico de la época. Fue una inspiración para nosotros. Su trabajo en el álbum permanecerá para siempre". [52] Las partes orquestales fueron grabadas en una sola sesión. Hayward recuerda: "La orquesta se grabó en una sesión de tres horas: un repaso y luego una toma. Yo estaba en el estudio. No me invitaron a la sala de control. Esos eran los días en los que el artista ciertamente no estaba". Me invitaron a la sala de control para dar una opinión, pero estuve allí en la sesión de Peter Knight y fue maravilloso". [53]
Un momento memorable fue la grabación de los coros de "Nights in White Satin". Thomas recuerda: "Cuando hicimos "Nights in White Satin", los cuatro rodeamos un micrófono y cantamos en armonía. Y luego Tony dijo: 'Hagamos otra toma'. ¡Lo estaba doblando! Cuando escuché la reproducción, fue como un mini coro. Se derramaron algunas lágrimas". [54] Lodge recuerda haber grabado la canción para que cada elemento, cada instrumento tuviera su propio espacio: "Dijimos que teníamos que hacer que en partes de la canción, excepto en la voz de Justin, se pudiera escuchar la caída de un alfiler. Era muy importante que el bajo tuviera su propio espacio y la guitarra acústica tuviera su propio espacio en los versos, no sonaba nada más para que cuando entrara el Mellotron, escucharas la dimensión". [55] La banda quedó satisfecha con los resultados. El baterista Edge recuerda: "Cuando grabamos la canción para Decca, todos sentimos que habíamos creado algo maravilloso. Fue una experiencia muy emotiva escuchar la mezcla terminada de la canción por primera vez". [56] Continúa y compara el momento con "Polvo de hadas. Lo invisible, incognoscible. Es sólo una de esas canciones en las que todo encaja correctamente". [57]
El grupo celebró una sesión de reproducción a la que asistieron el grupo, ejecutivos de Decca y varios asociados en un estudio de grabación con poca luz. Lodge recuerda el momento: "Después de que terminó la sesión de reproducción y las luces del estudio se encendieron una vez más, las sonrisas en nuestros rostros lo dijeron todo. Sabíamos que habíamos hecho bien en apegarnos a nuestros principios y grabar nuestra propia música". [58] The Moody Blues no tocaron ninguna música a los ejecutivos de Decca hasta que estuvo completa. En la primera jugada, quedaron decepcionados con el resultado, ya que no eran los arreglos de Dvorak que esperaban. Walt Maguire, representante de London Records (la rama norteamericana de Decca), sin embargo, pensó que sería un gran vendedor en los EE. UU., por lo que se acordó lanzar el álbum tal como estaba grabado. [39] Hayward recuerda: "Cuando presentamos el producto terminado a todos estos antiguos directores de Decca, que es una antigua y excelente firma de música inglesa, dijeron: 'Esto no es Dvorak', y nosotros dijimos: 'No, pero esto es lo que es.' Teníamos un aliado allí, y él realmente nos defendió; dijo: "Creo que podría ser bastante interesante", y además, habíamos hecho un disco de demostración en estéreo; simplemente no era Dvorak, así que finalmente lo conseguimos. Había suficientes personas que creyeron en él para publicarlo, y fue un éxito instantáneo". [59]
La portada del álbum fue diseñada por David Anstey y fue un encargo para el álbum. Hayward recuerda: "Se le ocurrió esta idea, nos reunimos con él en un pub y le contamos sobre nuestras canciones, él las implementó y la usaron. Fue reducida en escala de la película original de David Anstey". [60] La portada presenta un collage pintado de varias imágenes relacionadas con el tiempo inspiradas en las canciones del álbum, incluido un reloj de arena, una puesta de sol, fases lunares y caballeros montados. [61]
Days of Future Passed se lanzó el 10 de noviembre de 1967 en el Reino Unido y llegó a los EE. UU. en marzo de 1968. [62] Alcanzó el puesto 27 en la lista de álbumes del Reino Unido . [63] En los EE. UU., se vendió de manera constante a fines de la década de 1960, ayudado por la reproducción en la radio FM de "Nights in White Satin", y finalmente alcanzó el puesto número 2 en la lista Billboard de los EE. UU. en 1972. [39] [64]
Days of Future Passed fue el segundo y último álbum lanzado en formato estéreo y mono en los EE. UU. La versión mono (Deram DE-16012) se imprimió en una cantidad limitada ya que se lanzó durante la "eliminación gradual" del mono. Lanzamientos en LP de las principales compañías discográficas, por lo que es un artículo muy buscado entre los coleccionistas de discos.
Days of Future Passed se publicó como una cinta cuadrafónica discreta de carrete abierto en 1977. Este máster también se utilizó para un lanzamiento de CD de audio de 5.1 canales dts de 2001 y nuevamente para un lanzamiento SACD de edición de lujo de dos discos en 2006.
El 17 de noviembre de 2017, esta mezcla original estuvo disponible por primera vez en CD como Days of Future Passed 50th Anniversary Deluxe Edition . [65] También se lanzó The Moody Blues Days of Future Past Live , que se grabó en vivo en Toronto el 13 de julio de 2017 con un respaldo completo de orquesta. [66]
Tras su lanzamiento, Rolling Stone le dio al álbum una crítica poco entusiasta, escribiendo "The Moody Blues [...] han madurado considerablemente desde ' Go Now ', pero su música se ve constantemente empañada por una de las concepciones más sorprendentemente empalagosas de la 'belleza'. y 'misticismo' que cualquier grupo de rock haya afectado alguna vez." [69] La revista New York lo descartó como "un pesado montículo de gelatina de pensamiento". [73] Sin embargo, el álbum ha recibido elogios desde entonces; por ejemplo, Spin lo citó como un clásico del rock progresivo. [70] En 2007, Rolling Stone , que originalmente había descrito Days of Future Passed como "un grupo de rock inglés que se estrangulaba en una sustancia conceptual" [73] , lo incluyó en su lista de los álbumes esenciales de 1967. [74]
Los compositores musicales citan el álbum como un ejemplo temprano de música rock progresivo . [1] [71] [75] Bill Holdship de Yahoo! Music comenta que la banda "creó aquí todo un género". [72] David Fricke lo cita como uno de los álbumes esenciales de 1967 y lo encuentra "más cercano a la pompa del alto arte que a la psicodelia. Pero hay una marcada discreción pop en la escritura y un romanticismo alucinante en el efecto espejo de las cuerdas y Mellotron de Mike Pinder." [5] Will Hermes cita el álbum como un disco esencial de rock progresivo y opina que el uso del Mellotron, un teclado de reproducción de cinta, lo convirtió en un elemento "característico" del género. [70] Un trabajo influyente del período de la contracultura , [76] El editor de AllMusic , Bruce Eder, llama al álbum "uno de los documentos definitorios de la floreciente era psicodélica y uno de los álbumes más populares de su época". [4]
En julio de 1978, se descubrió que las cintas maestras británicas de Days of Future Passed se habían deteriorado. Como resultado de esto, el álbum fue remezclado en su totalidad en agosto de 1978, [77] que se utilizó para reediciones entre 1978 y 2017. [65] Algunas compilaciones, sin embargo, continuaron usando la mezcla estéreo original de 1967 para ciertas canciones. [78] La mezcla original del álbum finalmente se lanzó en su totalidad en disco compacto en noviembre de 2017. [65]
Las formas en que la mezcla posterior se aleja más notablemente del original son:
Todas las composiciones originalmente acreditadas a "Redwave-Knight", excepto "Dawn Is a Feeling", "Forever Afternoon (Tuesday)", "The Sunset" y "Nights in White Satin". [79] ('Redwave' es un alias de Justin Hayward.) [80]
Nota: "(Tarde) Hora de escapar" no figura en las ediciones originales, pero desde entonces se ha agregado a todas las listas de canciones anteriores.
Fuentes: [81]
con:
Fuentes: [83]