La edición de continuidad es el proceso, en la creación de películas y videos, de combinar tomas más o menos relacionadas, o diferentes componentes cortados de una sola toma, en una secuencia para dirigir la atención del espectador a una consistencia preexistente de la historia en ambos tiempos. y ubicación física. [1] Utilizado a menudo en largometrajes, el montaje en continuidad, o "corte en continuidad", puede contrastarse con enfoques como el montaje , con el que el montador pretende generar, en la mente del espectador, nuevas asociaciones entre las distintas tomas que entonces pueden ser de temas completamente diferentes, o al menos de temas menos relacionados de lo que sería necesario para el enfoque de continuidad. Cuando se analiza en referencia al cine clásico de Hollywood , también se le puede denominar continuidad clásica .
La edición de continuidad se puede dividir en dos categorías: continuidad temporal y continuidad espacial. Dentro de cada categoría, técnicas específicas actuarán en contra de una sensación de continuidad. En otras palabras, las técnicas pueden hacer que un pasaje sea continuo, dando al espectador una narración física concreta a seguir, o discontinuo, provocando desorientación, reflexión o incluso una interpretación o reacción subliminal, como en el estilo de montaje.
Una elipsis es una aparente ruptura en la continuidad del tiempo natural, tal como está implícito en la historia de la película. La forma más sencilla de mantener la continuidad temporal es filmar y utilizar toda la acción involucrada en la supuesta duración de la historia, ya sea pertinente o no. También sería necesario rodar toda la película en una sola toma para evitar tener que editar juntos diferentes planos, provocando la desorientación temporal del espectador. Sin embargo, en una historia que va a ocupar largos períodos de tiempo, el espectador tendría que pasar demasiado tiempo viendo la película. Entonces, aunque en muchos casos la elipsis resultaría necesaria, eliminarla por completo sería lo mejor para preservar la continuidad temporal de cualquier película.
El sonido diegético es el que ha ocurrido dentro de la historia durante la acción que se está viendo. Es sonido que proviene del mundo narrativo de una película (incluido el sonido fuera de campo). El sonido diegético continuo ayuda a suavizar cortes temporalmente cuestionables al superponer las tomas. Aquí la lógica es que si un suceso sonoro dentro de la acción de la escena no tiene interrupciones en el tiempo, entonces sería imposible que la escena y sus imágenes correspondientes fueran algo más que temporalmente continuos.
La técnica de coincidencia en acción puede preservar la continuidad temporal cuando hay un movimiento o cambio físico uniforme y no repetido dentro de un pasaje. Una coincidencia en la acción es cuando alguna acción que ocurre antes del corte temporalmente cuestionable se retoma donde el corte lo dejó por el disparo inmediatamente posterior. Por ejemplo, una toma de alguien lanzando una pelota se puede editar para mostrar dos vistas diferentes, manteniendo al mismo tiempo la continuidad temporal asegurándose de que la segunda toma muestre el brazo del sujeto en la misma etapa de su movimiento en el que se encontraba cuando se cortó. el primer disparo.
La discontinuidad temporal se puede expresar mediante el uso deliberado de elipses. Las técnicas de corte útiles para mostrar la naturaleza de las elipses específicas son la disolución y el desvanecimiento. Otros estilos de edición pueden mostrar una inversión del tiempo o incluso un abandono total del mismo. Estas son las técnicas de flashback y montaje, respectivamente.
Un desvanecimiento es una transformación gradual de una imagen hacia o desde el negro. Una fusión es una transición superpuesta simultánea de una toma a otra que no implica un corte instantáneo ni un cambio de brillo. Ambas formas de transición (desvanecimiento y disolución) crean una medida ambigua de elipsis que puede constituir días, meses, años o incluso siglos diagéticos (narrativos). Mediante el uso de la disolución o el desvanecimiento , se puede aludir a la duración relativa de las elipses donde la disolución mantiene un vínculo visual pero el fundido a negro no. Sin embargo, no se puede argumentar que una constituye elipsis corta y la otra larga, ya que esto niega la ambigüedad funcional creada por tales transiciones. La ambigüedad se elimina mediante el uso de subtítulos e intertítulos como "tres semanas después", si se desea.
El flashback es una reubicación del tiempo dentro de una historia, o más exactamente, una ventana a través de la cual el espectador puede ver lo que sucedió en un momento anterior al considerado (o asumido) como presente de la historia. Un flashback hace evidente su marco temporal a través de la acción de la escena o el uso de arquetipos comunes como el tono sepia, el uso de imágenes estilo película casera, trajes de época o incluso mediante dispositivos obvios como relojes y calendarios o vinculación directa de personajes. Por ejemplo, si después de ver a un hombre adulto en el presente de la historia, se produce un corte a un niño al que se dirige el nombre del hombre, el espectador puede asumir que la escena del niño representa el tiempo anterior al presente de la historia. La escena del joven sería un flashback.
La técnica del montaje no implica ninguna continuidad temporal real. El montaje se logra con una colección de imágenes relacionadas simbólicamente, cortadas juntas de una manera que sugiere relaciones psicológicas en lugar de un continuo temporal.
Tan importante como la continuidad temporal para la continuidad general de una película es la continuidad espacial. Y al igual que la continuidad temporal, se puede lograr de varias maneras: el plano de establecimiento , la regla de los 180 grados , la coincidencia de la línea de los ojos y la coincidencia en acción .
El plano de establecimiento es aquel que proporciona una vista de todo el espacio en el que ocurre la acción. Su teoría es que es difícil que un espectador se desoriente cuando se le presenta todo el espacio de la historia. El tiro de establecimiento se puede utilizar en cualquier momento como tiro de restablecimiento. Esto podría ser necesario cuando una secuencia compleja de cortes haya servido para desorientar al espectador.
Una forma de evitar la desorientación del espectador durante la edición es respetar la regla de los 180 grados . La regla impide que la cámara cruce la línea imaginaria que conecta los sujetos de la toma. Otro método es la coincidencia de la línea de los ojos. Al fotografiar a un sujeto humano, él o ella puede mirar hacia el siguiente sujeto al que se va a cortar, utilizando así su yo como referencia para que el espectador lo utilice mientras localiza al nuevo sujeto dentro del conjunto.
Con el plano de establecimiento, la regla de los 180 grados, la coincidencia de la línea de los ojos y la coincidencia de acción discutida anteriormente, la continuidad espacial es posible. Sin embargo, si se desea transmitir un espacio inconexo o una discontinuidad espacial, además de contradecir intencionadamente las herramientas de continuidad, se pueden aprovechar el corte transversal y el corte de salto .
El corte transversal es una técnica que transmite una innegable discontinuidad espacial. Esto se puede lograr recortando tomas de lugares espacialmente no relacionados. En estos casos, el espectador entenderá claramente que los lugares se supone que están separados y paralelos. Entonces, en ese sentido, el espectador puede no desorientarse particularmente, pero bajo el principio de edición de continuidad espacial, el corte transversal se considera una técnica de discontinuidad espacial.
El jump cut es sin duda un dispositivo de desorientación. El corte de salto es un corte entre dos tomas que son tan similares que se produce un salto notable en la imagen. La regla de los 30 grados se formuló para eliminar los cortes con salto. La regla de los 30 grados exige que ninguna edición una dos tomas cuyos puntos de vista de la cámara estén a menos de 30 grados uno del otro.