La edición de continuidad es el proceso, en la creación de películas y videos, de combinar tomas más o menos relacionadas, o diferentes componentes cortados de una sola toma, en una secuencia para dirigir la atención del espectador a una coherencia preexistente de la historia a lo largo del tiempo y la ubicación física. [1] A menudo utilizada en largometrajes, la edición de continuidad, o "corte a la continuidad", puede contrastarse con enfoques como el montaje , con el que el editor pretende generar, en la mente del espectador, nuevas asociaciones entre las distintas tomas que pueden ser de temas completamente diferentes, o al menos de temas menos relacionados de lo que se requeriría para el enfoque de continuidad. Cuando se analiza en referencia al cine clásico de Hollywood , también se puede denominar continuidad clásica .
La edición de continuidad se puede dividir en dos categorías: continuidad temporal y continuidad espacial. Dentro de cada categoría, las técnicas específicas actúan en contra de la sensación de continuidad. En otras palabras, las técnicas pueden hacer que un pasaje sea continuo, dando al espectador una narración física concreta que seguir, o discontinuo, provocando desorientación, reflexión o incluso una interpretación o reacción subliminal, como en el estilo de montaje.
Una elipsis es una ruptura aparente en la continuidad temporal natural tal como se implica en la historia de la película. La forma más sencilla de mantener la continuidad temporal es filmar y utilizar toda la acción involucrada en la supuesta duración de la historia, sea pertinente o no. También sería necesario filmar toda la película en una sola toma para evitar tener que editar diferentes tomas juntas, lo que causaría la desorientación temporal del espectador. Sin embargo, en una historia que ocupará largos períodos de tiempo, el espectador tendría que pasar demasiado tiempo viendo la película. Por lo tanto, aunque en muchos casos la elipsis resultaría necesaria, su eliminación total preservaría mejor la continuidad temporal de cualquier película.
El sonido diegético es el que debe haber ocurrido dentro de la historia durante la acción que se está viendo. Es el sonido que proviene del mundo narrativo de una película (incluido el sonido fuera de pantalla). El sonido diegético continuo ayuda a suavizar los cortes temporalmente cuestionables al superponer las tomas. Aquí la lógica es que si un suceso sonoro dentro de la acción de la escena no tiene cortes en el tiempo, entonces sería imposible que la escena y sus imágenes correspondientes fueran algo más que continuos en el tiempo.
La técnica de la coincidencia con la acción permite preservar la continuidad temporal cuando hay un movimiento físico o un cambio uniforme y no repetido dentro de un pasaje. Una coincidencia con la acción se produce cuando una acción que se produce antes del corte temporalmente cuestionable se retoma en el punto en el que la dejó el corte en la toma inmediatamente posterior. Por ejemplo, una toma de alguien lanzando una pelota se puede editar para mostrar dos vistas diferentes, manteniendo al mismo tiempo la continuidad temporal asegurándose de que la segunda toma muestre el brazo del sujeto en la misma etapa de su movimiento en la que quedó al cortar desde la primera toma.
La discontinuidad temporal puede expresarse mediante el uso deliberado de elipses. Las técnicas de montaje útiles para mostrar la naturaleza de las elipses específicas son la disolución y el desvanecimiento. Otros estilos de edición pueden mostrar una inversión del tiempo o incluso un abandono total del mismo. Se trata de las técnicas de flashback y montaje, respectivamente.
Un fundido es una transformación gradual de una imagen hacia o desde el negro. Un fundido es una transición simultánea superpuesta de una toma a otra que no implica un corte instantáneo o un cambio de brillo. Ambas formas de transición (fundido y fundido) crean una medida ambigua de elipsis que puede constituir días, meses, años o incluso siglos diageticos (narrativos). Mediante el uso del fundido o el fundido , se puede aludir a la duración relativa de las elipsis donde el fundido mantiene un vínculo visual pero el fundido a negro no. Sin embargo, no se puede argumentar que uno constituye elipsis corta y el otro larga, ya que esto niega la ambigüedad funcional creada por tales transiciones. La ambigüedad se elimina mediante el uso de subtítulos e intertítulos como "tres semanas después" si se desea.
El flashback es una reubicación del tiempo dentro de una historia o, más precisamente, una ventana a través de la cual el espectador puede ver lo que sucedió en un momento anterior al que se considera (o se supone) que es el presente de la historia. Un flashback hace evidente su marco temporal a través de la acción de la escena o el uso de arquetipos comunes como el tono sepia, el uso de imágenes de estilo de película casera, vestuario de época o incluso a través de dispositivos obvios como relojes y calendarios o vínculos directos con los personajes. Por ejemplo, si después de ver a un hombre adulto en el presente de la historia, se produce un corte a un niño al que se le llama por su nombre, el espectador puede asumir que la escena del niño representa un tiempo anterior al presente de la historia. La escena del niño sería un flashback.
La técnica del montaje no implica ninguna continuidad temporal real. El montaje se logra con una colección de imágenes simbólicamente relacionadas, unidas de una manera que sugiere relaciones psicológicas en lugar de un continuum temporal.
Tan importante como la continuidad temporal para la continuidad general de una película es la continuidad espacial. Y, al igual que la continuidad temporal, se puede lograr de varias maneras: el plano general , la regla de los 180 grados , la alineación de los ojos y la alineación con la acción .
El plano de situación es aquel que permite ver todo el espacio en el que se desarrolla la acción. Su teoría es que es difícil que un espectador se desoriente cuando se le presenta todo el espacio de la historia. El plano de situación puede utilizarse en cualquier momento como plano de reestablecimiento. Esto puede ser necesario cuando una secuencia compleja de cortes puede haber servido para desorientar al espectador.
Una forma de evitar la desorientación del espectador durante la edición es seguir la regla de los 180 grados , que impide que la cámara cruce la línea imaginaria que une a los sujetos de la toma. Otro método es la coincidencia de la línea de visión. Al fotografiar a un sujeto humano, este puede mirar hacia el siguiente sujeto que se va a cortar, utilizando así su yo anterior como referencia para que el espectador la utilice mientras localiza al nuevo sujeto dentro del decorado.
Con el plano de establecimiento, la regla de los 180 grados, la alineación de los ojos y la alineación de la acción, que ya hemos comentado, se puede lograr la continuidad espacial. Sin embargo, si se desea transmitir un espacio descoordinado o una discontinuidad espacial, además de contradecir deliberadamente las herramientas de continuidad, se puede aprovechar el corte transversal y el corte de salto .
El montaje transversal es una técnica que transmite una innegable discontinuidad espacial. Se puede lograr cortando hacia adelante y hacia atrás entre tomas de lugares que no tienen relación espacial. En estos casos, el espectador entenderá claramente que se supone que los lugares están separados y son paralelos. Por lo tanto, en ese sentido, el espectador puede no desorientarse especialmente, pero según el principio de montaje de continuidad espacial, el montaje transversal se considera una técnica de discontinuidad espacial.
El corte de salto es, sin duda, un mecanismo de desorientación. El corte de salto es un corte entre dos tomas que son tan similares que se produce un salto notable en la imagen. La regla de los 30 grados se formuló para eliminar los cortes de salto. La regla de los 30 grados exige que ninguna edición una dos tomas cuyos puntos de vista de la cámara estén a menos de 30 grados entre sí.