Jean-Luc Godard ( Reino Unido : / ˈ ɡ ɒ d ɑːr / GOD -ar , EE. UU .: / ɡ oʊ ˈ d ɑːr / goh- DAR ; francés: [ʒɑ̃ lyk ɡɔdaʁ] ; 3 de diciembre de 1930 - 13 de septiembre de 2022) fue un francés y director de cine, guionista y crítico de cine suizo. Saltó a la fama como pionero del movimiento cinematográfico francés de la Nueva Ola de la década de 1960, [1] junto a cineastas como François Truffaut , Agnès Varda , Éric Rohmer y Jacques Demy . Fue posiblemente el cineasta francés más influyente de la posguerra . [2] Según AllMovie , su trabajo "revolucionó la forma cinematográfica" a través de su experimentación con la narrativa, la continuidad , el sonido y el trabajo de cámara . [2] Sus películas más aclamadas incluyen Breathless (1960), Vivre sa vie (1962), Contempt (1963), Band of Outsiders (1964), Alphaville (1965), Pierrot le Fou (1965), Masculin Féminin (1966), Fin de semana (1967) y Adiós al lenguaje (2014). [3] [4]
Durante el inicio de su carrera como crítico de cine para la influyente revista Cahiers du Cinéma , Godard criticó la "Tradición de Calidad" del cine francés, que restaba importancia a la innovación y la experimentación. [5] [1] En respuesta, él y críticos de ideas afines comenzaron a hacer sus propias películas, [1] desafiando las convenciones del Hollywood tradicional además del cine francés . [6] Godard recibió por primera vez el reconocimiento mundial por su largometraje Breathless de 1960 , que ayudó a establecer el movimiento New Wave. [2] Su trabajo hace uso de frecuentes homenajes y referencias a la historia del cine , y a menudo expresa sus opiniones políticas; era un ávido lector de existencialismo [7] y de filosofía marxista , y en 1969 formó el Grupo Dziga Vertov con otros cineastas radicales para promover obras políticas. [8] Después de la Nueva Ola, su política fue menos radical y sus películas posteriores trataron sobre el conflicto humano y la representación artística "desde una perspectiva humanista más que marxista". [8]
Godard estuvo casado tres veces, con las actrices Anna Karina y Anne Wiazemsky , quienes protagonizaron varias de sus películas, y más tarde con su pareja de toda la vida, Anne-Marie Miéville . [9] Sus colaboraciones con Karina, que incluyeron películas aclamadas por la crítica como Vivre sa vie (1962), Bande à part (1964) y Pierrot le Fou (1965), fueron consideradas "posiblemente el cuerpo de trabajo más influyente en la historia de cine" por la revista Filmmaker . [10] En una encuesta de Sight & Sound de 2002 , Godard ocupó el tercer lugar entre los diez mejores directores de todos los tiempos según la crítica. [11] Se dice que "generó uno de los mayores cuerpos de análisis crítico de cualquier cineasta desde mediados del siglo XX". [12] Su trabajo ha sido fundamental para la teoría narrativa y ha "desafiado tanto las normas del cine narrativo comercial como el vocabulario de la crítica cinematográfica". [13] En 2010, Godard recibió un Premio Honorífico de la Academia . [14]
Jean-Luc Godard nació el 3 de diciembre de 1930 [15] en el 7° distrito de París , [16] hijo de Odile ( de soltera Monod) y Paul Godard, médico suizo. [17] Sus padres ricos procedían de familias protestantes de ascendencia franco-suiza, y su madre era hija de Julien Monod, uno de los fundadores del Banque Paribas . Era bisnieta del teólogo Adolphe Monod . Otros parientes por parte de su madre incluyen al compositor Jacques-Louis Monod , el naturalista Théodore Monod y el pastor Frédéric Monod . [18] [19] Por parte de su padre, es primo hermano del ex Primer Ministro y luego Presidente del Perú Pedro Pablo Kuczynski . [20] Cuatro años después del nacimiento de Jean-Luc, su padre trasladó a la familia a Suiza. Al estallar la Segunda Guerra Mundial , Godard se encontraba en Francia, y regresó con dificultad a Suiza. [21] Pasó la mayor parte de la guerra en Suiza, aunque su familia realizó viajes clandestinos a la finca de su abuelo en el lado francés del lago Lemán . Godard asistió a la escuela en Nyon , Suiza. [22] [23]
No era un cinéfilo frecuente, y atribuyó su introducción al cine a la lectura del ensayo de André Malraux Esbozo de una psicología del cine , y a la lectura de La Revue du cinéma , relanzada en 1946. [24] En 1946, fue a estudiar al Lycée Buffon de París y, a través de conexiones familiares, se mezcló con miembros de su élite cultural. Se alojó en casa del escritor Jean Schlumberger . Tras reprobar su examen de bachillerato en 1948, regresó a Suiza. Estudió en Lausana y vivió con sus padres, cuyo matrimonio se estaba rompiendo. También pasó un tiempo en Ginebra con un grupo que incluía a otro fanático del cine, Roland Tolmatchoff, y al filósofo de extrema derecha Jean Parvulesco. Su hermana mayor, Rachel, lo animó a pintar, lo cual hizo, en un estilo abstracto. Después de pasar un tiempo en un internado en Thonon para prepararse para el nuevo examen, que aprobó, regresó a París en 1949. [25] Se matriculó para obtener un certificado en antropología en la Universidad de París (Sorbona), pero no asistió a clase. . [26]
En París, en el Barrio Latino , poco antes de 1950, los ciné-clubs (sociedades cinematográficas) estaban ganando importancia. Godard comenzó a asistir a estos clubes: la Cinémathèque Française , el Ciné-Club du Quartier Latin (CCQL), el ciné club Work and Culture y otros, que se convirtieron en sus lugares habituales. La Cinémathèque fue fundada por Henri Langlois y Georges Franju en 1936; Trabajo y Cultura era un grupo de educación obrera para el cual André Bazin había organizado proyecciones y debates sobre películas en tiempos de guerra y que se había convertido en un modelo para los cineclubs que surgieron en toda Francia después de la Liberación; El CCQL, fundado alrededor de 1947 o 1948, fue animado y dirigido intelectualmente por Maurice Schérer . [27] En estos clubes conoció a otros entusiastas del cine, entre ellos Jacques Rivette , Claude Chabrol y François Truffaut . [28] Godard formó parte de una generación para la que el cine adquirió una especial importancia. Dijo: "En los años cincuenta el cine era tan importante como el pan, pero ya no lo es. Pensábamos que el cine se afirmaría como un instrumento de conocimiento, un microscopio... un telescopio... En la Cinémathèque I "Descubrí un mundo del que nadie me había hablado. Nos habían hablado de Goethe , pero no de Dreyer ... Veíamos películas mudas en la era del cine sonoro. Soñábamos con el cine. Éramos como cristianos en las catacumbas ". [29] [30]
Su incursión en el cine comenzó en el terreno de la crítica . Junto con Maurice Schérer (escribiendo bajo el futuro famoso seudónimo de Éric Rohmer ) y Jacques Rivette, fundó la revista de cine de corta duración La Gazette du cinéma , que vio la publicación de cinco números en 1950. [31] Cuando Bazin cofundó la influyente revista crítica Cahiers du Cinéma en 1951 (una publicación fundamental sobre el cine y sus principales observadores y participantes), Godard fue el primero de los críticos más jóvenes del grupo CCQL/Cinémathèque en ser publicado. [32] El número de enero de 1952 incluía su reseña de un melodrama estadounidense dirigido por Rudolph Maté , No Sad Songs for Me . [33] Su "Defensa e ilustración del découpage clásico", publicada en septiembre de 1952, en la que ataca un artículo anterior de Bazin y defiende el uso de la técnica de plano-contraplano , es una de sus primeras contribuciones importantes a la crítica cinematográfica. [34] Al elogiar a Otto Preminger y "al mayor artista estadounidense, Howard Hawks ", Godard eleva sus duros melodramas por encima de las películas más "formalistas y abiertamente ingeniosas de Welles , De Sica y Wyler que Bazin respaldó". [35] En este punto las actividades de Godard no incluían la realización de películas. Más bien, vio películas, escribió sobre ellas y ayudó a otros a hacer películas, en particular a Rohmer, con quien trabajó en Présentation ou Charlotte et son Steak . [36]
Tras abandonar París en el otoño de 1952, Godard regresó a Suiza y se fue a vivir con su madre a Lausana. Se hizo amigo del amante de su madre, Jean-Pierre Laubscher, que trabajaba en la presa Grande Dixence . A través de Laubscher consiguió trabajo como obrero de la construcción en la obra de Plaz Fleuri junto a la presa. Vio la posibilidad de realizar un documental sobre la presa; cuando finalizó su contrato inicial, para prolongar su estancia en la presa, pasó al puesto de telefonista. Mientras estaba de servicio, en abril de 1954, llamó a Laubscher y le informó que Odile Monod, la madre de Godard, había muerto en un accidente de scooter. Gracias a unos amigos suizos que le prestaron una cámara de cine de 35 mm , pudo filmar con película de 35 mm. Reescribió el comentario que había escrito Laubscher y le dio a su película un título que rima Opération béton ( Operación Concreto ). La empresa que administraba la presa compró la película y la utilizó con fines publicitarios. [37]
Mientras continuaba trabajando para Cahiers , realizó en Ginebra Une femme coquette (1955), un corto de 10 minutos ; y en enero de 1956 regresó a París. El plan para una película sobre Afinidades electivas de Goethe resultó demasiado ambicioso y fracasó. Truffaut le pidió ayuda para trabajar en una idea que tenía para una película basada en la historia real de un delincuente menor, Michel Portail, que había disparado a un policía en motocicleta y cuya novia lo había entregado a la policía, pero Truffaut no logró interesar a cualquier productor. También se abandonó otro proyecto con Truffaut, una comedia sobre una campesina que llega a París. [38] Trabajó con Rohmer en una serie planificada de cortometrajes centrados en las vidas de dos mujeres jóvenes, Charlotte y Véronique; y en el otoño de 1957, Pierre Braunberger produjo la primera película de la serie, Todos los chicos se llaman Patrick , dirigida por Godard a partir del guión de Rohmer. Una historia de agua (1958) se creó en gran parte a partir de material no utilizado filmado por Truffaut. En 1958, Godard, con un reparto que incluía a Jean-Paul Belmondo y Anne Colette, realizó su último cortometraje antes de ganar prominencia internacional como cineasta, Charlotte et son Jules , un homenaje a Jean Cocteau . La película se rodó en la habitación de hotel de Godard en la rue de Rennes y aparentemente reflejaba algo de la "austeridad romántica" de la vida del propio Godard en esa época. Su amigo suizo Roland Tolmatchoff señaló: "En París tenía un gran cartel de Bogart en la pared y nada más". [39] En diciembre de 1958, Godard informó desde el Festival de Cortometrajes de Tours y elogió el trabajo de Jacques Demy , Jacques Rozier y Agnès Varda , y se hizo amigo de ellos —ya conocía a Alain Resnais , cuya entrada elogió—, pero Godard Ahora quería hacer un largometraje. Viajó al Festival de Cine de Cannes de 1959 y pidió a Truffaut que le dejara utilizar la historia en la que habían colaborado en 1956, sobre el ladrón de coches Michel Portail. Buscó dinero del productor Georges de Beauregard , a quien había conocido anteriormente mientras trabajaba brevemente en el departamento de publicidad de la oficina de París de Twentieth Century Fox , y que también estaba en el Festival. Beauregard podía ofrecer su experiencia, pero estaba endeudado por dos producciones basadas en historias de Pierre Loti ; por tanto, la financiación provino de un distribuidor de películas, René Pignières. [40]
El período más celebrado de Godard como director abarca aproximadamente desde su primer largometraje, Breathless (1960), hasta Week End (1967). Su trabajo durante este período se centró en películas relativamente convencionales que a menudo hacen referencia a diferentes aspectos de la historia del cine. Aunque la obra de Godard durante esta época se considera innovadora por derecho propio, el período contrasta con el que le siguió inmediatamente, durante el cual Godard denunció ideológicamente gran parte de la historia del cine como burguesa y, por tanto, sin mérito. [41]
Breathless ( À bout de souffle , 1960), de Godard , protagonizada por Jean-Paul Belmondo y Jean Seberg , expresó claramente el estilo de la Nueva Ola francesa e incorporó citas de varios elementos de la cultura popular, específicamente del cine negro estadounidense . La película empleó varias técnicas, como el uso innovador de cortes con salto (que tradicionalmente se consideraban amateurs), apartes de personajes y romper la línea de los ojos en la edición de continuidad . [42] [43] Otro aspecto único de Breathless fue la escritura espontánea del guión el día del rodaje, una técnica que los actores encontraron inquietante, lo que contribuye al ambiente espontáneo y documental de la película. [44]
Desde el inicio de su carrera, Godard incluyó en sus películas más referencias cinematográficas que cualquiera de sus colegas de la Nueva Ola. En Breathless , sus citas incluyen un cartel de película que muestra a Humphrey Bogart —de The Harder They Fall , su última película [45] (cuya expresión el actor principal Jean-Paul Belmondo intenta imitar con reverencia); citas visuales de películas de Ingmar Bergman , Samuel Fuller , Fritz Lang y otros; y una dedicatoria en pantalla a Monogram Pictures , [46] un estudio de películas B estadounidense . Las citas y referencias a la literatura incluyen a William Faulkner , Dylan Thomas , Louis Aragon , Rilke , Françoise Sagan y Maurice Sachs . La película también contiene citas en imágenes o en la banda sonora: Mozart , Picasso , JS Bach , Paul Klee y Auguste Renoir . "Este cine en primera persona no invocaba la experiencia del director sino su presencia". [47]
Godard quería contratar a la actriz estadounidense Jean Seberg, que vivía en París con su marido François Moreuil, abogado, para interpretar a la mujer estadounidense. Seberg se había hecho famosa en 1956 cuando Otto Preminger la eligió para interpretar a Juana de Arco en su Santa Juana y luego la eligió para su adaptación de 1958 de Bonjour Tristesse . [48] Su actuación en esta película no había sido considerada en general como un éxito ( el crítico del New York Times la llamó "aficionada fuera de lugar"), pero Truffaut y Godard no estaban de acuerdo. Para el papel de Michel Poiccard, Godard eligió a Belmondo, un actor al que ya había llamado, escribiendo en Arts en 1958, "el Michel Simon y el Jules Berry del mañana". [49] El camarógrafo fue Raoul Coutard , elegido por el productor Beauregard. Godard quería que Breathless se rodara como un documental, con una cámara portátil ligera y un mínimo de iluminación adicional; Coutard tenía experiencia como camarógrafo de documentales mientras trabajaba para el servicio de información del ejército francés en Indochina durante la guerra franco-indochina . Los travellings fueron filmados por Coutard desde una silla de ruedas empujada por Godard. Aunque Godard había preparado un guión tradicional, lo prescindió y escribió los diálogos día a día a medida que avanzaba la producción. [50] La importancia de la película fue reconocida inmediatamente y en enero de 1960 Godard ganó el premio Jean Vigo , concedido "para animar a un autor del futuro". Un crítico mencionó la profecía de Alexandre Astruc sobre la era de la caméra-stylo , la cámara que una nueva generación usaría con la eficacia con la que un escritor usa su pluma: "he aquí, de hecho, la primera obra auténticamente escrita con una cámara" . estilo " . [51]
En 1960, Godard rodó Le petit soldat ( El pequeño soldado ). El elenco incluía a la futura esposa de Godard, Anna Karina . En ese momento Karina prácticamente no tenía experiencia como actriz. Godard utilizó su torpeza como elemento de su actuación. Godard y Karina eran pareja al final del rodaje. Apareció de nuevo, junto con Belmondo, en la primera película en color de Godard, Una mujer es una mujer (1961), su primer proyecto que se estrenó. La película pretendía ser un homenaje al musical estadounidense . Los ajustes que Godard hizo a la versión original de la historia le dieron resonancias autobiográficas, "específicamente en lo que respecta a su relación con Anna Karina". La película reveló "el confinamiento entre las cuatro paredes de la vida doméstica" y "las fallas emocionales y artísticas que amenazaban su relación". [52]
La siguiente película de Godard, Vivre sa vie ( Mi vida para vivir , 1962), fue una de las más populares entre la crítica. Karina interpretó a Nana, una madre descarriada y aspirante a actriz cuyas circunstancias económicas difíciles la llevan a la vida de una prostituta . Es un relato episódico de sus racionalizaciones para demostrar que es libre, a pesar de que está atada al final de la corta correa de su proxeneta . En una escena, dentro de un café, extiende los brazos y anuncia que es libre de subirlos o bajarlos como desee. [53]
La película fue un éxito popular y llevó a Columbia Pictures a ofrecerle un trato por el que se le proporcionarían 100.000 dólares para hacer una película, con total control artístico. [53]
Le petit soldat no se estrenó hasta 1963, la primera de las tres películas que estrenó ese año. Le petit soldat trató sobre la Guerra de Independencia de Argelia . Fue prohibido por el gobierno francés durante los dos años siguientes debido a su carácter político. [54] El 'soldadito' Bruno Forestier fue interpretado por Michel Subor . Forestier era un personaje cercano al propio Godard, un creador de imágenes e intelectual, "más o menos mi portavoz, pero no totalmente", dijo Godard a un entrevistador. [55]
La película comienza el 13 de mayo de 1958, fecha del intento de golpe de estado en Argelia , y termina más tarde ese mismo mes. En la película, Bruno Forestier, un fotoperiodista que tiene vínculos con un grupo paramilitar de derecha que trabaja para el gobierno francés, recibe la orden de asesinar a un profesor acusado de ayudar a la resistencia argelina. Está enamorado de Veronica Dreyer, una joven que ha trabajado con los combatientes argelinos. Es capturado por militantes argelinos y torturado. Su organización la captura y tortura. Al hacer Le petit soldat , Godard dio el paso inusual de escribir diálogos todos los días y pronunciar las líneas de los actores durante el rodaje, una técnica posible gracias a la filmación sin sonido directo y al doblaje de diálogos en posproducción. [56] [57]
Su siguiente película fue Les Carabiniers , basada en una historia de Roberto Rossellini , una de las influencias de Godard. [58] La película sigue a dos campesinos que se unen al ejército de un rey, sólo para descubrir que todo es inútil cuando el rey revela el engaño de los líderes que administran la guerra.
Su última película de 1963 y la de mayor éxito comercial de su carrera fue Le Mépris ( El desprecio ), protagonizada por Michel Piccoli y una de las estrellas femeninas más importantes de Francia, Brigitte Bardot . [59] [60] La película sigue a Paul (Piccoli), un guionista a quien Prokosch ( Jack Palance ), un arrogante productor de cine estadounidense, le encarga reescribir el guión de una adaptación de La Odisea de Homero , que el director austriaco Fritz Lang ha estado filmando. La interpretación de Lang de la historia como " alta cultura " se pierde en Prokosch, cuyo personaje es una firme crítica de la jerarquía del cine comercial. [61]
En 1964, Godard y Karina formaron una productora, Anouchka Films. [62] Dirigió Bande à part ( Banda de forasteros ), otra colaboración entre ambos y descrita por él como " Alicia en el país de las maravillas se encuentra con Franz Kafka ". [63] Sigue a dos jóvenes que buscan ganar dinero en un atraco, quienes se enamoran de Karina y citan varias convenciones de películas de gánsteres . [64] [63] Mientras promocionaba la película, Godard escribió que según DW Griffith , todo lo que uno necesita para hacer una película es "una chica y un arma". [sesenta y cinco]
A Une femme mariée ( Una mujer casada , 1964) le siguió Banda de forasteros . Era una imagen en blanco y negro lenta, deliberada y atenuada, sin una historia real. La película se rodó en cuatro semanas [66] y era "una película explícita y estrictamente modernista". Mostraba el "compromiso de Godard con el pensamiento más avanzado de la época, expresado en la obra de Claude Lévi-Strauss y Roland Barthes " y su fragmentación y abstracción reflejaba también "su pérdida de fe en los estilos familiares de Hollywood ". [67] Godard hizo la película durante la fase de planificación de Pierrot le Fou (1965). [68]
En 1965, Godard dirigió Alphaville , una mezcla futurista de ciencia ficción, cine negro y sátira. [69] Eddie Constantine interpretó a Lemmy Caution , un detective que es enviado a una ciudad controlada por una computadora gigante llamada Alpha 60. Su misión es hacer contacto con el profesor von Braun ( Howard Vernon ), un famoso científico que se ha quedado misteriosamente en silencio. , y se cree que la computadora lo suprime. [70] [71] Su siguiente película fue Pierrot le Fou (1965). Gilles Jacob , autor, crítico y presidente del Festival de Cine de Cannes , lo llamó tanto una "retrospectiva" como una recapitulación. [72] Solicitó la participación de Jean-Paul Belmondo , entonces un actor famoso, para garantizar la financiación necesaria para la costosa película. [73] Godard dijo que la película estaba "conectada con la violencia y la soledad que están tan cerca de la felicidad hoy en día. Es en gran medida una película sobre Francia". [74]
Masculin Féminin (1966), basado en dos historias de Guy de Maupassant , La Femme de Paul y Le Signe , fue un estudio de la juventud francesa contemporánea y su implicación en la política cultural. Un intertítulo se refiere a los personajes como "Los hijos de Marx y Coca-Cola ". Aunque a veces se piensa que el cine de Godard representa un punto de vista totalmente masculino, Phillip John Usher ha demostrado cómo la película, por la forma en que conecta imágenes y acontecimientos dispares, parece desdibujar las líneas de género. [75]
Godard siguió con Made in USA (1966), cuyo material fuente fue The Jugger de Richard Stark . Un clásico thriller policial de la Nueva Ola, inspirado en las películas estadounidenses de cine negro. Anna Karina interpreta al antihéroe que busca a su amante asesinado y la película incluye un cameo de Marianne Faithfull . [76] [77] Un año después llegó Dos o tres cosas que sé sobre ella (1967), en la que Marina Vlady interpreta a una mujer que lleva una doble vida como ama de casa y prostituta, considerada "entre los mayores logros del cine". [78]
La Chinoise (1967) vio a Godard en su momento más franco políticamente hasta el momento. La película se centró en un grupo de estudiantes y abordó las ideas que surgían de los grupos de activistas estudiantiles en la Francia contemporánea. Estrenada justo antes de los acontecimientos de mayo de 1968 , algunos creen que la película presagió las rebeliones estudiantiles que tuvieron lugar. [79] [80]
Ese mismo año, Godard realizó una película más colorida y política, Week End . Sigue a una pareja parisina que se embarca en un viaje de fin de semana por la campiña francesa para recoger una herencia. Lo que sigue es una confrontación con los trágicos defectos de la burguesía consumidora excesiva . La película contiene un travelling de ocho minutos de la pareja atrapada en un atasco incesante cuando salen de la ciudad, citada como una técnica que Godard utilizó para deconstruir las tendencias burguesas. [81] Sorprendentemente, algunas tomas contienen imágenes adicionales de, por así decirlo, antes del comienzo de la toma (mientras los actores se preparan) y después del final de la toma (mientras los actores salen de su personaje). La enigmática y audaz secuencia del título final de Week End , que dice "El fin del cine", marcó apropiadamente el final del período narrativo y cinematográfico en la carrera cinematográfica de Godard. [82] [ página necesaria ]
Godard era conocido por su "voz altamente política" y presentaba regularmente contenido político en sus películas. [83] [84] Uno de sus primeros artículos, Le petit soldat , que trataba de la Guerra de Independencia de Argelia , se destacó por su intento de presentar la complejidad de la disputa; la película fue percibida como equívoca y como una "equivalencia moral" entre las fuerzas francesas y el Frente de Liberación Nacional . [85] En esta línea, Les Carabiniers presenta una guerra ficticia que inicialmente se idealiza en la forma en que sus personajes abordan su servicio, pero se convierte en una rígida metonimia contra la guerra . [86] Además de los conflictos internacionales a los que Godard buscaba una respuesta artística, también estaba muy preocupado por los problemas sociales en Francia. El primer y mejor ejemplo de esto es la potente interpretación de Karina de una prostituta en Vivre sa vie . [41] [87] [88] En el París de los años 60, el medio político no estaba abrumado por un movimiento específico. Sin embargo, hubo un clima de posguerra distinto moldeado por varios conflictos internacionales, como el colonialismo en el norte de África y el sudeste asiático. La disposición marxista de Godard no se volvió muy explícita hasta La Chinoise y Week End , pero es evidente en varias películas, a saber, Pierrot y Une femme mariée . [41] [89]
Godard fue acusado por algunos de albergar opiniones antisemitas : en 2010, en vísperas de la presentación del Oscar honorífico para Godard, un destacado artículo en The New York Times escrito por Michael Cieply llamó la atención sobre la idea, que había estado circulando por todo el país. la prensa en semanas anteriores, que Godard podría ser un antisemita y, por tanto, no merecedor del galardón. Cieply hace referencia al libro de Richard Brody Everything is Cinema: The Working Life of Jean-Luc Godard , y aludió a un artículo anterior, más extenso, publicado por el Jewish Journal, que se sitúa cerca del origen del debate. [90] El artículo también se inspira en el libro de Brody, por ejemplo en la siguiente cita, que Godard hizo en televisión en 1981: " Moisés es mi principal enemigo... Moisés, cuando recibió los mandamientos, vio imágenes y las tradujo. Luego trajo los textos, no mostró lo que había visto. Por eso el pueblo judío está maldito". [91]
Inmediatamente después de la publicación del artículo de Cieply, Brody dejó claro que criticaba el "uso extremadamente selectivo y restringido" de pasajes de su libro, y señaló que el trabajo de Godard abordaba el Holocausto con "la mayor seriedad moral". [92] De hecho, sus documentales presentan imágenes del Holocausto en un contexto que sugiere que considera el nazismo y el Holocausto como el punto más bajo de la historia humana. Las opiniones de Godard se vuelven más complejas respecto al Estado de Israel . En 1970, Godard viajó al Medio Oriente para hacer una película pro-palestina que no completó y cuyo metraje finalmente pasó a formar parte de la película de 1976 Ici et ailleurs . En esta película, Godard parece ver la causa palestina como uno de los muchos movimientos revolucionarios de izquierda en todo el mundo. En otros lugares, Godard se identificó explícitamente como antisionista pero negó las acusaciones de antisemitismo. [93]
Godard produjo varias piezas que abordan directamente la guerra de Vietnam . Además, hay dos escenas en Pierrot le fou que abordan el tema. La primera es una escena que tiene lugar en el viaje inicial en coche entre Ferdinand (Belmondo) y Marianne (Karina). Por la radio del coche, los dos escuchan el mensaje "guarnición masacrada por el Viet Cong que perdió 115 hombres". Marianne responde con una larga reflexión sobre la forma en que la radio deshumaniza a los combatientes norvietnamitas. [94] La guerra está presente a lo largo de la película en menciones, alusiones y representaciones en imágenes de noticieros , y el estilo de la película se vio afectado por la ira política de Godard ante la guerra, alterando su capacidad para inspirarse en estilos cinematográficos anteriores. [95]
Cabe destacar que también participó en Loin du Vietnam (1967). Un proyecto contra la guerra, consta de siete bocetos dirigidos por Godard (que utilizó material de archivo de La Chinoise ), Claude Lelouch , Joris Ivens , William Klein , Chris Marker , Alain Resnais y Agnès Varda . [96] [97]
El compromiso de Godard con el poeta y dramaturgo alemán Bertolt Brecht surge principalmente de su intento de transponer la teoría de Brecht sobre el teatro épico y su perspectiva de alienar al espectador ( Verfremdungseffekt ) a través de una separación radical de los elementos del medio (el teatro en el caso de Brecht, pero en el de Godard). , película). La influencia de Brecht se siente profundamente en gran parte de la obra de Godard, particularmente antes de 1980, cuando Godard utilizó la expresión cinematográfica con fines políticos específicos. [41] [98]
Por ejemplo, la edición elíptica de Breathless , que niega al espectador una narrativa fluida típica del cine convencional, obliga a los espectadores a asumir roles más críticos, conectando las piezas mismas y obteniendo una mayor inversión en el contenido de la obra. [99] En muchas de sus piezas más políticas, específicamente Week-end , Pierrot le Fou y La Chinoise , los personajes se dirigen a la audiencia con pensamientos, sentimientos e instrucciones. [41]
Una lectura marxista es posible en la mayoría, si no en todos, los primeros trabajos de Godard. Sin embargo, la interacción directa de Godard con el marxismo no se hace explícitamente evidente hasta Week End , donde se cita el nombre de Karl Marx junto con figuras como Jesucristo . Un estribillo constante a lo largo del período cinematográfico de Godard es el del consumismo de la burguesía , la mercantilización de la vida y la actividad cotidianas y la alienación del hombre , todos ellos rasgos centrales de la crítica de Marx al capitalismo . [8]
En un ensayo sobre Godard, el filósofo y estudioso de la estética Jacques Rancière afirma: "Cuando en Pierrot le fou , 1965, una película sin un mensaje político claro, Belmondo jugó con la palabra 'escándalo' y la 'libertad' que supuestamente ofrecía el cinturón del escándalo. " Las mujeres, el contexto de una crítica marxista de la mercantilización , de la burla del arte pop hacia el consumismo y de una denuncia feminista de la falsa 'liberación' de las mujeres, fue suficiente para fomentar una lectura dialéctica del chiste y de toda la historia". La forma en que Godard trató la política en su período cinematográfico fue en el contexto de una broma, una obra de arte o una relación, presentada para ser utilizada como herramientas de referencia, romantizando la retórica marxista, en lugar de ser únicamente herramientas de educación. [100]
Une femme mariée también se estructura en torno al concepto marxista de fetichismo de las mercancías . Godard dijo una vez que se trata de "una película en la que los individuos son considerados cosas, en la que persecuciones en taxi se alternan con entrevistas etológicas, en la que el espectáculo de la vida se entremezcla con su análisis". Era muy consciente de la forma en que deseaba retratar al ser humano. Sus esfuerzos son abiertamente característicos de Marx, quien en sus Manuscritos económicos y filosóficos de 1844 ofrece una de sus elaboraciones más matizadas, analizando cómo el trabajador está alienado de su producto, el objeto de su actividad productiva. Georges Sadoul , en su breve reflexión sobre la película, la describe como un "estudio sociológico de la alienación de la mujer moderna". [101]
El período que abarca desde mayo de 1968 hasta la década de 1970 ha recibido varias etiquetas: desde su período "militante" hasta su período "radical", junto con términos tan específicos como " maoísta " y tan vagos como "político". En cualquier caso, durante ese período Godard empleó una retórica revolucionaria constante en sus películas y en sus declaraciones públicas. [102] [41]
Inspirado por el levantamiento de mayo del 68 , Godard, junto con François Truffaut , encabezó protestas que cerraron el Festival de Cine de Cannes de 1968 en solidaridad con los estudiantes y trabajadores. Godard afirmó que no se proyectó ni una sola película en el festival que representara sus causas. "Ninguno, ya sea Milos , yo, Roman o François. No hay ninguno. Estamos atrasados". [103]
En medio de los disturbios de finales de la década de 1960, Godard se apasionó por "hacer películas políticas políticamente". Aunque muchas de sus películas de 1968 a 1972 son largometrajes, son de bajo presupuesto y desafían la noción de lo que puede ser una película. Además de abandonar el cine convencional, Godard también intentó escapar del culto a la personalidad que se había formado a su alrededor. Trabajó de forma anónima en colaboración con otros cineastas, entre los que destaca Jean-Pierre Gorin , con quien formó el colectivo cinematográfico Dziga-Vertov . Durante este período, Godard hizo películas en Inglaterra, Italia, Checoslovaquia, Palestina y Estados Unidos, además de Francia. Él y Gorin realizaron giras con su trabajo, intentando generar debate, principalmente en los campus universitarios. Este período llegó a su clímax con la producción de gran presupuesto Tout Va Bien , protagonizada por Yves Montand y Jane Fonda . Debido a un accidente de motocicleta que incapacitó gravemente a Godard, Gorin terminó dirigiendo el más célebre de sus trabajos juntos casi sin ayuda de nadie. Como pieza complementaria de Tout va bien , la pareja hizo Letter to Jane , un "examen de una imagen fija" de 50 minutos que muestra a Jane Fonda visitando al Viet Cong durante la Guerra de Vietnam . La película es una deconstrucción de la ideología imperialista occidental. Esta fue la última película que Godard y Gorin hicieron juntos. [102]
En 1978, el gobierno de Mozambique le encargó a Godard realizar un cortometraje. Durante este tiempo, su experiencia con la película Kodak lo llevó a criticar la película como "intrínsecamente racista", ya que no reflejaba la variedad, los matices o la complejidad de la piel morena o oscura . Esto se debió a que las tarjetas Kodak Shirley sólo se fabricaban para sujetos caucásicos, un problema que no se solucionó hasta 1995. [104]
En 1972, Godard y su compañera de vida, la cineasta suiza Anne-Marie Miéville, fundaron la empresa de producción y distribución de vídeos alternativos Sonimage, con sede en Grenoble . Bajo Sonimage, Godard produjo Comment ca va , Numéro Deux (1975) y Sauve qui peut (la vie) (1980). [105] En 1976, Godard y Miéville, su futura esposa, colaboraron en una serie de trabajos en vídeo innovadores para la televisión europea, titulados Six fois deux/Sur et sous lacommunication (1976) y France/tour/détour/deux/enfants. (1978). [106] Desde el momento en que Godard regresó al cine convencional en 1980, Anne-Marie Miéville siguió siendo una colaboradora importante. [105]
Después de los acontecimientos de mayo de 1968 , cuando la ciudad de París vivió una agitación total en respuesta al "autoritario De Gaulle ", y el objetivo profesional de Godard fue reconsiderado, comenzó a colaborar con personas de ideas afines en el ámbito cinematográfico. Su colaborador más notable fue Jean-Pierre Gorin , un estudiante maoísta de Louis Althusser , Michel Foucault y Jacques Lacan , quien más tarde se convirtió en profesor de Estudios Cinematográficos en la Universidad de California en San Diego , con una pasión por el cine que atrajo la atención de Godard. . [102]
Entre 1968 y 1973, Godard y Gorin colaboraron para realizar un total de cinco películas con fuertes mensajes maoístas. La película más destacada de la colaboración fue Tout Va Bien (1972). La película fue protagonizada por Jane Fonda , quien era, en ese momento, la esposa del cineasta francés Roger Vadim . Fonda estaba en la cima de su carrera como actriz, había ganado un Premio de la Academia por su actuación en Klute (1971) y había ganado notoriedad como activista de izquierda contra la guerra. El protagonista masculino era el legendario cantante y actor francés Yves Montand , que había aparecido en prestigiosas películas de Georges Clouzot , Alain Résnais, Sacha Guitry , Vincente Minelli , George Cukor y Costa-Gavras . [102]
El pequeño grupo de maoístas que había reunido Godard, entre los que se encontraba Gorin, adoptó el nombre de Grupo Dziga Vertov. Godard tenía un interés específico en Dziga Vertov , un cineasta soviético, conocido por una serie de documentales radicales titulados " Kino Pravda " (literalmente, "película de verdad") y el largometraje de finales de la era muda El hombre de la cámara (1929). ). Vertov también fue contemporáneo de los teóricos del montaje soviéticos , en particular Sergei Eisenstein , y de artistas constructivistas y de vanguardia rusos como Alexander Rodchenko y Vladimir Tatlin . Parte del cambio político de Godard después de mayo de 1968 fue hacia una participación proactiva en la lucha de clases y se inspiró en cineastas asociados con la Revolución Rusa . [107]
Hacia el final de este período de su vida, Godard comenzó a sentirse decepcionado con sus ideales maoístas y fue abandonado por su entonces esposa, Anne Wiazemsky. En este contexto, según el biógrafo Antoine de Baecque, Godard intentó suicidarse en dos ocasiones. [108]
Godard volvió a la ficción algo más tradicional con Sauve qui peut (la vie) (1980), la primera de una serie de películas más convencionales marcadas por corrientes autobiográficas: le siguieron Passion , Lettre à Freddy Buache (ambas de 1982), Prénom Carmen. (1983) y Grandeur et décadence d'un petit commerce de cinéma (1986). Sin embargo, hubo otra oleada de controversia con Je vous salue, Marie (1985), que fue condenada por la Iglesia Católica Romana por supuesta herejía , y también con El rey Lear (1987), una producción posmoderna de la obra de William Shakespeare . También se completó en 1987 un segmento de la película Aria que se basó libremente en la trama de Armide ; está ambientada en un gimnasio y utiliza varias arias de Jean-Baptiste Lully de su famosa Armide . [102]
Sus películas posteriores estuvieron marcadas por una gran belleza formal y frecuentemente una sensación de réquiem: Nouvelle Vague ( New Wave , 1990), la autobiográfica JLG/JLG, autoportrait de décembre ( JLG/JLG: Autorretrato en diciembre de 1995) y For Siempre Mozart (1996). [109] [110] [111] Allemagne année 90 neuf zéro ( Alemania Año 90 Nueve Cero , 1991) que es una cuasi secuela de Alphaville , pero realizada con un tono elegíaco y centrada en la inevitable decadencia de la edad. [112] En 1990 , Godard recibió un premio especial de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine . [113] Entre 1988 y 1998, produjo la serie de varias partes Histoire(s) du cinéma , un proyecto monumental que combinaba todas las innovaciones de su trabajo en vídeo con un compromiso apasionado con las cuestiones de la historia del siglo XX y la historia de película en sí. [41]
En 2001 se estrenó Éloge de l'amour ( Elogio del amor ). La película se destaca por el uso tanto de película como de vídeo (la primera mitad capturada en 35 mm en blanco y negro, la segunda mitad filmada en color en DV ) y posteriormente transferida a película para su edición. [114] La película también se destaca por contener temas de envejecimiento, amor, separación y redescubrimiento, ya que sigue al joven artista Edgar en su contemplación de una nueva obra sobre las cuatro etapas del amor. [115] En Notre musique (2004), Godard centró su atención en la guerra, específicamente en la guerra de Sarajevo , pero prestando atención a todas las guerras, incluida la Guerra Civil estadounidense , la guerra entre los EE. UU. y los nativos americanos , y la guerra israelí. Conflicto palestino . [116] [117] La película está estructurada en tres reinos dantescos : el infierno, el purgatorio y el paraíso . [116] La fascinación de Godard por la paradoja es constante en la película. Comienza con un largo y pesado montaje de imágenes de guerra que ocasionalmente cae en lo cómico; El paraíso se muestra como una playa boscosa y exuberante patrullada por marines estadounidenses . [118] [116]
La película de Godard Film Socialisme (2010) se estrenó en la sección Una Cierta Mirada del Festival de Cine de Cannes 2010 . [119] [120] Se estrenó en cines en Francia en mayo de 2010. Se rumoreaba que Godard estaba considerando dirigir una adaptación cinematográfica de The Lost: A Search for Six of Six Million de Daniel Mendelsohn , un libro premiado sobre el Holocausto. . [121] En 2013, Godard estrenó el corto Les trois désastres ( Los tres desastres ) como parte de la película general 3X3D con los cineastas Peter Greenaway y Edgar Pera . [122] 3X3D se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 2013 . [123] Su película de 2014 Adiós al lenguaje , filmada en 3-D , [124] [125] gira en torno a una pareja que no puede comunicarse entre sí hasta que su perro actúa como intérprete para ellos. La película hace referencia a una amplia gama de influencias, como las pinturas de Nicolas de Staël y los escritos de William Faulkner, así como el trabajo del matemático Laurent Schwartz y el dramaturgo Bertolt Brecht, una de las influencias más importantes de Godard. [44] Fue seleccionada para competir por la Palma de Oro en la sección de competencia principal del Festival de Cine de Cannes de 2014 , donde ganó el Premio del Jurado . [126] El guión no tradicional de Godard para la película fue descrito como un collage de texto e imágenes escritos a mano, y una "obra de arte" en sí misma. [127]
En 2015, J. Hoberman informó que Godard estaba trabajando en una nueva película. [128] Inicialmente titulado Tentative de bleu , [129] en diciembre de 2016, el codirector de Wild Bunch , Vincent Maraval, declaró que Godard había estado filmando Le livre d'image ( El libro de la imagen ) durante casi dos años "en varios países árabes, incluido Túnez". " y que es un examen del mundo árabe moderno. Le livre d'image se mostró por primera vez en noviembre de 2018. [130] [41] El 4 de diciembre de 2019, se inauguró una instalación de arte creada por Godard en la Fondazione Prada de Milán. Titulada Le Studio d'Orphée , la instalación es un espacio de trabajo recreado e incluye equipos de edición, muebles y otros materiales utilizados por Godard en la postproducción . [131]
En 2020, Godard dijo a Les Inrockuptibles que su nueva película sería sobre un manifestante de los chalecos amarillos , e indicó que junto con imágenes de archivo "también habrá un rodaje. No sé si encontraré lo que se llama actores... Me gustaría filmar a las personas que vemos en los canales de noticias, pero sumergiéndolas en una situación en la que el documental y la ficción se unen". [132] En marzo de 2021, dijo que estaba trabajando en dos nuevas películas durante una entrevista virtual en el Festival Internacional de Cine de Kerala . Godard declaró: "Estoy terminando mi vida cinematográfica, sí, mi vida de cineasta, haciendo dos guiones... Después diré: 'Adiós cine ' " .
En julio de 2021, el director de fotografía y colaborador desde hace mucho tiempo Fabrice Aragno dijo que el trabajo en las películas avanzaba lentamente y que Godard estaba más centrado en "los libros, en las ideas de la película y menos en su realización". Godard sugirió hacer una película como La Jetée , de Chris Marker , para "volver a su origen". Gran parte de la película se rodaría en películas de 35 mm, 16 mm y 8 mm, pero el gasto en películas de celuloide y la pandemia de COVID-19 paralizaron la producción. Aragno esperaba filmar imágenes de prueba ese otoño. Agregó que la segunda película fue para el canal Arte en Francia. [134] La primera de las dos películas, un corto de 20 minutos titulado Tráiler de la película que nunca existirá: Phony Wars , se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 2023 , en colaboración con St. Laurent . El segundo, Escenario , quedó inacabado en el momento de la muerte de Godard y será terminado por Aragno y Jean-Paul Battagia. [135]
Aragno dijo que no creía que ninguna de las dos películas fuera la última de Godard y agregó: "Lo digo a menudo: Éloge de l'amour fue el comienzo de su último gesto. Estas cinco, seis o siete películas están conectadas entre sí en En cierto modo, no son sólo puntos. No es sólo una pintura". [135]
Godard estaba casado con dos de sus principales mujeres: Anna Karina (1961-1965) [136] y Anne Wiazemsky (1967-1979). [137] A partir de 1970, colaboró personal y profesionalmente con Anne-Marie Miéville . Godard vivió con Miéville en Rolle , Suiza, desde 1978 en adelante, [138] y su ex esposa Karina lo describió como una "reclusa". [139] Godard se casó con Miéville en la década de 2010, según Patrick Jeanneret, asesor de Godard. [9]
Su relación con Karina en particular produjo algunas de sus películas más aclamadas por la crítica, [140] y su relación fue ampliamente publicitada: The Independent los describió como "una de las parejas más famosas de la década de 1960". [140] La revista Filmmaker calificó sus colaboraciones como "posiblemente el conjunto de trabajos más influyentes en la historia del cine". [10]
Según Karina, su relación era tumultuosa y Godard abusaba de ella. [141] [142] [143] Más adelante en la vida, Karina dijo que ya no se hablaban. [142]
A través de su padre, [144] era primo de Pedro Pablo Kuczynski , expresidente del Perú . [145]
En 2017, Michel Hazanavicius dirigió una película sobre Godard, Redoubtable , basada en las memorias Un año después (en francés: Un an après ; 2015) de Wiazemsky. [137] Se centra en su vida a finales de la década de 1960, cuando él y Wiazemsky hicieron películas juntos. La película se estrenó en el Festival de Cine de Cannes en 2017. [146] Godard dijo que la película era una "idea estúpida, estúpida". [147]
El documental Faces Places de Agnes Varda de 2017 culmina con Varda y el codirector JR llamando a la puerta de entrada de Godard en Rolle para una entrevista. Godard aceptó la reunión pero "los deja plantados". [148] Su sobrino y asistente Paul Grivas dirigió el documental Film Catastrophe de 2018 , que incluía imágenes detrás de escena, filmadas en el crucero Costa Concordia por Grivas durante la realización de Film Socialism , de Godard trabajando con los actores y dirigiendo la película. . [149] Godard participó en el documental de 2022 See You Friday, Robinson . La directora Mitra Farahani inició un intercambio de correos electrónicos entre Godard y el cineasta iraní Ebrahim Golestan , con cartas de texto enviadas por correo electrónico desde Golestan y respuestas de "videos, imágenes y aforismos" de Godard. [150]
A la edad de 91 años, Godard falleció el 13 de septiembre de 2022, en su casa de Rolle. Su muerte se informó como un procedimiento de suicidio asistido , que es legal en Suiza. [151] [152] [153] [154] El asesor legal de Godard dijo que tenía "múltiples patologías incapacitantes", [155] pero un familiar dijo que "no estaba enfermo, simplemente estaba agotado". [156] Miéville estaba a su lado cuando murió. Su cuerpo fue incinerado y no hubo funeral. [157]
Godard ha sido reconocido como uno de los cineastas más influyentes del siglo XX y uno de los líderes de la Nueva Ola francesa. [158]
En 1969, el crítico de cine Roger Ebert escribió sobre la importancia de Godard en el cine:
Godard es un director de primera fila; Ningún otro director de la década de 1960 ha tenido más influencia en el desarrollo del largometraje. Como Joyce en la ficción o Beckett en el teatro, es un pionero cuyo trabajo actual no es aceptable para el público presente. Pero su influencia sobre otros directores está creando y educando gradualmente a una audiencia que, tal vez en la próxima generación, podrá mirar atrás a sus películas y ver que ahí fue donde comenzó su cine. [159]
En 2001, Ebert recordó sus primeros días como crítico y escribió: "Por mucho que hablábamos de Tarantino después de Pulp Fiction , hablamos de Godard en esos días". [160] Tarantino cita a Godard como una influencia; nombró a una productora que fundó A Band Apart , en referencia a la película de Godard de 1964 . [44]
Las obras y las innovaciones de Godard fueron elogiadas por directores notables como Michelangelo Antonioni , [161] Satyajit Ray [162] y Orson Welles . [163] [164] Welles admiraba a Godard como director, pero lo criticó como pensador y le dijo a Peter Bogdanovich : "Él es la influencia definitiva, si no el primer gran artista cinematográfico de esta última década, y sus dotes como director son "Es enorme. Simplemente no puedo tomarlo muy en serio como pensador , y ahí es donde parecemos diferir, porque él sí lo hace". [165] David Thomson llegó a una conclusión similar, escribiendo que "la grandeza de Godard reside en su comprensión de la idea de que las películas están hechas de imágenes en movimiento, de momentos de películas, de imágenes proyectadas frente al público", pero que "Él sólo conoce el cine". : en política y en la vida real es infantil y pretencioso." Aún así, Thomson llama a las primeras películas de Godard "una magnífica explicación crítica del cine estadounidense" y "uno de los cuerpos de trabajo ineludibles" y merecedor de retrospectivas. [166] Thomson incluyó a Pierrot le Fou en su lista Sight & Sound . [167] Al director sueco Ingmar Bergman no le agradaba mucho Godard y afirmó: "Nunca he sacado nada de sus películas. Me han parecido construidas, falsamente intelectuales y completamente muertas. Cinematográficamente poco interesantes e infinitamente aburridas. Ha hecho sus películas para los críticos. Una de las películas, Masculin Féminin (1966), se rodó aquí en Suecia. Era tremendamente aburrida". [168]
Fritz Lang aceptó participar en la película Le Mépris de Godard debido a su admiración por Godard como director. [169] Akira Kurosawa incluyó a Breathless como una de sus 100 películas favoritas. [170] [171] El activista político, crítico y cineasta Tariq Ali incluyó la película de Godard Tout Va Bien como una de sus diez películas favoritas de todos los tiempos en la encuesta de críticos de Sight and Sound de 2012 . [172] El crítico de cine estadounidense Armond White incluyó la película Nouvelle Vague de Godard como una de sus diez películas favoritas en la misma encuesta. [173] Susan Sontag llamó Vivre sa vie "una de las obras de arte más extraordinarias, hermosas y originales que conozco". [174]
Las películas de Godard han influido e inspirado a muchos directores, entre ellos Martin Scorsese , [175] Francis Ford Coppola , [176] George Lucas , [177] David Lynch , [178] David Cronenberg , [179] Peter Bogdanovich , [180] Brian De Palma. , [181] Oliver Stone , [182] [183] William Friedkin , [184] Steven Soderbergh , [185] Andrei Tarkovsky , [186] Andrei Konchalovsky , [186] Alejandro Jodorowsky , [187] Abbas Kiarostami , [44] Atom Egoyan , [188] DA Pennebaker , [189] Claire Denis , [190] Robert Altman , [185] Jim Jarmusch , [185] Takeshi Kitano , [191] Gaspar Noé , [192] John Waters , [193] Mamoru Oshii , [194] Shane Carruth , [195] Stan Brakhage , [196] Ken Loach , [197] Kevin Macdonald , [ 190] Abel Ferrara , [190] Luca Guadagnino , [190] Terence Davies , [190] Paul Schrader , [190 ] Rainer Werner Fassbinder , [198] Wong Kar-wai , [185] Edward Yang , [199] Hou Hsiao-hsien , [200] Wim Wenders , [201] Chantal Akerman , [202] Bela Tarr , [203] Theo Angelopoulos , [204] Raoul Peck , [205] Glauber Rocha , [206] [207] Fernando Solanas , [208] Octavio Getino , [208] Emir Kusturica , [209] Terrence Malick , [210] Paul Thomas Anderson , [211] Wes Anderson , [212] Richard Linklater , [213] Harmony Korine ,[214] Darren Aronofsky , [215] Bernardo Bertolucci , [216] Dušan Makavejev , [217] Marco Bellocchio , [216] y Pier Paolo Pasolini . [216]
Cuatro de las películas de Godard están incluidas en la edición de 2022 de la lista de las 100 mejores películas de la revista Sight and Sound del British Film Institute (BFI) : Breathless (13), Le Mépris (21), Pierrot le Fou (42) e Histoire(s). del cine (48). [218]
El 60º Festival de Cine de Nueva York , que se celebró en 2022, rindió homenaje a Godard, fallecido a principios de ese año. The Onion rindió homenaje a Godard con el titular "Jean-Luc Godard muere al final de su vida en una elección narrativa inusualmente lineal". [219]
Largometrajes
Documental
Cortometraje
Godard tuvo una amistad duradera con Manfred Eicher , fundador y director del sello musical alemán ECM Records . [248] El sello lanzó las bandas sonoras de Nouvelle Vague de Godard (ECM NewSeries 1600–01) e Histoire(s) du cinéma (ECM NewSeries 1706). Esta colaboración se expandió a lo largo de los años, lo que llevó a que Godard concediera permiso a ECM para utilizar imágenes fijas de sus películas para las portadas de sus álbumes, [249] mientras que Eicher se hizo cargo de la dirección musical de películas de Godard como Allemagne 90 neuf zéro , Hélas Pour Moi , JLG y Por siempre Mozart . En sus películas se han utilizado pistas de discos ECM; por ejemplo, la banda sonora de In Praise of Love utiliza ampliamente el álbum Epigraphs de Ketil Bjørnstad y David Darling . Godard también lanzó con el sello una colección de cortometrajes que realizó con Anne-Marie Miéville llamada Four Short Films (ECM 5001). [250]
Entre las portadas de los álbumes de ECM con fotogramas de las películas de Godard se encuentran estas: [251]
Su asesor legal y fiscal, Patrick Jeanneret, confirmó que la causa fue el suicidio asistido y dijo que un informe médico reciente indicaba que Godard tenía lo que denominó "múltiples patologías invalidantes". ... Desde principios de los años 1970, fue compañero y colaborador de la cineasta suiza Anne-Marie Miéville, su única superviviente inmediata. Se casaron hace unos 10 años, dijo Jeanneret.
{{cite web}}: Mantenimiento CS1: URL no apta ( enlace )Orson Welles dijo de Jean-Luc Godard: "Es la influencia definitiva, si no el primer artista cinematográfico de esta última década, y sus dotes como director son enormes. Simplemente no puedo tomarlo muy en serio como pensador, y eso es donde parecemos diferir, porque él sí lo hace."
En ese libro, Welles dice de Godard: "Lo más admirable de él es su maravilloso desprecio por la maquinaria del cine e incluso por las películas mismas -una especie de desprecio anarquista y nihilista por el medio- que, cuando está en su mejor momento y más vigoroso, es muy emocionante."
Fritz Lang aceptó porque admiraba el trabajo de Godard como director y aceptó actuar en la película , pero actuar únicamente y no interferir con el proceso creativo de Godard como cineasta.
La Nouvelle Vague de Godard, rara vez proyectada, aparece en mi memoria como su obra más grandiosa, más grandiosa e importante aún debido al reciente declive de la cinefilia.
{{cite journal}}: Citar diario requiere |journal=( ayuda )De hecho, George Lucas incluso dice en los comentarios que THX 1138 fue influenciado por BREATHLESS de Jean-Luc Godard y otras obras fundamentales de la Nueva Ola francesa que tuvieron un impacto innovador en él y su generación de cineastas estadounidenses.
En cuanto a los cineastas que han inspirado especialmente el oficio de Lynch, el director continúa diciendo: "Cada uno debería encontrar su propia voz. No se trata de copiar", antes de admitir finalmente que "[Jean-Luc] Godard, [Federico] Fellini y [ Ingmar] Bergman fueron mis héroes".
Entrevistador: "Como cineasta autodidacta, ¿cuáles fueron tus influencias cuando empezaste a aprender el medio?" Cronenberg: "Siempre pensé que sería escritor. Fue casi accidental que me convirtiera en cineasta, por curiosidad. Estaba interesado en la tecnología, así que comencé a hacer películas. Mis influencias fueron principalmente literarias, pero al entrar en el cine aprendí Después de ver películas, vi de todo. Particularmente las películas artísticas de los años cincuenta y sesenta, cuando de repente estaban Fellini, Kurosawa, Godard y Truffaut. Estaban muy de moda en ese momento. La gente iba a verlas. No creo La gente iba a verlos ahora. Tuvieron una influencia".
En 1966, inspirado por directores de la Nueva Ola como Jean Luc-Godard que hacían sus propias películas, Bogdanovich decidió convertirse en director y se mudó a Los Ángeles con su primera esposa, Polly Platt.
Brian De Palma, recién salido de su primer largometraje (Greetings), declaró: "Si pudiera ser el Godard estadounidense, sería genial".
Mis héroes eran Buñuel y Godard, y Sin aliento fue una de las primeras películas que recuerdo haberme marcado, por la velocidad y la energía.
Oliver Stone había dicho que Sin aliento (A bout de souffle, 1960), de Jean-Luc Godard, la historia de un ladrón y asesino (Jean-Paul Belmondo) que, acompañado de su novia americana (Jean Seberg), huye del policial, fue la "película que más me influyó como cineasta".
Friedkin: ".... Pero ninguno de nosotros en los años 70 pensó que estábamos atravesando una época dorada; todos habíamos sido influenciados por Godard, Fellini, Truffaut, Kurosawa".
Tuvo un enorme impacto en la futura dirección del cine, influyendo en cineastas tan diversos como Robert Altman, Martin Scorsese, Jim Jarmusch,
Rainer Werner Fassbinder
, Wim Wenders, Steven Soderbergh, Quentin Tarantino y Wong Kar-Wai.
El propio Jodorowsky afirmó que "El Topo es una biblioteca... de todos los libros que amo. También reconoció la influencia de Jean-Luc Godard, Luis Buñuel, Sergio Leone, Erich von Stroheim y Buster Keaton.
John Waters: "Todas esas películas artísticas me influyeron. Además de Bunuel... Bergman, Godard, todos fueron grandes influencias...
La intertextualidad es sin duda uno de los sellos que definen a la Inocencia . Oshii tuvo mucho cuidado en seleccionar citas relevantes e intercalarlas perfectamente con el diálogo, y ha reconocido a Godard como la influencia fundamental detrás de su adopción de este enfoque particular.
Al igual que Godard, Fassbinder hizo alarde de sus influencias a través de homenajes y citas: a Jean-Pierre Melville, Bertolt Brecht y Godard en sus primeras películas policiales, a Bresson y Andrei Tarkovsky en La tercera generación (1979), a muchos directores estadounidenses a lo largo de su carrera.
Muchos directores de cine admitieron la influencia de la Nueva Ola francesa: Hou Hsiao-hsien fue influenciado por Jean-luc Godard (Olivier Assayas 1984: 62), Robert Bresson, Pier Paolo Pasolini y Rainer Werner Fassbinder (Emmanuel Burdeau 2005 [1999]: 74 )...
'Para mí, el descubrimiento del cine estuvo directamente relacionado con sus películas. Yo vivía en París en ese momento. Cuando abrió Made in USA, fui al primer espectáculo (fue alrededor del mediodía) y me senté allí hasta la medianoche. Lo vi seis veces seguidas. –Wim Wenders
Una joven bruselense de quince años, Chantal Akerman, vio por primera vez "Pierrot le fou" (1965) de Jean-Luc Godard y salió decidida a convertirse en cineasta.
Debemos darnos cuenta, sin embargo, de que Angelopoulos es una paradoja inusual en la historia del cine: es claramente "griego", como he demostrado, y, sin embargo, es un cineasta internacional que ha sido influenciado por cineastas de todo el mundo. Ha observado: "Saco técnicas de todo lo que he visto ... Sigo amando ... mucho las películas de Murnau, Mizoguchi, Antonioni. Más recientemente: Stalker de Tarkovsky, Sálvese quien pueda de Godard y, por supuesto, Ordet ....
Peck incluye entre sus influencias a Jean-Luc Godard y Chris Marker (Peck), y la película consiste en un violento enfrentamiento entre distintos órdenes de verdad, como en la obra de Godard, y una suave y acariciante rumiación sobre la imposibilidad de recuperar la historia a partir de sus representaciones. , como en el de Marker.
La influencia de los cineastas franceses de los años sesenta, especialmente Godard, fue abrumadora en el principal exponente de este género, Glauber Rocha.
En otro nivel, Rocha manipula y altera el "cine clásico" tradicional incorporando una serie de influencias cinematográficas diversas en varias secciones de la película. Eisenstein, Godard y Brecht son utilizados y reelaborados en un escenario brasileño.
Solanas y Getino, por ejemplo, mencionan la influencia de cineastas europeos como Jean-Luc Godard y Chris Marker.
Al hablar de Kusturica, los críticos también han hecho referencias al trabajo de Cocteau, René Clair y Godard (cuyo À bout de souffle [Sin aliento] de 1959) Kusturica también ha citado como una influencia clave)...
Malick también es un gran admirador de Jean-Luc Godard y a menudo hacía referencia a películas de Godard como Breathless, Pierrot le Fou y Vivre Sa Vie, por su narrativa elíptica y estilos de edición.
La influencia de Godard es difícil de subestimar, con directores desde Martin Scorsese, Quentin Tarantino y Paul Thomas Anderson hasta Robert Altman, el creador de "M*A*S*H" y "The Player", a menudo hablan de su deuda con él.
Tiene una especial admiración por los directores franceses Jean Renoir, Louis Malle, Jean-Luc Godard y, en particular, François Truffaut. Su admiración por todos estos directores y sus películas influye en su realización cinematográfica en términos de estilo, tema, carácter y tema.
Harmony Korine, autora de Kids (1995), y directora de Gummo (1997) y Julien Donkey-Boy (1999), cita a Fassbinder, Godard y, especialmente, Alan Clarke como influencias...
El director de Black Swan", Darren Aronofsky, tuiteó: "Aprendí mucho de mi copia en VHS de Breathless... gracias maestro.
{{cite web}}: Mantenimiento CS1: bot: estado de la URL original desconocido ( enlace ). São Paulo: witz, 2005. ISBN 85-98100-05-6 . 
