Extraños en un tren es una película de suspenso psicológico estadounidense de 1951 producida y dirigida por Alfred Hitchcock , y basada en la novela de 1950 Extraños en un tren de Patricia Highsmith . Fue filmada a finales de 1950 y estrenada por Warner Bros. el 30 de junio de 1951, protagonizada por Farley Granger , Ruth Roman y Robert Walker .
La historia trata de dos desconocidos que se encuentran en un tren, uno de los cuales es un psicópata que sugiere "intercambiar" asesinatos para que ninguno de los dos sea atrapado. La película inicialmente recibió críticas mixtas, pero desde entonces ha sido considerada mucho más favorable. En 2021, la película fue seleccionada para su conservación en el Registro Nacional de Películas de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa". [3]
La estrella del tenis amateur Guy Haines quiere divorciarse de su promiscua esposa Miriam para poder casarse con Anne Morton, la hija de un senador estadounidense. En un tren, el psicópata rico y hablador Bruno Antony reconoce a Haines y le revela su idea para un plan de asesinato: dos extraños se encuentran e "intercambian asesinatos". Bruno sugiere que mate a Miriam y Guy que mate al odiado padre de Bruno. Cada uno asesinará a un extraño, sin motivo aparente, por lo que ninguno de los dos será sospechoso. Guy le sigue la corriente a Bruno fingiendo que su idea le parece divertida, pero está tan ansioso por alejarse de Bruno que deja atrás su encendedor grabado.
Guy se encuentra con Miriam, que está embarazada de otra persona, en su lugar de trabajo en Metcalf, su ciudad natal. Miriam le informa a Guy que ya no quiere poner fin a su matrimonio. Ella amenaza con afirmar que él es el padre para frustrar cualquier intento de divorcio. Esa noche, Bruno sigue a Miriam a un parque de diversiones y la estrangula mientras Guy está en el tren a Washington. Cuando Guy llega a casa, Bruno le informa que Miriam está muerta e insiste en que ahora debe cumplir su trato.
Guy va a la casa de los Morton, donde el padre de Anne le informa a Guy que su esposa ha sido asesinada. Barbara, la hermana de Anne, dice que la policía pensará que Guy es el asesino porque tiene un motivo. La policía interroga a Guy, pero no puede confirmar su coartada: un profesor que Guy conoció en el tren estaba tan borracho que no recuerda su encuentro. La policía asigna una escolta para vigilarlo.
Bruno sigue a Guy por Washington, se presenta a Anne y aparece en una fiesta en la casa del senador Morton. Para divertir a otro invitado, Bruno muestra en broma cómo estrangular a una mujer. Su mirada se posa en Bárbara, cuya apariencia se parece a la de Miriam. Esto desencadena un flashback ; Bruno aprieta compulsivamente el cuello de la mujer y otros invitados intervienen para evitar que la estrangule hasta la muerte. Barbara le dice a Anne que Bruno la estaba mirando mientras estrangulaba a la otra mujer, y Anne se da cuenta del parecido de Barbara con Miriam. Despertadas sus sospechas, Anne se enfrenta a Guy, quien le cuenta la verdad sobre el plan de Bruno.
Bruno le envía a Guy un paquete que contiene una pistola, una llave de la casa y un mapa que muestra la ubicación del dormitorio de su padre. Guy se cuela en la habitación del padre de Bruno para advertirle de las intenciones asesinas de su hijo, pero encuentra a Bruno allí esperándolo. Guy intenta persuadir a Bruno para que busque ayuda psiquiátrica, pero Bruno amenaza con castigar a Guy por romper el trato.
Anne visita la casa de Bruno e intenta explicarle a su desconcertada madre que su hijo es un asesino. Bruno le menciona a Anne el encendedor perdido de Guy y afirma que Guy le pidió que lo buscara en el lugar del asesinato. Guy infiere que Bruno tiene la intención de colocarlo en la escena del asesinato e incriminarlo. Después de ganar un partido de tenis, Guy evade la escolta policial y se dirige al parque de atracciones para detener a Bruno.
Cuando Bruno llega al parque de diversiones, un trabajador de la feria lo reconoce de la noche del asesinato; informa a la policía, que cree haber reconocido a Guy. Después de que llega Guy, él y Bruno pelean en el carrusel del parque. Creyendo que Guy está tratando de escapar, un oficial de policía le dispara, pero en lugar de eso mata al operador del carrusel, lo que hace que el carrusel gire fuera de control. Un trabajador de la feria se arrastra debajo de él y aplica los frenos demasiado bruscamente, lo que hace que el carrusel se salga de su soporte, atrapando a Bruno, mortalmente herido, debajo. El trabajador que llamó a la policía les dice que Bruno, no Guy, es a quien recuerda haber visto la noche del asesinato. Cuando Bruno muere, sus dedos se aflojan para revelar el encendedor de Guy en su mano. Al darse cuenta de que Guy no es el asesino, la policía le pide que vaya a la comisaría para atar los cabos sueltos.
Algún tiempo después, otro extraño en un tren intenta entablar conversación con Guy de la misma manera que lo había hecho Bruno. Guy y Anne se alejan fríamente de él.
El cameo de Alfred Hitchcock ocurre a los 11 minutos de iniciada la película. Se le ve cargando un contrabajo mientras sube a un tren.
Hitchcock dijo que el reparto correcto le ahorró "un rollo de tiempo para contar historias", ya que el público sentiría cualidades en los actores que no era necesario explicar. [4] Hitchcock dijo que originalmente quería a William Holden para el papel de Guy Haines, [5] [6] pero Holden se negó. "Holden habría estado completamente equivocado: demasiado robusto, demasiado desanimado por Bruno", escribió el crítico Roger Ebert . [4] "Granger es más suave y más esquivo, más convincente mientras intenta escapar de la red conversacional de Bruno en lugar de rechazarlo rotundamente". [4]
Warner Bros. quería que sus propias estrellas, ya bajo contrato, fueran elegidas siempre que fuera posible. En el casting de Anne Morton, Jack L. Warner consiguió lo que quería cuando asignó a Ruth Roman al proyecto, a pesar de las objeciones de Hitchcock. [7] El director la encontró "erizada" y "falta de atractivo sexual" y dijo que se la habían "impuesto a él". [8] Quizás fueron las circunstancias de su casting forzado, pero Roman se convirtió en el blanco del desprecio de Hitchcock durante toda la producción. [9] Granger describió la actitud de Hitchcock hacia Roman como "desinterés" por la actriz, y dijo que vio a Hitchcock tratar a Edith Evanson de la misma manera en el set de Rope (1948). "Tenía que haber una persona en cada película a la que pudiera acosar", dijo Granger. [9]
Kasey Rogers (acreditada como Laura Elliott) notó que tenía una visión perfecta en el momento en que se hizo la película, pero Hitchcock insistió en que usara los gruesos anteojos del personaje , incluso en tomas largas cuando los lentes de vidrio normales habrían sido indetectables. Rogers estaba efectivamente ciego con las gafas puestas y necesitaba ser guiado por los demás actores. [10]
Hitchcock consiguió los derechos de la novela de Patricia Highsmith por sólo 7.500 dólares, ya que era su primera novela. Como de costumbre, Hitchcock mantuvo su nombre fuera de las negociaciones para mantener bajo el precio de compra. [11] Highsmith se molestó bastante cuando más tarde descubrió quién compró los derechos por una cantidad tan pequeña. [12]
Asegurar los derechos de la novela era el menor de los obstáculos que Hitchcock tendría que superar para llevar la propiedad de la página impresa a la pantalla. Recibió un tratamiento que le agradó en el segundo intento, del escritor Whitfield Cook , quien tejió un subtexto homoerótico en la historia. [13] Con el tratamiento en la mano, Hitchcock buscó un guionista; quería un escritor "de nombre" para dar algo de prestigio al guión, pero fue rechazado por ocho escritores, entre ellos John Steinbeck y Thornton Wilder , todos los cuales pensaron que la historia era demasiado vulgar y se desanimaron por el hecho de que Highsmith era un novato. [14] Las conversaciones con Dashiell Hammett continuaron, [12] pero aquí también las comunicaciones finalmente se rompieron y Hammett nunca aceptó el encargo. [12]
Hitchcock probó entonces con Raymond Chandler , que había obtenido una nominación al Oscar por su primer guión, Double Indemnity , en colaboración con Billy Wilder . [12] [15] Chandler aceptó el trabajo a pesar de su opinión de que era "una pequeña historia tonta". [14] Pero Chandler era un colaborador notoriamente difícil y los dos hombres no podrían haber tenido estilos de reunión más diferentes: Hitchcock disfrutaba de largas reuniones fuera de tema, donde a menudo la película ni siquiera se mencionaba durante horas, mientras que Chandler era estrictamente de negocios y Quería salir y empezar a escribir. Llamó a las reuniones "espantosas charlas que parecen ser una parte inevitable aunque dolorosa del negocio cinematográfico". [12] Chandler también consideró que la trama de la novela original era superior a la versión de Hitchcock y argumentó que debería restaurarse. Se quejó en privado de que Hitchcock estaba demasiado dispuesto a “sacrificar la lógica dramática (en la medida en que exista) en aras de un efecto de cámara”. [16] Las relaciones interpersonales se deterioraron rápidamente hasta que finalmente Chandler se volvió abiertamente combativo; en un momento, al ver a Hitchcock luchando por salir de su limusina, Chandler comentó al alcance del oído: "¡Mira al gordo bastardo que intenta salir de su coche!" [17] Esta sería su última colaboración. Chandler completó un primer borrador, luego escribió un segundo, sin escuchar una sola palabra de Hitchcock; cuando finalmente recibió una comunicación del director a finales de septiembre, fue su despido del proyecto. [17]
A continuación, Hitchcock intentó contratar a Ben Hecht , pero descubrió que no estaba disponible. Hecht sugirió a su asistente, Czenzi Ormonde , que escribiera el guión. [17] Aunque Ormonde no tenía créditos formales en pantalla, tenía dos cosas a su favor: su colección de cuentos recientemente publicada, Laughter From Downstairs , estaba atrayendo buenas críticas por parte de los críticos, y ella era "una belleza rubia con pelo largo y brillante." [18] —siempre es una ventaja para Hitchcock. Con su nuevo escritor, quería empezar desde el principio:
En su primera conferencia, Hitchcock fingió pellizcarse la nariz, luego levantó el borrador de Chandler con el pulgar y el índice y lo arrojó a una papelera. Le dijo al oscuro escritor que el famoso no había escrito ni una sola línea que pretendía usar, y que tendrían que empezar de nuevo desde la página uno, usando el tratamiento de Cook como guía. El director le dijo a Ormonde que se olvidara por completo del libro y luego él mismo le contó la historia de la película, de principio a fin. [18]
Sin embargo, no hubo mucho tiempo: menos de tres semanas hasta que comenzara el rodaje en el Este. Ormonde se reunió con la productora asociada de Hitchcock, Barbara Keon, llamada despectivamente "el factótum de Hitchcock" por Chandler [19] , y Alma Reville , la esposa de Hitchcock. Juntas, las tres mujeres, trabajando bajo la dirección del jefe y hasta altas horas de la noche la mayoría de las noches, [17] terminaron suficiente guión a tiempo para enviar la empresa al Este. El resto estuvo completo a principios de noviembre. [19] Tres adiciones notables que el trío había hecho fueron el tiovivo desbocado, el encendedor y los anteojos gruesos. [20]
Hubo un punto de acuerdo entre Chandler y Hitchcock, aunque llegaría mucho más tarde, cerca del estreno de la película: ambos reconocieron que como prácticamente nada del trabajo de Chandler quedó en el guión final, su nombre debería ser eliminado de los créditos. . [19] Hitchcock prefirió el crédito de escritura de Whitfield Cook y Czenzi Ormonde, pero Warner Bros. quería el prestigio del nombre de Chandler e insistió en que permaneciera. [19]
Incluso mientras la tortuosa etapa de escritura seguía su curso, el entusiasmo del director por el proyecto era ilimitado. "Hitchcock se adelantó a todos: el guión, el reparto, el estudio... partes de la película bailaban como cargas eléctricas en su cerebro". [21] Cuanto más se resolvía la película en su mente, más sabía que su director de fotografía desempeñaría un papel fundamental en la ejecución de las escenas. Encontró exactamente lo que necesitaba en el terreno de Warner en la persona del camarógrafo Robert Burks , quien continuaría trabajando con Hitchcock, filmando todas las películas de Hitchcock hasta Marnie (1964), con la excepción de Psicosis . [22] "Discreto y de modales apacibles", Burks era "un hombre versátil que tomaba riesgos y tenía predilección por las atmósferas de mal humor. Burks fue una elección excepcionalmente adecuada para lo que resultaría ser la película más germánica de Hitchcock en años: las composiciones densas, la iluminación casi surrealista, los efectos ópticos exigentes." [8] Ninguno fue más exigente que el estrangulamiento de Miriam por parte de Bruno, que se refleja en la lente de sus gafas: "Era el tipo de toma con la que Hitchcock había estado jugando durante veinte años, y Robert Burks la capturó magníficamente". [23]
Burks consideró sus catorce años con Hitchcock los mejores de su carrera: "Nunca tienes ningún problema con él mientras conozcas tu trabajo y lo hagas. Hitchcock insiste en la perfección. No tiene paciencia con la mediocridad en el set o en una cena". mesa. No puede haber ningún compromiso en su trabajo, su comida o sus vinos." [22] Robert Burks recibió la única nominación al Premio de la Academia de la película por su fotografía en blanco y negro. [23]
Con el reparto definido, un guión en mano y un director de fotografía en sintonía con la visión de Hitchcock a bordo, la compañía estaba lista para comenzar a filmar. Hitchcock hizo que un equipo filmara imágenes de fondo de las finales de la Copa Davis de 1950 celebradas del 25 al 27 de agosto de 1950 en el West Side Tennis Club en Forest Hills, Nueva York . Mientras estaban allí, el equipo había realizado otras exploraciones de ubicaciones . [24] Los exteriores se rodarían en ambas costas y los interiores en los estudios de sonido de Warner Brothers.
Hitchcock y su elenco y equipo se trasladaron a la costa este el 17 de octubre de 1950. [7] Durante seis días, filmaron en Penn Station en la ciudad de Nueva York, en la estación de ferrocarril de Danbury, Connecticut , que se convirtió en Metcalf, la ciudad natal de Guy, y en lugares alrededor de Washington, DC [7]
A finales de mes, estaban de regreso en California. Hitchcock había escrito especificaciones exigentes para un parque de atracciones, que se construyó en el rancho del director Rowland Lee en Chatsworth, California . [9] Los exteriores del parque de diversiones se rodaron allí y en un Túnel del Amor real en un recinto ferial en Canoga Park, California . [9] Hitchcock ya había realizado los tiros lejanos para el partido de tenis en Forest Hills y agregaría tomas más cercanas con Granger y Jack Cushingham, el entrenador de tenis de Granger fuera de la pantalla y el oponente de tenis de Guy, Fred Reynolds, en la pantalla en un club de tenis en South Gate. , California . [22] El resto del rodaje se llevaría a cabo en los estudios de sonido de Warner, incluidas muchas tomas aparentemente exteriores y en locaciones que en realidad se realizaron en el interior frente a pantallas de retroproyección.
Extraños en un tren marcó una especie de renacimiento para Hitchcock, después de varios años de poco entusiasmo por su producción de finales de la década de 1940, [25] y se dedicó a la microgestión de parte de su producción. El propio Hitchcock diseñó la corbata de langosta de Bruno, que en un primer plano se revela que tenía pinzas de langosta estranguladoras, [26] y "seleccionó personalmente una cáscara de naranja, un envoltorio de chicle, hojas mojadas y un trozo de papel arrugado que se usaron para escombros de alcantarillado" [22] en la escena en la que Bruno, sin darse cuenta, deja caer el encendedor de Guy por el desagüe pluvial.
También mostró un intenso interés en un detalle de la delineación del personaje rara vez considerado: la comida.
"Las preferencias alimentarias caracterizan a las personas...", dijo Hitchcock. "Siempre lo he considerado cuidadosamente para que mis personajes nunca coman fuera de lugar. Bruno ordena con gusto y con interés en lo que va a comer: chuletas de cordero, papas fritas y helado de chocolate. Una muy buena elección. para la comida del tren. Y el helado de chocolate es probablemente lo primero en lo que pensó. Bruno es más bien un niño. También es algo hedonista. Guy, por otro lado, muestra poco interés en comerse el almuerzo, aparentemente se lo ha dado. No lo piensa con antelación, a diferencia de Bruno, y simplemente pide lo que parece ser su opción habitual: una hamburguesa y un café. [27]
Uno de los planos individuales más memorables del canon de Hitchcock («lo estudian las clases de cine», dice Kasey Rogers , que interpretó a Miriam [28] ) es el estrangulamiento de su personaje por parte de Bruno en la Isla Mágica. "[E]n uno de los momentos más inesperados y estéticamente más justificados de la película", [29] el asesinato lento, casi elegante, se muestra como un reflejo en los anteojos de la víctima, que se le han quitado de la cabeza y se le han caído. el terreno. El ángulo inusual era una propuesta más compleja de lo que parece. Primero, Hitchcock realizó las tomas exteriores en Canoga Park, utilizando a ambos actores, luego hizo que Rogers se presentara solo en un estudio de sonido donde había un gran reflector cóncavo colocado en el suelo. La cámara estaba en un lado del reflector, Rogers estaba en el otro, y Hitchcock le indicó a Rogers que le diera la espalda al reflector y "flotara hacia atrás, hasta el suelo... como si estuviera en el limbo". [30] Las primeras seis tomas salieron mal: Rogers cayó al suelo con un ruido sordo a varios pies de distancia [23] —pero en la séptima toma, flotó suavemente todo el camino. La tensa respuesta de Hitchcock: "Corte. Siguiente plano". [30] Hitchcock luego hizo imprimir dos veces los dos elementos "ingeniosa[mente]", [31] produciendo una toma de "originalidad extrañamente atractiva [con] una cruda fusión de lo grotesco y lo bello... La estetización del horror De alguna manera permite al público contemplar más plenamente su realidad". [29]
Hitchcock fue, sobre todo, el maestro de los grandes escenarios visuales , [32] y "[t]al vez la secuencia más memorable de Extraños en un tren es la pelea culminante en un carrusel enloquecido". [22] Mientras Guy y Bruno pelean, la atracción se sale de control hasta que se hace pedazos, arrojando caballos de madera a la multitud de madres que gritan y niños que chillan. "La culminante explosión del carrusel fue una maravilla de miniaturas y proyecciones de fondo, primeros planos de actores y otras inserciones, todo ello perfectamente combinado y mezclado bajo la mirada del editor de cine William H. Ziegler ". [8]
Hitchcock tomó un carrusel de juguete y lo fotografió volado por una pequeña carga de explosivos. Luego amplió esta pieza de película y la proyectó en una gran pantalla, colocando a los actores alrededor y delante de ella de modo que el efecto es el de una multitud de espectadores contra los cuales caballos de yeso y pasajeros son arrojados en un caos mortal. Es uno de los momentos de la obra de Hitchcock que sigue provocando jadeos de todos los espectadores y aplausos de los estudiantes de cine. [33]
La explosión se desencadena por los intentos de un hombre de la feria de detener la atracción después de arrastrarse bajo la cubierta del carrusel giratorio para llegar a los controles en el centro. Aunque Hitchcock admitió haber desacelerado el tiro (acelerando artificialmente la acción), [34] no fue un tiro con truco: el hombre en realidad tuvo que arrastrarse debajo de la atracción giratoria, a sólo unos centímetros de una posible lesión. "Hitchcock me dijo que esta escena fue el momento más aterrador para él personalmente en cualquiera de sus películas", escribe la biógrafa Charlotte Chandler . "El hombre que se arrastraba bajo el carrusel fuera de control no era un actor ni un especialista, sino un operador del carrusel que se ofreció como voluntario para el trabajo. "Si el hombre hubiera levantado la cabeza aunque fuera un poco", dijo Hitchcock, "lo habría hecho". "Pasó de ser una película de suspense a una película de terror". [35]
La escena final de la llamada versión americana de la película tiene a Barbara y Anne Morton esperando a que Guy llame por teléfono. Hitchcock quería que el teléfono en primer plano dominara la toma, enfatizando la importancia de la llamada, pero la profundidad de campo limitada de las lentes cinematográficas contemporáneas hacía difícil enfocar tanto el teléfono como las mujeres. Así que Hitchcock hizo construir un teléfono de gran tamaño y colocarlo en primer plano. [28] Anne toma el teléfono grande, pero en realidad responde a uno normal: "Lo hice en una toma", explicó Hitchcock, "acercándome a Anne para que el teléfono grande saliera del marco cuando ella lo alcanzó. . Luego un agarre puso un teléfono de tamaño normal sobre la mesa, donde ella lo cogió." [28]
La fotografía principal terminó justo antes de Navidad, y Hitchcock y Alma se fueron de vacaciones a Santa Cruz, [26] y luego, a finales de marzo de 1951, a St. Moritz, para una excursión europea del 25 aniversario. [36]
El compositor Dimitri Tiomkin fue la elección de Jack Warner para componer Strangers on a Train . Si bien ya tenía experiencia previa con Hitchcock en La sombra de una duda (1943), y luego compuso la música para dos películas más consecutivas de Hitchcock, el director y compositor "simplemente nunca desarrolló mucho parentesco" [8] y "las películas de Hitchcock no son Lo mejor de Tiomkin". [8]
Sin embargo, la partitura retoma el tema omnipresente de los dobles (a menudo dobles contrastantes ) desde la secuencia del título inicial: "El primer plano (dos pares de zapatos masculinos, ruidosos versus conservadores, moviéndose hacia un tren) lleva un motivo de bajo brusco. frente a riffs tipo Gershwin, un popurrí de dos partes llamado "Strangers" y "Walking" que nunca se vuelve a escuchar". [37] La poderosa música subraya con precisión las imágenes de la secuencia del título (el enorme edificio de granito de la estación Pennsylvania de Nueva York, que reemplaza a la estación Union de Washington) porque fue compuesta para una orquesta inusualmente grande, que incluye saxos alto, tenor y barítono. tres clarinetes, cuatro trompas, tres pianos y un novacordio. [38]
Los temas musicales contrastantes de Tiomkin continuaron a lo largo de la película, delineando dos personajes con diferencias sustanciales: "Para 'Guy's Theme', Tiomkin creó una idea pasiva y vacilante, música hecha a medida para la actuación de Farley Granger". [37] Bruno, quien le dice a Guy en el tren que admira a las personas "que hacen cosas", recibe un tratamiento musical más vigoroso de Tiomkin: "La complejidad armónica define los motivos asociados con Bruno: bajos retumbantes, grupos impactantes y armónicos de cuerdas vidriosos. Estos sonidos inquietantes, escuchados con un efecto magnífico en temas como 'The Meeting', 'Senator's Office' y 'Jefferson Memorial', no se refieren sólo a Bruno, sino a cómo lo perciben aquellos cuyas vidas se cruza en su camino: primero, Guy. , luego todos en el séquito de Guy." [37]
Pero quizás la música más memorable de Strangers es la música de calíope, [8] que se escucha primero en el recinto ferial y nuevamente, más tarde, cuando Bruno estrangula a la señora Cunningham en la velada del senador Morton y experimenta su desafortunado flashback y su posterior desmayo. Fue Hitchcock, no Tiomkin, cuya idea trajo los cuatro evocadores números [8] —" The Band Played On ", " Carolina in the Morning ", " Oh, You Beautiful Doll " y " Baby Face "—a la banda sonora:
En uno de los gestos operísticos más explícitos de Hitchcock, los personajes del fatídico carnaval cantan la partitura, dándole toda su dimensión como parte del drama. En una película convencional, la melodía sonaría de fondo como un ingenioso telón de fondo irónico. Pero Hitchcock lleva la música a otro nivel. Miriam y los dos novios en su extraño ménage à trois dan vida a "The Band Played On" cantándola en el tiovivo, fuerte y vigorosamente... Sonriendo torvamente sobre el caballo detrás de ellos, Bruno luego la canta él mismo. , convirtiéndolo en su lema. La banda continúa tocando mientras Bruno acecha a su víctima y durante el asesinato en sí, sonando a todo volumen desde el frente de la pantalla, luego retrocede en la oscuridad como un espeluznante obbligato cuando la condenada Miriam ingresa al Túnel del Amor. [39]
"The Band Played On" hace su última repetición durante la pelea de Guy y Bruno en el tiovivo, incluso cambiando a un tempo más rápido y un tono más alto cuando la bala del policía golpea al operador de la atracción y envía el carrusel a su frenético hiper-. conducir.
El crítico Jack Sullivan tuvo palabras más amables para la partitura de Tiomkin para Strangers que el biógrafo Spoto : "Se ajusta tan perfecta e inevitablemente al diseño de la imagen que parece un elemento de los guiones gráficos de Hitchcock", escribe. [40] Es una partitura que "en gran medida no es celebrada". [40]
Con un estreno previsto para principios del verano, los agentes de prensa del estudio se pusieron en marcha a principios de 1951. Hitchcock, fotografiado promocionalmente muchas veces a lo largo de los años estrangulando a varias actrices y otras mujeres (algunas con una mano, otras con dos), se encontró frente a un cámara con los dedos alrededor del cuello de un busto de su hija Patricia; [26] la foto llegó a los periódicos de todo el país. [41] También fue fotografiado agregando la letra L a Strangers en el cartel oficial del estudio de la película, [26] cambiando así la palabra a Stranglers .
Un comunicado de prensa de un estudio dio origen a un mito que aún perdura en la actualidad. [42] Hitchcock y Patricia tenían miedo a las alturas, y el padre le ofreció a su hija cien dólares para montar en la noria , solo para ordenar el corte de energía, dejándola a oscuras en la parte superior de la atracción. El comunicado de prensa embelleció la historia, afirmando que él la dejó "colgando en total oscuridad durante una hora", [36] y sólo entonces permitió que bajaran y liberaran a su "hija temblorosa". [36] Aunque ese relato continúa publicándose en libros hasta el día de hoy, "simplemente no era cierto", según Patricia Hitchcock O'Connell. [43] En primer lugar, ella no estaba sola allí arriba: flanqueándola estaban los actores que interpretaban a los dos novios de Miriam, "y tengo una foto de nosotros saludando". [43] "Esto fue algo bueno para los agentes de prensa pagados para provocar emociones y se ha repetido en otros libros para reforzar la idea del sadismo de Hitchcock", [36] pero "estuvimos [sólo] allí dos o tres minutos en "Por fuera... Mi padre nunca fue sádico. La única parte sádica fue que nunca recibí los cien dólares". [43]
Extraños en un tren se estrenó el 5 de marzo de 1951 en el Huntington Park Theatre, con Alma, Jack Warner, Whitfield Cook y Barbara Keon en la fiesta de Hitchcock [26] y ganó un premio del Screen Directors Guild . [44] Se estrenó en Nueva York el 3 de julio, marcando la reapertura del ampliamente remodelado Strand Theatre como Warner Theatre, y en una docena de ciudades de todo el país. [44] Hitchcock hizo apariciones personales en la mayoría de ellos, y a menudo estaba acompañado por su hija.
Algunos comentarios del público que llegaron a la oficina de Jack Warner condenaron la película por su sórdida historia, mientras que muchos otros fueron favorables. [44] De mayor interés para Warner fue la recaudación de taquilla, y los "recibos pronto contaron la historia real: Extraños en un tren fue un éxito, y Hitchcock fue declarado en la cima de su forma como maestro del suspenso oscuro y melodramático". suspenso." [44]
La película incluye una serie de juegos de palabras y metáforas visuales que demuestran un motivo continuo de entrecruzamiento, traición y cruce del doble. Hablando de la estructura de la película, Hitchcock le dijo a Truffaut: "¿No es un diseño fascinante? Uno podría estudiarlo para siempre". [5]
Los dos personajes, Guy y Bruno, pueden considerarse dobles . Al igual que La sombra de una duda , Extraños en un tren es una de las muchas películas de Hitchcock que exploran el tema del doppelgänger . La pareja tiene lo que el escritor Peter Dellolio llama una "simbiosis oscura". [45] Bruno encarna el oscuro deseo de Guy de matar a Miriam, una "encarnación en la vida real de la fantasía de cumplimiento de deseos de Guy". [45]
El tema de los dobles es "el elemento clave en la estructura de la película", [46] y Hitchcock comienza inmediatamente en la secuencia del título señalando esto: hay dos taxis, dos gorras rojas, dos pares de pies, dos juegos de rieles de tren que cruzar dos veces. Una vez en el tren, Bruno pide un par de bebidas dobles. "El único tipo de bebidas dobles que juego", dice con encanto. En el cameo de Hitchcock lleva un contrabajo .
Hay dos padres respetables e influyentes, dos mujeres con anteojos y dos mujeres en una fiesta que se deleitan ideando formas de cometer el crimen perfecto. Hay dos conjuntos de dos detectives en dos ciudades, dos niños pequeños en los dos viajes a la feria, dos ancianos en el carrusel, dos novios que acompañan a la mujer a punto de ser asesinada y dos Hitchcock en la película. [46]
Hitchcock lleva el tema a su montaje, cruzando a Guy y Bruno con palabras y gestos: uno pregunta la hora y el otro, a kilómetros de distancia, mira su reloj; uno dice enojado "¡Podría estrangularla!" y el otro, muy lejano, hace un gesto de asfixia. [46]
Esta duplicación tiene algún precedente en la novela, pero Hitchcock añadió deliberadamente más cosas, "dictadas con profusión rápida e inspirada a Czenzi Ormonde y Barbara Keon durante los últimos días de preparación del guión". [46] Es la base de toda la película porque finalmente sirve para asociar el mundo de la luz, el orden y la vitalidad con el mundo de la oscuridad, el caos, la locura y la muerte". [47]
Guy y Bruno son en cierto modo dobles, pero en muchos más aspectos son opuestos . Los dos pares de pies en la secuencia del título coinciden en movimiento y corte, pero inmediatamente establecen el contraste entre los dos hombres: los primeros zapatos "llamativos, vulgares zapatos brogue marrón y blanco; [el] segundo, sencillo, zapatos para caminar sin adornos." [48] También demuestran el don de Hitchcock para la hábil narración visual: durante la mayor parte de la película, Bruno es el actor, Guy el reactor, y Hitchcock siempre muestra primero los pies de Bruno y luego los de Guy. Y dado que es el pie de Guy el que golpea el de Bruno debajo de la mesa, sabemos que Bruno no ha planeado la reunión. [48]
Roger Ebert escribió que "es esta sensación de dos personajes defectuosos, uno malvado, otro débil, con una tensión sexual tácita, lo que hace que la película sea intrigante y medio plausible, y explica cómo Bruno pudo estar tan cerca de llevar a cabo su plan". [4]
Son esos defectos los que configuran los temas reales de Strangers. A Hitchcock no le bastó con construir simplemente un mundo de dobles –incluso de dobles contrastantes– en una estructura estrictamente polar opuesta; para Hitchcock, los polos del bien y del mal, de la oscuridad y de la luz "no tenían por qué ser mutuamente excluyentes". [4] Difuminar las líneas coloca a Guy y Bruno en un continuo del bien y el mal, y los infinitos tonos de gris intermedios se convirtieron en el lienzo de Hitchcock para contar la historia y pintar a sus personajes.
A primera vista, Guy representa la vida ordenada en la que la gente se apega a las reglas, mientras que Bruno proviene del mundo del caos, [49] donde los expulsan de varias universidades por beber y apostar. Sin embargo, ambos hombres, como muchos de los protagonistas de Hitchcock, se sienten inseguros e inseguros de su identidad. Guy está suspendido entre el tenis y la política, entre su esposa vagabunda y la hija de su senador, y Bruno busca desesperadamente establecer una identidad a través de acciones violentas, extravagantes y extravagantes (zapatos, corbata con estampado de langosta, nombre proclamado al mundo en su alfiler de corbata). " [50]
Bruno le dice a Guy desde el principio que lo admira: "Sin duda, admiro a la gente que hace cosas", dice. "Yo nunca hago nada importante". Sin embargo, mientras Bruno describe sus "teorías" durante el almuerzo, "Guy le responde a Bruno; lo vemos en su rostro, al mismo tiempo divertido y tenso. Para el hombre comprometido con una carrera en política, Bruno representa una tentadora derrocación de toda responsabilidad". [48] Y en este punto la confusión entre el bien y el mal se acelera: Guy no repudia la sugerente declaración de Bruno sobre el asesinato de Miriam ("¿Qué es una vida o dos, Guy? Algunas personas están mejor muertas.") con fuerza o convicción. "Cuando Bruno sugiere abiertamente que le gustaría matar a su esposa, simplemente sonríe y dice 'Es un pensamiento morboso', pero percibimos la tensión que subyace". [48] Aumenta un poco cuando Guy sale del compartimento de Bruno y "olvida" su encendedor. "Deja en Bruno el mantenimiento de su vínculo con Ana, de su posibilidad de ascender a la existencia ordenada a la que aspira... Guy, entonces, en cierto sentido, se confabula con el asesinato de su esposa y con el vínculo enigmático entre él y Bruno se aclara [51] .
Habiendo dado a sus personajes cualidades superpuestas del bien y del mal, Hitchcock los representó en la pantalla de acuerdo con un modelo muy estricto, al que se apegó en un grado notable. Ebert escribió:
Hitchcock era un técnico clásico en términos de control de sus imágenes, y su uso del espacio de la pantalla subrayó la tensión en formas de las que el público no siempre es consciente. Siempre usó la convención de que el lado izquierdo de la pantalla es para personajes malvados y/o más débiles, mientras que el lado derecho es para personajes que son buenos o temporalmente dominantes. [52]
En ninguna parte esto es más evidente que en la escena en la que Guy llega a su apartamento de DC y encuentra a Bruno acechando al otro lado de la calle; Bruno mató a Miriam esa noche en Metcalf y tiene sus gafas para dárselas a Guy casi como un "recibo" de que ha ejecutado su parte del "trato". "A un lado de la calle, hay casas señoriales y respetables; al fondo, a la derecha de la pantalla, se alza la cúpula iluminada del Capitolio de los Estados Unidos, la vida a la que aspira Guy, el mundo de la luz y el orden". [53] Bruno le cuenta a Guy lo que ha hecho y le da las gafas. "Ahora eres un hombre libre", dice, justo cuando llega un coche de policía en busca del marido de cierta víctima de asesinato reciente. Guy camina nerviosamente hacia las sombras con Bruno, literalmente detrás de los barrotes de una valla de hierro; "Me tienes actuando como si fuera un criminal", dice. "La escena ofrece una expresión simbólica hermosa y exacta de la relación de Guy con Bruno y lo que él representa." [53]
Hitchcock continúa la interacción de la luz y la oscuridad a lo largo de la película: el traje de tenis ligero y brillante de Guy, versus "la tristeza gótica de la mansión [de Bruno] en Arlington"; [46] el cruce entre su juego bajo el sol en Forest Hills mientras el brazo de Bruno se extiende hacia la oscuridad y los escombros del desagüe pluvial tratando de pescar el encendedor; [54] incluso una sola imagen donde "Walker es fotografiado en una toma visualmente impresionante como una mancha maligna en la pureza del monumento de mármol blanco de Jefferson, como una mancha en el orden de las cosas". [55]
Aunque sus primeros rumores se produjeron en 1947 con el juicio y la condena de los "Diez de Hollywood", el llamado Terror Rojo estaba cobrando fuerza en 1950, con los arrestos relacionados con el espionaje de Julius y Ethel Rosenberg y el juicio de Alger Hiss . Estos eventos fueron el trasfondo de su trabajo, mientras Hitchcock, Cook, Ormonde y Keon preparaban el guión de Strangers , y el estudioso del cine Robert L. Carringer ha escrito sobre un subtexto político de la película. [13] El escritor de Tratamiento Cook utilizó a Guy para hacer la película "una parábola silenciosamente desafiante de la histeria de la Guerra Fría que azota a Estados Unidos". [13]
Esa histeria apuntaba a los homosexuales junto con los comunistas como enemigos del Estado... El Senado de los Estados Unidos estaba ocupado investigando la sospecha de que los "pervertidos morales" en el gobierno también estaban socavando la seguridad nacional, llegando incluso a encargar un estudio, Empleo de Homosexuales y otros pervertidos sexuales en el gobierno . [21]
Carringer ha argumentado que la película fue moldeada de manera crucial por las investigaciones del Congreso, lo que convirtió a Guy en el sustituto de las víctimas del clima homofóbico . [21] "Según todas las apariencias, Guy es el estereotipo totalmente estadounidense, un atleta, modesto a pesar de su fama, vestido de manera conservadora", escribió Carringer; es "un hombre de identidad sexual indeterminada que se encuentra en circunstancias que lo hacen vulnerable a ser comprometido". [21] Hitchcock, que había dibujado personajes homosexuales de manera tan aguda pero sutil en Rope en 1948, "seleccionó al Cook de tendencia izquierdista... expresamente porque se sentía cómodo con personajes sexualmente ambiguos". [13]
Incluso antes de adquirir los derechos de la novela, la mente de Hitchcock daba vueltas con ideas sobre cómo adaptarla a la pantalla. Redujo el alcance geográfico al corredor noreste , entre Washington, DC y Nueva York; la novela abarcó el suroeste y Florida, entre otros lugares. [21] El equipo de guion añadió el partido de tenis (y el corte transversal con las tribulaciones de Bruno por las alcantarillas en Metcalf), añadió el encendedor, el Túnel del Amor, las gafas de Miriam; de hecho, el parque de diversiones es sólo un breve escenario de la novela. [21]
Los mayores cambios de Hitchcock se produjeron en sus dos personajes principales:
El personaje llamado Bruno Antony en la película se llama Charles Anthony Bruno en el libro. [56] En el libro, Bruno muere en un accidente de navegación [56] muy alejado de un tiovivo.
En la novela, Guy Haines no es un jugador de tenis, sino un arquitecto prometedor, que, efectivamente, lleva adelante el asesinato del padre de Bruno. [56] En la película, "Guy se convirtió en un tipo decente que se niega a cumplir su parte del loco trato..." escribe Patrick McGilligan, "para evitar a los censores". [13] En la novela, Guy es perseguido y atrapado por un detective tenaz. [17]
La escena del tiovivo no está en el libro, pero está tomada del clímax de la novela de Edmund Crispin de 1946, The Moving Toyshop . [57] Todos los elementos principales de la escena (los dos hombres luchando, el asistente que recibió un disparo accidental, el tiovivo fuera de control, el gatear bajo el tiovivo en movimiento para desactivarlo) están presentes en La cuenta de Crispin, [58] aunque no recibió ningún crédito en pantalla por ello.
Tras su estreno en 1951, Extraños en un tren recibió críticas mixtas. Variety lo elogió y escribió: "En cuanto a la interpretación, el elenco se muestra sólido. Granger es excelente como el joven acosado inocentemente involucrado en un asesinato. El papel de Roman como una chica agradable y comprensiva es un cambio para ella, y lo hace calurosamente efectivo. El papel de Walker tiene un color extremo y lo proyecta con destreza". [59]
Por el contrario, Bosley Crowther del New York Times criticó la película: "El señor Hitchcock vuelve a lanzar al aire una loca historia de asesinato y trata de engañarnos haciéndonos creer que se mantendrá firme sin apoyo... Tal vez haya esos en el público, que también quedará aterrorizado por las oscuras y amenazantes advertencias del villano y por los elegantes trucos melodramáticos del señor Hitchcock... Pero, a pesar de todo eso, su premisa básica de miedo desencadenado por la amenaza es tan débil y tan absolutamente poco convincente que la historia simplemente no se sostiene." [60] Leslie Halliwell consideró que Hitchcock estaba "en su mejor momento" y que la película "ofrece un entretenimiento de suspenso superior", pero calificó la historia de "insatisfactoria". [61]
Por el contrario, las críticas modernas han sido abrumadoramente positivas. En Rotten Tomatoes, la película tiene un índice de aprobación del 98% según las reseñas de 52 críticos, con una calificación promedio de 8,80/10. El consenso del sitio web dice: "Una premisa provocativa y una escenografía inventiva iluminan el camino para la obra maestra diabólicamente entretenida de Hitchcock". [62] Roger Ebert ha calificado Extraños en un tren como un "thriller de primer nivel" que considera una de las cinco mejores películas de Hitchcock. [6] Agregó la película en su lista de Grandes películas . [6] En 2012, The Guardian elogió la película escribiendo "El estudio de Hitchcock sobre la culpa que contamina la condición humana es sólo un golpe maestro cinematográfico tras otro". [63]
David Keyes, escribiendo en Cinemaphile en 2002, vio la película como una entrada fundamental en su género: "Aparte de su enfoque muy evidente como una película de palomitas de maíz que agrada al público, la película es uno de los caparazones originales de los thrillers de misterio inspirados en la identidad. en el que el comportamiento humano natural es la fuerza impulsora detrás de lo verdaderamente macabro en lugar de los elementos sobrenaturales. Incluso esfuerzos clásicos como Fargo y A Simple Plan parecen impulsados directamente por este concepto..." [64]
Almar Haflidason se mostró efusivo sobre Extraños en un tren en 2001 en el sitio web de la BBC : "El recurso favorito de Hitchcock para representar a un hombre corriente atrapado en una red de miedo cada vez más estrecha sumerge a Guy en una de las películas más diabólicamente efectivas del director. Las localizaciones corrientes de Washington se vuelven siniestras terrenos de caza que reflejan perfectamente el terror que lentamente consume a Guy, mientras el letalmente suave Bruno lo persigue implacablemente hasta un clímax frenético. Rápido, emocionante y tejido con un estilo perverso, este es uno de los thrillers más eficientes y despiadadamente deliciosos de Hitchcock. [sesenta y cinco]
La opinión de Patricia Highsmith sobre la película varió con el tiempo. Inicialmente la elogió y escribió: "Estoy contenta en general. Especialmente con Bruno, que mantuvo la película unida como lo hizo con el libro". Más adelante en su vida, aunque todavía elogiaba la actuación de Robert Walker como Bruno, criticó la elección de Ruth Roman como Anne, la decisión de Hitchcock de convertir a Guy de arquitecto en jugador de tenis y el hecho de que Guy no asesina al padre de Bruno como lo hace en la película. novedoso. [66] [67]
Según los registros de Warner Bros, la película recaudó 1.788.000 dólares a nivel nacional y 1.144.000 dólares en territorios extranjeros. [1] [68]
El American Film Institute incluyó la película en el puesto 32 de 100 años... 100 emociones de AFI .
Una de las primeras ediciones preliminares de la película, a veces denominada versión "británica", aunque nunca se estrenó en Gran Bretaña ni en ningún otro lugar, incluye algunas escenas que no están en la película tal como se estrenó o que son diferentes de ella. [70] Según la biógrafa Charlotte Chandler (Lyn Erhard), al propio Hitchcock no le gustaba ni la versión "británica" ni la "estadounidense":
Hitchcock le dijo a [Chandler] que la película debería haber terminado con Guy en el parque de diversiones después de haber sido absuelto del asesinato de su esposa. Quería que la última línea de la película fuera Guy describiendo a Bruno como "un tipo muy inteligente". Este final, sin embargo, no fue aceptable para Warner Bros. [28]
En 1997, Warner lanzó la película en DVD como un disco de doble cara, con la versión "británica" en una cara y la versión "Hollywood" en la otra. Entre las dos versiones de la película, la versión "británica" omite de manera más destacada la escena final en el tren. [70] En 2004 se lanzó una edición en DVD de dos discos que contenía ambas versiones de la película, esta vez con la versión "británica" titulada "Versión preliminar" (102:49 de duración) y la versión "Hollywood" titulada "Versión de lanzamiento final". " (100:40 de duración). Posteriormente, la película estuvo disponible en Blu-ray en 2012 con el mismo contenido que la edición en DVD de 2004. [71]
Extraños en un tren fue adaptada para el programa de radio Lux Radio Theatre en dos ocasiones: el 3 de diciembre de 1951, con Ruth Roman , Frank Lovejoy y Ray Milland , y el 12 de abril de 1954, con Virginia Mayo , Dana Andrews y Robert Cummings . [44]
El programa de la tarde de BBC Radio 4 transmitido el 29 de septiembre de 2011 fue Strangers on a Film de Stephen Wyatt , que ofrece un relato imaginado de una serie de encuentros entre Hitchcock ( Clive Swift ) y Raymond Chandler ( Patrick Stewart ), mientras intentan sin éxito Crea el guión de Extraños en un tren .
La película de 1987 Throw Momma from the Train de Danny DeVito se inspiró en Strangers on a Train , que también es vista por el personaje de DeVito en la película. [72] [73]
Una nueva versión de la película para televisión , Once You Meet a Stranger , fue escrita y dirigida por Tommy Lee Wallace y transmitida por CBS el 25 de septiembre de 1996. La película cambia el género de los personajes principales de masculino a femenino, y está protagonizada por Jacqueline Bisset y Theresa. Russell . [74]
Do Revenge, original de Netflix de 2022 , tiene una trama inspirada en Extraños en un tren . En la película, dos compañeros de clase conspiran para acabar con el enemigo del otro como venganza. [75]
En 2021, la película fue seleccionada para su conservación en el Registro Nacional de Películas de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa". [3] En 2022, Time Out clasificó la película en el puesto 75 en su lista de "Las 100 mejores películas de suspenso de todos los tiempos". [76]
