La historia del cine narra el desarrollo de una forma de arte visual creada utilizando tecnologías cinematográficas que comenzó a finales del siglo XIX.
La llegada del cine como medio artístico no está claramente definida. Aunque ya hubo proyecciones cinematográficas anteriores, la proyección pública y comercial de los cortometrajes de diez hermanos Lumière en París el 28 de diciembre de 1895 puede considerarse como el gran avance de las películas cinematográficas proyectadas. Las primeras películas eran en blanco y negro, duraban menos de un minuto, sin sonido grabado y consistían en un solo plano de una cámara fija. En la primera década, el cine pasó de ser una novedad a una industria de entretenimiento de masas establecida, con productoras y estudios cinematográficos establecidos en todo el mundo. Se desarrollaron convenciones hacia un lenguaje cinematográfico general, con movimientos de cámara de edición cinematográfica y otras técnicas cinematográficas que contribuyeron a roles específicos en la narrativa de las películas.
Los nuevos medios populares, incluida la televisión (convencional desde la década de 1950), el vídeo doméstico (década de 1980) e Internet (década de 1990), influyeron en la distribución y el consumo de películas. La producción cinematográfica generalmente respondió con contenido que se adaptaba a los nuevos medios e innovaciones técnicas (incluidas las películas de pantalla ancha (década de 1950), 3D y 4D ) y películas más espectaculares para mantener atractivas las proyecciones teatrales. Los sistemas que eran más baratos y más fáciles de manejar (incluyendo películas de 8 mm , video y cámaras de teléfonos inteligentes ) permitieron a un número cada vez mayor de personas crear películas de diferentes calidades, para cualquier propósito, incluidas películas caseras y videoarte . La calidad técnica solía ser inferior a la de las películas profesionales, pero mejoraba con vídeo digital y cámaras digitales asequibles y de alta calidad . Los métodos de producción digital, que mejoraron con el tiempo, se hicieron más populares durante la década de 1990, lo que dio como resultado efectos visuales cada vez más realistas y populares animaciones por computadora de largometrajes .
Varios géneros cinematográficos han surgido a lo largo de la historia del cine y han disfrutado de grados variables de éxito.
El uso del cine como forma de arte tiene sus orígenes en varias tradiciones anteriores en las artes, como la narración (oral) , la literatura, el teatro y las artes visuales. La Cantastoria y tradiciones antiguas similares combinaban la narración con series de imágenes que se mostraban o indicaban una tras otra. Los predecesores del cine que ya habían utilizado luces y sombras para crear arte antes del advenimiento de la tecnología cinematográfica moderna incluyen la fotografía de sombras , los títeres de sombras , la cámara oscura y la linterna mágica .
La fotografía de sombras y los títeres de sombras representan ejemplos tempranos de la intención de utilizar imágenes en movimiento para el entretenimiento y la narración. [1] Se cree que esta forma de arte se originó en el Lejano Oriente y utilizaba sombras proyectadas por manos u objetos para ayudar en la creación de narrativas. Los títeres de sombras gozaron de popularidad durante siglos en toda Asia, especialmente en Java , y finalmente se extendieron a Europa durante el Siglo de las Luces . [2]
En el siglo XVI, los artistas a menudo evocaban imágenes de apariciones fantasmales, utilizando técnicas como la cámara oscura y otras formas de proyección para mejorar sus actuaciones. [3] Los espectáculos de linternas mágicas desarrollados en la segunda mitad del siglo XVII parecen haber continuado esta tradición con imágenes de muerte, monstruos y otras figuras aterradoras. [4] Alrededor de 1790, esta práctica se desarrolló hasta convertirse en un tipo de espectáculo de fantasmas multimedia conocido como fantasmagoría . Estos espectáculos populares entretenían al público mediante diapositivas mecánicas, retroproyección, proyectores móviles, superposiciones , fundidos , actores en vivo, humo (sobre el que se podían haber proyectado), olores, sonidos e incluso descargas eléctricas. [5] [6] Si bien muchos de los primeros espectáculos de linterna mágica tenían como objetivo asustar a los espectadores, los avances de los proyeccionistas permitieron una narración creativa e incluso educativa que podría atraer a un público familiar más amplio. [7] Técnicas recientemente pioneras, como el uso de vistas en disolución y el crotropopo , permitieron transiciones más suaves entre dos imágenes proyectadas y ayudaron a proporcionar narrativas más sólidas. [8]
En 1833, el estudio científico de una ilusión estroboscópica en ruedas de radios realizado por Joseph Plateau , Michael Faraday y Simon Stampfer condujo a la invención del fantascopio, también conocido como disco estroboscópico o fenaquistiscopio , que fue popular en varios países europeos durante un tiempo. Plateau pensó que podría desarrollarse aún más para su uso en fantasmagoría y Stampfer imaginó un sistema para escenas más largas con tiras sobre rodillos, así como una versión transparente (probablemente destinada a proyección). Plateau, Charles Wheatstone , Antoine Claudet y otros intentaron combinar la técnica con el estereoscopio (introducido en 1838) y la fotografía (introducida en 1839) para obtener una ilusión más completa de la realidad, pero durante décadas tales experimentos se vieron obstaculizados en su mayoría por la necesidad de largos periodos de tiempo. tiempos de exposición, con movimiento borroso alrededor de los objetos que se movían mientras la luz reflejada caía sobre los químicos fotosensibles. Algunas personas lograron obtener resultados decentes con las técnicas de stop motion , pero rara vez se comercializaban y ninguna forma de fotografía animada tuvo mucho impacto cultural antes de la llegada de la cronofotografía.
La mayoría de las primeras secuencias fotográficas, conocidas como cronofotografía , inicialmente no estaban destinadas a ser vistas en movimiento y, por lo general, se presentaban como un método serio, incluso científico, para estudiar la locomoción. Las secuencias involucraban casi exclusivamente a humanos o animales realizando un simple movimiento frente a la cámara. [9] A partir de 1878, con la publicación de las tarjetas de gabinete The Horse in Motion , el fotógrafo Eadweard Muybridge comenzó a realizar cientos de estudios cronofotográficos del movimiento de animales y humanos en tiempo real. Pronto le siguieron otros cronofotógrafos como Étienne-Jules Marey , Georges Demenÿ , Albert Londe y Ottomar Anschütz . En 1879, Muybridge comenzó a dar conferencias sobre locomoción animal y utilizó su zoopraxiscopio para proyectar animaciones de los contornos de sus grabaciones, trazadas en discos de vidrio. [10]
En 1887, el inventor y fotógrafo alemán Ottomar Anschütz comenzó a presentar sus grabaciones cronofotográficas en movimiento, utilizando un dispositivo al que llamó Elektrischen Schnellseher (también conocido como electrotaquiscopio ), que mostraba bucles cortos en una pequeña pantalla de cristal de leche. En 1891, había comenzado la producción en masa de un dispositivo de visualización tipo mirilla del mismo nombre, más económico y que funciona con monedas, que se exhibió en exposiciones y ferias internacionales. Algunas máquinas se instalaron durante períodos más prolongados, incluidas algunas en el Crystal Palace de Londres y en varias tiendas de Estados Unidos. Cambiando el enfoque del medio del interés técnico y científico en el movimiento al entretenimiento para las masas, grabó a luchadores, bailarines, acróbatas y escenas de la vida cotidiana. Casi 34.000 personas pagaron para ver sus espectáculos en el Parque de Exposiciones de Berlín en el verano de 1892. Otros lo vieron en Londres o en la Exposición Universal de Chicago de 1893 . Aunque queda poca evidencia de la mayoría de estas grabaciones, algunas escenas probablemente representaban secuencias cómicas escenificadas. Los registros existentes sugieren que parte de su producción influyó directamente en trabajos posteriores de Edison Company, como la película de 1894 Fred Ott's Sneeze . [11]
Los avances hacia las tecnologías de proyección de películas se basaron en la popularidad de las linternas mágicas, las demostraciones cronofotográficas y otras formas estrechamente relacionadas de entretenimiento proyectado, como las canciones ilustradas . Desde octubre de 1892 hasta marzo de 1900, el inventor Émile Reynaud exhibió su sistema cinematográfico Théâtre Optique ("Teatro óptico") en el Musée Grévin de París. El dispositivo de Reynaud, que proyectaba una serie de historias animadas como Pauvre Pierrot y Autour d'une cabina , se mostró a más de 500.000 visitantes en 12.800 espectáculos. [12] [13] Los días 25, 29 y 30 de noviembre de 1894, Ottomar Anschütz proyectó imágenes en movimiento procedentes de discos de electrotaquiscopio en una gran pantalla en el oscuro Gran Auditorio de un edificio de correos de Berlín. Del 22 de febrero al 30 de marzo de 1895 se proyectó en el antiguo Reichstag un programa comercial de una hora y media con 40 escenas diferentes para un público de 300 personas y recibió alrededor de 4.000 visitantes. [14]
A lo largo de finales del siglo XIX, varios inventores como Wordsworth Donisthorpe , Louis Le Prince , William Friese-Greene y los hermanos Skladanowsky hicieron contribuciones pioneras al desarrollo de dispositivos que podían capturar y mostrar imágenes en movimiento, sentando las bases para el surgimiento del cine. como medio artístico. Las escenas de estos experimentos sirvieron principalmente para demostrar la tecnología en sí y, por lo general, se filmaron con familiares, amigos o personas que pasaban por el tráfico como sujetos en movimiento. La primera película que se conserva, conocida hoy como Escena del jardín de Roundhay (1888), fue capturada por Louis Le Prince y mostró brevemente a miembros de su familia en movimiento. [15]
En junio de 1889, el inventor estadounidense Thomas Edison asignó a un asistente de laboratorio, William Kennedy Dickson , para que le ayudara a desarrollar un dispositivo que pudiera producir imágenes que acompañaran los sonidos producidos por el fonógrafo . Basándose en máquinas anteriores de Muybridge, Marey, Anschütz y otros, Dickson y su equipo crearon el visor Kinetoscopio, con bucles de celuloide que contienen aproximadamente medio minuto de entretenimiento cinematográfico . [16] Después de una vista previa el 20 de mayo de 1891, Edison presentó la máquina en 1893. [17] Muchas de las películas presentadas en el Kinetoscopio mostraban actos de vodevil conocidos realizados en el estudio Black Maria de Edison . [18] El kinetoscopio rápidamente se convirtió en una sensación mundial con múltiples salas de visualización en las principales ciudades en 1895. [17] A medida que la novedad inicial de las imágenes desapareció, Edison Company tardó en diversificar su repertorio de películas y el menguante interés del público provocó negocios. para disminuir en la primavera de 1895. Para remediar la disminución de ganancias, se llevaron a cabo experimentos, como The Dickson Experimental Sound Film , en un intento de lograr el objetivo original del dispositivo de proporcionar acompañamiento visual para grabaciones de sonido. Sin embargo, las limitaciones en la sincronización del sonido con las imágenes impidieron su aplicación generalizada. [19] Durante ese mismo período, los inventores comenzaron a avanzar en tecnologías hacia la proyección de películas que eventualmente superarían el formato de peep-box de Edison. [20]
Los hermanos Skladanowsky utilizaron su Bioscop de fabricación propia para mostrar la primera película en movimiento ante un público de pago el 1 de noviembre de 1895, en Berlín. Pero no tenían la calidad ni los recursos financieros para cobrar impulso. La mayoría de estas películas nunca pasaron la etapa experimental y sus esfuerzos atrajeron poca atención del público hasta que el cine tuvo éxito.
En la segunda mitad de 1895, los hermanos Auguste y Louis Lumière filmaron varias escenas cortas con su invento, el Cinématographe . El 28 de diciembre de 1895, los hermanos realizaron su primera proyección comercial en París (aunque ya en octubre de 1895 existen pruebas de demostraciones del dispositivo ante un público reducido). [21] La proyección constaba de diez películas y duró aproximadamente 20 minutos. El programa se centró principalmente en películas de actualidad como Trabajadores que abandonan la fábrica Lumière como documentos veraces del mundo, pero el programa también incluyó la comedia escenificada L'Arroseur Arrosé . [22] El Cinématographe, la demostración de proyección cinematográfica más avanzada hasta el momento, tuvo un éxito instantáneo: a finales de enero de 1896 recaudaba una media de 2.500 a 3.000 francos diarios. [17] Tras la primera proyección, el orden y la selección de las Las películas se cambiaban con frecuencia. [20]
Los principales intereses comerciales de los hermanos Lumière eran la venta de cámaras y equipos cinematográficos a exhibidores, no la producción real de películas. A pesar de esto, los cineastas de todo el mundo se inspiraron en el potencial del cine a medida que los exhibidores llevaban sus espectáculos a nuevos países. Esta era del cine, denominada por el historiador de cine Tom Gunning como "el cine de atracciones", ofrecía una forma relativamente barata y sencilla de ofrecer entretenimiento a las masas. En lugar de centrarse en las historias, sostiene Gunning, los cineastas confiaron principalmente en la capacidad de deleitar al público a través del "poder ilusorio" de ver secuencias en movimiento, de forma muy similar a como lo hicieron en la era del Kinetoscopio que la precedió. [23] A pesar de esto, se produjo una experimentación temprana con el cine de ficción (tanto en películas de realidad como en otros géneros). Las películas se proyectaban principalmente dentro de espacios temporales de escaparates, en tiendas de campaña de expositores itinerantes en ferias o como actos "tontos" en programas de vodevil. [24] Durante este período, antes de que el proceso de postproducción estuviera claramente definido, a los expositores se les permitía ejercer su libertad creativa en sus presentaciones. Para mejorar la experiencia de los espectadores, algunas proyecciones fueron acompañadas por músicos en vivo en una orquesta, un órgano de teatro, efectos de sonido en vivo y comentarios hablados por el showman o proyeccionista. [25] [26]
Los experimentos de edición cinematográfica, efectos especiales, construcción narrativa y movimiento de cámara realizados durante este período por cineastas de Francia, Inglaterra y Estados Unidos resultaron influyentes a la hora de establecer una identidad para el cine en el futuro. Tanto en los estudios Edison como en Lumière, narrativas vagas como la película de Edison de 1895 , Washday Troubles, establecieron dinámicas de relaciones cortas e historias simples . [27] En 1896, se estrenó por primera vez La Fée aux Choux ( El hada de las coles ) . Dirigida y editada por Alice Guy , la historia es posiblemente la película narrativa más antigua de la historia, así como la primera película dirigida por una mujer. [28] Ese mismo año, Edison Manufacturing Company lanzó The May Irwin Kiss en mayo con un éxito financiero generalizado. La película, que presentó el primer beso en la historia del cine, dio lugar a los primeros llamados conocidos a la censura cinematográfica . [29]
Otro de los primeros productores cinematográficos fue el Limelight Department de Australia . A partir de 1898, fue operado por el Ejército de Salvación en Melbourne , Australia. El Departamento Limelight produjo material evangelístico para uso del Ejército de Salvación, incluidas diapositivas de linternas ya en 1891, así como contratos privados y gubernamentales. En sus diecinueve años de funcionamiento, el Departamento Limelight produjo alrededor de 300 películas de diversas duraciones, lo que lo convirtió en uno de los mayores productores cinematográficos de su tiempo. El Departamento de Limelight hizo una película de 1904 de Joseph Perry llamada Bushranging en el norte de Queensland , que se cree que es la primera película sobre bushrangers.
En sus inicios, el cine rara vez era reconocido como una forma de arte por los presentadores o el público. Consideradas por la clase alta como una forma de entretenimiento barato "vulgar" y "de poca cultura", las películas atraían en gran medida a la clase trabajadora y, a menudo, eran demasiado cortas para contener un fuerte potencial narrativo. [30] Los anuncios iniciales promocionaban las tecnologías utilizadas para proyectar películas en lugar de las películas en sí. A medida que los dispositivos se volvieron más familiares para el público, su potencial para capturar y recrear eventos se explotó principalmente en forma de noticieros y realidades. [31] Durante la creación de estas películas, los directores de fotografía a menudo recurrieron a valores estéticos establecidos por formas de arte pasadas, como el encuadre y la ubicación intencional de la cámara en la composición de su imagen. [32] En un artículo de 1955 para The Quarterly of Film Radio and television, el productor e historiador de cine Kenneth Macgowan afirmó que la puesta en escena y recreación intencional de eventos para noticieros "llevó la narración a la pantalla". [33]
Con la publicidad de las tecnologías cinematográficas sobre el contenido, los realitys comenzaron inicialmente como una "serie de vistas" que a menudo contenían tomas de lugares hermosos y animados o actuaciones. [32] Tras el éxito de su proyección de 1895, los hermanos Lumière establecieron una empresa y enviaron camarógrafos a todo el mundo para capturar nuevos temas para su presentación. Después de que el director de fotografía filmara escenas, a menudo exhibía sus grabaciones localmente y luego las enviaba de regreso a la fábrica de la compañía en Lyon para hacer copias duplicadas para venderlas a quien las quisiera. [34] En el proceso de filmar realidades, especialmente aquellas de eventos reales, los cineastas descubrieron y experimentaron con múltiples técnicas de cámara para adaptarse a su naturaleza impredecible. [35] Debido a la corta duración (a menudo solo una toma) de muchas actualidades, los registros del catálogo indican que las compañías productoras comercializaban a los expositores promocionando múltiples actualidades con temas relacionados que podrían comprarse para complementarse entre sí. Los exhibidores que compraban las películas a menudo las presentaban en un programa y proporcionaban acompañamiento hablado para explicar la acción en pantalla al público. [32]
La primera audiencia que pagó por una película se reunió en el Madison Square Garden para ver una realidad escenificada que pretendía ser una pelea de boxeo filmada por Woodville Latham usando un dispositivo llamado Eidoloscope el 20 de mayo de 1895. Encargado por Latham, el inventor francés Eugene Augustin Lauste creó el dispositivo con la experiencia adicional de William Kennedy Dickson y diseñó un mecanismo que llegó a conocerse como bucle de Latham , que permitía tiempos de ejecución continuos más prolongados y era menos abrasivo con la película de celuloide. [36]
En los años siguientes, las proyecciones de realities y noticieros resultaron rentables. En 1897, se estrenó La lucha entre Corbett y Fitzsimmons . La película era una grabación completa de un combate de boxeo por el campeonato mundial de peso pesado en Carson City, Nevada . Generó más ingresos en taquilla que en ingresos en taquilla y fue la película más larga producida en ese momento. Probablemente el público se había sentido atraído en masa por la película de Corbett-Fitzsimmons porque James J. Corbett (también conocido como Gentleman Jim) se había convertido en un ídolo matiné desde que interpretó una versión ficticia de sí mismo en una obra de teatro. [37]
A partir de 1910, se exhibieron noticieros regulares y pronto se convirtieron en una forma popular de descubrir las noticias antes de la llegada de la televisión: para los noticieros se filmó la expedición antártica británica al Polo Sur, al igual que las manifestaciones de sufragistas que tenían lugar al mismo tiempo. F. Percy Smith fue uno de los primeros documentales sobre la naturaleza que trabajó para Charles Urban cuando fue pionero en el uso de lapsos de tiempo y microcinematografía en su documental de 1910 sobre el crecimiento de las flores. [38] [39]
Tras la exitosa exposición del Cinématographe, el desarrollo de la industria cinematográfica se aceleró rápidamente en Francia. Varios cineastas experimentaron con la tecnología mientras trabajaban para lograr el mismo éxito que tuvieron los hermanos Lumière con su proyección. Estos cineastas fundaron nuevas empresas como Star Film Company , Pathé Frères y Gaumont Film Company .
El progenitor del cine narrativo más citado es el cineasta francés Georges Méliès . Méliès era un ilusionista que anteriormente había utilizado proyecciones de linterna mágica para realzar su acto mágico. En 1895, Méliès asistió a la demostración del Cinematographe y reconoció el potencial del dispositivo para ayudarle en su acto. Intentó comprar un dispositivo a los hermanos Lumière, pero estos se negaron. [40] Meses después, compró una cámara de Robert W. Paul y comenzó a experimentar con el dispositivo creando realidades. Durante este período de experimentación, Méliès descubrió e implementó varios efectos especiales, incluido el stop trick , la exposición múltiple y el uso de fundidos en sus películas. [16] A finales de 1896, Méliès fundó Star Film Company y comenzó a producir, dirigir y distribuir una obra que eventualmente contendría más de 500 cortometrajes. [41] Reconociendo el potencial narrativo que ofrecía la combinación de su experiencia teatral con los efectos recién descubiertos para la cámara, Méliès diseñó un elaborado escenario que contenía trampillas y un sistema de moscas . [33] Las técnicas de construcción escénica y edición permitieron el desarrollo de historias más complejas, como la película de 1896, Le Manoir du Diable ( La casa del diablo ) , considerada una primicia en el género cinematográfico de terror, y la película de 1899. Cendrillon ( Cenicienta ) . [42] [43] En las películas de Méliès, basó la ubicación de la cámara en la construcción teatral del encuadre del proscenio , el plano metafórico o cuarta pared que divide a los actores y al público. [44] A lo largo de su carrera, Méliès colocó constantemente la cámara en una posición fija y finalmente perdió el favor del público cuando otros cineastas experimentaron con técnicas más complejas y creativas. [45] Méliès es más conocido hoy en día por su película de 1902, Le Voyage Dans La Lune (Un viaje a la luna) , donde utilizó su experiencia en efectos y construcción narrativa para crear la primera película de ciencia ficción . [46]
En 1900, Charles Pathé inició la producción cinematográfica bajo la marca Pathé-Frères , y se contrató a Ferdinand Zecca para dirigir el proceso creativo. [47] Antes de centrarse en la producción, Pathé se había involucrado con la industria exhibiendo y vendiendo lo que probablemente eran versiones falsificadas del Kinetoscopio en su tienda de fonógrafos. Con el liderazgo creativo de Zecca y la capacidad de producir copias en masa de las películas a través de una asociación con una empresa francesa de fabricación de herramientas, Charles Pathé buscó convertir a Pathé-Frères en el principal productor cinematográfico del país. En los años siguientes, Pathé-Frères se convirtió en el estudio cinematográfico más grande del mundo, con oficinas satélite en las principales ciudades y una selección cada vez mayor de películas disponibles para presentación. [48] Las películas de la compañía tenían un contenido variado, con directores especializados en varios géneros para presentaciones en ferias a lo largo de principios del siglo XX. [47]
La Gaumont Film Company era el principal rival regional de Pathé-Frères. Fundada en 1895 por Léon Gaumont , la empresa inicialmente vendió equipos fotográficos y comenzó la producción cinematográfica en 1897, bajo la dirección de Alice Guy , la primera directora de la industria. [49] Sus películas anteriores comparten muchas características y temas con sus competidores contemporáneos, como los Lumières y Méliès . Exploró la danza y las películas de viajes, a menudo combinando ambas, como Le Boléro interpretada por Miss Saharet (1905) y Tango (1905). Muchas de las primeras películas de danza de Guy fueron populares en las atracciones del music-hall, como las películas de danza serpentina , también un elemento básico de los catálogos de películas de Lumières y Thomas Edison . [50] En 1906, realizó La vida de Cristo , una producción de gran presupuesto para la época, que incluía 300 extras.
Tanto Cecil Hepworth como Robert W. Paul experimentaron con el uso de diferentes técnicas de cámara en sus películas. La 'Cámara cinematográfica n.º 1' de Paul de 1895 fue la primera cámara que incluía giro inverso, lo que permitía exponer varias veces el mismo metraje de película, creando así múltiples exposiciones . Esta técnica se utilizó por primera vez en su película de 1901 Scrooge, o el fantasma de Marley . Ambos cineastas experimentaron con las velocidades de la cámara para generar nuevos efectos. Paul filmó escenas de On a Runaway Motor Car a través de Piccadilly Circus (1899) girando la cámara muy lentamente. [51] Cuando la película se proyectó a los habituales 16 fotogramas por segundo, el paisaje parecía pasar a gran velocidad. Hepworth utilizó el efecto opuesto en El jefe indio y la pólvora de Seidlitz (1901). Los movimientos del Jefe se aceleran girando la cámara mucho más rápido que 16 fotogramas por segundo, produciendo lo que el público moderno llamaría un efecto de " cámara lenta ". [52]
Las primeras películas que pasaron de planos únicos a escenas sucesivas comenzaron a principios del siglo XX. Debido a la pérdida de muchas de las primeras películas , puede resultar difícil determinar un cambio concluyente de tomas singulares estáticas a una serie de escenas. A pesar de estas limitaciones, Michael Brooke, del British Film Institute, atribuye la continuidad cinematográfica real, que implica que la acción pasa de una secuencia a otra, a la película de Robert W. Paul de 1898, Come Along, Do! . Hoy en día sólo queda una foto del segundo disparo. [53] Estrenada en 1901, la película británica Attack on a China Mission fue una de las primeras películas en mostrar una continuidad de acción en múltiples escenas. [33] El uso del intertítulo para explicar acciones y diálogos en la pantalla comenzó a principios del siglo XX. Los intertítulos filmados se utilizaron por primera vez en la película de Robert W. Paul, Scrooge o Marley's Ghost. [54] En la mayoría de los países, los intertítulos comenzaron a utilizarse gradualmente para proporcionar diálogo y narración de la película, eliminando así la necesidad de narración proporcionada por los exhibidores.
El desarrollo de la acción continua a través de múltiples tomas fue impulsado en Inglaterra por un grupo de pioneros del cine vagamente asociado denominado colectivamente "la Escuela de Brighton ". Estos cineastas incluyeron a George Albert Smith y James Williamson , entre otros. Smith y Williamson experimentaron con la continuidad de la acción y probablemente fueron los primeros en incorporar el uso de inserciones y primeros planos entre tomas. [33] Una técnica básica para la cinematografía con trucos era la doble exposición de la película en la cámara. Smith fue pionero en este efecto en la película de 1898, Fotografiando un fantasma . Según los registros del catálogo de Smith, la película (ahora perdida ) narra la lucha de un fotógrafo por capturar un fantasma con la cámara. Utilizando la doble exposición de la película, Smith superpuso una figura fantasmal transparente sobre el fondo de una manera cómica para burlarse del fotógrafo. [55] The Corsican Brothers de Smith fue descrita en el catálogo de Warwick Trading Company en 1900: "Mediante una fotografía extremadamente cuidadosa, el fantasma aparece *bastante transparente*. Después de indicar que ha sido asesinado por una estocada de espada y apelar a venganza , desaparece. Entonces aparece una "visión" que muestra el duelo fatal en la nieve." [56] Smith también inició la técnica de efectos especiales de movimiento inverso . Lo hizo repitiendo la acción por segunda vez, mientras la filmaba con cámara invertida, y luego uniendo la cola del segundo negativo con la del primero. [57] Las primeras películas realizadas con este dispositivo fueron Tipsy, Topsy, Turvy y The Awkward Sign Painter . El ejemplo más antiguo que se conserva de esta técnica es La casa que Jack construyó de Smith , realizada antes de septiembre de 1900. Cecil Hepworth llevó esta técnica más allá al imprimir los negativos del movimiento hacia adelante en reversa cuadro por cuadro, produciendo una impresión en la que la acción original era exactamente invertido. Para ello construyó una impresora especial en la que el negativo que pasaba por un proyector se proyectaba en la puerta de una cámara a través de una lente especial dando una imagen del mismo tamaño. Esta disposición pasó a denominarse "impresora de proyección" y, finalmente, " impresora óptica ". [58]
En 1898, George Albert Smith experimentó con primeros planos, filmando tomas de un hombre bebiendo cerveza y una mujer esnifando tabaco. [33] Al año siguiente, Smith realizó El beso en el túnel , una secuencia compuesta por tres planos: un tren entra en un túnel; un hombre y una mujer intercambian un breve beso en la oscuridad y luego regresan a sus asientos; el tren sale del túnel. Smith creó el escenario en respuesta al éxito de un género conocido como viaje fantasma . En una película de viaje fantasma, las cámaras capturarían el movimiento y los alrededores desde la parte delantera de un tren en movimiento. [59] [60] Las tomas separadas, cuando se editaron juntas, formaron una secuencia distinta de eventos y establecieron la causalidad de una toma a la siguiente. [61] Después de El beso en el túnel , Smith experimentó de manera más definitiva con la continuidad de la acción en tomas sucesivas y comenzó a utilizar inserciones en sus películas, como Grandma's Reading Glass y Mary Jane's Mishap . [33] En 1900, Smith realizó Visto a través de un telescopio . El plano principal muestra una escena callejera con un joven atando el cordón de un zapato y luego acariciando el pie de su novia, mientras un anciano observa esto a través de un telescopio. Luego hay un corte a cerca de las manos en el pie de la niña que se muestra dentro de una máscara circular negra, y luego un corte a la continuación de la escena original. [62]
James Williamson perfeccionó las técnicas de construcción narrativa en su película de 1900, Ataque a una misión en China . La película, que el historiador de cine John Barnes describió más tarde como "la narrativa más desarrollada de cualquier película realizada en Inglaterra hasta ese momento", comienza cuando la primera toma muestra a los rebeldes boxeadores chinos en la puerta; luego pasa a la familia misionera en el jardín, donde se produce una pelea. La esposa hace una señal a los marineros británicos desde el balcón, quienes vienen a rescatarlos. [63] La película también utilizó el primer corte de "ángulo inverso" en la historia del cine. [64] Al año siguiente, Williamson creó The Big Swallow . En la película. un hombre se irrita por la presencia del cineasta y se "traga" la cámara y su operador mediante el uso de primeros planos interpolados. [65] Combinó estos efectos, junto con superposiciones, el uso de transiciones de barrido para indicar un cambio de escena y otras técnicas para crear un lenguaje cinematográfico o " gramática cinematográfica ". [66] [67] El uso de acción continua por parte de James Williamson en su película de 1901, Stop Thief! Estimuló un género cinematográfico conocido como "película de persecución". [68] En la película, un vagabundo le roba una pierna de cordero al chico del carnicero en el primer plano, es perseguido por el chico del carnicero y una variedad de perros en el siguiente plano, y finalmente es atrapado por los perros en el tercer plano. [68]
La ejecución de María Estuardo , producida en 1895 por la Compañía Edison para ser vista con el kinetoscopio , mostraba a María, Reina de Escocia , siendo ejecutada a la vista de la cámara. El efecto, conocido como stop trick , se logró reemplazando al actor por un muñeco para la toma final. [69] [70] La técnica utilizada en la película se considera uno de los primeros usos conocidos de efectos especiales en el cine. [71]
El cineasta estadounidense Edwin S. Porter comenzó a hacer películas para Edison Company en 1901. Ex proyeccionista contratado por Thomas Edison para desarrollar su nuevo modelo de proyección conocido como Vitascope , Porter se inspiró en parte en las obras de Méliès, Smith y Williamson. y se basó en sus técnicas recientemente diseñadas para promover el desarrollo de una narrativa continua a través de la edición. [16] Cuando comenzó a hacer películas más largas en 1902, puso una fusión entre cada toma, tal como ya lo estaba haciendo Georges Méliès, y con frecuencia repetía la misma acción a lo largo de las fusiones.
En 1902, Porter filmó Life of an American Fireman para Edison Manufacturing Company y distribuyó la película al año siguiente. En la película, Porter combinó imágenes de archivo de películas anteriores de Edison con imágenes recién filmadas y las unió para transmitir una historia dramática del rescate de una mujer y su hijo por parte de heroicos bomberos. [dieciséis]
La película de Porter, El gran robo del tren (1903), tuvo una duración de doce minutos, con veinte planos separados y diez localizaciones interiores y exteriores diferentes. La película se considera una novedad en el género cinematográfico occidental y es importante por el uso de tomas que sugieren acciones simultáneas que ocurren en diferentes lugares. [16] El uso que hizo Porter de entornos exteriores reales y escénicos ayudó a crear una sensación de espacio, mientras que la colocación de la cámara en un plano más amplio estableció la profundidad y permitió una mayor duración del movimiento en la pantalla. [72] El gran robo del tren sirvió como uno de los vehículos que lanzaría el medio cinematográfico a una popularidad masiva. [40] [73] Ese mismo año, los hermanos Miles abrieron el primer intercambio cinematográfico en el país, lo que permitió a los exhibidores permanentes alquilar películas de la empresa a un costo menor que el de los productores que vendían sus películas directamente. [74]
John P. Harris inauguró el primer teatro permanente dedicado exclusivamente a la presentación de películas, el nickelodeon , en 1905 en Pittsburgh, Pensilvania. La idea despegó rápidamente y, en 1908, había alrededor de 8.000 salas de cine Nickelodeon en todo el país. [75] Con la llegada del nickelodeon, la demanda del público de una mayor cantidad de películas de historias con una variedad de temas y ubicaciones llevó a la necesidad de contratar más talento creativo y provocó que los estudios invirtieran en diseños de escenarios más elaborados. [74]
En 1908, Thomas Edison encabezó la creación de un fideicomiso corporativo entre las principales compañías cinematográficas de Estados Unidos conocido como Motion Picture Patents Company (MPPC) para limitar la infracción de sus patentes. Los miembros del fideicomiso controlaban todos los aspectos del proceso de realización cinematográfica, desde la creación del material cinematográfico, la producción de películas y la distribución a los cines a través de acuerdos de licencia. La confianza condujo a una mayor calidad cinematográfica impulsada por la competencia interna y puso límites a la cantidad de películas extranjeras para fomentar el crecimiento de la industria cinematográfica estadounidense, pero también desalentó la creación de largometrajes. En 1915, el MPPC había perdido la mayor parte de su control sobre la industria cinematográfica a medida que las empresas avanzaban hacia una producción más amplia de largometrajes. [46]
Con el auge cinematográfico mundial, más países se sumaron a Gran Bretaña, Francia, Alemania y Estados Unidos en la producción cinematográfica seria. En Italia, la producción se repartió entre varios centros, Turín fue el primer gran centro de producción cinematográfica y Milán y Nápoles dieron origen a las primeras revistas de cine. [76] En Turín, Ambrosio fue la primera empresa en el campo en 1905, y siguió siendo la más grande del país durante este período. Su rival más importante fueron los cines de Roma, que comenzaron a producir en 1906. La gran fortaleza de la industria italiana eran las epopeyas históricas, con grandes repartos y decorados masivos. Ya en 1911, La Caduta di Troia ( La caída de Troya ), de dos carretes de Giovanni Pastrone , causó una gran impresión en todo el mundo, y fue seguida por producciones aún mayores como Quo Vadis? (1912), de 90 minutos de duración, y Cabiria de Pastrone de 1914, de dos horas y media de duración. [77]
Las compañías italianas también tenían una fuerte línea en la comedia slapstick, con actores como André Deed , conocido localmente como "Cretinetti", y en otros lugares como "Foolshead" y "Gribouille", alcanzando fama mundial con sus gags casi surrealistas.
El país productor de cine más importante del norte de Europa hasta la Primera Guerra Mundial fue Dinamarca. [77] [78] La compañía Nordisk fue fundada allí en 1906 por Ole Olsen , un showman de feria, y después de un breve período imitando los éxitos de los cineastas franceses y británicos, en 1907 produjo 67 películas, la mayoría dirigidas por Viggo Larsen, con temas sensacionales como Den hvide Slavinde (La esclava blanca) , Isbjørnejagt (La caza del oso polar) y Løvejagten (La caza del león) . En 1910, nuevas empresas danesas más pequeñas comenzaron a unirse al negocio y, además de hacer más películas sobre la trata de blancas , contribuyeron con otros temas nuevos. El más importante de estos hallazgos fue Asta Nielsen en Afgrunden (El abismo) , dirigida por Urban Gad para Kosmorama. En ella se combinaban circo, sexo, celos y asesinato, todo ello presentado con gran convicción, y empujó a los demás cineastas daneses más allá en este dirección. En 1912, las compañías cinematográficas danesas se estaban multiplicando rápidamente. [77]
La industria cinematográfica sueca fue más pequeña y más lenta en iniciarse que la industria danesa. Aquí, Charles Magnusson , camarógrafo de noticieros de la cadena de cines Svenskabiografteatern , comenzó a producir películas de ficción para ellos en 1909, dirigiendo él mismo algunas de las películas. La producción aumentó en 1912, cuando la empresa contrató como directores a Victor Sjöström y Mauritz Stiller . Comenzaron imitando los temas favorecidos por la industria cinematográfica danesa, pero en 1913 estaban produciendo su propio trabajo sorprendentemente original, que se vendió muy bien. [77]
Rusia comenzó su industria cinematográfica en 1908 con Pathé filmando allí algunos temas de ficción, y luego la creación de compañías cinematográficas rusas reales por parte de Aleksandr Drankov y Aleksandr Khanzhonkov . La compañía Khanzhonkov rápidamente se convirtió en la compañía cinematográfica rusa más grande y permaneció así hasta 1918. [77]
En Alemania, Oskar Messter había estado involucrado en el cine desde 1896, pero no hizo un número significativo de películas por año hasta 1910. Cuando comenzó el boom cinematográfico mundial, él y algunas otras personas en el negocio cinematográfico alemán continuaron vender copias de sus propias películas directamente, lo que los colocaba en desventaja. Sólo cuando Paul Davidson , propietario de una cadena de cines, trajo a Asta Nielsen y Urban Gad desde Dinamarca en 1911 a Alemania y fundó una productora, Projektions-AG "Union" ( PAGU ), se produjo un cambio comenzó a alquilar copias. [77] Messter respondió con una serie de películas más largas protagonizadas por Henny Porten, pero aunque tuvieron buen éxito en el mundo de habla alemana, no tuvieron mucho éxito a nivel internacional, a diferencia de las películas de Asta Nielsen. Otro de los productores cinematográficos alemanes en crecimiento justo antes de la Primera Guerra Mundial fue la filial alemana de la empresa francesa Éclair , Deutsche Éclair. Fue expropiado por el gobierno alemán y convertido en DECLA cuando comenzó la guerra. Pero en total, los productores alemanes sólo tenían una pequeña parte del mercado alemán en 1914. [ cita necesaria ]
En general, desde aproximadamente 1910, las películas estadounidenses tenían la mayor cuota de mercado en todos los países europeos excepto Francia, e incluso en Francia, las películas estadounidenses acababan de desplazar a la producción local del primer lugar en vísperas de la Primera Guerra Mundial . necesario ] Pathé Frères expandió y dio forma significativamente al negocio cinematográfico estadounidense, creando muchas "primicias" en la industria cinematográfica, como agregar títulos y subtítulos a las películas por primera vez, lanzar pergaminos por primera vez, presentar carteles de películas por primera vez. , realizando por primera vez fotografías en color, sacando por primera vez facturas comerciales, contactando con expositores y estudiando por primera vez sus necesidades. El mayor proveedor de películas del mundo, Pathé , se limita al mercado estadounidense, que ha alcanzado un nivel de saturación, por lo que Estados Unidos busca beneficios adicionales en los mercados extranjeros. El cine se define como fenómeno americano "puro" en Estados Unidos. [79]
Las nuevas técnicas cinematográficas que se introdujeron en este período incluyen el uso de iluminación artificial, efectos de fuego e iluminación discreta (es decir, iluminación en la que la mayor parte del encuadre está oscura) para mejorar la atmósfera durante las escenas siniestras. [77]
También se refinó la continuidad de la acción de un plano a otro, como en le Cheval emballé (El caballo fugitivo) (1907) de Pathé, donde se utiliza el corte transversal entre acciones paralelas . DW Griffith también comenzó a utilizar el corte transversal en la película La hora fatal , realizada en julio de 1908. Otro desarrollo fue el uso del punto de vista , utilizado por primera vez en 1910 en Back to Nature de Vitagraph . Las tomas insertadas también se utilizaron con fines artísticos; La película italiana La mala planta , dirigida por Mario Caserini, tenía una imagen insertada de una serpiente deslizándose sobre la "Planta Malvada". [ cita necesaria ] En 1914, en la industria cinematográfica estadounidense se creía ampliamente que el corte transversal era más útil en general porque hacía posible la eliminación de partes poco interesantes de la acción que no desempeñan ningún papel en el avance del drama. [80]
En 1909, 35 mm se convirtió en el calibre cinematográfico reconocido internacionalmente. [46]
A medida que las películas crecían, se contrató a escritores especializados para simplificar historias más complejas derivadas de novelas u obras de teatro en una forma que pudiera contenerse en un solo carrete. Los géneros comenzaron a utilizarse como categorías; la división principal era comedia y drama, pero estas categorías se subdividieron aún más. [77]
Los intertítulos que contienen líneas de diálogo comenzaron a utilizarse de forma constante a partir de 1908, [81] como en An Auto Heroine de Vitagraph; o La carrera por la Copa Vitagraph y cómo se ganó . El diálogo finalmente se insertó en el medio de la escena y se convirtió en algo común en 1912. La introducción de títulos de diálogo transformó la naturaleza de la narrativa cinematográfica. Cuando los títulos de diálogo empezaron a cortarse siempre en una escena justo después de que un personaje comenzara a hablar, y luego se dejaban con un corte para el personaje justo antes de que terminara de hablar, entonces uno tenía algo que era efectivamente el equivalente de una película sonora actual . [77]
Los años de la Primera Guerra Mundial fueron un período de transición complejo para la industria cinematográfica. La exhibición de películas pasó de programas cortos de una bobina a largometrajes. Los lugares de exposición se hicieron más grandes y empezaron a cobrar precios más altos. [77]
En Estados Unidos, estos cambios provocaron la destrucción de muchas compañías cinematográficas, siendo la compañía Vitagraph una excepción. La producción cinematográfica comenzó a trasladarse a Los Ángeles durante la Primera Guerra Mundial. La Universal Film Manufacturing Company se formó en 1912 como una empresa paraguas. Los nuevos participantes incluyeron Jesse Lasky Feature Play Company y Famous Players, ambos formados en 1913 y luego fusionados en Famous Players – Lasky . El mayor éxito de estos años fue El nacimiento de una nación (1915), de David Wark Griffith . Griffith siguió esto con Intolerancia (1916), aún mayor, pero, debido a la alta calidad de las películas producidas en los Estados Unidos, el mercado para sus películas era alto. [77]
En Francia, la producción cinematográfica se vio interrumpida debido a la movilización militar general del país al comienzo de la guerra. Aunque la producción cinematográfica se reanudó en 1915, fue a escala reducida y las empresas más grandes se retiraron gradualmente de la producción. La producción cinematográfica italiana se mantuvo mejor, aunque las llamadas "películas de divas", protagonizadas por protagonistas femeninas angustiadas fueron un fracaso comercial. En Dinamarca, la compañía Nordisk aumentó tanto su producción en 1915 y 1916 que no pudo vender todas sus películas, lo que provocó una caída muy pronunciada de la producción danesa y el fin de la importancia de Dinamarca en la escena cinematográfica mundial. [77]
La industria cinematográfica alemana quedó gravemente debilitada por la guerra. El más importante de los nuevos productores cinematográficos de la época fue Joe May , que realizó una serie de thrillers y películas de aventuras durante los años de la guerra, pero Ernst Lubitsch también saltó a la fama con una serie de comedias y dramas de gran éxito. [77]
En ese momento, los estudios estaban bloqueados para permitir que el rodaje no se viera afectado por los cambios de luz solar. Este fue reemplazado por focos y focos. La adopción generalizada del iris de entrada y salida para comenzar y finalizar escenas se hizo popular en este período. Esta es la revelación de una película filmada con una máscara circular, que gradualmente se va agrandando hasta expandirse más allá del encuadre. Se utilizaron otras rendijas con formas, incluidas aberturas verticales y diagonales. [77]
Una nueva idea tomada de la fotografía fija fue el " enfoque suave ". Esto comenzó en 1915, con algunas tomas desenfocadas intencionalmente para lograr un efecto expresivo, como en Fanchon the Cricket, protagonizada por Mary Pickford . [77]
Fue durante este período cuando realmente comenzaron a establecerse los efectos de cámara destinados a transmitir los sentimientos subjetivos de los personajes de una película. Ahora podrían realizarse como tomas desde un punto de vista ( POV ), como en La historia del guante (1915) de Sidney Drew, donde una toma tambaleante tomada a mano de una puerta y su ojo de cerradura representa el punto de vista de un hombre borracho. El uso de imágenes anamórficas (en el sentido general de forma distorsionada) aparece por primera vez en estos años cuando Abel Gance dirigió la Folie du Docteur Tube (La locura del Dr. Tube) . En esta película el efecto de una droga administrada a un grupo de personas se sugirió rodando las escenas reflejadas en un espejo distorsionante de tipo feriante. [77]
Los efectos simbólicos tomados de la tradición literaria y artística convencional continuaron apareciendo en las películas durante estos años. En The Avenging Conscience (1914), de DW Griffith, el título "El nacimiento del mal pensamiento" precede a una serie de tres planos del protagonista mirando una araña y hormigas comiendo un insecto. El arte y la literatura simbolistas de principios de siglo también tuvieron un efecto más general en un pequeño número de películas realizadas en Italia y Rusia. La aceptación supina de la muerte resultante de la pasión y los anhelos prohibidos era una característica importante de este arte, y también eran importantes los estados de delirio en los que se hablaba extensamente. [77]
El uso de planos insertados , es decir, primeros planos de objetos distintos de los rostros, ya había sido establecido por la escuela de Brighton, pero se utilizaron con poca frecuencia antes de 1914. En realidad, sólo con La conciencia vengadora de Griffith se inició una nueva fase en el uso de la Se inicia Insertar toma. [77] Además de las inserciones simbólicas ya mencionadas, la película también hizo un uso extensivo de una gran cantidad de grandes primeros planos de manos agarradas y golpeteando con los pies como una forma de enfatizar esas partes del cuerpo como indicadores de tensión psicológica. [81]
Los insertos atmosféricos se desarrollaron en Europa a finales de la década de 1910. [ cita necesaria ] Este tipo de toma es aquella en una escena que no contiene a ninguno de los personajes de la historia, ni uno de ellos ve una toma de punto de vista. Un ejemplo temprano es cuando Maurice Tourneur dirigió El orgullo del clan (1917), en la que hay una serie de tomas de olas batiendo en una costa rocosa para demostrar la dura vida de los pescadores. Nelson , de Maurice Elvey ; La historia del héroe naval inmortal de Inglaterra (1919) tiene una secuencia simbólica que pasa de una imagen del Kaiser Wilhelm II a un pavo real y luego a un acorazado. [81]
En 1914, el cine de continuidad era el modo establecido de cine comercial. Una de las técnicas avanzadas de continuidad implicaba una transición precisa y suave de un plano a otro. [77] Cortar en diferentes ángulos dentro de una escena también se convirtió en una técnica bien establecida para diseccionar una escena en tomas en las películas estadounidenses. [81] Si la dirección del disparo cambia en más de noventa grados, se llama corte en ángulo inverso. [82] La figura principal en el pleno desarrollo del corte en ángulo inverso fue Ralph Ince en sus películas, como The Right Girl y His Phantom Sweetheart . [81]
El uso de estructuras de flashback continuó desarrollándose en este período, siendo la forma habitual de entrar y salir de un flashback a través de una disolución. [ cita necesaria ] El hombre que podría haber sido ( William J. Humphrey , 1914), de The Vitagraph Company , es aún más complejo, con una serie de ensoñaciones y flash-backs que contrastan el paso real del protagonista por la vida con lo que podría haber sido. sido, si su hijo no hubiera muerto.
Después de 1914, se empezó a utilizar el corte transversal entre acciones paralelas, más en las películas americanas que en las europeas. Se utilizó el corte transversal para obtener nuevos efectos de contraste, como la secuencia transversal en The Whispering Chorus (1918) de Cecil B. DeMille , en la que un marido supuestamente muerto tiene una aventura con una prostituta china en un negocio de opio. guarida, mientras que simultáneamente su esposa, que no lo sabe, se vuelve a casar en la iglesia. [81]
El teñido de películas mudas también ganó popularidad durante estos períodos. El tinte ámbar significaba durante el día o la noche con una iluminación intensa, los tintes azules significaban el amanecer o la noche con poca luz, el tinte rojo representaba escenas de fuego, el tinte verde significaba una atmósfera misteriosa y los tintes marrones (también conocidos como tonos sepia ) se usaban generalmente para largometrajes. en lugar de escenas individuales. La innovadora epopeya de DW Griffiths, El nacimiento de una nación , la famosa película de 1920 Dr. Jekyll y Mr. Hyde , y la epopeya de Robert Wiene del mismo año, El gabinete del Dr. Caligari , son algunos ejemplos notables de cine mudo teñido. Película (s. [ cita necesaria ]
El fotodrama de la creación , mostrado por primera vez al público en 1914, fue el primer guión importante que incorporó sonido sincronizado, películas en movimiento y diapositivas en color. [83] Hasta 1927, la mayoría de las películas se producían sin sonido. Este período se conoce comúnmente como la era del cine mudo. [84] [85]
La tendencia general en el desarrollo del cine, liderada desde los Estados Unidos, fue hacia el uso de dispositivos específicamente fílmicos recientemente desarrollados para la expresión del contenido narrativo de las historias cinematográficas, y combinarlos con las estructuras dramáticas estándar que ya se usaban en el teatro comercial. [ cita necesaria ] DW Griffith tenía el estatus más alto entre los directores estadounidenses de la industria, debido a la emoción dramática que transmitía al público a través de sus películas. The Cheat (1915), de Cecil B. DeMille , sacó a relucir los dilemas morales que enfrentan sus personajes de una manera más sutil que Griffith. DeMille también estuvo en contacto más cercano con la realidad de la vida estadounidense contemporánea. Maurice Tourneur también fue muy valorado por la belleza pictórica de sus películas, junto con la sutileza en su manejo de la fantasía, al tiempo que era capaz de conseguir un mayor naturalismo de sus actores en los momentos oportunos, como en A Girl's Folly (1917). ). [77]
Sidney Drew fue el líder en el desarrollo de la "comedia educada", mientras que Fatty Arbuckle y Charles Chaplin refinaron el slapstick , quienes comenzaron con la compañía Keystone de Mack Sennett . Redujeron el ritmo frenético habitual de las películas de Sennett para darle al público la oportunidad de apreciar la sutileza y delicadeza de sus movimientos y la astucia de sus gags. En 1917, Chaplin también estaba introduciendo una trama más dramática en sus películas y mezclando la comedia con el sentimiento. [77]
En Rusia, Yevgeni Bauer puso en el cine una actuación de lenta intensidad combinada con connotaciones simbolistas de una manera única. [77]
En Suecia, Victor Sjöström hizo una serie de películas que combinaban de manera sorprendente la realidad de la vida de las personas con su entorno, mientras que Mauritz Stiller llevó la comedia sofisticada a un nuevo nivel. [77]
En Alemania, Ernst Lubitsch se inspiró en la obra escénica de Max Reinhardt , tanto en la comedia burguesa como en el espectáculo, y la aplicó a sus películas, culminando con sus die Puppe ( La muñeca ), die Austernprinzessin ( La princesa de las ostras ) y Madame DuBarry . [77]
Al comienzo de la Primera Guerra Mundial , el cine francés e italiano eran los más populares a nivel mundial. La guerra supuso una interrupción devastadora para las industrias cinematográficas europeas.
A lo largo de principios del siglo XX, los artistas de la pantalla continuaron aprendiendo a trabajar con cámaras y crear ilusiones utilizando el espacio y el tiempo en sus tomas. Esta forma de creatividad recién introducida dio paso a que todo un nuevo grupo de personas conociera el estrellato, incluido David W. Griffith, quien se hizo un nombre con su película de 1915, El nacimiento de una nación . En 1920 se produjeron dos cambios importantes en la industria cinematográfica: la introducción del sonido y la creación de sistemas de estudio. En la década de 1920, los talentos que habían trabajado de forma independiente comenzaron a unirse a estudios y a trabajar con otros actores y directores. En 1927 se estrenó The Jazz Singer , que llevó el sonido a la industria cinematográfica.
El cine alemán , marcado por aquellos tiempos, vio la era del movimiento cinematográfico expresionista alemán . Berlín fue su centro con el Filmstudio Babelsberg , que es el estudio cinematográfico a gran escala más antiguo del mundo. [87] Las primeras películas expresionistas compensaron la falta de presupuestos generosos utilizando escenografías con ángulos tremendamente irreales y geométricamente absurdos, junto con diseños pintados en paredes y suelos para representar luces, sombras y objetos. Las tramas e historias de las películas expresionistas a menudo trataban sobre la locura, la locura , la traición y otros temas "intelectuales" desencadenados por las experiencias de la Primera Guerra Mundial. Películas como El gabinete del Dr. Caligari (1920), Nosferatu (1922) y M ( 1931), similar al movimiento del que formaban parte, tuvo un impacto histórico en el propio cine. [88]
Películas como Metrópolis (1927) y La mujer en la luna (1929) crearon en parte el género de las películas de ciencia ficción [89] y Lotte Reiniger se convirtió en pionera de la animación, produciendo largometrajes de animación como Las aventuras del príncipe Achmed , el más antiguo de los supervivientes y el más antiguo. Película animada de producción europea.
Muchos directores, actores, escritores y otras personas residentes en Alemania emigraron a Estados Unidos cuando los nazis ganaron el poder, lo que dio a Hollywood y a la industria cinematográfica estadounidense la ventaja final en su competencia con otros países productores de películas. [90]
La industria americana, o "Hollywood", como se la fue conociendo a partir de su nuevo centro geográfico en California , adquirió la posición que ocupa, más o menos, desde entonces: fábrica de películas para el mundo y exportación de su producto a la mayoría de países del planeta. .
En la década de 1920, Estados Unidos alcanzó lo que sigue siendo su era de mayor producción histórica, produciendo un promedio de 800 largometrajes al año, [91] o el 82% del total mundial (Eyman, 1997). Las comedias de Charlie Chaplin y Buster Keaton , las aventuras de capa y espada de Douglas Fairbanks y los romances de Clara Bow , por citar sólo algunos ejemplos, dieron a conocer los rostros de estos intérpretes en todos los continentes. La norma visual occidental que se convertiría en la edición de continuidad clásica se desarrolló y exportó, aunque su adopción fue más lenta en algunos países no occidentales sin fuertes tradiciones realistas en el arte y el teatro, como Japón .
Este desarrollo fue contemporáneo del crecimiento del sistema de estudios y su mayor método publicitario, el star system , que caracterizó el cine estadounidense durante las siguientes décadas y proporcionó modelos para otras industrias cinematográficas. El control eficiente y vertical de los estudios sobre todas las etapas de su producto permitió un nivel nuevo y cada vez mayor de producción lujosa y sofisticación técnica. Al mismo tiempo, la reglamentación comercial del sistema y su enfoque en el escapismo glamoroso desalentaron la audacia y la ambición más allá de cierto grado, siendo un excelente ejemplo la breve pero todavía legendaria carrera como director del iconoclasta Erich von Stroheim a finales de la adolescencia y los años 1920.
En 1924, Sam Goldwyn , Louis B. Mayer y Metro Pictures Corporation crean MGM . [46]
A finales de 1927, Warner estrenó The Jazz Singer , que era mayoritariamente mudo pero contenía lo que generalmente se considera el primer diálogo (y canto) sincronizado en una película; [92] pero este proceso fue realizado por primera vez por Charles Taze Russell en 1914 con el largometraje The Photo-Drama of Creation . Este drama consistía en diapositivas de imágenes e imágenes en movimiento sincronizadas con discos fonográficos de charlas y música. Los primeros procesos de sonido en disco, como Vitaphone, pronto fueron reemplazados por métodos de sonido en película como Fox Movietone , DeForest Phonofilm y RCA Photophone . La tendencia convenció a los industriales, en gran medida reacios, de que las "películas sonoras" o "sonoros" eran el futuro. Se hicieron muchos intentos antes del éxito de The Jazz Singer , que se puede ver en la Lista de sistemas de sonido de películas . Y en 1926, Warner Bros. Estrena la película Don Juan con efectos de sonido y música sincronizados. [46]
El cambio fue notablemente rápido. A finales de 1929, Hollywood era casi exclusivamente sonoro, con varios sistemas de sonido en competencia (que pronto se estandarizarían). El cambio total fue ligeramente más lento en el resto del mundo, principalmente por razones económicas. Las razones culturales también fueron un factor en países como China y Japón , donde los sonidos mudos coexistieron exitosamente con el sonido hasta bien entrada la década de 1930, produciendo de hecho lo que serían algunos de los clásicos más venerados en esos países, como La Diosa (China) de Wu Yonggang. , 1934) y Nací, pero... de Yasujirō Ozu ( Japón, 1932). Pero incluso en Japón, una figura como el benshi , el narrador en vivo que fue una parte importante del cine mudo japonés, descubrió que su carrera como actor estaba terminando.
El sonido reforzó aún más el control de los grandes estudios en numerosos países: el enorme gasto de la transición abrumó a los competidores más pequeños, mientras que la novedad del sonido atrajo audiencias mucho mayores para los productores que permanecieron. En el caso de Estados Unidos, algunos historiadores atribuyen al sonido la salvación del sistema de estudios de Hollywood frente a la Gran Depresión (Parkinson, 1995). Así comenzó lo que ahora se llama "La Edad de Oro de Hollywood", que se refiere aproximadamente al período que comienza con la introducción del sonido hasta finales de la década de 1940. El cine estadounidense alcanzó su apogeo de glamour fabricado eficientemente y atractivo global durante este período. Los principales actores de la época ahora son considerados estrellas de cine clásicas, como Clark Gable , Katharine Hepburn , Humphrey Bogart , Greta Garbo y la mayor atracción de taquilla de la década de 1930, la actriz infantil Shirley Temple .
Sin embargo, desde el punto de vista creativo, la rápida transición fue difícil y, en algunos aspectos, el cine volvió brevemente a las condiciones de sus primeros días. Los finales de los años 20 estuvieron llenos de cine sonoro estático y escénico mientras los artistas delante y detrás de la cámara luchaban con las estrictas limitaciones de los primeros equipos de sonido y su propia incertidumbre sobre cómo utilizar el nuevo medio. Muchos artistas escénicos, directores y escritores conocieron el cine cuando los productores buscaron personal con experiencia en la narración basada en diálogos. Muchos importantes cineastas y actores mudos no pudieron adaptarse y sus carreras se vieron gravemente restringidas o incluso terminadas.
Este período incómodo duró bastante poco. 1929 fue un año decisivo: William Wellman con Chinatown Nights y The Man I Love , Rouben Mamoulian con Applause , Alfred Hitchcock con Chantaje (primer largometraje sonoro británico), estuvieron entre los directores que aportaron mayor fluidez al cine sonoro y experimentaron con el uso expresivo del sonido (Eyman, 1997). En esto, ambos se beneficiaron e impulsaron aún más los avances técnicos en micrófonos y cámaras, y las capacidades para editar y postsincronizar el sonido (en lugar de grabar todo el sonido directamente en el momento de la filmación).
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Las películas sonoras enfatizaron la historia negra y beneficiaron a diferentes géneros en mayor medida que las mudas. Lo más obvio es que nació la película musical ; El primer musical de Hollywood de estilo clásico fue The Broadway Melody (1929), y la forma encontraría su primer creador importante en el coreógrafo y director Busby Berkeley ( 42nd Street , 1933, Dames , 1934). En Francia, el director de vanguardia René Clair hizo un uso surrealista del canto y la danza en comedias como Bajo los tejados de París (1930) y Le Million (1931). Universal Pictures comenzó a estrenar películas de terror gótico como Drácula y Frankenstein (ambas de 1931). En 1933, RKO Pictures estrenó la clásica película de "monstruos gigantes" de Merian C. Cooper, King Kong . La tendencia prosperó mejor en la India , donde la influencia del drama tradicional de canto y danza del país hizo del musical la forma básica de la mayoría de las películas sonoras (Cook, 1990); Prácticamente desapercibido para el mundo occidental durante décadas, este cine popular indio se convertiría, sin embargo, en el más prolífico del mundo. ( Ver también Bollywood . )
En esta época, las películas de gánsteres estadounidenses como Little Caesar y The Public Enemy de Wellman (ambas de 1931) se hicieron populares. El diálogo ahora tomó prioridad sobre las payasadas en las comedias de Hollywood: las bromas ingeniosas y de ritmo rápido de The Front Page (1931) o It Happened One Night (1934), los dobles sentidos sexuales de Mae West ( She Done Him Wrong , 1933), o la charla sin sentido, a menudo subversivamente anárquica, de los hermanos Marx ( Sopa de pato , 1933). Walt Disney , que anteriormente había estado en el negocio de los dibujos animados cortos, entró en el cine con la primera película animada en inglés Blancanieves y los siete enanitos , estrenada por RKO Pictures en 1937. 1939, un año importante para el cine estadounidense, trajo tales películas como El mago de Oz y Lo que el viento se llevó .
Aproximadamente el 80 por ciento de las películas de los años 1890 a 1920 tenían colores. [93] Muchos utilizaron baños de tinte de película monocromática , algunos tenían los marcos pintados a mano en múltiples colores transparentes y desde 1905 existía un proceso de plantilla mecanizado ( Pathécolor ).
Kinemacolor , el primer proceso de color cinematográfico de éxito comercial, produjo películas en dos colores (rojo y cian) de 1908 a 1914.
El proceso de color natural de tres tiras de Technicolor se introdujo con gran éxito en 1932 con el corto animado de Walt Disney, ganador del Premio de la Academia, " Flores y árboles ", dirigido por Burt Gillett . El tecnicolor se utilizó inicialmente principalmente para musicales como " El mago de Oz " (1939), en películas de época como " Las aventuras de Robin Hood " y en animación. No mucho después de que la televisión se hiciera predominante a principios de la década de 1950, el color se convirtió más o menos en un estándar para las películas teatrales.
El deseo de propaganda en tiempos de guerra contra la oposición creó un renacimiento de la industria cinematográfica en Gran Bretaña, con dramas de guerra realistas como 49th Parallel (1941), Went the Day Well? (1942), The Way Ahead (1944) y la célebre película naval de Noël Coward y David Lean In Which We Serve de 1942, que ganó un Premio especial de la Academia . Estos existieron junto con películas más extravagantes como The Life and Death of Colonel Blimp (1943) de Michael Powell y Emeric Pressburger , A Canterbury Tale (1944) y A Matter of Life and Death (1946), así como 1944 de Laurence Olivier . película Enrique V , basada en la historia de Shakespeare Enrique V. El éxito de Blancanieves y los siete enanitos permitió a Disney realizar más películas animadas como Pinocho (1940), Fantasía (1940), Dumbo (1941) y Bambi (1942).
El inicio de la participación de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial también trajo una proliferación de películas tanto de patriotismo como de propaganda. Las películas de propaganda estadounidenses incluyeron Viaje desesperado (1942), Sra. Miniver (1942), Por siempre y un día (1943) y ¡ Objetivo, Birmania! (1945). Las películas estadounidenses notables de los años de la guerra incluyen Watch antinazi Watch on the Rhine (1943), con guión de Dashiell Hammett ; La sombra de una duda (1943), dirección de Hitchcock sobre un guión de Thornton Wilder ; la película biográfica de George M. Cohan , Yankee Doodle Dandy (1942), protagonizada por James Cagney , y la inmensamente popular Casablanca , con Humphrey Bogart . Bogart protagonizaría 36 películas entre 1934 y 1942, incluida The Maltese Falcon (1941) de John Huston , una de las primeras películas ahora consideradas un clásico del cine negro . En 1941, RKO Pictures estrenó Ciudadano Kane realizada por Orson Welles . A menudo se la considera la mejor película de todos los tiempos. Prepararía el escenario para el cine moderno, ya que revolucionó la narración cinematográfica.
Las restricciones de la guerra también despertaron el interés por temas más fantásticos. Estos incluían los melodramas británicos de Gainsborough (incluidos El hombre de gris y La dama malvada ) y películas como Aquí viene el señor Jordan , El cielo puede esperar , Me casé con una bruja y Blithe Spirit . Val Lewton también produjo una serie de películas de terror atmosféricas e influyentes de pequeño presupuesto, siendo algunos de los ejemplos más famosos Cat People , Isle of the Dead y The Body Snatcher . Probablemente en esta década también las llamadas " fotos de mujeres ", como Now, Voyager , Random Harvest y Mildred Pierce alcanzaron la cima de su popularidad.
En 1946, RKO Radio estrenó Es una vida maravillosa, dirigida por el cineasta de origen italiano Frank Capra . Los soldados que regresaban de la guerra servirían de inspiración para películas como Los mejores años de nuestras vidas , y muchos de aquellos en la industria cinematográfica habían servido de alguna manera durante la guerra. Las experiencias de Samuel Fuller en la Segunda Guerra Mundial influirían en sus películas en gran medida autobiográficas de décadas posteriores, como The Big Red One . El Actors Studio fue fundado en octubre de 1947 por Elia Kazan , Robert Lewis y Cheryl Crawford , y el mismo año Oskar Fischinger filmó Motion Painting No. 1 .
En 1943, Ossessione se proyectó en Italia, marcando el inicio del neorrealismo italiano . Las principales películas de este tipo durante la década de 1940 incluyeron Ladrones de bicicletas , Roma, Ciudad abierta y La Terra Trema . En 1952 se estrenó Umberto D , considerada habitualmente la última película de este tipo.
A finales de la década de 1940, en Gran Bretaña, Ealing Studios se embarcó en su serie de célebres comedias, entre ellas Whiskey Galore! , Passport to Pimlico , Kind Hearts and Coronets y The Man in the White Suit , y Carol Reed dirigió sus influyentes thrillers Odd Man Out , The Fallen Idol y The Third Man . David Lean también se estaba convirtiendo rápidamente en una fuerza en el cine mundial con Brief Encounter y sus adaptaciones de Dickens Great Expectations y Oliver Twist , y Michael Powell y Emeric Pressburger experimentarían lo mejor de su asociación creativa con películas como Black Narcissus y The Red Shoes .
El Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes investigó Hollywood a principios de los años cincuenta. Protestadas por los Diez de Hollywood ante el comité, las audiencias resultaron en la inclusión en la lista negra de muchos actores, escritores y directores, entre ellos Chayefsky, Charlie Chaplin y Dalton Trumbo , y muchos de ellos huyeron a Europa, especialmente al Reino Unido.
El espíritu de la época de la Guerra Fría se tradujo en un tipo de casi paranoia manifestada en temas como ejércitos invasores de alienígenas malvados ( La invasión de los ladrones de cuerpos , La guerra de los mundos ) y quintacolumnistas comunistas ( El candidato de Manchuria ).
Durante los años inmediatos a la posguerra, la industria cinematográfica también se vio amenazada por la televisión, y la creciente popularidad del medio significó que algunas salas de cine quebraran y cerraran. La desaparición del "sistema de estudio" estimuló los autocomentarios de películas como Sunset Boulevard (1950) y The Bad and the Beautiful (1952).
En 1950, los letristas vanguardistas provocaron disturbios en el Festival de Cine de Cannes , cuando se proyectó el Tratado sobre el limo y la eternidad de Isidore Isou . Después de sus críticas a Charlie Chaplin y su ruptura con el movimiento, los ultraletristas continuaron causando disturbios cuando mostraron sus nuevas técnicas hipergráficas . La película más famosa es Aullidos por Sade, de Guy Debord, de 1952. Angustiados por el creciente número de salas cerradas, los estudios y las compañías buscaron formas nuevas e innovadoras de atraer al público. Estos incluyeron intentos de ampliar su atractivo con nuevos formatos de pantalla. Cinemascope , que seguiría siendo una distinción de 20th Century Fox hasta 1967, se anunció con The Robe de 1953 . VistaVision , Cinerama y Todd-AO alardearon de un enfoque de "cuanto más grande, mejor" para comercializar películas ante una audiencia cada vez menor en Estados Unidos. Esto resultó en el resurgimiento de películas épicas para aprovechar los nuevos formatos de la pantalla grande. Algunos de los ejemplos más exitosos de estos espectáculos bíblicos e históricos incluyen Los Diez Mandamientos (1956), Los Vikingos (1958), Ben-Hur (1959), Espartaco (1960) y El Cid (1961). También durante este período se produjeron otras películas importantes en Todd-AO , desarrolladas por Mike Todd poco antes de su muerte, entre ellas Oklahoma! (1955), La vuelta al mundo en 80 días (1956), Pacífico Sur (1958) y Cleopatra (1963) y muchas más.
También proliferaron los trucos para atraer al público. La moda de las películas en 3D duraría sólo dos años, 1952-1954, y ayudó a vender La Casa de Cera y La Criatura de la Laguna Negra . El productor William Castle promocionaría películas con "Emergo" y "Percepto", el primero de una serie de trucos que seguirían siendo herramientas de marketing populares para Castle y otros durante la década de 1960.
En 1954, Dorothy Dandridge fue nominada al Oscar como mejor actriz por su papel en la película Carman Jones. Se convirtió en la primera mujer negra nominada a este premio. [95]
En Estados Unidos, una tendencia posterior a la Segunda Guerra Mundial hacia el cuestionamiento del establishment y las normas sociales y el activismo inicial del movimiento por los derechos civiles se reflejó en películas de Hollywood como Blackboard Jungle (1955), On the Waterfront (1954 ) , Marty y 12 hombres enojados (1957) de Reginald Rose . Disney continuó haciendo películas animadas, en particular; Cenicienta (1950), Peter Pan (1953), La dama y el vagabundo (1955) y La bella durmiente (1959). Sin embargo, comenzó a involucrarse más en películas de acción real, produciendo clásicos como 20.000 leguas de viaje submarino (1954) y Old Yeller (1957). La televisión empezó a competir seriamente con las películas proyectadas en los cines, pero, sorprendentemente, promovió una mayor asistencia al cine en lugar de limitarla.
Limelight es probablemente una película única al menos en un aspecto interesante. Sus dos protagonistas, Charlie Chaplin y Claire Bloom , estuvieron en la industria durante nada menos que tres siglos diferentes. En el siglo XIX, Chaplin hizo su debut teatral a la edad de ocho años, en 1897, en un grupo de baile de zuecos, The Eight Lancaster Lads. En el siglo XXI, Bloom sigue disfrutando de una carrera plena y productiva, habiendo aparecido en decenas de películas y series de televisión producidas hasta 2022 inclusive. Recibió un reconocimiento especial por su papel en The King's Speech (2010).
Tras el final de la Segunda Guerra Mundial en la década de 1940, la década siguiente, la década de 1950, marcó una 'edad de oro' para el cine mundial no inglés , [96] [97] especialmente para el cine asiático . [98] [99] Muchas de las películas asiáticas más aclamadas por la crítica de todos los tiempos se produjeron durante esta década, incluidas Tokyo Story (1953) de Yasujirō Ozu , The Apu Trilogy (1955-1959) de Satyajit Ray y Jalsaghar (1958). ), Ugetsu (1954) y Sansho the Bailiff (1954) de Kenji Mizoguchi , Awaara (1951) de Raj Kapoor , Nubes flotantes (1955) de Mikio Naruse , Pyaasa (1957) de Guru Dutt y Kaagaz Ke Phool ( 1959), y las películas de Akira Kurosawa Rashomon (1950), Ikiru (1952), Seven Samurai (1954) y Throne of Blood (1957). [98] [99]
Durante la 'Edad de Oro' del cine japonés de la década de 1950, las películas de éxito incluyeron Rashomon (1950), Seven Samurai (1954) y The Hidden Fortress (1958) de Akira Kurosawa , así como Tokyo Story (1953) de Yasujirō Ozu y Godzilla de Ishirō Honda (1954). [100] Estas películas han tenido una profunda influencia en el cine mundial. En particular, Los siete samuráis de Kurosawa han sido rehechos varias veces como películas occidentales , como Los siete magníficos (1960) y La batalla más allá de las estrellas (1980), y también han inspirado varias películas de Bollywood , como Sholay (1975) y China Gate ( 1998). Rashomon también se rehizo como The Outrage (1964) e inspiró películas con métodos de narración del " efecto Rashomon ", como Andha Naal (1954), The Usual Suspects (1995) y Hero (2002). La Fortaleza Oculta también fue una inspiración detrás de Star Wars (1977) de George Lucas . Otros cineastas japoneses famosos de este período incluyen a Kenji Mizoguchi , Mikio Naruse , Hiroshi Inagaki y Nagisa Oshima . [98] El cine japonés se convirtió más tarde en una de las principales inspiraciones detrás del movimiento Nuevo Hollywood de las décadas de 1960 y 1980.
Durante la 'Edad de Oro' del cine indio de la década de 1950, producía 200 películas al año, mientras que las películas independientes indias ganaban mayor reconocimiento a través de festivales de cine internacionales . Uno de los más famosos fue La trilogía Apu (1955-1959) del aclamado director de cine bengalí Satyajit Ray , cuyas películas tuvieron una profunda influencia en el cine mundial, con directores como Akira Kurosawa, [101] Martin Scorsese , [102] [ 103] James Ivory , [104] Abbas Kiarostami , Elia Kazan , François Truffaut , [105] Steven Spielberg , [106] [107] Carlos Saura , [108] Jean-Luc Godard , [109] Isao Takahata , [110] Gregory Nava , Ira Sachs , Wes Anderson [111] y Danny Boyle [112] están influenciados por su estilo cinematográfico. Según Michael Sragow de The Atlantic Monthly , los " dramas juveniles sobre la mayoría de edad que han inundado los cines de arte desde mediados de los años cincuenta tienen una enorme deuda con la trilogía de Apu". [113] La técnica cinematográfica de iluminación de rebote de Subrata Mitra también se origina en La trilogía Apu . [114] Otros cineastas indios famosos de este período incluyen a Guru Dutt , [98] Ritwik Ghatak , [99] Mrinal Sen , Raj Kapoor , Bimal Roy , K. Asif y Mehboob Khan . [115]
El cine de Corea del Sur también experimentó una "Edad de Oro" en la década de 1950, comenzando con la tremendamente exitosa nueva versión de Chunhyang-jon (1955) del director Lee Kyu-hwan. [116] Ese año también vio el estreno de Provincia de Yangsan por parte del renombrado director, Kim Ki-young , marcando el comienzo de su productiva carrera. Tanto la calidad como la cantidad de películas habían aumentado rápidamente a finales de la década de 1950. Las películas surcoreanas, como la comedia Sijibganeun nal (El día de la boda) de Lee Byeong-il de 1956 , habían comenzado a ganar premios internacionales. A diferencia de principios de la década de 1950, cuando sólo se rodaban cinco películas al año, en 1959 se produjeron 111 películas en Corea del Sur. [117]
La década de 1950 fue también una "Edad de Oro" para el cine filipino , con la aparición de películas más artísticas y maduras, y una mejora significativa en las técnicas cinematográficas entre los cineastas. El sistema de estudios produjo una actividad frenética en la industria cinematográfica local, ya que anualmente se rodaban muchas películas y varios talentos locales comenzaron a ganar reconocimiento en el extranjero. Los principales directores filipinos de la época incluyeron a Gerardo de León , Gregorio Fernández, Eddie Romero , Lamberto Avellana y Cirio Santiago . [118] [119]
Durante la década de 1960, el sistema de estudios en Hollywood decayó, porque muchas películas ahora se hacían en locaciones de otros países o en estudios en el extranjero, como Pinewood en el Reino Unido y Cinecittà en Roma. Las películas de "Hollywood" todavía estaban dirigidas en gran medida a un público familiar y, a menudo, eran las películas más anticuadas las que producían los mayores éxitos de los estudios. Producciones como Mary Poppins (1964), My Fair Lady (1964) y The Sound of Music (1965) estuvieron entre las que más dinero generaron de la década. El crecimiento de los productores y compañías de producción independientes y el aumento del poder de los actores individuales también contribuyeron al declive de la producción tradicional de los estudios de Hollywood.
También hubo una creciente conciencia del cine en lengua extranjera en Estados Unidos durante este período. A finales de los años 1950 y 1960, los directores de la Nueva Ola francesa como François Truffaut y Jean-Luc Godard produjeron películas como Les quatre cents coups , Breathless y Jules et Jim que rompieron las reglas de la estructura narrativa del cine de Hollywood . Además, el público estaba tomando conciencia de películas italianas como La Dolce Vita (1960), 8½ (1963) de Federico Fellini y los crudos dramas del sueco Ingmar Bergman .
En Gran Bretaña, el "Cine libre" de Lindsay Anderson , Tony Richardson y otros conducen a un grupo de dramas realistas e innovadores que incluyen Saturday Night and Sunday Morning , A Kind of Loving y This Sporting Life . Otras películas británicas como Repulsion , Darling , Alfie , Blowup y Georgy Girl (todas entre 1965 y 1966) ayudaron a reducir las prohibiciones del sexo y la desnudez en la pantalla, mientras que el sexo casual y la violencia de las películas de James Bond , empezando por Dr. No. en 1962 haría que la serie fuera popular en todo el mundo.
Durante la década de 1960, Ousmane Sembène produjo varias películas en lengua francesa y wólof y se convirtió en el "padre" del cine africano . En América Latina, muchos cineastas cuestionaron el predominio del modelo "Hollywood". Fernando Solanas y Octavio Getino abogaron por un Tercer Cine políticamente comprometido , en contraste con Hollywood y el cine de autor europeo .
En Egipto , la época dorada del cine egipcio continuó en los años 1960 de la mano de muchos directores, y el cine egipcio apreciaba mucho a las mujeres de aquella época, como Soad Hosny . Los hermanos Zulfikar; Ezz El-Dine Zulfikar , Salah Zulfikar y Mahmoud Zulfikar tuvieron una cita con muchas producciones, [120] incluyendo The River of Love (1960) de Ezz El Dine Zulfikar , [121] Soft Hands (1964) de Mahmoud Zulfikar y Dearer . Than My Life (1965) protagonizada por Salah Zulfikar y producción de Salah Zulfikar Films ; Mi esposa, la directora general (1966) [122] , así como Saladino (1963) , de Youssef Chahine . [123] [124]
Además, la paranoia nuclear de la época y la amenaza de un intercambio nuclear apocalíptico (como el encuentro cercano con la URSS en 1962 durante la crisis de los misiles cubanos ) también provocaron una reacción dentro de la comunidad cinematográfica. Películas como Dr. Strangelove , de Stanley Kubrick, y Fail Safe , con Henry Fonda , se produjeron en un Hollywood que alguna vez fue conocido por su abierto patriotismo y propaganda en tiempos de guerra.
En el cine documental, los años sesenta vieron el florecimiento del cine directo , un estilo de realización cinematográfica de observación, así como el advenimiento de películas más abiertamente partidistas como En el año del cerdo, sobre la guerra de Vietnam, de Emile de Antonio . Sin embargo, a finales de la década de 1960, los cineastas de Hollywood comenzaron a crear películas más innovadoras y rompedoras que reflejaban la revolución social que se había apoderado de gran parte del mundo occidental, como Bonnie y Clyde (1967), The Graduate (1967), 2001: A Space. Odisea (1968), El bebé de Rosemary (1968), Vaquero de medianoche (1969), Easy Rider (1969) y Grupo salvaje (1969). Bonnie y Clyde a menudo se considera el comienzo del llamado Nuevo Hollywood .
En el cine japonés, el director Akira Kurosawa, ganador del Oscar, produjo Yojimbo (1961), que, al igual que sus películas anteriores, también tuvo una profunda influencia en todo el mundo. La influencia de esta película es más evidente en Por un puñado de dólares (1964) de Sergio Leone y El último hombre en pie (1996) de Walter Hill . Yojimbo fue también el origen de la tendencia " Hombre sin nombre ".
El Nuevo Hollywood fue el período que siguió al declive del sistema de estudios durante las décadas de 1950 y 1960 y al fin del código de producción (que fue reemplazado en 1968 por el sistema de clasificación de películas MPAA ). Durante la década de 1970, los cineastas representaron cada vez más contenido sexual explícito y mostraron escenas de tiroteos y batallas que incluían imágenes gráficas de muertes sangrientas; un ejemplo notable de esto es La última casa a la izquierda (1972) de Wes Craven .
El cine posclásico son los métodos cambiantes de narración de los productores del Nuevo Hollywood. Los nuevos métodos de drama y caracterización jugaron con las expectativas de la audiencia adquiridas durante el período clásico/Edad de Oro: la cronología de la historia puede estar confusa, los argumentos pueden presentar " finales retorcidos " inquietantes, los personajes principales pueden comportarse de una manera moralmente ambigua y las líneas entre los El antagonista y el protagonista pueden verse confusos. Los inicios de la narración posclásica se pueden ver en las películas de cine negro de los años 1940 y 1950 , en películas como Rebelde sin causa (1955) y en Psicosis de Hitchcock . 1971 marcó el estreno de películas controvertidas como Perros de paja , La naranja mecánica , La conexión francesa y Harry el sucio . Esto provocó una acalorada controversia sobre la percepción de una escalada de violencia en el cine.
Durante la década de 1970, surgió un nuevo grupo de cineastas estadounidenses, como Martin Scorsese , Francis Ford Coppola , George Lucas , Woody Allen , Terrence Malick y Robert Altman . Esto coincidió con la creciente popularidad de la teoría del autor en la literatura cinematográfica y los medios de comunicación, que postulaba que las películas de un director de cine expresan su visión personal y sus ideas creativas. El desarrollo del estilo cinematográfico de autor ayudó a darles a estos directores un control mucho mayor sobre sus proyectos del que hubiera sido posible en épocas anteriores. Esto condujo a algunos grandes éxitos críticos y comerciales, como Taxi Driver de Scorsese , las películas de El Padrino de Coppola, El exorcista de William Friedkin , Nashville de Altman , Annie Hall y Manhattan de Allen , Badlands y Days of Heaven de Malick , y la película del inmigrante polaco Roman Polanski . Barrio Chino . Sin embargo, también resultó en algunos fracasos, incluyendo At Long Last Love, de Peter Bogdanovich , y la carísima epopeya occidental Heaven's Gate , de Michael Cimino , que contribuyó a provocar la desaparición de su patrocinador, United Artists .
El desastre financiero de Heaven's Gate marcó el fin de los visionarios directores "de autor" del "Nuevo Hollywood", que tenían libertad creativa y financiera ilimitada para desarrollar películas. El fenomenal éxito de la década de 1970 de Tiburón de Spielberg originó el concepto de " superproducción " moderna . Sin embargo, el enorme éxito de la película Star Wars de George Lucas de 1977 condujo a mucho más que la simple popularización del cine de gran éxito. El uso revolucionario de efectos especiales, edición de sonido y música en la película la llevó a ser ampliamente considerada como una de las películas más importantes en la historia del medio, así como la película más influyente de la década de 1970. Los estudios de Hollywood se centraron cada vez más en producir un número menor de películas de gran presupuesto con campañas masivas de marketing y promoción. Esta tendencia ya había sido presagiada por el éxito comercial de películas de catástrofes como The Poseidon Adventure y The Towering Inferno .
A mediados de la década de 1970, se establecieron más salas de cine pornográfico, eufemísticamente llamadas "cines para adultos", y comenzó la producción legal de películas pornográficas duras . Películas porno como Garganta profunda y su estrella Linda Lovelace se convirtieron en una especie de fenómeno de la cultura popular y dieron lugar a una avalancha de películas sexuales similares. Los cines porno finalmente desaparecieron durante la década de 1980, cuando la popularización de las videograbadoras domésticas y las cintas de vídeo porno permitieron al público ver películas sexuales en casa. A principios de la década de 1970, el público de habla inglesa tomó mayor conciencia del nuevo cine de Alemania Occidental , con Werner Herzog , Rainer Werner Fassbinder y Wim Wenders entre sus principales exponentes.
En el cine mundial , la década de 1970 vio un dramático aumento en la popularidad de las películas de artes marciales , en gran parte debido a su reinvención por parte de Bruce Lee , quien se apartó del estilo artístico de las películas tradicionales chinas de artes marciales y les añadió un sentido mucho mayor de realismo con su estilo Jeet Kune Do. Esto comenzó con The Big Boss (1971), que fue un gran éxito en toda Asia . Sin embargo, no ganó fama en el mundo occidental hasta poco después de su muerte en 1973, cuando se estrenó Enter the Dragon . La película se convirtió en la película de artes marciales más exitosa en la historia del cine, popularizó el género cinematográfico de artes marciales en todo el mundo y consolidó el estatus de Bruce Lee como un ícono cultural. El cine de acción de Hong Kong , sin embargo, estaba en declive debido a una ola de películas de " bruceplotación ". Esta tendencia finalmente llegó a su fin en 1978 con las películas de comedia de artes marciales , Snake in the Eagle's Shadow y Drunken Master , dirigidas por Yuen Woo-ping y protagonizadas por Jackie Chan , sentando las bases para el auge del cine de acción de Hong Kong en la década de 1980. .
Si bien el género cinematográfico musical había decaído en Hollywood para esta época, las películas musicales estaban ganando rápidamente popularidad en el cine de la India , donde se acuñó el término " Bollywood " para la creciente industria cinematográfica hindi en Bombay (ahora Mumbai) que acabó dominando el sur. Cine asiático , superando en popularidad a la industria cinematográfica bengalí, más aclamada por la crítica . Los cineastas hindúes combinaron la fórmula musical de Hollywood con las convenciones del antiguo teatro indio para crear un nuevo género cinematográfico llamado " Masala ", que dominó el cine indio a lo largo de finales del siglo XX. [125] Estas películas de "Masala" retrataban acción, comedia, drama , romance y melodrama , todo al mismo tiempo, con rutinas de baile y canciones " filmi ". Esta tendencia comenzó con películas dirigidas por Manmohan Desai y protagonizadas por Amitabh Bachchan , quien sigue siendo uno de de las estrellas de cine más populares del sur de Asia. La película india más popular de todos los tiempos fue Sholay (1975), una película de "Masala" inspirada en un ladrón de la vida real, así como en Los siete samuráis y los spaghetti westerns de Kurosawa .
El final de la década vio la primera gran comercialización internacional del cine australiano, cuando las películas de Peter Weir Picnic at hanging Rock y The Last Wave y The Chant of Jimmie Blacksmith de Fred Schepisi obtuvieron elogios de la crítica. En 1979, el cineasta australiano George Miller también atrajo la atención internacional por su violenta película de acción de bajo presupuesto Mad Max .
Durante la década de 1980, el público empezó a ver cada vez más películas en sus reproductores de vídeo domésticos . A principios de esa década, los estudios cinematográficos intentaron emprender acciones legales para prohibir la propiedad de VCR en viviendas como una violación de los derechos de autor , pero no tuvieron éxito. Con el tiempo, la venta y el alquiler de películas en vídeo doméstico se convirtió en un importante "segundo lugar" para la exhibición de películas y en una fuente adicional de ingresos para las industrias cinematográficas. Los mercados de vídeo directo (nichos) normalmente ofrecían producciones baratas y de menor calidad que no se consideraban muy adecuadas para el público general de estrenos televisivos y teatrales.
La combinación Lucas - Spielberg dominaría el cine "Hollywood" durante gran parte de la década de 1980 y daría lugar a muchas imitaciones. Dos secuelas de Star Wars , tres de Tiburón y tres películas de Indiana Jones ayudaron a que las secuelas de películas exitosas generaran más expectativas que nunca. Lucas también lanzó THX Ltd , una división de Lucasfilm en 1982, [126] mientras que Spielberg disfrutó de uno de los mayores éxitos de la década en ET, el extraterrestre, ese mismo año. 1982 también vio el lanzamiento de Tron de Disney , que fue una de las primeras películas de un estudio importante en utilizar ampliamente gráficos por computadora . El cine independiente estadounidense tuvo más dificultades durante la década, aunque Raging Bull (1980), After Hours (1985) y The King of Comedy (1983) de Martin Scorsese ayudaron a establecerlo como uno de los cineastas estadounidenses más aclamados por la crítica de la década. era. También durante 1983 se estrenó Caracortada , que resultó muy rentable y resultó en una fama aún mayor para su actor principal Al Pacino . La versión de Tim Burton de 1989 de la creación de Bob Kane , Batman , vio la interpretación de Jack Nicholson del Joker demente , lo que le valió entre 60 y 90 millones de dólares después de incluir su porcentaje de los ingresos brutos. [127]
El cine británico recibió un impulso a principios de los años 1980 con la llegada de la compañía Goldcrest Films de David Puttnam . Las películas Carros de fuego , Gandhi , Los campos de exterminio y Una habitación con vistas atrajeron a un público "intermedio" que era cada vez más ignorado por los principales estudios de Hollywood. Si bien las películas de la década de 1970 habían ayudado a definir las películas modernas de gran éxito , la forma en que "Hollywood" estrenó sus películas ahora cambiaría. Las películas, en su mayor parte, se estrenarían en un número más amplio de salas, aunque, hasta el día de hoy, algunas películas todavía se estrenan utilizando la ruta del sistema de estreno limitado o itinerante . Contra algunas expectativas, el auge de los multicines no permitió que se proyectaran menos películas convencionales, sino que simplemente permitió que los grandes éxitos de taquilla tuvieran un número aún mayor de proyecciones. Sin embargo, a las películas que habían pasado desapercibidas en los cines se les estaba dando cada vez más una segunda oportunidad en el vídeo doméstico.
Durante la década de 1980, el cine japonés experimentó un resurgimiento, en gran parte debido al éxito de las películas de anime . A principios de la década de 1980, Space Battleship Yamato (1973) y Mobile Suit Gundam (1979), que no tuvieron éxito como series de televisión, se rehicieron como películas y alcanzaron un gran éxito en Japón. En particular, Mobile Suit Gundam provocó la franquicia Gundam del anime mecha Real Robot . El éxito de Macross: ¿Recuerdas el amor? También provocó una franquicia Macross de anime mecha. Esta fue también la década en la que se fundó Studio Ghibli . El estudio produjo las primeras películas de fantasía de Hayao Miyazaki , Nausicaä del valle del viento (1984) y El castillo en el cielo (1986), así como La tumba de las luciérnagas (1988) de Isao Takahata , todas ellas muy tuvo éxito en Japón y recibió elogios de la crítica mundial. Durante esta década también comenzaron las películas de animación de video original (OVA); La más influyente de estas primeras películas OVA fue la película cyberpunk Megazone 23 (1985) de Noboru Ishiguro . La película de anime más famosa de esta década fue la película cyberpunk Akira (1988) de Katsuhiro Otomo , que aunque inicialmente no tuvo éxito en los cines japoneses, se convirtió en un éxito internacional.
El cine de acción de Hong Kong , que estaba en declive debido a las interminables películas de Bruceploitation tras la muerte de Bruce Lee , también experimentó un resurgimiento en la década de 1980, en gran parte debido a la reinvención del género cinematográfico de acción por parte de Jackie Chan . Anteriormente había combinado con éxito los géneros de películas de comedia y películas de artes marciales en las películas de 1978 Snake in the Eagle's Shadow y Drunken Master . El siguiente paso que dio fue combinar este género de comedia de artes marciales con un nuevo énfasis en acrobacias elaboradas y altamente peligrosas , que recuerdan a la era del cine mudo. La primera película de este nuevo estilo de cine de acción fue Proyecto A (1983), en la que se formó el equipo de especialistas de Jackie Chan y los "Tres hermanos" (Chan, Sammo Hung y Yuen Biao ). La película añadió acrobacias elaboradas y peligrosas a las peleas y al humor slapstick , y se convirtió en un gran éxito en todo el Lejano Oriente. Como resultado, Chan continuó esta tendencia con películas de acción de artes marciales que contienen acrobacias aún más elaboradas y peligrosas, incluidas Wheels on Meals (1984), Police Story (1985), Armor of God (1986), Project A Part II (1987), Historia policial 2 (1988) y Dragones para siempre (1988). Otras nuevas tendencias que comenzaron en la década de 1980 fueron el subgénero " chicas con armas ", por el que Michelle Yeoh ganó fama; y especialmente el género del " derramamiento de sangre heroico ", que gira en torno a las tríadas , del que John Woo fue pionero en gran medida y por el que Chow Yun-fat se hizo famoso. Estas tendencias de acción de Hong Kong fueron adoptadas posteriormente por muchas películas de acción de Hollywood en las décadas de 1990 y 2000.
A principios de la década de 1990 se desarrolló un cine independiente de éxito comercial en los Estados Unidos. Aunque el cine estuvo cada vez más dominado por películas de efectos especiales como Terminator 2: El juicio final (1991), Jurassic Park (1993) y Titanic (1997), esta última se convirtió en la película más taquillera de todos los tiempos hasta el momento. Avatar (2009), también dirigida por James Cameron, películas independientes como Sex, Lies, and Videotape (1989) de Steven Soderbergh y Reservoir Dogs (1992) de Quentin Tarantino tuvieron un importante éxito comercial tanto en cine como en vídeo doméstico.
Los cineastas asociados al movimiento cinematográfico danés Dogma 95 presentaron un manifiesto destinado a purificar el cine. Sus primeras películas obtuvieron elogios de la crítica mundial, después de lo cual el movimiento se desvaneció lentamente.
Goodfellas de Scorsese se estrenó en 1990. Muchos la consideran una de las mejores películas jamás realizadas, especialmente en el género de gánsteres. Se dice que es el punto más alto de la carrera de Scorsese.
Los principales estudios estadounidenses comenzaron a crear sus propias productoras "independientes" para financiar y producir películas no convencionales. Una de las independientes más exitosas de la década de 1990, Miramax Films , fue comprada por Disney un año antes del estreno del gran éxito de Tarantino, Pulp Fiction, en 1994. El mismo año marcó el comienzo de la distribución de películas y vídeos en línea. Las películas de animación dirigidas al público familiar también recuperaron su popularidad, con La Bella y la Bestia (1991), Aladdin (1992) y El Rey León (1994) de Disney. Durante 1995, Pixar Animation Studios produjo el primer largometraje animado por computadora, Toy Story , y lo estrenó Disney. Después del éxito de Toy Story, la animación por computadora crecería hasta convertirse en la técnica dominante para la animación de largometrajes, lo que permitiría a compañías cinematográficas competidoras como DreamWorks , 20th Century Fox y Warner Bros. competir efectivamente con Disney con sus propias películas exitosas. . A finales de la década de 1990, comenzó otra transición cinematográfica, de la película física a la tecnología del cine digital . Mientras tanto, los DVD se convirtieron en el nuevo estándar para el vídeo de consumo, reemplazando a las cintas VHS.
Desde finales de la década de 2000, las plataformas de transmisión de medios como YouTube proporcionaron medios para que cualquier persona con acceso a Internet y cámaras (una característica estándar de los teléfonos inteligentes ) publicara videos en todo el mundo. Compitiendo también con la creciente popularidad de los videojuegos y otras formas de entretenimiento en el hogar , la industria una vez más comenzó a hacer más atractivos los estrenos en cines, con las nuevas tecnologías 3D y las películas épicas (de fantasía y superhéroes) convirtiéndose en un pilar de los cines.
El documental también surgió como género comercial quizás por primera vez, con el éxito de películas como March of the Penguins y Bowling for Columbine y Fahrenheit 9/11 de Michael Moore . Se creó un nuevo género con Voices of Iraq de Martin Kunert y Eric Manes , cuando se distribuyeron 150 cámaras DV económicas por todo Iraq, transformando a la gente corriente en cineastas colaborativos. El éxito de Gladiator provocó un resurgimiento del interés por el cine épico y ¡Moulin Rouge! renovado interés por el cine musical . Los sistemas de cine en casa se volvieron cada vez más sofisticados, al igual que algunos de los DVD de edición especial diseñados para ser mostrados en ellos. La trilogía El Señor de los Anillos se lanzó en DVD tanto en versión teatral como en una versión extendida especial destinada únicamente al público del cine en casa.
En 2001, comenzó la serie de películas de Harry Potter y, cuando finalizó en 2011, se había convertido en la franquicia cinematográfica más taquillera de todos los tiempos hasta que Marvel Cinematic Universe la superó en 2015.
Debido a los avances en la tecnología de proyección de películas, los largometrajes ahora podían estrenarse simultáneamente en el cine IMAX ; el primero fue en la animación de Disney Treasure Planet de 2002 ; y la primera acción en vivo fue en The Matrix Revolutions de 2003 y una reedición de The Matrix Reloaded . Más adelante en la década, The Dark Knight fue el primer largometraje importante que se rodó al menos parcialmente en tecnología IMAX.
Durante esta década ha habido una creciente globalización del cine, y las películas en lenguas extranjeras han ganado popularidad en los mercados de habla inglesa. Ejemplos de tales películas incluyen Crouching Tiger, Hidden Dragon (mandarín), Amélie (francés), Lagaan (hindi), Spirited Away (japonés), City of God (portugués brasileño), La Pasión de Cristo (arameo), Apocalypto (maya). ) y Bastardos sin gloria (varios idiomas europeos). Italia es el país más premiado en el Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera , con 14 premios conseguidos, 3 Premios Especiales y 31 nominaciones .
En 2003, hubo un renacimiento en la popularidad de las películas en 3D ; la primera fue Ghosts of the Abyss de James Cameron , que se estrenó como el primer largometraje IMAX en 3-D de larga duración filmado con el Reality Camera System . Este sistema de cámara utilizó las últimas cámaras de video HD, no películas, y fue construido para Cameron por el director de fotografía nominado al Emmy, Vince Pace, según sus especificaciones. El mismo sistema de cámara se utilizó para filmar Spy Kids 3D: Game Over (2003), Aliens of the Deep IMAX (2005) y Las aventuras de Sharkboy y Lavagirl en 3-D (2005).
Después de que Avatar , la película en 3D de James Cameron , se convirtiera en la película más taquillera de todos los tiempos, las películas en 3D ganaron breve popularidad y muchas otras películas se estrenaron en 3D, y los mayores éxitos críticos y financieros se produjeron en el campo de la animación de largometrajes como Universal Pictures / Despicable Me de Illumination Entertainment y Cómo entrenar a tu dragón de DreamWorks Animation , Shrek Forever After y Megamind . Avatar también es digno de mención por ser pionero en el uso altamente sofisticado de la tecnología de captura de movimiento e influir en varias otras películas como Rise of the Planet of the Apes . [128]
En 2011, las industrias cinematográficas más importantes por número de largometrajes producidos fueron las de la India, los Estados Unidos, China, Nigeria y el Japón. [129] En Hollywood, las películas de superhéroes aumentaron considerablemente en popularidad y éxito financiero, con películas basadas en Marvel y DC Comics estrenadas cada año. [130] El género de superhéroes fue el más dominante en los ingresos de taquilla estadounidenses .
La lista de películas más taquilleras estuvo dominada por Disney , y 2019 tuvo la mayor cantidad de películas entre las 50 principales. La película de superhéroes de 2019 Avengers: Endgame fue la película más exitosa de todos los tiempos en taquilla. Otros ganadores importantes fueron Star Wars: The Force Awakens , Avengers: Infinity War y Jurassic World . Los estrenos de Disney fueron con frecuencia las películas más taquilleras anualmente en la segunda mitad de la década, con títulos como Toy Story 3 , Los Vengadores y Frozen . El éxito de Disney culminó con la adquisición de 21st Century Fox por parte de Disney .
Los principales estudios cinematográficos intentaron emular el éxito de Marvel Cinematic Universe de Disney con sus propias franquicias. Warner Bros. creó franquicias como DC Extended Universe . Disney produjo remakes fotorrealistas o de acción real de sus películas animadas clásicas, como Aladdin y El Rey León . Las series de películas basadas en novelas para adultos jóvenes se hicieron populares, pasando de la fantasía a la ciencia ficción distópica. La serie notable incluyó Los juegos del hambre .
The Tale of Princess Kaguya , Verano de 1993 , Leave No Trace y Minding the Gap lograron calificaciones del 100% en Rotten Tomatoes . Otras películas aclamadas incluyeron Mad Max: Fury Road , The Social Network y Get Out . Películas como Retrato de una dama en llamas , El árbol de la vida , Luz de luna y Parásitos figuraban frecuentemente en las encuestas de críticos como las mejores películas de la década de 2010. En 2010 apareció la primera mujer en ganar el premio a Mejor Directora en la historia de los Oscar. The Hurt Locker de Katherine Bigelow ganó seis premios. [131] En 2020, Parasite se convirtió en la primera película en idioma no inglés en ganar el Premio de la Academia a la Mejor Película .
La pandemia de COVID-19 provocó el cierre de salas de cine en todo el mundo en respuesta a los confinamientos. Muchas películas cuyo estreno estaba previsto para principios de la década de 2020 sufrieron retrasos en el desarrollo, la producción y la distribución, y otras se estrenaron en servicios de streaming con poca o ninguna ventana de cine. La época fue testigo de una profunda transformación en la forma en que se producen, distribuyen y consumen películas a nivel mundial. La pandemia provocó una rápida aceleración del cambio hacia el streaming, como medio principal de distribución de películas. La industria cinematográfica adaptó y produjo obras notables que reflejaron la dinámica cambiante de la época.
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