Sir Alfred Joseph Hitchcock KBE (13 de agosto de 1899 - 29 de abril de 1980) fue un director de cine inglés. Es ampliamente considerado como una de las figuras más influyentes en la historia del cine. [1] En una carrera que abarca seis décadas, dirigió más de 50 largometrajes, [ muchos de los cuales] todavía son ampliamente vistos y estudiados en la actualidad. Conocido como el "Maestro del suspenso", se hizo tan conocido como cualquiera de sus actores gracias a sus numerosas entrevistas, sus cameos en la mayoría de sus películas y a su presentación y producción de la antología televisiva Alfred Hitchcock Presents (1955-1965). . Sus películas obtuvieron 46 nominaciones al Premio de la Academia , incluidas seis victorias, aunque nunca ganó el premio al Mejor Director , a pesar de cinco nominaciones.
Hitchcock inicialmente se formó como empleado técnico y redactor antes de ingresar a la industria cinematográfica en 1919 como diseñador de tarjetas de presentación . Su debut como director fue la película muda británico-alemana The Pleasure Garden (1925). Su primera película de éxito, The Lodger: A Story of the London Fog (1927), ayudó a dar forma al género del thriller , y Chantaje (1929) fue el primer " talkie " británico . [4] Sus thrillers The 39 Steps (1935) y The Lady Vanishes (1938) se encuentran entre las mejores películas británicas del siglo XX. En 1939, tenía reconocimiento internacional y el productor David O. Selznick lo convenció de mudarse a Hollywood. Siguieron una serie de películas de éxito, entre ellas Rebecca (1940), Foreign Correspondent (1940), Suspicion (1941), Shadow of a Doubt (1943) y Notorious (1946). Rebecca ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película , con Hitchcock nominado como Mejor Director. [5] También recibió nominaciones al Oscar por Lifeboat (1944), Spellbound (1945), Rear Window (1954) y Psycho (1960). [6]
Otras películas notables de Hitchcock incluyen Rope (1948), Strangers on a Train (1951), Dial M for Murder (1954), To Catch a Thief (1955), The Trouble with Harry (1955), Vertigo (1958), North by Northwest. (1959), The Birds (1963) y Marnie (1964), todas las cuales también tuvieron éxito financiero y son muy apreciadas por los historiadores del cine. Hitchcock hizo múltiples películas con algunas de las estrellas más importantes de Hollywood, incluidas cuatro con Cary Grant , cuatro con James Stewart , tres con Ingrid Bergman y tres consecutivamente con Grace Kelly . Hitchcock se convirtió en ciudadano estadounidense en 1955.
En 2012, el thriller psicológico Vertigo de Hitchcock , protagonizado por Stewart, desplazó a Citizen Kane (1941) de Orson Welles como la mejor película jamás realizada por el British Film Institute, según su encuesta mundial entre cientos de críticos de cine. [7] A partir de 2021 , nueve de sus películas habían sido seleccionadas para su conservación en el Registro Nacional de Cine de Estados Unidos , [b] incluida su favorita personal, Shadow of a Doubt (1943). [c] Recibió la beca BAFTA en 1971, el premio AFI Life Achievement Award en 1979 y fue nombrado caballero en diciembre de ese año, cuatro meses antes de su muerte el 29 de abril de 1980. [10][actualizar]
Alfred Joseph Hitchcock nació el 13 de agosto de 1899 en el piso encima de la verdulería alquilada por sus padres en 517 High Road en Leytonstone , que entonces formaba parte de Essex (ahora en las afueras del este de Londres ). Era hijo de Emma Jane (de soltera Whelan; 1863–1942) y William Edgar Hitchcock (1862–1914), y tenía un hermano mayor llamado William John (1888–1943) y una hermana mayor llamada Ellen Kathleen (1892–1979). quien usó el apodo de "Nellie". Sus padres eran ambos católicos romanos con ascendencia irlandesa parcial. [11] [12] Su padre era verdulero, como lo había sido su abuelo. [13] Había una familia numerosa, incluido el tío John Hitchcock con su casa victoriana de cinco habitaciones en Campion Road en Putney , con una criada, una cocinera, un chófer y un jardinero. Cada verano, su tío alquilaba una casa junto al mar para la familia en Cliftonville . Hitchcock dijo que allí adquirió conciencia de clase por primera vez, al notar las diferencias entre turistas y lugareños. [14]
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Hitchcock se describió a sí mismo como un niño de buen comportamiento (su padre lo llamaba su "corderito sin mancha") y dijo que no recordaba haber tenido nunca un compañero de juegos. [16] Una de sus historias favoritas para los entrevistadores fue sobre su padre enviándolo a la estación de policía local con una nota cuando tenía cinco años; El policía miró la nota y lo encerró en una celda durante unos minutos, diciendo: "Esto es lo que les hacemos a los niños traviesos". La experiencia lo dejó con una fobia permanente a la aplicación de la ley, y le dijo a Tom Snyder en 1973 que estaba "muy asustado de cualquier cosa... que tuviera que ver con la ley" y que se negaría incluso a conducir un automóvil en caso de que lo consiguieran. una multa de estacionamiento. [17] Cuando tenía seis años, la familia se mudó a Limehouse y alquiló dos tiendas en 130 y 175 Salmon Lane, que administraban como tienda de pescado y patatas fritas y pescadería respectivamente; vivían encima del primero. [18] Hitchcock asistió a su primera escuela, el Howrah House Convent en Poplar , al que ingresó en 1907, a la edad de 7 años. [19] Según el biógrafo Patrick McGilligan , permaneció en Howrah House durante un máximo de dos años. También asistió a una escuela de monjas, la Wode Street School "para las hijas de caballeros y niños pequeños" dirigida por los Fieles Compañeros de Jesús . Luego asistió a una escuela primaria cerca de su casa y estuvo durante un corto tiempo interno en el Salesian College de Battersea . [20]
La familia se mudó de nuevo cuando Hitchcock tenía once años, esta vez a Stepney , y el 5 de octubre de 1910 fue enviado al St Ignatius College en Stamford Hill , una escuela primaria jesuita con reputación de disciplina. [21] Como castigo corporal, los sacerdotes utilizaban una herramienta plana, dura y elástica hecha de gutapercha y conocida como "férula" que golpeaba toda la palma; El castigo siempre era al final del día, por lo que los niños tenían que sentarse durante las clases anticipando el castigo si se les había escrito para ello. Más tarde dijo que aquí es donde desarrolló su sensación de miedo. [22] El registro escolar indica su año de nacimiento como 1900 en lugar de 1899; El biógrafo Donald Spoto dice que lo inscribieron deliberadamente cuando tenía diez años porque tenía un año de retraso en sus estudios. [23] Mientras que el biógrafo Gene Adair informa que Hitchcock era "un alumno promedio, o ligeramente por encima del promedio", [24] Hitchcock dijo que "generalmente estaba entre los cuatro o cinco mejores de la clase"; [25] al final de su primer año, se destacó su trabajo en latín, inglés, francés y educación religiosa . [26] Le dijo a Peter Bogdanovich : "Los jesuitas me enseñaron organización, control y, hasta cierto punto, análisis". [24]
La materia favorita de Hitchcock era la geografía y se interesó por los mapas y los horarios de trenes, tranvías y autobuses; según John Russell Taylor , podía recitar todas las paradas del Orient Express . [27] Tenía un interés particular en los tranvías de Londres . Una abrumadora mayoría de sus películas incluyen escenas de ferrocarriles o tranvías, en particular The Lady Vanishes , Strangers on a Train y Number Seventeen . Una claqueta muestra el número de la escena y el número de tomas, y Hitchcock solía tomar los dos números de la claqueta y susurrar los nombres de las rutas del tranvía de Londres. Por ejemplo, si la claqueta mostraba "Escena 23; Toma 3", susurraría " Woodford , Hampstead ": Woodford es el final del tranvía de la ruta 23 y Hampstead el final de la ruta 3. [28] [29]
Hitchcock les dijo a sus padres que quería ser ingeniero, [25] y el 25 de julio de 1913, [30] dejó St Ignatius y se matriculó en clases nocturnas en la Escuela de Ingeniería y Navegación del Consejo del Condado de Londres en Poplar. En una entrevista que abarca un libro en 1962, le dijo a François Truffaut que había estudiado "mecánica, electricidad, acústica y navegación". [25] Luego, el 12 de diciembre de 1914, su padre, que padecía enfisema y enfermedad renal, murió a la edad de 52 años. [31] Para mantenerse a sí mismo y a su madre (sus hermanos mayores se habían ido de casa para entonces) Hitchcock Consiguió un trabajo, por 15 chelines a la semana (77 libras esterlinas en 2021), [32] como empleado técnico en Henley Telegraph and Cable Company en Blomfield Street, cerca de London Wall . [33] Continuó con las clases nocturnas, esta vez de historia del arte, pintura, economía y ciencias políticas. [34] Su hermano mayor dirigía las tiendas familiares, mientras él y su madre continuaban viviendo en Salmon Lane. [35]
Hitchcock era demasiado joven para alistarse cuando comenzó la Primera Guerra Mundial en julio de 1914, y cuando alcanzó la edad requerida de 18 años en 1917, recibió una clasificación C3 ("libre de enfermedades orgánicas graves, capaz de soportar las condiciones de servicio en las guarniciones en casa". ... sólo apto para trabajos sedentarios"). [36] Se unió a un regimiento de cadetes de los Ingenieros Reales y participó en sesiones informativas teóricas, simulacros y ejercicios de fin de semana. John Russell Taylor escribió que, en una sesión de ejercicios prácticos en Hyde Park , a Hitchcock se le pidió que usara polainas . Nunca pudo dominar envolverlos alrededor de sus piernas, y repetidamente caían alrededor de sus tobillos. [37]
Después de la guerra, Hitchcock se interesó por la escritura creativa. En junio de 1919, se convirtió en editor fundador y director comercial de la publicación interna de Henley, The Henley Telegraph (a seis peniques la copia), a la que envió varios cuentos. [38] [d] Henley's lo ascendió al departamento de publicidad, donde escribió textos y dibujó gráficos para anuncios de cables eléctricos. Le gustaba el trabajo y se quedaba hasta tarde en la oficina para examinar las pruebas; Le dijo a Truffaut que este era su "primer paso hacia el cine". [25] [46] Le gustaba ver películas, especialmente cine estadounidense, y desde los 16 años leía los periódicos comerciales; Observó a Charlie Chaplin , DW Griffith y Buster Keaton , y le gustó especialmente Der müde Tod (1921) de Fritz Lang . [25]
Mientras todavía estaba en Henley's, leyó en un periódico comercial que Famous Players-Lasky , el brazo de producción de Paramount Pictures , estaba abriendo un estudio en Londres. [47] Estaban planeando filmar Los dolores de Satanás de Marie Corelli , por lo que produjo algunos dibujos para las tarjetas de título y envió su trabajo al estudio. [48] Lo contrataron y en 1919 comenzó a trabajar para Islington Studios en Poole Street, Hoxton , como diseñador de tarjetas de título. [47]
Donald Spoto escribió que la mayoría del personal eran estadounidenses con especificaciones laborales estrictas, pero se animaba a los trabajadores ingleses a probar suerte en cualquier cosa, lo que significó que Hitchcock adquirió experiencia como coguionista, director de arte y director de producción en al menos 18 películas mudas. Película (s. [49] The Times escribió en febrero de 1922 sobre el "departamento de títulos de arte especial del estudio bajo la supervisión del Sr. AJ Hitchcock". [50] Su trabajo incluyó Número 13 (1922), también conocida como Sra. Peabody; fue cancelada debido a problemas financieros (las pocas escenas terminadas se perdieron [51] ) y Always Tell Your Wife (1923), que él y Seymour Hicks terminaron juntos cuando Hicks estaba a punto de darse por vencido. [47] Hicks escribió más tarde acerca de haber sido ayudado por "un joven gordo que estaba a cargo de la sala de propiedades... [n]o menos que Alfred Hitchcock". [52]
Cuando Paramount se retiró de Londres en 1922, Hitchcock fue contratado como asistente de dirección por una nueva firma dirigida en el mismo lugar por Michael Balcon , más tarde conocida como Gainsborough Pictures . [47] [54] Hitchcock trabajó en Woman to Woman (1923) con el director Graham Cutts , diseñando el decorado, escribiendo el guión y produciendo. Dijo: "Fue la primera película que realmente tuve en mis manos". [54] La editora y "guionista" de Woman to Woman fue Alma Reville , su futura esposa. También trabajó como asistente de Cutts en The White Shadow (1924), The Passionate Adventure (1924), The Blackguard (1925) y The Prude's Fall (1925). [55] El guardia negro se produjo en los estudios Babelsberg de Potsdam, donde Hitchcock observó parte de la realización de La última risa (1924) de FW Murnau . [56] Quedó impresionado con el trabajo de Murnau y más tarde utilizó muchas de sus técnicas para la escenografía en sus propias producciones. [57]
En el verano de 1925, Balcon pidió a Hitchcock que dirigiera El jardín del placer (1925), protagonizada por Virginia Valli , una coproducción de Gainsborough y la firma alemana Emelka en el estudio Geiselgasteig , cerca de Múnich. Reville, por entonces prometida de Hitchcock, era subdirectora y editora. [58] [51] Aunque la película fue un fracaso comercial, [59] A Balcon le gustó el trabajo de Hitchcock; un titular del Daily Express lo llamó "el joven con una mente maestra". [60] La producción de The Pleasure Garden encontró obstáculos de los que Hitchcock aprendería más tarde: al llegar al paso del Brennero , no declaró su material cinematográfico en la aduana y fue confiscado; una actriz no pudo entrar al agua para una escena porque estaba en su período ; Los excesos presupuestarios significaron que tuvo que pedir dinero prestado a los actores. [61] Hitchcock también necesitaba un traductor para dar instrucciones al elenco y al equipo. [61]
En Alemania, Hitchcock observó los matices del cine alemán que tuvieron una gran influencia en él. [62] Cuando no estaba trabajando, visitaba las galerías de arte, conciertos y museos de Berlín. También se reuniría con actores, escritores y productores para establecer conexiones. [63] Balcon le pidió que dirigiera una segunda película en Munich, The Mountain Eagle (1926), basada en una historia original titulada Fear o' God . [64] La película se perdió y Hitchcock la llamó "una película muy mala". [60] [65] Un año después, Hitchcock escribió y dirigió The Ring ; aunque el guión se atribuyó únicamente a su nombre, Elliot Stannard lo ayudó con la escritura. [66] The Ring obtuvo críticas positivas; El crítico de Bioscope la calificó como "la película británica más magnífica jamás realizada". [67]
Cuando regresó a Inglaterra, Hitchcock fue uno de los primeros miembros de la London Film Society, recién formada en 1925. [68] A través de la Sociedad, quedó fascinado por el trabajo de los cineastas soviéticos: Dziga Vertov , Lev Kuleshov , Sergei Eisenstein y Vsévolod Pudovkin . También socializaría con sus compañeros cineastas ingleses Ivor Montagu , Adrian Brunel y Walter Mycroft . [69]
Visualmente, era extraordinariamente imaginativo para la época, sobre todo en la escena en la que Hitchcock instaló un suelo de cristal para poder mostrar al inquilino paseando de un lado a otro de su habitación desde abajo, como si lo hubiera oído su casera.
— Entrada del BFI para el primer thriller de Hitchcock, The Lodger: A Story of the London Fog (1927) [70]
Hitchcock se estableció como director de renombre con su primer thriller, The Lodger: A Story of the London Fog (1927). [71] La película trata sobre la búsqueda de un asesino en serie al estilo Jack el Destripador que, vestido con una capa negra y portando un bolso negro, asesina a jóvenes rubias en Londres, y sólo los martes. [72] Una casera sospecha que su inquilino es el asesino, pero resulta ser inocente. [73] Hitchcock había querido que el protagonista fuera culpable, o que la película al menos terminara de forma ambigua, pero la estrella era Ivor Novello , un ídolo matinal , y el " star system " significaba que Novello no podía ser el villano. Hitchcock le dijo a Truffaut: "Tienes que expresarlo claramente con letras grandes: 'Él es inocente'". (Años más tarde tuvo el mismo problema con Cary Grant en Suspicion (1941).) [74] Publicado en enero de 1927, The Lodger fue un éxito comercial y de crítica en el Reino Unido. [75] [76] Tras su lanzamiento, la revista especializada Bioscope escribió: "Es posible que esta película sea la mejor producción británica jamás realizada". [71] Hitchcock le dijo a Truffaut que la película fue la primera suya influenciada por el expresionismo alemán : "En verdad, casi se podría decir que The Lodger fue mi primera película". [77] Hizo su primer cameo en la película, sentado en una sala de redacción. [78] [79]
El 2 de diciembre de 1926, Hitchcock se casó con la guionista inglesa Alma Reville en el Oratorio de Brompton en South Kensington . [80] La pareja pasó su luna de miel en París, el lago Como y St. Moritz, antes de regresar a Londres para vivir en un apartamento alquilado en los dos pisos superiores de 153 Cromwell Road , Kensington. [81] Reville, que nació pocas horas después de Hitchcock, [82] se convirtió del protestantismo al catolicismo, aparentemente ante la insistencia de la madre de Hitchcock; fue bautizada el 31 de mayo de 1927 y confirmada en la catedral de Westminster por el cardenal Francis Bourne el 5 de junio. [83]
En 1928, cuando se enteraron de que Reville estaba embarazada, los Hitchcock compraron "Winter's Grace", una granja Tudor ubicada en once acres en Stroud Lane, Shamley Green , Surrey, por £ 2500. [84] Su hija y única hija, Patricia Alma Hitchcock , nació el 7 de julio de ese año. [85] Patricia murió el 9 de agosto de 2021 a los 93 años. [86]
Reville se convirtió en el colaborador más cercano de su marido; Charles Champlin escribió en 1982: "El toque de Hitchcock tenía cuatro manos, y dos eran las de Alma". [87] Cuando Hitchcock aceptó el premio AFI Life Achievement Award en 1979, dijo que quería mencionar "cuatro personas que me han brindado el mayor afecto, aprecio y aliento, y una colaboración constante. El primero de los cuatro es un editor de cine, la segunda es guionista, la tercera es la madre de mi hija, Pat, y la cuarta es la mejor cocinera que jamás haya hecho milagros en una cocina doméstica. Y sus nombres son Alma Reville. [88] Reville escribió o coescribió muchas de las películas de Hitchcock, incluidas Shadow of a Doubt , Suspicion y The 39 Steps .
Hitchcock comenzó a trabajar en su décima película, Chantaje (1929), cuando su productora, British International Pictures (BIP), reconvirtió sus estudios de Elstree al sonido . La película fue la primera película sonora británica ; esto siguió al rápido desarrollo de las películas sonoras en los Estados Unidos, desde el uso de breves segmentos sonoros en The Jazz Singer (1927) hasta el primer largometraje sonoro completo Lights of New York (1928). [4] Chantaje inició la tradición de Hitchcock de utilizar monumentos famosos como telón de fondo para secuencias de suspenso, cuyo clímax tuvo lugar en la cúpula del Museo Británico . [89] También presenta uno de sus cameos más largos, que lo muestra siendo molestado por un niño pequeño mientras lee un libro sobre el metro de Londres . [90] En la serie de PBS The Men Who Made The Movies , Hitchcock explicó cómo utilizó las primeras grabaciones de sonido como un elemento especial de la película para crear tensión, con una mujer chismosa ( Phyllis Monkman ) enfatizando la palabra "cuchillo" en su conversación. con la mujer sospechosa de asesinato. [91] Durante este período, Hitchcock dirigió segmentos para una revista BIP , Elstree Calling (1930), y dirigió un cortometraje, An Elastic Affair (1930), con dos ganadores de becas Film Weekly . [92] An Elastic Affair es una de las películas perdidas. [93]
En 1933, Hitchcock firmó un contrato para varias películas con Gaumont-British , trabajando una vez más para Michael Balcon. [94] [95] Su primera película para la empresa, El hombre que sabía demasiado (1934), fue un éxito; el segundo, Los 39 pasos (1935), fue aclamado en el Reino Unido y le valió el reconocimiento en los Estados Unidos. También estableció a la "rubia de Hitchcock" inglesa por excelencia ( Madeleine Carroll ) como modelo para su sucesión de protagonistas elegantes y frías como el hielo. [96] El guionista Robert Towne comentó: "No es muy exagerado decir que todo el entretenimiento escapista contemporáneo comienza con Los 39 pasos ". [97] John Buchan , autor de Los treinta y nueve pasos en el que se basa libremente la película, se reunió con Hitchcock en el set y asistió al estreno de alto perfil en el New Gallery Cinema de Londres. Al ver la película, el autor dijo que había mejorado con respecto al libro. [96] Esta película fue una de las primeras en introducir el recurso argumental " MacGuffin ", término acuñado por el guionista inglés Angus MacPhail . [98] El MacGuffin es un objeto u objetivo que persigue el protagonista, uno que de otro modo no tiene valor narrativo; En Los 39 escalones , el MacGuffin es un conjunto de planos de diseño robados. [99]
Hitchcock lanzó dos thrillers de espías en 1936. Sabotaje se basó libremente en la novela de Joseph Conrad , El agente secreto (1907), sobre una mujer que descubre que su marido es un terrorista, y Agente secreto , basada en dos historias de Ashenden: O el agente británico (1928) de W. Somerset Maugham . [mi]
En ese momento, Hitchcock también se hizo famoso por sus bromas contra el elenco y el equipo. Estos chistes iban desde simples e inocentes hasta locos y maníacos. Por ejemplo, organizó una cena en la que tiñó toda la comida de azul porque afirmó que no había suficientes alimentos azules. También hizo entregar un caballo al camerino de su amigo, el actor Gerald du Maurier . [100]
Hitchcock siguió con Young and Innocent en 1937, un thriller policial basado en la novela de 1936 Un chelín por velas de Josephine Tey . [101] Protagonizada por Nova Pilbeam y Derrick De Marney , la película fue relativamente divertida para el elenco y el equipo. [101] Para cumplir con los propósitos de distribución en Estados Unidos, se cortó el tiempo de ejecución de la película y esto incluyó la eliminación de una de las escenas favoritas de Hitchcock: una fiesta de té para niños que se vuelve amenazadora para los protagonistas. [102]
El siguiente gran éxito de Hitchcock fue The Lady Vanishes (1938), "una de las mejores películas de trenes de la época dorada del género", según Philip French , en la que Miss Froy ( May Whitty ), una espía británica que se hace pasar por institutriz, desaparece en un viaje en tren a través del ficticio país europeo de Bandrika. [103] La película vio a Hitchcock recibir el Premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York de 1938 al Mejor Director. [104] Benjamin Crisler del New York Times escribió en junio de 1938: "Tres instituciones únicas y valiosas que los británicos tienen y que nosotros en Estados Unidos no tenemos: la Carta Magna , el Tower Bridge y Alfred Hitchcock, el mayor director de melodramas cinematográficos del mundo". ". [105] La película se basó en la novela The Wheel Spins (1936) escrita por Ethel Lina White . [106]
En 1938, Hitchcock era consciente de que había alcanzado su apogeo en Gran Bretaña. [107] Había recibido numerosas ofertas de productores en los Estados Unidos, pero las rechazó todas porque no le gustaban las obligaciones contractuales o pensaba que los proyectos eran repelentes. [108] Sin embargo, el productor David O. Selznick le ofreció una propuesta concreta para hacer una película basada en el hundimiento del RMS Titanic , que finalmente fue archivada, pero Selznick convenció a Hitchcock para que viniera a Hollywood . En julio de 1938, Hitchcock voló a Nueva York y descubrió que ya era una celebridad; apareció en revistas y concedió entrevistas a estaciones de radio. [109] En Hollywood, Hitchcock conoció a Selznick por primera vez. Selznick le ofreció un contrato para cuatro películas, aproximadamente 40.000 dólares por cada película (equivalente a 830.000 dólares en 2022). [109]
Selznick firmó con Hitchcock un contrato de siete años a partir de abril de 1939, [110] y los Hitchcock se mudaron a Hollywood. [111] Los Hitchcock vivían en un apartamento espacioso en Wilshire Boulevard y poco a poco se aclimataron al área de Los Ángeles. Él y su esposa Alma mantuvieron un perfil bajo y no estaban interesados en asistir a fiestas ni ser celebridades. [112] Hitchcock descubrió su gusto por la buena comida en West Hollywood, pero aún así continuó con su estilo de vida desde Inglaterra. [113] Quedó impresionado con la cultura cinematográfica de Hollywood, sus amplios presupuestos y su eficiencia, [113] en comparación con los límites que a menudo había enfrentado en Gran Bretaña. [114] En junio de ese año, Life lo llamó el "mayor maestro del melodrama en la historia de la pantalla". [115]
Aunque Hitchcock y Selznick se respetaban mutuamente, sus acuerdos de trabajo eran a veces difíciles. Selznick sufría constantes problemas financieros y Hitchcock a menudo estaba descontento con el control creativo de Selznick y la interferencia sobre sus películas. Selznick también estaba disgustado con el método de Hitchcock de filmar sólo lo que estaba en el guión, y nada más, lo que significaba que la película no podía ser cortada y rehecha de manera diferente más adelante. [116] Además de quejarse del "maldito corte de rompecabezas" de Hitchcock, [117] sus personalidades no coincidían: Hitchcock era reservado mientras que Selznick era extravagante. [118] Finalmente, Selznick prestó generosamente a Hitchcock a los estudios cinematográficos más grandes. [119] Selznick hizo sólo unas pocas películas cada año, al igual que su colega productor independiente Samuel Goldwyn , por lo que no siempre tuvo proyectos para que Hitchcock los dirigiera. Goldwyn también había negociado con Hitchcock un posible contrato, pero Selznick le superó la oferta. En una entrevista posterior, Hitchcock dijo: "[Selznick] era el gran productor... El productor era el rey. Lo más halagador que el señor Selznick alguna vez dijo sobre mí, y muestra la cantidad de control, fue que dijo que yo era el 'único director' al que 'confiaría una película'". [120]
Hitchcock se acercó al cine americano con cautela; su primera película estadounidense se desarrolló en Inglaterra, en la que el "americanismo" de los personajes era incidental: [121] Rebecca (1940) se desarrolló en una versión de Hollywood del Cornualles de Inglaterra y se basó en una novela de la novelista inglesa Daphne du Maurier . Selznick insistió en una adaptación fiel del libro y no estuvo de acuerdo con Hitchcock en el uso del humor. [122] [123] La película, protagonizada por Laurence Olivier y Joan Fontaine , trata sobre una joven ingenua anónima que se casa con un aristócrata viudo. Ella vive en su gran casa de campo inglesa y lucha con la persistente reputación de su elegante y mundana primera esposa, Rebecca, quien murió en circunstancias misteriosas. La película ganó el premio a la Mejor Película en la 13ª edición de los Premios de la Academia ; la estatuilla fue entregada al productor Selznick. Hitchcock recibió su primera nominación a Mejor Director , la primera de cinco nominaciones de este tipo. [5] [124]
La segunda película estadounidense de Hitchcock fue el thriller Foreign Correspondent (1940), ambientada en Europa, basada en el libro Personal History (1935) de Vincent Sheean y producida por Walter Wanger . Fue nominada a Mejor Película ese año. Hitchcock se sentía incómodo viviendo y trabajando en Hollywood mientras Gran Bretaña estaba en guerra ; su preocupación resultó en una película que apoyaba abiertamente el esfuerzo bélico británico. [125] Filmada en 1939, se inspiró en los acontecimientos que cambiaban rápidamente en Europa, tal como lo cubrió un reportero de un periódico estadounidense interpretado por Joel McCrea . Al mezclar imágenes de escenas europeas con escenas filmadas en un backlot de Hollywood , la película evitó referencias directas al nazismo , la Alemania nazi y los alemanes, para cumplir con el Código de Producción Cinematográfica de la época. [126] [ verificación fallida ]
En septiembre de 1940, los Hitchcock compraron el rancho Cornwall de 200 acres (0,81 km2 ) cerca de Scotts Valley , California, en las montañas de Santa Cruz . [127] Su residencia principal era una casa de estilo inglés en Bel Air , comprada en 1942. [128] Las películas de Hitchcock fueron diversas durante este período, desde la comedia romántica Sr. y Sra. Smith (1941) hasta el sombrío cine negro. Sombra de una duda (1943).
Suspicion (1941) marcó la primera película de Hitchcock como productor y director. Está ambientado en Inglaterra; Hitchcock utilizó la costa norte de Santa Cruz para la secuencia de la costa inglesa. La película es la primera de cuatro en las que Cary Grant fue elegido por Hitchcock, y es una de las raras ocasiones en que Grant interpreta a un personaje siniestro. Grant interpreta a Johnnie Aysgarth, un estafador inglés cuyas acciones despiertan sospechas y ansiedad en su tímida y joven esposa inglesa, Lina McLaidlaw ( Joan Fontaine ). [129] En una escena, Hitchcock colocó una luz dentro de un vaso de leche, tal vez envenenada, que Grant le lleva a su esposa; la luz asegura que la atención del público esté en el cristal. El personaje de Grant es en realidad un asesino, como está escrito en el libro Before the Fact de Francis Iles , pero el estudio consideró que la imagen de Grant se vería empañada por eso. Por tanto, Hitchcock optó por un final ambiguo, aunque hubiera preferido terminar con el asesinato de su esposa. [130] [f] Fontaine ganó el premio a la Mejor Actriz por su actuación. [132]
Saboteur (1942) es la primera de dos películas que Hitchcock realizó para Universal Studios durante la década. Hitchcock quería que Gary Cooper y Barbara Stanwyck o Henry Fonda y Gene Tierney protagonizaran, pero Universal lo obligó a utilizar al actor contratado de Universal Robert Cummings y Priscilla Lane , una profesional independiente que firmó un contrato de una sola película con el estudio, ambos conocidos por su trabajo. en comedias y dramas ligeros. [133] La historia describe un enfrentamiento entre un presunto saboteador (Cummings) y un saboteador real ( Norman Lloyd ) en lo alto de la Estatua de la Libertad . Hitchcock realizó una gira de tres días por la ciudad de Nueva York para buscar lugares de rodaje de Saboteur . [134] También dirigió ¿Has oído? (1942), una dramatización fotográfica para la revista Life sobre los peligros de los rumores durante la guerra . [135] En 1943, escribió una historia de misterio para Look , "El asesinato de Monty Woolley ", [136] una secuencia de fotografías subtituladas que invitan al lector a encontrar pistas sobre la identidad del asesino; Hitchcock eligió a los artistas para que interpretaran a ellos mismos, como Woolley, Doris Merrick y el maquillador Guy Pearce. [ cita necesaria ]
De regreso a Inglaterra, la madre de Hitchcock, Emma, estaba gravemente enferma; Murió el 26 de septiembre de 1942 a los 79 años. Hitchcock nunca habló públicamente de su madre, pero su asistente dijo que la admiraba. [137] Cuatro meses después, el 4 de enero de 1943, su hermano William murió de una sobredosis a los 52 años. [138] Hitchcock no era muy cercano a William, [139] pero su muerte hizo que Hitchcock fuera consciente de sus propios hábitos alimentarios y de bebida. . Tenía sobrepeso y padecía dolores de espalda. Su resolución de Año Nuevo en 1943 fue tomarse en serio su dieta con la ayuda de un médico. [140] En enero de ese año, se estrenó La sombra de una duda , que Hitchcock tenía buenos recuerdos de haber realizado. [141] En la película, Charlotte "Charlie" Newton ( Teresa Wright ) sospecha que su querido tío Charlie Oakley ( Joseph Cotten ) es un asesino en serie. Hitchcock filmó extensamente en locaciones, esta vez en la ciudad de Santa Rosa, en el norte de California . [142]
En 20th Century Fox , Hitchcock se acercó a John Steinbeck con una idea para una película que registrara las experiencias de los supervivientes de un ataque de submarinos alemanes . Steinbeck comenzó a trabajar en el guión de lo que se convertiría en Lifeboat (1944). Sin embargo, Steinbeck no estaba contento con la película y pidió que su nombre fuera eliminado de los créditos, sin éxito. La idea fue reescrita como un cuento por Harry Sylvester y publicada en Collier's en 1943. Las secuencias de acción se rodaron en un pequeño barco en el tanque de agua del estudio. El lugar planteó problemas para el tradicional cameo de Hitchcock; se solucionó haciendo aparecer la imagen de Hitchcock en un periódico que William Bendix está leyendo en el barco, mostrando al director en un anuncio del antes y el después de "Reduco-Obesity Slayer". Le dijo a Truffaut en 1962:
En ese momento, estaba siguiendo una dieta extenuante, trabajando dolorosamente para pasar de 300 a 200 libras. Así que decidí inmortalizar mi pérdida y conseguir mi parte posando para fotografías de "antes" y "después". ... Me vi literalmente sumergido en cartas de gente gorda que querían saber dónde y cómo conseguir Reduco. [143]
La cena típica de Hitchcock antes de perder peso había sido pollo asado, jamón cocido, patatas, pan, verduras, condimentos, ensalada, postre, una botella de vino y un poco de brandy. Para perder peso, su dieta consistía en café negro para el desayuno y el almuerzo, y bistec y ensalada para la cena, [140] pero era difícil de mantener; Donald Spoto escribió que su peso fluctuó considerablemente durante los siguientes 40 años. A finales de 1943, a pesar de la pérdida de peso, la Occidental Insurance Company de Los Ángeles rechazó su solicitud de seguro de vida. [144]
Sentí la necesidad de hacer una pequeña contribución al esfuerzo de guerra y tenía sobrepeso y además tenía más edad para el servicio militar. Sabía que si no hacía nada, me arrepentiría por el resto de mi vida.
—Alfred Hitchcock (1967) [145]
Hitchcock regresó al Reino Unido para una visita prolongada a finales de 1943 y principios de 1944. Mientras estuvo allí, realizó dos cortometrajes de propaganda , Bon Voyage (1944) y Aventure Malgache (1944), para el Ministerio de Información . En junio y julio de 1945, Hitchcock sirvió como "asesor de tratamiento" en un documental sobre el Holocausto que utilizó imágenes de las Fuerzas Aliadas sobre la liberación de los campos de concentración nazis . La película fue montada en Londres y producida por Sidney Bernstein , del Ministerio de Información, quien incorporó a Hitchcock (un amigo suyo). Originalmente estaba destinado a ser transmitido a los alemanes, pero el gobierno británico consideró que era demasiado traumático para mostrárselo a una población conmocionada de la posguerra. En cambio, fue transferido en 1952 desde las bóvedas de películas de la Oficina de Guerra Británica al Museo Imperial de la Guerra de Londres y permaneció inédito hasta 1985, cuando se transmitió una versión editada como un episodio de PBS Frontline , bajo el título que le había dado el Museo Imperial de la Guerra: Memoria. de los Campamentos . La versión completa de la película, German Concentration Camps Factual Survey , fue restaurada en 2014 por estudiosos del Museo Imperial de la Guerra. [146] [147] [148]
Hitchcock volvió a trabajar para David Selznick cuando dirigió Spellbound (1945), que explora el psicoanálisis y presenta una secuencia de sueños diseñada por Salvador Dalí . [149] La secuencia del sueño tal como aparece en la película es diez minutos más corta de lo que se imaginó originalmente; Selznick lo editó para que "se reproduzca" de manera más efectiva. [150] Gregory Peck interpreta al amnésico Dr. Anthony Edwardes bajo el tratamiento de la analista Dra. Peterson ( Ingrid Bergman ), quien se enamora de él mientras intenta desbloquear su pasado reprimido. [151] Se lograron dos tomas de puntos de vista construyendo una gran mano de madera (que parecería pertenecer al personaje cuyo punto de vista tomó la cámara) y accesorios de gran tamaño para sostenerla: un vaso del tamaño de un cubo. de leche y una gran pistola de madera. Para mayor novedad e impacto, el disparo culminante fue coloreado a mano en rojo en algunas copias de la película en blanco y negro. La partitura musical original de Miklós Rózsa utiliza el theremin , y parte de ella fue posteriormente adaptada por el compositor al Concierto para piano op. 31 (1967) para piano y orquesta. [152] [ verificación fallida ]
A continuación, en 1946, siguió la película de espías Notorious . Hitchcock le dijo a François Truffaut que Selznick le vendió el guión a él, a Ingrid Bergman, a Cary Grant y a Ben Hecht , a RKO Radio Pictures como un "paquete" por 500.000 dólares (equivalente a 7,5 millones de dólares en 2022) porque de sobrecostos en El duelo al sol (1946) de Selznick. [ cita necesaria ] Las notorias estrellas Bergman y Grant, ambos colaboradores de Hitchcock, presentan una trama sobre los nazis, el uranio y América del Sur. Su uso profético de uranio como dispositivo de conspiración llevó a que la Oficina Federal de Investigaciones lo pusiera brevemente bajo vigilancia . [153] Según Patrick McGilligan, alrededor de marzo de 1945, Hitchcock y Hecht consultaron a Robert Millikan del Instituto de Tecnología de California sobre el desarrollo de una bomba de uranio. Selznick se quejó de que la noción era "ciencia ficción", sólo para enfrentarse a la noticia de la detonación de dos bombas atómicas en Hiroshima y Nagasaki en Japón en agosto de 1945. [154]
Hitchcock formó una productora independiente, Transatlantic Pictures , con su amigo Sidney Bernstein . Hizo dos películas con Transatlantic, una de las cuales fue su primera película en color. Con Rope (1948), Hitchcock experimentó con el suspenso en un ambiente confinado, como lo había hecho anteriormente con Lifeboat . La película aparece como un número muy limitado de planos continuos, pero en realidad se rodó en 10, desde 4+1 ⁄ 2 a 10 minutos cada uno; una película de 10 minutos era lo máximo que podía contener el cargador de películas de una cámara en ese momento. Algunas transiciones entre carretes se ocultaron al hacer que un objeto oscuro llenara toda la pantalla por un momento. Hitchcock utilizó esos puntos para ocultar el corte y comenzó la siguiente toma con la cámara en el mismo lugar. La película presenta a James Stewart en el papel principal y fue la primera de cuatro películas que Stewart hizo con Hitchcock. Se inspiró en el caso Leopold y Loeb de los años 1920. [155] La respuesta crítica en ese momento fue mixta. [156]
Bajo Capricornio (1949), ambientada en la Australia del siglo XIX, también utiliza la técnica efímera de tomas largas, pero de forma más limitada. Volvió a utilizar Technicolor en esta producción y luego volvió al blanco y negro durante varios años. Transatlantic Pictures quedó inactiva después de las dos últimas películas. [157] [158] Hitchcock filmó Stage Fright (1950) en los estudios Elstree en Inglaterra, donde había trabajado durante su contrato con British International Pictures muchos años antes. [159] Emparejó a una delas estrellas más populares de Warner Bros. , Jane Wyman , con la actriz alemana expatriada Marlene Dietrich y utilizó a varios actores británicos destacados, incluidos Michael Wilding , Richard Todd y Alastair Sim . [160] Esta fue la primera producción propiamente dicha de Hitchcock para Warner Bros., que había distribuido Rope y Under Capricorn , porque Transatlantic Pictures estaba experimentando dificultades financieras. [161]
Su thriller Extraños en un tren (1951) se basó en la novela homónima de Patricia Highsmith . Hitchcock combinó muchos elementos de sus películas anteriores. Se acercó a Dashiell Hammett para escribir el diálogo, pero Raymond Chandler se hizo cargo y luego lo abandonó por desacuerdos con el director. En la película, dos hombres se encuentran casualmente, uno de los cuales especula sobre un método infalible para asesinar; sugiere que dos personas, cada una de las cuales desee acabar con alguien, deberían realizar el asesinato del otro. El papel de Farley Granger fue el de víctima inocente del plan, mientras que Robert Walker , anteriormente conocido por sus papeles de "chico de al lado", interpretó al villano. [162] Confieso (1953) se desarrolló en Quebec con Montgomery Clift como sacerdote católico. [163]
A I Confess le siguieron tres películas en color protagonizadas por Grace Kelly : Dial M for Murder (1954), Rear Window (1954) y To Catch a Thief (1955). En Dial M for Murder , Ray Milland interpreta al villano que intenta asesinar a su infiel esposa (Kelly) por su dinero. Ella mata al asesino a sueldo en defensa propia, por lo que Milland manipula la evidencia para que parezca un asesinato. Su amante, Mark Halliday ( Robert Cummings ), y el inspector de policía Hubbard ( John Williams ) la salvan de la ejecución. [164] Hitchcock experimentó con la cinematografía 3D para Dial M for Murder . [165]
Hitchcock se mudó a Paramount Pictures y filmó Rear Window (1954), protagonizada por James Stewart y Grace Kelly, así como por Thelma Ritter y Raymond Burr . El personaje de Stewart es un fotógrafo llamado Jeff (basado en Robert Capa ) que debe utilizar temporalmente una silla de ruedas. Por aburrimiento, comienza a observar a sus vecinos al otro lado del patio y luego se convence de que uno de ellos (Raymond Burr) ha asesinado a su esposa. Jeff finalmente logra convencer a su compañero policía ( Wendell Corey ) y a su novia (Kelly). Al igual que con Lifeboat and Rope , los personajes principales están representados en espacios reducidos o reducidos, en este caso el estudio de Stewart. Hitchcock utiliza primeros planos del rostro de Stewart para mostrar las reacciones de su personaje, "desde el voyerismo cómico dirigido a sus vecinos hasta su terror impotente al ver a Kelly y Burr en el apartamento del villano". [166]
De 1955 a 1965, Hitchcock fue el presentador de la serie de televisión Alfred Hitchcock Presents . [167] Con su entrega divertida, humor negro e imagen icónica, la serie convirtió a Hitchcock en una celebridad. La secuencia del título del espectáculo representaba una caricatura minimalista de su perfil (la dibujó él mismo; se compone de sólo nueve trazos), que luego rellenó con su silueta real. [168] El tema musical de la serie fue Marcha fúnebre de una marioneta del compositor francés Charles Gounod (1818–1893). [169]
Sus presentaciones siempre incluían algún tipo de humor irónico, como la descripción de una reciente ejecución de varias personas obstaculizada por tener sólo una silla eléctrica , mientras que dos se muestran con un cartel "¡Dos sillas, sin esperas!". Dirigió 18 episodios de la serie, que se emitió de 1955 a 1965. Se convirtió en The Alfred Hitchcock Hour en 1962, y NBC transmitió el episodio final el 10 de mayo de 1965. En la década de 1980, se produjo una nueva versión de Alfred Hitchcock Presents para televisión. , haciendo uso de las introducciones originales de Hitchcock en forma coloreada . [167]
El éxito de Hitchcock en la televisión generó una serie de colecciones de cuentos en su nombre; estos incluían la Antología de Alfred Hitchcock , Historias que no me dejarían hacer en la televisión y Cuentos que mi madre nunca me contó . [170] En 1956, HSD Publications también autorizó el nombre del director para crear Mystery Magazine de Alfred Hitchcock , un resumen mensual especializado en crimen y ficción detectivesca. [170] Las series de televisión de Hitchcock eran muy rentables y sus versiones de libros en idiomas extranjeros generaban ingresos de hasta 100.000 dólares al año (equivalente a 990.000 dólares en 2022). [171]
En 1955, Hitchcock se convirtió en ciudadano estadounidense. [172] Ese mismo año, se estrenó su tercera película de Grace Kelly, Atrapar a un ladrón ; está ambientada en la Riviera francesa y está protagonizada por Kelly y Cary Grant. Grant interpreta al ladrón retirado John Robie, quien se convierte en el principal sospechoso de una serie de robos en la Riviera. Una heredera estadounidense en busca de emociones interpretada por Kelly intuye su verdadera identidad e intenta seducirlo. "A pesar de la evidente disparidad de edad entre Grant y Kelly y de una trama ligera, el guión ingenioso (cargado de doble sentido) y la actuación afable resultaron ser un éxito comercial." [173] Fue la última película de Hitchcock con Kelly; se casó con el Príncipe Rainiero de Mónaco en 1956 y luego puso fin a su carrera cinematográfica. Luego, Hitchcock rehizo en 1956 su propia película de 1934, El hombre que sabía demasiado . Esta vez, la película fue protagonizada por James Stewart y Doris Day , quienes cantaron el tema " Que Sera, Sera ", que ganó el Premio de la Academia a la Mejor Canción Original y se convirtió en un gran éxito. Interpretan a una pareja cuyo hijo es secuestrado para evitar que interfieran en un asesinato. Como en la película de 1934, el clímax tiene lugar en el Royal Albert Hall . [174]
The Wrong Man (1956), la última película de Hitchcock para Warner Bros., es una producción discreta en blanco y negro basada en un caso real de identidad equivocada reportado en la revista Life en 1953. Esta fue la única película de Hitchcock. protagonizada por Henry Fonda , interpretando a un músico del Stork Club confundido con un ladrón de una licorería, que es arrestado y juzgado por robo mientras su esposa ( Vera Miles ) colapsa emocionalmente bajo la tensión. Hitchcock le dijo a Truffaut que su miedo de toda la vida a la policía lo atrajo hacia el tema y estaba presente en muchas escenas. [175]
Mientras dirigía episodios de Alfred Hitchcock Presents durante el verano de 1957, Hitchcock ingresó en el hospital por hernia y cálculos biliares , y tuvieron que extirparle la vesícula biliar . Después de una cirugía exitosa, inmediatamente volvió a trabajar para prepararse para su próximo proyecto. [176] [156] Vértigo (1958) nuevamente protagonizó James Stewart, con Kim Novak y Barbara Bel Geddes . Quería que Vera Miles fuera el protagonista, pero ella estaba embarazada. Le dijo a Oriana Fallaci : "Le estaba ofreciendo un papel importante, la oportunidad de convertirse en una hermosa rubia sofisticada, una verdadera actriz. Habríamos gastado un montón de dólares en ello, y ella tiene el mal gusto de quedarse embarazada. Odio a las mujeres embarazadas, porque entonces tienen hijos". [177]
En Vertigo , Stewart interpreta a Scottie, un ex investigador policial que sufre de acrofobia y que se obsesiona con una mujer a la que ha sido contratado para seguirla (Novak). La obsesión de Scottie desemboca en la tragedia, y esta vez Hitchcock no optó por un final feliz. Algunos críticos, incluidos Donald Spoto y Roger Ebert , coinciden en que Vertigo es la película más personal y reveladora del director, que trata sobre las obsesiones tipo Pigmalión de un hombre que moldea a una mujer para convertirla en la persona que desea. Vertigo explora con mayor franqueza y profundidad su interés por la relación entre sexo y muerte que cualquier otra obra de su filmografía. [178]
Vertigo contiene una técnica de cámara desarrollada por Irmin Roberts, comúnmente conocida como Dolly Zoom , que ha sido copiada por muchos cineastas. La película se estrenó en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián , y Hitchcock ganó el premio Concha de Plata. [179] Vertigo se considera un clásico, pero atrajo críticas mixtas y malos ingresos de taquilla en ese momento; [180] el crítico de Variety opinó que la película era "demasiado lenta y demasiado larga". [181] Bosley Crowther del New York Times pensó que era "diabólicamente inverosímil", pero elogió las actuaciones del elenco y la dirección de Hitchcock. [182] La imagen fue también la última colaboración entre Stewart y Hitchcock. [183] En las encuestas de Sight & Sound de 2002 , se ubicó justo detrás de Citizen Kane (1941); diez años después, en la misma revista, la crítica la eligió como la mejor película jamás realizada. [7]
Después de Vértigo , el resto de 1958 fue un año difícil para Hitchcock. Durante la preproducción de North by Northwest (1959), que fue un proceso "lento" y "angustioso", a su esposa Alma le diagnosticaron cáncer. [184] Mientras ella estaba en el hospital, Hitchcock se mantuvo ocupado con su trabajo televisivo y la visitaba todos los días. Alma fue operada y se recuperó por completo, pero eso hizo que Hitchcock imaginara, por primera vez, la vida sin ella. [184]
Hitchcock siguió con tres películas más exitosas, que también están reconocidas entre sus mejores: North by Northwest , Psycho (1960) y The Birds (1963). En North by Northwest , Cary Grant interpreta a Roger Thornhill, un ejecutivo de publicidad de Madison Avenue al que confunden con un agente secreto del gobierno. Es perseguido por todo Estados Unidos por agentes enemigos, incluida Eve Kendall ( Eva Marie Saint ). Al principio, Thornhill cree que Kendall lo está ayudando, pero luego se da cuenta de que ella es una agente enemiga; Más tarde se entera de que ella está trabajando encubierta para la CIA . Durante su estreno de dos semanas en el Radio City Music Hall , la película recaudó 404.056 dólares (equivalente a 4,1 millones de dólares en 2022), estableciendo un récord bruto fuera de vacaciones para ese teatro. [185] La revista Time calificó la película como "suavemente elaborada y completamente entretenida". [186]
Psicosis (1960) es posiblemente la película más conocida de Hitchcock. [187] Basada en la novela Psicosis de Robert Bloch de 1959 , que se inspiró en el caso de Ed Gein , [188] la película se produjo con un presupuesto ajustado de 800.000 dólares (equivalente a 7,9 millones de dólares en 2022) y se rodó en negro y -blanco en un set de repuesto con miembros del equipo de Alfred Hitchcock Presents . [189] La violencia sin precedentes de la escena de la ducha, [h] la muerte temprana de la heroína y las vidas inocentes extinguidas por un asesino perturbado se convirtieron en las características distintivas de un nuevo género cinematográfico de terror. [191] La película resultó popular entre el público, con colas que se extendían fuera de los cines mientras los espectadores esperaban la siguiente proyección. Rompió récords de taquilla en el Reino Unido, Francia, Sudamérica, Estados Unidos y Canadá, y fue un éxito moderado en Australia durante un breve período. [192] [ página necesaria ]
Psicosis fue la más rentable de la carrera de Hitchcock y personalmente ganó más de 15 millones de dólares (equivalente a 150 millones de dólares en 2022). Posteriormente cambió sus derechos de Psycho y su antología televisiva por 150.000 acciones de MCA , convirtiéndolo en el tercer mayor accionista y en su propio jefe en Universal, al menos en teoría, aunque eso no detuvo la interferencia de los estudios. [192] [ página necesaria ] [193] Después de la primera película, Psycho se convirtió en una franquicia de terror estadounidense : Psycho II , Psycho III , Bates Motel , Psycho IV: The Beginning y una nueva versión en color de 1998 del original. [194]
El 13 de agosto de 1962, día del 63 cumpleaños de Hitchcock, el director francés François Truffaut inició una entrevista de 50 horas a Hitchcock, filmada durante ocho días en Universal Studios, durante la cual Hitchcock acordó responder 500 preguntas. Fueron necesarios cuatro años para transcribir las cintas y organizar las imágenes; Se publicó como libro en 1967, al que Truffaut apodó el "Hitchbook". Las cintas de audio se utilizaron como base para un documental en 2015. [195] [196] Truffaut buscó la entrevista porque tenía claro que Hitchcock no era simplemente el artista del mercado de masas que los medios estadounidenses presentaban. Era obvio en sus películas, escribió Truffaut, que Hitchcock había "pensado más en el potencial de su arte que cualquiera de sus colegas". Comparó la entrevista con la "consulta del oráculo de Edipo". [197]
El estudioso del cine Peter William Evans escribió que Los pájaros (1963) y Marnie (1964) se consideran "obras maestras indiscutibles". [156] Hitchcock tenía la intención de filmar Marnie primero, y en marzo de 1962 se anunció que Grace Kelly, princesa Grace de Mónaco desde 1956, saldría de su retiro para protagonizarla. [198] Cuando Kelly le pidió a Hitchcock que pospusiera Marnie hasta 1963 o 1964, reclutó a Evan Hunter , autor de The Blackboard Jungle (1954), para desarrollar un guión basado en un cuento de Daphne du Maurier , " The Birds " (1952). que Hitchcock había vuelto a publicar en Mis favoritos en suspenso (1959). Contrató a Tippi Hedren para desempeñar el papel principal. [199] Fue su primer papel; había sido modelo en Nueva York cuando Hitchcock la vio, en octubre de 1961, en un anuncio televisivo de la NBC de Sego , una bebida dietética: [200] "La contraté porque es una belleza clásica. Las películas no los tienen. más. Grace Kelly fue la última." Insistió, sin dar explicaciones, en que su nombre estuviera escrito entre comillas simples: 'Tippi'. [i]
En The Birds , Melanie Daniels, una joven socialité, conoce al abogado Mitch Brenner ( Rod Taylor ) en una tienda de pájaros; Jessica Tandy interpreta a su posesiva madre. Hedren lo visita en Bodega Bay (donde se filmó The Birds ) [201] llevando un par de tortolitos como regalo. De repente, oleadas de pájaros comienzan a reunirse, observar y atacar. La pregunta: "¿Qué quieren los pájaros?" queda sin respuesta. [203] Hitchcock hizo la película con equipo del Revue Studio, que hizo Alfred Hitchcock Presents . Dijo que era su película más desafiante desde el punto de vista técnico, ya que utilizaba una combinación de pájaros entrenados y mecánicos en un contexto de pájaros salvajes. Cada plano fue esbozado de antemano. [201]
Una película para televisión de HBO / BBC , The Girl (2012), describió las experiencias de Hedren en el set; Dijo que Hitchcock se obsesionó con ella y la acosó sexualmente. Según los informes, la aisló del resto de la tripulación, la siguió, le susurró obscenidades, analizó su escritura y construyó una rampa desde su oficina privada directamente a su remolque. [204] [205] Diane Baker , su coprotagonista en Marnie , dijo: "[N]ada podría haber sido más horrible para mí que llegar al set de esa película y ver cómo la trataban como era". [206] Mientras filmaba la escena del ataque en el ático, que tardó una semana en filmarse, la colocaron en una habitación enjaulada mientras dos hombres con guantes protectores hasta los codos le arrojaban pájaros vivos. Hacia el final de la semana, para evitar que los pájaros se alejaran demasiado pronto de ella, unió una pata de cada pájaro con hilo de nailon a bandas elásticas cosidas dentro de su ropa. Se derrumbó después de que un pájaro le cortara el párpado inferior y la filmación se detuvo por orden del médico. [207]
En junio de 1962, Grace Kelly anunció que había decidido no aparecer en Marnie (1964). Hedren había firmado un contrato exclusivo de siete años y 500 dólares a la semana con Hitchcock en octubre de 1961, [208] y decidió contratarla para el papel principal junto a Sean Connery . En 2016, al describir la actuación de Hedren como "una de las mejores en la historia del cine", Richard Brody calificó la película como una "historia de violencia sexual" infligida al personaje interpretado por Hedren: "La película es, para decirlo simplemente, enfermiza". , y es así porque Hitchcock estuvo enfermo. Sufrió toda su vida de un deseo sexual furioso, sufrió la falta de su gratificación, sufrió la incapacidad de transformar la fantasía en realidad, y luego siguió adelante y lo hizo virtualmente, a través de su arte." [209] Una reseña del New York Times de 1964 la calificó como "la película más decepcionante en años" de Hitchcock, citando la falta de experiencia de Hedren y Connery, un guión amateur y "fondos de cartón evidentemente falsos". [210]
En la película, Marnie Edgar (Hedren) roba 10.000 dólares a su empleador y se da a la fuga. Solicita un trabajo en la empresa de Mark Rutland (Connery) en Filadelfia y también roba allí. Anteriormente, se la muestra teniendo un ataque de pánico durante una tormenta y temiendo el color rojo. Mark la localiza y la chantajea para que se case con él. Ella explica que no quiere que la toquen, pero durante la "luna de miel", Mark la viola. Marnie y Mark descubren que la madre de Marnie había sido prostituta cuando Marnie era niña y que, mientras la madre estaba peleando con un cliente durante una tormenta (la madre creía que el cliente había intentado abusar sexualmente de Marnie), Marnie había matado al cliente para salvarlo. su madre. Curada de sus miedos al recordar lo sucedido, decide quedarse con Mark. [209] [211]
Hitchcock le dijo al director de fotografía Robert Burks que la cámara debía colocarse lo más cerca posible de Hedren cuando filmara su rostro. [212] Evan Hunter , el guionista de Los pájaros que también estaba escribiendo Marnie , explicó a Hitchcock que, si Mark amaba a Marnie, la consolaría, no la violaría. Según se informa, Hitchcock respondió: "Evan, cuando se la meta, quiero esa cámara justo en su cara". [213] Cuando Hunter presentó dos versiones del guión, una sin la escena de la violación, Hitchcock lo reemplazó con Jay Presson Allen . [214]
La mala salud redujo la producción de Hitchcock durante las dos últimas décadas de su vida. El biógrafo Stephen Rebello afirmó que Universal le impuso dos películas, Torn Curtain (1966) y Topaz (1969), la última de las cuales está basada en una novela de León Uris , ambientada parcialmente en Cuba. [215] Ambos eran thrillers de espías con temas relacionados con la Guerra Fría . Torn Curtain , con Paul Newman y Julie Andrews , precipitó el amargo final de la colaboración de doce años entre Hitchcock y el compositor Bernard Herrmann . [216] Hitchcock no estaba contento con la partitura de Herrmann y lo reemplazó con John Addison , Jay Livingston y Ray Evans . [217] Tras su lanzamiento, Torn Curtain fue una decepción de taquilla, [218] y Topaz no fue del agrado ni de los críticos ni del estudio. [219]
Hitchcock regresó a Gran Bretaña para realizar su penúltima película, Frenzy (1972), basada en la novela Goodbye Piccadilly, Farewell Leicester Square (1966). Después de dos películas de espionaje, la trama marcó un regreso al género de suspenso y asesinato. Richard Blaney ( Jon Finch ), un camarero volátil con un historial de ira explosiva, se convierte en el principal sospechoso de la investigación sobre los "asesinatos de la corbata", que en realidad son cometidos por su amigo Bob Rusk ( Barry Foster ). Esta vez, Hitchcock convierte a la víctima y al villano en parientes, en lugar de opuestos, como en Extraños en un tren . [220]
En Frenzy , Hitchcock permitió por primera vez la desnudez. Dos escenas muestran mujeres desnudas, una de las cuales está siendo violada y estrangulada; [156] Donald Spoto llamó a este último "uno de los ejemplos más repelentes de un asesinato detallado en la historia del cine". Ambos actores, Barbara Leigh-Hunt y Anna Massey , se negaron a hacer las escenas, por lo que se utilizaron modelos en su lugar. [221] Los biógrafos han señalado que Hitchcock siempre había superado los límites de la censura cinematográfica, logrando a menudo engañar a Joseph Breen , el director del Código de Producción Cinematográfica . Hitchcock añadiría sutiles indicios de irregularidades prohibidas por la censura hasta mediados de los años sesenta. Sin embargo, Patrick McGilligan escribió que Breen y otros a menudo se daban cuenta de que Hitchcock estaba insertando ese material y en realidad se divertían, además de alarmarse, por las "ineludibles inferencias" de Hitchcock. [222]
Family Plot (1976) fue la última película de Hitchcock. Relata las escapadas de "Madam" Blanche Tyler, interpretada por Barbara Harris , una espiritista fraudulenta, y su amante taxista Bruce Dern , ganándose la vida con sus falsos poderes. Si bien Family Plot se basó en lanovela de Victor Canning The Rainbird Pattern (1972), el tono de la novela es más siniestro. El guionista Ernest Lehman escribió originalmente la película, bajo el título provisional Deception , con un tono oscuro, pero Hitchcock la llevó a un tono más claro y cómico, donde tomó el nombre Deceit y, finalmente, Family Plot . [223]
Hacia el final de su vida, Hitchcock estaba trabajando en el guión de un thriller de espías, The Short Night , en colaboración con James Costigan , Ernest Lehman y David Freeman . A pesar del trabajo preliminar, nunca se filmó. La salud de Hitchcock empeoraba y estaba preocupado por su esposa, que había sufrido un derrame cerebral. El guión finalmente se publicó en el libro de Freeman Los últimos días de Alfred Hitchcock (1999). [224]
Habiendo rechazado un CBE en 1962, [225] Hitchcock fue nombrado Caballero Comendador de la Excelentísima Orden del Imperio Británico (KBE) en los Honores de Año Nuevo de 1980 . [10] [226] Estaba demasiado enfermo para viajar a Londres (tenía un marcapasos y le estaban dando inyecciones de cortisona para su artritis), por lo que el 3 de enero de 1980 el cónsul general británico le presentó los documentos en Universal Studios. Cuando un periodista le preguntó después de la ceremonia por qué la Reina había tardado tanto, Hitchcock respondió: "Supongo que fue una cuestión de descuido". Cary Grant, Janet Leigh y otros asistieron a un almuerzo posterior. [227] [228]
Su última aparición pública fue el 16 de marzo de 1980, cuando presentó al ganador del premio del American Film Institute del año siguiente. [227] Murió de insuficiencia renal al mes siguiente, el 29 de abril, en su casa de Bel Air . [128] [229] Donald Spoto , uno de los biógrafos de Hitchcock, escribió que Hitchcock se había negado a ver a un sacerdote, [230] pero según el sacerdote jesuita Mark Henninger, él y otro sacerdote, Tom Sullivan, celebraron misa en la casa del cineasta. y Sullivan escuchó su confesión . [231] A Hitchcock le sobrevivieron su esposa y su hija. Su funeral se celebró en la Iglesia Católica Good Shepherd en Beverly Hills el 30 de abril, tras lo cual su cuerpo fue incinerado. Sus restos fueron esparcidos sobre el Océano Pacífico el 10 de mayo de 1980. [232]
El estilo " hitchcockiano " incluye el uso de la edición y el movimiento de la cámara para imitar la mirada de una persona, convirtiendo así a los espectadores en voyeurs , y encuadrando tomas para maximizar la ansiedad y el miedo. El crítico de cine Robin Wood escribió que el significado de una película de Hitchcock "está ahí en el método, en la progresión de un plano a otro. Una película de Hitchcock es un organismo, con el todo implícito en cada detalle y cada detalle relacionado con el todo. " [233]
La carrera de producción cinematográfica de Hitchcock evolucionó desde películas mudas de pequeña escala hasta películas sonoras de importancia financiera. Hitchcock comentó que estuvo influenciado por los primeros cineastas George Méliès, DW Griffith y Alice Guy-Blaché. [234] Sus películas mudas entre 1925 y 1929 pertenecían a los géneros de crimen y suspenso, pero también incluían melodramas y comedias. Si bien la narración visual era pertinente durante la era del cine mudo, incluso después de la llegada del sonido, Hitchcock todavía dependía de lo visual en el cine; Se refirió a este énfasis en la narración visual como "cine puro". [235] En Gran Bretaña, perfeccionó su arte de modo que cuando se mudó a Hollywood, el director había perfeccionado su estilo y técnicas de cámara. Hitchcock dijo más tarde que su obra británica fue la "sensación del cine", mientras que la fase americana fue cuando sus "ideas fueron fertilizadas". [236] El académico Robin Wood escribe que las dos primeras películas del director, The Pleasure Garden y The Mountain Eagle , fueron influenciadas por el expresionismo alemán . Posteriormente descubrió el cine soviético y las teorías del montaje de Sergei Eisenstein y Vsevolod Pudovkin . [68] The Lodger, de 1926 , se inspiró en la estética alemana y soviética, estilos que solidificaron el resto de su carrera. [237] Aunque el trabajo de Hitchcock en la década de 1920 tuvo cierto éxito, varios críticos británicos criticaron las películas de Hitchcock por ser poco originales y engreídas. [238] Raymond Durgnat opinó que las películas de Hitchcock fueron construidas cuidadosa e inteligentemente, pero pensó que pueden ser superficiales y rara vez presentan una "visión del mundo coherente". [239]
Ganándose el título de "Maestro del suspenso", el director experimentó formas de generar tensión en su trabajo. [238] Dijo: "Mi trabajo de suspenso surge de la creación de pesadillas para la audiencia. Y juego con una audiencia. Los hago jadear, sorprenderlos y escandalizarlos. Cuando tienes una pesadilla, es terriblemente vívida si estás "Soñando que te llevan a la silla eléctrica. Entonces estás muy feliz cuando te despiertas porque estás aliviado". [240] Durante el rodaje de North by Northwest , Hitchcock explicó sus razones para recrear el escenario del Monte Rushmore : "El público responde en proporción a lo realista que lo haces. Una de las razones dramáticas de este tipo de fotografía es conseguir que parezca tan natural que el público se involucra y cree, por el momento, lo que está pasando en la pantalla". [240] En una entrevista de 1963 con la periodista italiana Oriana Fallaci , se le preguntó a Hitchcock cómo, a pesar de parecer un hombre agradable e inocuo, parecía disfrutar haciendo películas de suspenso y crímenes aterradores. El respondió:
Soy Inglés. Los ingleses usan mucha imaginación con sus crímenes. Nada me divierte tanto como imaginar un crimen. Cuando estoy escribiendo una historia y llego a un crimen, pienso felizmente: ¿ahora no sería lindo que muriera así? Y luego, aún más felizmente, pienso: en este momento la gente empezará a gritar. Debe ser porque estuve tres años estudiando con los jesuitas. Antes me aterrorizaban con todo, y ahora me estoy vengando aterrorizando a otras personas. [241]
Las películas de Hitchcock, desde la era muda hasta la sonora, contenían una serie de temas recurrentes por los que es famoso. Sus películas exploraron al público como un voyeur , especialmente en La ventana indiscreta , Marnie y Psicosis . Entendió que los seres humanos disfrutan de las actividades voyeristas e hizo partícipe de ellas al público a través de las acciones del personaje. [242] De sus cincuenta y tres películas, once giraban en torno a historias de identidad equivocada , donde un protagonista inocente es acusado de un delito y es perseguido por la policía. En la mayoría de los casos, es una persona común y corriente la que se encuentra en una situación peligrosa. [243] Hitchcock le dijo a Truffaut: "Eso se debe a que creo que el tema del hombre inocente acusado proporciona a la audiencia una mayor sensación de peligro. Es más fácil para ellos identificarse con él que con un hombre culpable en fuga". [243] Uno de sus temas constantes fue la lucha de una personalidad dividida entre "el orden y el caos"; [244] se conoce como la noción de "doble", que es una comparación o contraste entre dos personajes u objetos: el doble representa un lado oscuro o malvado. [156]
Según Robin Wood, Hitchcock conservaba un sentimiento de ambivalencia hacia la homosexualidad, a pesar de trabajar con actores homosexuales a lo largo de su carrera. [245] Donald Spoto sugiere que la infancia sexualmente represiva de Hitchcock puede haber contribuido a su exploración de la desviación . [245] Durante la década de 1950, el Código de Producción Cinematográfica prohibía las referencias directas a la homosexualidad, pero el director era conocido por sus referencias sutiles, [246] y por traspasar los límites de la censura. Además, Shadow of a Doubt tiene un doble tema de incesto a lo largo de la trama, expresado implícitamente a través de imágenes. [247] La autora Jane Sloan sostiene que Hitchcock se sintió atraído por la expresión sexual tanto convencional como no convencional en su trabajo, [248] y que el tema del matrimonio generalmente se presentaba de una manera "sombría y escéptica". [249] Tampoco fue hasta después de la muerte de su madre en 1942, que Hitchcock retrató figuras maternas como "notorias madres monstruosas". [137] El telón de fondo del espionaje y los asesinatos cometidos por personajes con tendencias psicópatas también fueron temas comunes. [250] En la descripción de Hitchcock de villanos y asesinos, generalmente eran encantadores y amigables, lo que obligaba a los espectadores a identificarse con ellos. [251] La estricta infancia y la educación jesuita del director pueden haber llevado a su desconfianza hacia figuras autoritarias como policías y políticos; un tema que ha explorado. [156] Además, utilizó el " MacGuffin ": el uso de un objeto, persona o evento para mantener la trama avanzando incluso si no era esencial para la historia. [252] Algunos ejemplos incluyen el microfilm de North by Northwest y los 40.000 dólares robados en Psycho .
Hitchcock aparece brevemente en la mayoría de sus propias películas. Por ejemplo, se le ve luchando por subir un contrabajo a un tren ( Extraños en un tren ), sacando perros de una tienda de mascotas ( Los pájaros ), arreglando el reloj de un vecino ( La ventana trasera ), como una sombra ( Trama familiar ). , sentado en una mesa en una fotografía ( Marque M para Asesinato ) y viajando en autobús ( Norte por Noroeste , Atrapar a un ladrón ). [90]
La interpretación que hace Hitchcock de la mujer ha sido objeto de mucho debate académico. Bidisha escribió en The Guardian en 2010: "Está el vampiro, el vagabundo, el soplón, la bruja, el furtivo, el traidor y, lo mejor de todo, la mamá demonio. No te preocupes, todos ellos son castigados en el fin." [253] En un ensayo ampliamente citado de 1975, Laura Mulvey introdujo la idea de la mirada masculina ; La visión del espectador en las películas de Hitchcock, argumentó, es la del protagonista masculino heterosexual. [254] "Los personajes femeninos de sus películas reflejaban las mismas cualidades una y otra vez", escribió Roger Ebert en 1996: "Eran rubias. Eran gélidas y remotas. Estaban aprisionadas en trajes que combinaban sutilmente la moda con el fetichismo. hipnotizó a los hombres, que a menudo tenían discapacidades físicas o psicológicas. Tarde o temprano, todas las mujeres de Hitchcock fueron humilladas ". [255] [j]
Las películas de Hitchcock suelen presentar personajes que luchan en sus relaciones con sus madres, como Norman Bates en Psicosis . En North by Northwest , Roger Thornhill ( Cary Grant ) es un hombre inocente ridiculizado por su madre por insistir en que hombres oscuros y asesinos lo persiguen. En The Birds , el personaje de Rod Taylor, un hombre inocente, encuentra su mundo bajo el ataque de pájaros feroces y lucha por liberarse de una madre aferrada ( Jessica Tandy ). El asesino de Frenzy odia a las mujeres pero idolatra a su madre. El villano Bruno en Extraños en un tren odia a su padre, pero tiene una relación increíblemente estrecha con su madre (interpretada por Marion Lorne ). Sebastian ( Claude Rains ) en Notorious tiene una relación claramente conflictiva con su madre, quien (con razón) sospecha de su nueva novia, Alicia Huberman ( Ingrid Bergman ). [257]
Le dije que mi idea de un buen actor o una buena actriz es alguien que no puede hacer nada muy bien. ... Dije: "Esa es una de las cosas que tienes que aprender a tener... autoridad". De la autoridad viene el control y fuera del control se obtiene el rango... Ya sea que actúes poco o mucho en una escena determinada. Sabes exactamente adónde vas. Y estas eran las primeras cosas que tenía que saber. Después viene la emoción y después el control de la voz. Pero, dentro de sí misma, tuvo que aprender a ser autoridad ante todo porque de la autoridad surge el tiempo.
—Alfred Hitchcock (1967) [258]
Hitchcock se hizo conocido por haber señalado que "los actores deberían ser tratados como ganado". [259] [k] Durante el rodaje de Mr. & Mrs. Smith (1941), Carole Lombard trajo tres vacas al set con las etiquetas con los nombres de Lombard, Robert Montgomery y Gene Raymond , las estrellas de la película, para sorprender. a él. [259] En un episodio de The Dick Cavett Show , transmitido originalmente el 8 de junio de 1972, Dick Cavett declaró como un hecho que Hitchcock alguna vez había llamado ganado a los actores. Hitchcock respondió diciendo que, en algún momento, lo habían acusado de llamar ganado a los actores. "Dije que nunca diría algo tan insensible y grosero sobre los actores. Lo que probablemente dije fue que todos los actores deberían ser tratados como ganado... De una manera agradable, por supuesto". Luego describió, con una sonrisa, el chiste de Carole Lombard. [260]
Hitchcock creía que los actores deberían concentrarse en sus actuaciones y dejar el trabajo del guión y los personajes a los directores y guionistas. Le dijo a Bryan Forbes en 1967: "Recuerdo haber discutido con un actor de método cómo le enseñaron y demás. Él dijo: 'Nos enseñan usando la improvisación. Se nos da una idea y luego se nos deja desarrollarla de cualquier manera. queremos.' Dije: 'Eso no es actuar. Eso es escribir'". [131]
Al recordar sus experiencias en Lifeboat para Charles Chandler, autor de It's Only a Movie: Alfred Hitchcock A Personal Biography, Walter Slezak dijo que Hitchcock "sabía más sobre cómo ayudar a un actor que cualquier director con el que haya trabajado", y Hume Cronyn descartó la La idea de que Hitchcock no se preocupaba por sus actores la calificó de "absolutamente falaz", describiendo extensamente el proceso de ensayo y rodaje de Lifeboat . [261]
Los críticos observaron que, a pesar de su reputación de hombre al que no le gustaban los actores, los actores que trabajaban con él a menudo realizaban actuaciones brillantes. Usó los mismos actores en muchas de sus películas; Cary Grant y James Stewart trabajaron con Hitchcock cuatro veces, [262] e Ingrid Bergman y Grace Kelly tres. James Mason dijo que Hitchcock consideraba a los actores como "accesorios animados". [263] Para Hitchcock, los actores eran parte del escenario de la película. Le dijo a François Truffaut: "El principal requisito para un actor es la capacidad de no hacer nada bien, lo cual no es tan fácil como parece. Debe estar dispuesto a ser utilizado e integrado plenamente en la película por el director y la cámara. ... Debe permitir que la cámara determine el énfasis adecuado y los momentos dramáticos más efectivos". [264]
Hitchcock planificó sus guiones en detalle con sus escritores. En Escribiendo con Hitchcock (2001), Steven DeRosa señaló que Hitchcock los supervisó durante cada borrador y les pidió que contaran la historia visualmente. [265] Hitchcock le dijo a Roger Ebert en 1969:
Una vez terminado el guión, preferiría no hacer la película. Se acabó toda la diversión. Tengo una mente fuertemente visual. Visualizo una imagen hasta los cortes finales. Escribo todo esto con el mayor detalle en el guión y luego no miro el guión mientras estoy filmando. Me lo sé de memoria, del mismo modo que un director de orquesta no necesita mirar la partitura. Es melancólico tomar una foto. Cuando terminas el guión, la película es perfecta. Pero al rodarla se pierde quizás el 40 por ciento de su concepción original. [266]
Las películas de Hitchcock tenían un guión gráfico exhaustivo hasta el más mínimo detalle. Se informó que ni siquiera se molestó en mirar por el visor , ya que no lo necesitaba, aunque en fotografías publicitarias se le mostraba haciéndolo. También usó esto como excusa para no tener que cambiar nunca sus películas desde su visión inicial. Si un estudio le pedía que cambiara una película, afirmaba que ya estaba rodada de una única manera y que no había tomas alternativas a considerar. [267]
Esta visión de Hitchcock como un director que dependía más de la preproducción que de la producción misma ha sido cuestionada por Bill Krohn, corresponsal estadounidense de la revista de cine francesa Cahiers du Cinéma , en su libro Hitchcock at Work . Después de investigar revisiones de guiones, notas a otros miembros del personal de producción escritas por o para Hitchcock y otro material de producción, Krohn observó que el trabajo de Hitchcock a menudo se desviaba de cómo se escribió el guión o cómo se concibió originalmente la película. [268] Señaló que el mito de los guiones gráficos en relación con Hitchcock, a menudo regurgitado por generaciones de comentaristas de sus películas, fue perpetuado en gran medida por el propio Hitchcock o el brazo publicitario de los estudios. Por ejemplo, la célebre secuencia de fumigación de cultivos de Norte por Noroeste no tenía ningún guión gráfico. Después de filmar la escena, el departamento de publicidad le pidió a Hitchcock que hiciera guiones gráficos para promocionar la película, y Hitchcock, a su vez, contrató a un artista para que combinara las escenas en detalle. [269] [ se necesita verificación ]
Incluso cuando se hicieron guiones gráficos, las escenas que se rodaron diferían significativamente de ellos. El análisis de Krohn de la producción de clásicos de Hitchcock como Notorious revela que Hitchcock fue lo suficientemente flexible como para cambiar la concepción de una película durante su producción. Otro ejemplo que señala Krohn es el remake americano de El hombre que sabía demasiado, cuyo calendario de rodaje comenzó sin un guión terminado y además se excedió, algo que, como señala Krohn, no fue algo infrecuente en muchas de las películas de Hitchcock, incluida Strangers . en un Tren y Topacio . Si bien Hitchcock hizo una gran preparación para todas sus películas, era plenamente consciente de que el proceso de realización de la película a menudo se desviaba de los planes mejor trazados y era flexible para adaptarse a los cambios y necesidades de producción, ya que sus películas no eran libre de las molestias normales y las rutinas comunes que se utilizan durante muchas otras producciones cinematográficas. [269] [ se necesita verificación ]
El trabajo de Krohn también arroja luz sobre la práctica de Hitchcock de filmar generalmente en orden cronológico, lo que, según él, hizo que muchas películas superaran el presupuesto y el cronograma y, lo que es más importante, difería del procedimiento operativo estándar de Hollywood en la era del Studio System. Igualmente importante es la tendencia de Hitchcock a rodar tomas alternativas de escenas. Esto se diferenciaba de la cobertura en que las películas no necesariamente se filmaron desde diferentes ángulos para darle al editor opciones para darle forma a la película como quisiera (a menudo bajo los auspicios del productor). [270] [ verificación fallida ] Más bien representaban la tendencia de Hitchcock a darse opciones en la sala de edición, donde brindaba consejos a sus editores después de ver un borrador del trabajo.
Según Krohn, esta y mucha otra información revelada a través de su investigación de los documentos personales de Hitchcock, revisiones de guiones y similares refutan la noción de Hitchcock como un director que siempre tuvo el control de sus películas, cuya visión de sus películas no cambio durante la producción, que según Krohn ha seguido siendo el mito central de larga data de Alfred Hitchcock. Tanto su meticulosidad como su atención al detalle también se reflejaron en cada cartel de sus películas. Hitchcock prefirió trabajar con los mejores talentos de su época: diseñadores de carteles de cine como Bill Gold [271] y Saul Bass , quienes producirían carteles que representaban con precisión sus películas. [269]
Hitchcock fue incluido en el Paseo de la Fama de Hollywood el 8 de febrero de 1960 con dos estrellas: una para televisión y otra para películas. [272] En 1978, John Russell Taylor lo describió como "la persona más universalmente reconocible del mundo" y "un inglés sencillo de clase media que resultó ser un genio artístico". [228] En 2002, MovieMaker lo nombró el director más influyente de todos los tiempos, [273] y una encuesta de críticos del Daily Telegraph de 2007 lo clasificó como el mejor director de Gran Bretaña. [274] David Gritten, crítico de cine del periódico, escribió: "Sin duda, el mejor cineasta surgido de estas islas, Hitchcock hizo más que cualquier director para dar forma al cine moderno, que sería completamente diferente sin él. Su talento era para la narrativa, cruelmente reteniendo información crucial (de sus personajes y de nosotros) y captando las emociones de la audiencia como nadie más". [275] En 1992, la encuesta de críticos de Sight & Sound clasificó a Hitchcock en el puesto número 4 en su lista de los "10 mejores directores" de todos los tiempos. [276] En 2002, Hitchcock ocupó el segundo lugar en la encuesta de los diez mejores críticos [277] y el quinto en la encuesta de los diez mejores directores [278] en la lista de "Los mejores directores de todos los tiempos" compilada por Sight & Sound . Hitchcock fue elegido "el mejor director del siglo XX" en una encuesta realizada por la revista de cine japonesa Kinema Junpo . En 1996, Entertainment Weekly clasificó a Hitchcock en el puesto número 1 de su lista de los "50 mejores directores". [279] [280] Hitchcock ocupó el puesto número 2 en la lista de los "40 mejores directores de todos los tiempos" de Empire en 2005. [ 279 ] En 2007, Total Film clasificó a Hitchcock en el puesto número 1 en su lista de "100 mejores directores". Lista de directores de cine de todos los tiempos". [281]
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Ganó dos Globos de Oro , ocho premios Laurel y cinco premios a la trayectoria , incluido el primer premio BAFTA Academy Fellowship en 1971, [282] y, en 1979, un premio AFI Life Achievement Award . [10] Fue nominado cinco veces al Premio de la Academia al Mejor Director . Rebecca , nominada a once premios Oscar, ganó el Óscar a la mejor película de 1940 ; Ese año también fue nominada otra película de Hitchcock, Foreign Correspondent . [283] En 2021, nueve de sus películas habían sido seleccionadas para su conservación por el Registro Nacional de Cine de EE. UU .: Rebecca (1940; incorporada en 2018), Shadow of a Doubt (1943; incorporada en 1991), Notorious (1946; incorporada en 2006), Strangers on a Train (1951; incorporado en 2021), Rear Window (1954; incorporado en 1997), Vertigo (1958; incorporado en 1989), North by Northwest (1959; incorporado en 1995), Psycho (1960; incorporado en 1992) y The Birds (1963; incorporado en 2016). [8]
En 2012, Hitchcock fue seleccionado por el artista Sir Peter Blake , autor de Sgt. de los Beatles . La portada del álbum de Pepper's Lonely Hearts Club Band , aparecerá en una nueva versión de la portada, junto con otras figuras culturales británicas, y apareció ese año en una serie de BBC Radio 4 , The New Elizabethans , como alguien "cuyas acciones durante el reinado de Isabel II han tenido un impacto significativo en la vida de estas islas y han dado carácter a la época". [284] En junio de 2013, nueve versiones restauradas de las primeras películas mudas de Hitchcock, incluida The Pleasure Garden (1925), se proyectaron en el Harvey Theatre de la Academia de Música de Brooklyn ; Conocido como "Los 9 de Hitchcock", el homenaje itinerante fue organizado por el British Film Institute . [285]
La Colección Alfred Hitchcock se encuentra en el Academy Film Archive en Hollywood, California. Incluye películas caseras, películas de 16 mm filmadas en el set de Blackmail (1929) y Frenzy (1972), y las primeras imágenes en color conocidas de Hitchcock. El Academy Film Archive ha conservado muchas de sus películas caseras. [286] Los documentos de Alfred Hitchcock se encuentran en la biblioteca Margaret Herrick de la Academia . [287] Las colecciones de David O. Selznick y Ernest Lehman ubicadas en el Centro de Investigación de Humanidades Harry Ransom en Austin, Texas, contienen material relacionado con el trabajo de Hitchcock en la producción de The Paradine Case , Rebecca , Spellbound , North by Northwest y Family Plot. . [288]
Películas mudas
películas sonoras
"Descripciones breves y ensayos ampliados de títulos del Registro Nacional de Cine" Archivado el 1 de enero de 2018 en Wayback Machine . Biblioteca del Congreso. Consultado el 21 de diciembre de 2018.
Para la entrevista de Snyder: Snyder, Tom (1973). "Entrevista a Alfred Hitchcock", Mañana , NBC, 00:01:55 Archivado el 3 de enero de 2020 en Wayback Machine .
Carroll era la arquetípica 'rubia de Hitchcock', la primera de un linaje que también incluiría a Grace Kelly, Eva Marie Saint, Kim Novak y Tippi Hedren.
Weiler, AH (7 de agosto de 1959). "Hitchcock realiza una gira de suspenso Cook: North by Northwest abre en el Music Hall". Los New York Times . Archivado desde el original el 29 de septiembre de 2013 . Consultado el 21 de agosto de 2017 .
Bradshaw, Peter (13 de octubre de 2017). "Revisión 78/52: la escena de la ducha psicópata de Hitchcock recibe una autopsia experta". El guardián . Archivado desde el original el 27 de diciembre de 2017 . Consultado el 27 de diciembre de 2017 .
Brody, Richard (2012). "El silencio de Tippi Hedren". El neoyorquino . Archivado desde el original el 5 de enero de 2018 . Consultado el 5 de enero de 2018 .
El cine es forma.
Veo muchas películas buenas que contienen diálogos muy finos.
No desprecio estas películas, pero para mí no son cine puro.
Al intentar convertirlas en cine, algunos directores encuentran ángulos extraños desde los que rodar, pero aun así sólo producen lo que yo llamo "fotografías de personas hablando".
{{cite book}}: |work=ignorado ( ayuda )"Los nuevos isabelinos - Alfred Hitchcock". BBC. Archivado desde el original el 25 de noviembre de 2012 . Consultado el 24 de agosto de 2017 .
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