El cine de Japón (日本映画, Nihon eiga ) , también conocido a nivel nacional como hōga (邦画, "cine doméstico") , tiene una historia que abarca más de 100 años. Japón tiene una de las industrias cinematográficas más grandes y antiguas del mundo; en 2021, era el cuarto mayor por número de largometrajes producidos. [4] En 2011, Japón produjo 411 largometrajes que recaudaron el 54,9% de un total de taquilla de 2.338 millones de dólares. [5] En Japón se producen películas desde 1897, cuando llegaron los primeros camarógrafos extranjeros.
Durante la década de 1950, un período denominado "Edad de Oro del cine japonés", las películas jidaigeki de Akira Kurosawa , así como las películas de ciencia ficción de Ishirō Honda y Eiji Tsuburaya ganaron elogios internacionales del cine japonés y dieron a estos directores universalmente renombre y gran influencia. Algunas de las películas japonesas de este período están ahora clasificadas entre las mejores de todos los tiempos : Tokyo Story (1953) ocupó el puesto número tres en la lista de los críticos de Sight & Sound de las 100 mejores películas de todos los tiempos [6] y también encabezó la lista de 2012. Encuesta de directores de Sight & Sound sobre las 50 mejores películas de todos los tiempos , destronando a Citizen Kane , [7] [8] mientras que Seven Samurai (1954) de Akira Kurosawa fue votada como la mejor película en lengua extranjera de todos los tiempos en la BBC de 2018. encuesta de 209 críticos en 43 países. [9] Japón también ha ganado el Premio de la Academia a la Mejor Película Internacional [nb 1] cinco veces, [nb 2] más que cualquier otro país asiático. [12]
Los cuatro grandes estudios cinematográficos de Japón son Toho , Toei , Shochiku y Kadokawa , que son los únicos miembros de la Asociación de Productores Cinematográficos de Japón (MPPAJ). El Premio de Cine de la Academia Japonesa anual organizado por la Asociación Nippon Academy-shō se considera el equivalente japonés de los Premios de la Academia .
El kinetoscopio , mostrado comercialmente por primera vez por Thomas Edison en los Estados Unidos en 1894, se mostró por primera vez en Japón en noviembre de 1896. El Vitascope y el cinematógrafo de los hermanos Lumière fueron presentados por primera vez en Japón a principios de 1897, [13] por empresarios como Inabata. Katsutaro . [14] Los camarógrafos de Lumière fueron los primeros en rodar películas en Japón. [15] Las imágenes en movimiento, sin embargo, no fueron una experiencia completamente nueva para los japoneses debido a su rica tradición de dispositivos precinemáticos como el gentō ( utsushi-e ) o la linterna mágica . [16] [17] La primera película japonesa de éxito a finales de 1897 se proyectó en Tokio. [18]
En 1898, se hicieron algunas películas de fantasmas, como los cortos de Shirō Asano Bake Jizo (Jizo the Spook / 化け地蔵) y Shinin no sosei (La resurrección de un cadáver). [19] El primer documental, el cortometraje Geisha no teodori (芸者の手踊り), se realizó en junio de 1899. Tsunekichi Shibata realizó varias de sus primeras películas, entre ellas Momijigari , un registro de 1899 de dos actores famosos interpretando una escena de un pozo. -Conocida obra de kabuki . Las primeras películas estuvieron influenciadas por el teatro tradicional, por ejemplo, el kabuki y el bunraku .
En los albores del siglo XX, los cines de Japón contrataban a benshi , narradores que se sentaban junto a la pantalla y narraban películas mudas. Eran descendientes de kabuki jōruri, narradores kōdan , ladrones de teatro y otras formas de narración oral. [20] Benshi podría ir acompañado de música como las películas mudas del cine occidental . Con la llegada del sonido a principios de la década de 1930, el benshi decayó gradualmente.
En 1908, Shōzō Makino , considerado el director pionero del cine japonés, comenzó su influyente carrera con Honnōji gassen (本能寺合戦), producida para Yokota Shōkai . Shōzō reclutó a Matsunosuke Onoe , un ex actor de kabuki , para protagonizar sus producciones. Onoe se convirtió en la primera estrella de cine de Japón , apareciendo en más de 1.000 películas, en su mayoría cortometrajes, entre 1909 y 1926. La pareja fue pionera en el género jidaigeki . [21] Tokihiko Okada fue un protagonista romántico popular de la misma época.
El primer estudio de producción cinematográfica japonesa fue construido en 1909 por la compañía Yoshizawa Shōten en Tokio . [22]
La primera intérprete japonesa que apareció profesionalmente en una película fue la bailarina y actriz Tokuko Nagai Takagi , que apareció en cuatro cortometrajes para la Thanhouser Company , con sede en Estados Unidos , entre 1911 y 1914. [23]
Entre los intelectuales, las críticas al cine japonés crecieron en la década de 1910 y eventualmente se convirtieron en un movimiento que transformó el cine japonés. La crítica cinematográfica comenzó con las primeras revistas de cine como Katsudō shashinkai (iniciada en 1909) y un libro completo escrito por Yasunosuke Gonda en 1914, pero muchos de los primeros críticos de cine a menudo se centraban en criticar el trabajo de estudios como Nikkatsu y Tenkatsu por ser demasiado teatrales. (usando, por ejemplo, elementos del kabuki y shinpa como onnagata ) y por no utilizar lo que se consideraban técnicas más cinematográficas para contar historias, apoyándose en su lugar en benshi. En lo que más tarde se denominó Movimiento Cinematográfico Puro , los escritores de revistas como Kinema Record pidieron un uso más amplio de este tipo de técnicas cinematográficas. Algunos de estos críticos, como Norimasa Kaeriyama , llevaron sus ideas a la práctica dirigiendo películas como The Glow of Life (1918), que fue una de las primeras películas en utilizar actrices (en este caso, Harumi Hanayagi ). Hubo esfuerzos paralelos en otras partes de la industria cinematográfica. En su película de 1917 La hija del capitán (basada en la obra de Choji Nakauchi, basada a su vez en la película alemana Gendarm Möbius ), Masao Inoue comenzó a utilizar técnicas nuevas en la era del cine mudo, como el primer plano y el recorte. El Movimiento Cinematográfico Puro fue fundamental en el desarrollo del gendaigeki y la escritura de guiones . [24]
Nuevos estudios establecidos alrededor de 1920, como Shochiku y Taikatsu , ayudaron a la causa de la reforma. En Taikatsu, Thomas Kurihara dirigió películas con guión del novelista Junichiro Tanizaki , firme defensor de la reforma cinematográfica. [25] Incluso Nikkatsu produjo películas reformistas bajo la dirección de Eizō Tanaka . A mediados de la década de 1920, las actrices habían reemplazado a onnagata y las películas utilizaban más dispositivos iniciados por Inoue. Algunas de las películas mudas japonesas más comentadas son las de Kenji Mizoguchi , cuyos trabajos posteriores (incluido Ugetsu / Ugetsu Monogatari ) conservan una reputación muy alta.
Las películas japonesas ganaron popularidad a mediados de la década de 1920 frente a las películas extranjeras, en parte impulsadas por la popularidad de las estrellas de cine y un nuevo estilo de jidaigeki . Directores como Daisuke Itō y Masahiro Makino hicieron películas de samuráis como Un diario de los viajes de Chuji y Roningai , que presentan antihéroes rebeldes en escenas de lucha rápidas que fueron a la vez aclamadas por la crítica y éxitos comerciales. [26] Algunas estrellas, como Tsumasaburo Bando , Kanjūrō Arashi , Chiezō Kataoka , Takako Irie y Utaemon Ichikawa , se inspiraron en Makino Film Productions y formaron sus propias productoras independientes donde directores como Hiroshi Inagaki , Mansaku Itami y Sadao Yamanaka perfeccionaron su habilidades. El director Teinosuke Kinugasa creó una productora para producir la obra maestra experimental A Page of Madness , protagonizada por Masao Inoue, en 1926. [27] Muchas de estas compañías, si bien sobrevivieron durante la era del cine mudo contra grandes estudios como Nikkatsu , Shochiku , Teikine y Toa Los estudios no pudieron sobrevivir al costo que implicaba la conversión al sonido.
Con el surgimiento de los movimientos políticos y sindicatos de izquierda a finales de la década de 1920, surgieron las llamadas películas de tendencia con tendencias izquierdistas. Los directores Kenji Mizoguchi , Daisuke Itō , Shigeyoshi Suzuki y Tomu Uchida fueron ejemplos destacados. En contraste con estas películas de 35 mm producidas comercialmente , la Liga de Cine Proletario Marxista de Japón (Prokino) realizó obras de forma independiente en calibres más pequeños (como 9,5 mm y 16 mm ), con intenciones más radicales. [28] Las películas de tendencia sufrieron una severa censura durante la década de 1930, y los miembros de Prokino fueron arrestados y el movimiento efectivamente aplastado. Estas medidas del gobierno tuvieron profundos efectos en la expresión de la disidencia política en el cine de los años treinta. Las películas de este período incluyen: Sakanaya Honda , Jitsuroku Chushingura , Horaijima, Orochi , Maboroshi, Kurutta Ippeji , Jujiro , Kurama Tengu: Kyōfu Jidai y Kurama Tengu . [29]
Una versión posterior de The Captain's Daughter dirigida por Namio Ochiai [30] [ referencia circular ] y藤原義江のふるさと ( Fujiwara Yoshie no furusato , conocida internacionalmente como Hometown ) de Kenji Mizoguchi fueron las dos primeras películas sonoras . Utilizaron el sistema Mina Talkie con diálogos escritos en pizarras y fueron un fracaso inmediato porque Nikkatsu aumentó el precio de las entradas en un cincuenta por ciento, lo que los llevó a abandonar temporalmente el cine sonoro. [31] La industria cinematográfica japonesa se dividió posteriormente en dos grupos; uno conservó el sistema Mina Talkie, mientras que el otro utilizó el sistema Eastphone Talkie utilizado para hacer las películas de Tojo Masaki.
El terremoto de 1923 , el bombardeo de Tokio durante la Segunda Guerra Mundial y los efectos naturales del tiempo y la humedad de Japón sobre las películas de nitrato inflamables e inestables han provocado una gran escasez de películas supervivientes de este período.
A diferencia de Occidente, en Japón todavía se producían películas mudas hasta bien entrada la década de 1930; Todavía en 1938, un tercio de las películas japonesas eran mudas. [32] Por ejemplo, An Inn in Tokyo (1935) de Yasujirō Ozu , considerada una precursora del género neorrealista , era una película muda. Se hicieron algunos cortos sonoros japoneses en las décadas de 1920 y 1930, pero el primer largometraje sonoro de Japón fue Fujiwara Yoshie no furusato (1930), que utilizaba el sistema Mina Talkie . Las películas sonoras notables de este período incluyen La esposa de Mikio Naruse , ¡Be Like A Rose! ( Tsuma Yo Bara No Yoni , 1935), que fue una de las primeras películas japonesas que se estrenó en cines en Estados Unidos; Las hermanas de Gion, de Kenji Mizoguchi ( Gion no shimai , 1936); Elegía de Osaka (1936); La historia de los últimos crisantemos (1939); y Humanidad y globos de papel de Sadao Yamanaka (1937).
La crítica cinematográfica compartió esta vitalidad, y muchas revistas cinematográficas como Kinema Junpo y periódicos publicaron análisis detallados del cine del momento, tanto en el país como en el extranjero. Una crítica culta "impresionista" perseguida por críticos como Tadashi Iijima , Fuyuhiko Kitagawa y Matsuo Kishi era dominante, pero con la oposición de críticos de izquierda como Akira Iwasaki y Genjū Sasa , que buscaban una crítica ideológica de las películas. [33]
La década de 1930 también vio una mayor participación del gobierno en el cine, simbolizada por la aprobación de la Ley de Cine, que dio al estado más autoridad sobre la industria cinematográfica, en 1939. El gobierno fomentó algunas formas de cine, produciendo películas de propaganda y promoviendo películas documentales. (también llamadas bunka eiga o "películas culturales"), con importantes documentales realizados por directores como Fumio Kamei . [34] El realismo estaba a favor; Teóricos del cine como Taihei Imamura y Heiichi Sugiyama abogaron por el drama documental o realista, mientras que directores como Hiroshi Shimizu y Tomotaka Tasaka produjeron películas de ficción de estilo fuertemente realista. Las películas reforzaron la importancia de los valores tradicionales japoneses frente al ascenso de la chica moderna occidentalizada , un personaje personificado por Shizue Tatsuta en la película Young Lady de Ozu de 1930 . [35]
Debido a la Segunda Guerra Mundial y la débil economía, el desempleo se generalizó en Japón y la industria cinematográfica se vio afectada.
Durante este período, cuando Japón estaba expandiendo su Imperio, el gobierno japonés vio el cine como una herramienta de propaganda para mostrar la gloria y la invencibilidad del Imperio de Japón . Por tanto, muchas películas de este período representan temas patrióticos y militaristas. Sin embargo, a diferencia de la mayoría de las películas de guerra, los japoneses tendían a contar las cosas tal como son, mostrando las dificultades que enfrentan los soldados todos los días en la batalla. Marchar por el barro y permanecer en pequeños pueblos desconocidos. En 1942, la película de Kajiro Yamamoto La guerra en el mar desde Hawaii hasta Malasia retrató el ataque a Pearl Harbor; La película hizo uso de efectos especiales dirigidos por Eiji Tsuburaya , incluido un modelo a escala en miniatura del propio Pearl Harbor.
El kamishibai (紙芝居) o teatro de papel era una forma popular de entretenimiento callejero, especialmente para los niños. Kamishibai se utilizaba a menudo para contar historias de deidades budistas y la historia de algunos templos budistas. En 1920 comenzó como una narración normal para los niños. Pero alrededor de 1932 comenzó a inclinarse más hacia un punto de vista militarista.
Yoshiko Yamaguchi era una actriz muy popular. Saltó al estrellato internacional con 22 películas de guerra. La Asociación de Cine de Manchukuo le permitió usar el nombre chino Li Xianglan para poder representar papeles chinos en películas de propaganda japonesas. Después de la guerra usó su nombre oficial japonés y protagonizó 29 películas más. Fue elegida miembro del parlamento japonés en la década de 1970 y sirvió durante 18 años.
Akira Kurosawa debutó en el cine con Sugata Sanshiro en 1943.
Después de la rendición de Japón en 1945, se abolieron los controles y restricciones en tiempos de guerra sobre la industria cinematográfica japonesa, y el Comandante Supremo de las Potencias Aliadas (SCAP) estableció la Sección de Educación e Información Civil (CIE), que pasó a gestionar la industria. Todas las propuestas cinematográficas y guiones debían ser tramitados y aprobados por el CIE. El guión luego sería procesado por el Destacamento de Censura Civil (CCD), que estaba bajo el control directo del ejército estadounidense. [36] Las películas de antes y durante la guerra también fueron objeto de revisión, y más de 500 fueron condenadas y la mitad de ellas fueron quemadas. Además, Toho y Daiei destruyeron preventivamente películas que pensaban que eran incriminatorias. [37] En noviembre de 1945, la CIE anunció que prohibiría las películas consideradas:
Una consecuencia importante de estas restricciones fue que la producción de películas jidaigeki , especialmente aquellas que involucraban a samuráis , se volvió efectivamente imposible. [39] Un caso notable de censura fue el de la película de guerra Escape at Dawn , escrita por Akira Kurosawa y Senkichi Taniguchi , que fue reescrita más de una docena de veces a petición de CIE, borrando en gran medida el contenido original de la historia. [40] Por otro lado, la CIE favoreció la producción de películas que reflejaran las políticas de la Ocupación , como la reforma agrícola y la organización de sindicatos , y promovió la reurbanización pacífica de Japón y los derechos de los individuos .
Entre ellas se encuentran películas importantes: Setsuko Hara apareció en No Regrets for Our Youth (1946) de Akira Kurosawa, A Ball at the Anjo House (1947) de Kōzaburō Yoshimura , Aoi sanmyaku (1949) de Tadashi Imai , etc. ganó popularidad nacional como una estrella que simboliza el comienzo de una nueva era. En Hatachi no Seishun (1946), de Yasushi Sasaki , se filmó la primera escena de beso de una película japonesa. El Premio de Cine Mainichi también se creó en 1946. [41]
La primera película estrenada después de la guerra fue Soyokaze , dirigida por Yasushi Sasaki , y el tema principal Ringo no Uta fue un gran éxito. [42]
Las primeras colaboraciones entre Akira Kurosawa y el actor Toshiro Mifune fueron Drunken Angel en 1948 y Stray Dog en 1949. Yasujirō Ozu dirigió Late Spring , un éxito comercial y de crítica en 1949.
En la segunda mitad de la ocupación entró en vigor el curso inverso . Los cineastas de izquierda desplazados de los principales estudios de la Purga Roja se unieron a los desplazados tras la represión de las huelgas de Toho , formando un nuevo movimiento cinematográfico independiente . Directores como Fumio Kamei , Tadashi Imai y Satsuo Yamamoto fueron miembros del Partido Comunista Japonés . Los dramas realistas sociales independientes experimentaron un pequeño y temporal auge en medio de la ola de dramas bélicos sentimentales producidos después del fin de la Ocupación. [40]
La década de 1950 es considerada la época dorada del cine japonés. [43] Tres películas japonesas de esta década ( Rashomon , Seven Samurai y Tokyo Story ) aparecieron entre las diez primeras de las encuestas de críticos y directores de Sight & Sound sobre las mejores películas de todos los tiempos en 2002. [44] También apareció en las encuestas de 2012, [45] [46] con Tokyo Story (1953) destronando a Citizen Kane en la cima de la encuesta de directores de 2012 . [46]
Se empezaron a producir películas de guerra que cubrían temas previamente restringidos por SCAP , como " Escucha las voces del mar " de Hideo Sekigawa (1950), "Himeyuri no Tô - Torre de los lirios" de Tadashi Imai (1953), Keisuke Kinoshita " Twenty-Four Eyes " (1954) y " The Burmese Harp " (1956) de Kon Ichikawa . Las obras que muestran retrospectivas trágicas y sentimentales de la experiencia de la guerra se convirtieron en un fenómeno público. Otras películas producidas incluyen Battleship Yamato (1953) y Águila del Pacífico (1953), bajo estas circunstancias también aparecieron películas como "El emperador Meiji y la guerra ruso-japonesa (明治天皇と日露大戦争)" (1957), donde Kanjūrō Arashi interpretó al emperador Meiji . Era una situación impensable antes de la guerra, la comercialización del Emperador que se suponía era sagrado e inviolable.
El período posterior a la ocupación estadounidense provocó un aumento de la diversidad en la distribución de películas gracias al aumento de la producción y la popularidad de los estudios cinematográficos de Toho , Daiei , Shochiku , Nikkatsu y Toei . Este período dio origen a los seis grandes artistas del cine japonés: Masaki Kobayashi , Akira Kurosawa , Ishirō Honda , Eiji Tsuburaya , Kenji Mizoguchi y Yasujirō Ozu . Cada director abordó los efectos de la guerra y la posterior ocupación estadounidense de maneras únicas e innovadoras. Durante esta década, las obras de Kurosawa, Honda y Tsuburaya se convertirían en las primeras películas japonesas en distribuirse ampliamente en salas extranjeras.
La década comenzó con Rashomon (1950) de Akira Kurosawa , que ganó el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia en 1951 y el Premio Honorífico de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera en 1952, y marcó la entrada del cine japonés en el escenario mundial. También fue el papel destacado de la legendaria estrella Toshiro Mifune . [47] En 1953, Entotsu no mieru basho de Heinosuke Gosho estuvo en competencia en el 3er Festival Internacional de Cine de Berlín .
La primera película japonesa en color fue Carmen Comes Home , dirigida por Keisuke Kinoshita y estrenada en 1951. También había disponible una versión en blanco y negro de esta película. Tokyo File 212 (1951) fue el primer largometraje estadounidense rodado íntegramente en Japón. Los papeles principales fueron interpretados por Florence Marly y Robert Peyton. Presentaba a la geisha Ichimaru en un breve cameo. Tonichi Enterprises Company de Suzuki Ikuzo coprodujo la película. [48] Gate of Hell , una película de 1953 de Teinosuke Kinugasa , fue la primera película que se filmó con película Eastmancolor , Gate of Hell fue la primera película en color de Daiei y la primera película japonesa en color que se estrenó fuera de Japón, y recibió una Academia. Premio Honorífico en 1954 al Mejor Diseño de Vestuario de Sanzo Wada y Premio Honorífico a la Mejor Película en Lengua Extranjera. También ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes , la primera película japonesa en lograr ese honor.
En el año 1954 se estrenaron dos de las películas más influyentes de Japón. La primera fue la epopeya de Kurosawa Los siete samuráis , sobre una banda de samuráis contratados que protegen una aldea indefensa de una banda rapaz de ladrones. El mismo año, el amigo y colega de Kurosawa, Ishirō Honda, dirigió el drama de monstruos antinucleares Godzilla , con efectos premiados de Eiji Tsuburaya. Esta última película fue la primera película japonesa que se estrenó ampliamente en los Estados Unidos, [49] donde fue reeditada en gran medida y presentó nuevas imágenes con el actor Raymond Burr para su distribución en 1956 como Godzilla, rey de los monstruos. ! . [50] Aunque fue editado para su lanzamiento occidental, Godzilla se convirtió en un ícono internacional de Japón y generó todo un subgénero de películas de kaiju , [51] así como la franquicia cinematográfica de mayor duración de la historia . [52] También en 1954, otra película de Kurosawa, Ikiru , estuvo en competición en el 4º Festival Internacional de Cine de Berlín .
En 1955, Hiroshi Inagaki ganó un Premio Honorífico de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera por la Parte I de su trilogía Samurai y en 1958 ganó el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia por Rickshaw Man . Kon Ichikawa dirigió dos dramas pacifistas: The Burmese Harp (1956), que fue nominada a Mejor Película Extranjera en los Premios de la Academia, y Fires On The Plain (1959), junto con Enjo (1958), que fue una adaptación de Yukio . La novela de Mishima El templo del pabellón dorado . Masaki Kobayashi hizo tres películas que se conocerían colectivamente como La trilogía de la condición humana : No Greater Love (1959) y The Road To Eternity (1959). La trilogía se completó en 1961, con La oración de un soldado .
Kenji Mizoguchi, fallecido en 1956, terminó su carrera con una serie de obras maestras que incluyen La vida de Oharu (1952), Ugetsu (1953) y Sansho the Bailiff (1954). Ganó el Oso de Plata en el Festival de Cine de Venecia por Ugetsu . Las películas de Mizoguchi a menudo tratan sobre las tragedias infligidas a las mujeres por la sociedad japonesa. Mikio Naruse realizó Repast (1950), Late Chrysanthemums (1954), El sonido de la montaña (1954) y Nubes flotantes (1955). Yasujirō Ozu comenzó a dirigir películas en color comenzando con Equinox Flower (1958), y más tarde Good Morning (1959) y Floating Weeds (1958), que fue una adaptación de su película muda anterior A Story of Floating Weeds (1934), y fue filmada por Rashomon y Sansho el alguacil, director de fotografía Kazuo Miyagawa .
Los premios Blue Ribbon se establecieron en 1950. La primera ganadora a Mejor Película fue Hasta que nos volvamos a encontrar de Tadashi Imai .
El número de películas producidas y la audiencia cinematográfica alcanzaron su punto máximo en la década de 1960. [53] La mayoría de las películas se proyectaron en programas dobles, siendo la mitad del programa una "imagen de programa" o una película B. Una imagen típica de un programa se rodó en cuatro semanas. La demanda en cantidad de estas imágenes de programas significó el crecimiento de series de películas como The Hoodlum Soldier o Akumyo .
El enorme nivel de actividad del cine japonés de los años 60 también dio lugar a muchos clásicos. Akira Kurosawa dirigió el clásico de 1961 Yojimbo . Yasujirō Ozu hizo su última película, An Autumn Afternoon , en 1962. Mikio Naruse dirigió el melodrama para pantalla ancha Cuando una mujer asciende las escaleras en 1960; su última película fue Scattered Clouds de 1967 .
Kon Ichikawa capturó el hito de los Juegos Olímpicos de 1964 en su documental de tres horas Olimpiada de Tokio (1965). Seijun Suzuki fue despedido por Nikkatsu por "hacer películas que no tienen ningún sentido y no generan dinero" después de su película surrealista yakuza Branded to Kill (1967).
La década de 1960 fue la época cumbre del movimiento japonés de la Nueva Ola , que comenzó en la década de 1950 y continuó hasta principios de la de 1970. Nagisa Oshima , Kaneto Shindo , Masahiro Shinoda , Susumu Hani y Shohei Imamura surgieron como cineastas importantes durante la década. La cruel historia de la juventud , Noche y niebla en Japón y Muerte en la horca de Oshima , junto con Onibaba de Shindo, Kanojo to kare de Hani y La mujer insecto de Imamura , se convirtieron en algunos de los ejemplos más conocidos del cine japonés de la Nueva Ola. El documental jugó un papel crucial en la Nueva Ola, ya que directores como Hani, Kazuo Kuroki , Toshio Matsumoto e Hiroshi Teshigahara pasaron del documental al cine de ficción, mientras que cineastas como Oshima e Imamura también hicieron documentales. Shinsuke Ogawa y Noriaki Tsuchimoto se convirtieron en los documentalistas más importantes: "dos figuras [que] dominan el paisaje del documental japonés". [54]
La mujer en las dunas (1964), de Teshigahara , ganó el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cine de Cannes y fue nominada al Oscar al Mejor Director y a la Mejor Película en Lengua Extranjera . Kwaidan (1965) , de Masaki Kobayashi , también obtuvo el Premio Especial del Jurado en Cannes y recibió una nominación a la Mejor Película en Lengua Extranjera en los Premios de la Academia. Bushido, Samurai Saga de Tadashi Imai ganó el Oso de Oro en el 13º Festival Internacional de Cine de Berlín . Amor inmortal de Keisuke Kinoshita y Las hermanas gemelas de Kioto y Retrato de Chieko , ambas de Noboru Nakamura , también recibieron nominaciones a Mejor Película en Lengua Extranjera en los Premios de la Academia. Lost Spring , también de Nakamura, compitió por el Oso de Oro en el 17º Festival Internacional de Cine de Berlín .
En la década de 1970 la audiencia de cine disminuyó debido a la expansión de la televisión. La audiencia total disminuyó de 1.200 millones en 1960 a 200 millones en 1980. [55] Las compañías cinematográficas se negaron a contratar a los mejores actores y directores, ni siquiera las habilidades de producción de las compañías para la industria de la televisión, lo que hizo que las compañías cinematográficas perdieran dinero. [56]
Las compañías cinematográficas contraatacaron de diversas formas, como las películas de mayor presupuesto de Kadokawa Pictures , o la inclusión de contenidos y lenguajes cada vez más sexuales o violentos que no podían mostrarse en televisión. La industria del cine rosa resultante se convirtió en el trampolín para muchos jóvenes cineastas independientes. Los años setenta también vieron el inicio de las "idol eiga", películas protagonizadas por jóvenes "ídolos" , que atraerían al público por su fama y popularidad.
Toshiya Fujita hizo la película de venganza Lady Snowblood en 1973. Ese mismo año, Yoshishige Yoshida hizo la película Coup d'État , un retrato de Ikki Kita , el líder del golpe japonés de febrero de 1936. Su cinematografía experimental y su puesta en escena La escena, así como su música vanguardista de Toshi Ichiyanagi , le valieron un gran reconocimiento de la crítica en Japón.
En 1976 se creó el Premio de Cine Hochi . La primera ganadora a Mejor Película fue The Inugamis de Kon Ichikawa . Nagisa Oshima dirigió In the Realm of the Senses (1976), una película que detalla un crimen pasional que involucra a Sada Abe ambientado en la década de 1930. Controvertido por su contenido sexual explícito, nunca se ha visto sin censura en Japón.
Kinji Fukasaku completó la serie épica de películas yakuza Batallas sin honor y Humanidad . Yoji Yamada presentó la exitosa serie Tora-San , al tiempo que dirigió otras películas, en particular la popular El pañuelo amarillo , que ganó el primer Premio de la Academia Japonesa a la mejor película en 1978. Los cineastas de la nueva ola Susumu Hani y Shōhei Imamura se retiraron al trabajo documental . aunque Imamura hizo un dramático regreso al cine con Vengeance Is Mine (1979).
Dodes'ka-den de Akira Kurosawa y Sandakan No. 8 de Kei Kumai fueron nominadas al Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera.
La década de 1980 vio el declive de los principales estudios cinematográficos japoneses y sus cadenas de cines asociadas, con los grandes estudios Toho y Toei apenas sobreviviendo, Shochiku apoyado casi exclusivamente por las películas de Otoko wa tsurai yo y Nikkatsu decayendo aún más.
De la generación anterior de directores, Akira Kurosawa dirigió Kagemusha (1980), que ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 1980 , y Ran (1985). Seijun Suzuki regresó con Zigeunerweisen en 1980. Shohei Imamura ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes por La balada de Narayama (1983). Yoshishige Yoshida hizo Una promesa (1986), su primera película desde Golpe de Estado de 1973 .
Los nuevos directores que aparecieron en la década de 1980 incluyen al actor Juzo Itami , quien dirigió su primera película, The Funeral , en 1984, y logró un éxito de crítica y taquilla con Tampopo en 1985. Shinji Sōmai , un director populista con inclinaciones artísticas que hizo películas como La juventud -centrado Typhoon Club y el porno romano aclamado por la crítica Love Hotel, entre otros. Kiyoshi Kurosawa , que generaría atención internacional a partir de mediados de los años 1990, hizo su debut inicial con películas rosas y de género de terror.
Durante la década de 1980, el anime ganó popularidad y cada verano e invierno se lanzaban nuevas películas animadas, a menudo basadas en populares series de televisión de anime. Mamoru Oshii lanzó su emblemático Angel's Egg en 1985. Hayao Miyazaki adaptó su serie de manga Nausicaä of the Valley of Wind en un largometraje del mismo nombre en 1984. Katsuhiro Otomo hizo lo mismo adaptando su propio manga Akira en un largometraje del mismo nombre. nombre en 1988.
El vídeo doméstico hizo posible la creación de una industria cinematográfica directa al vídeo .
Las mini salas , un tipo de sala de cine independiente caracterizada por un tamaño y capacidad de asientos más pequeños en comparación con las salas de cine más grandes, ganaron popularidad durante la década de 1980. [57] Las mini salas ayudaron a acercar al público japonés películas independientes y de autor de otros países, así como películas producidas en Japón por cineastas japoneses desconocidos. [57]
Debido a las recesiones económicas, el número de salas de cine en Japón había ido disminuyendo constantemente desde la década de 1960. El número de salas de cine era inferior a 2.000 en 1993, frente a más de 7.000 en 1960. [56] La década de 1990 vio la inversión de esta tendencia y la introducción del multicine en Japón. Al mismo tiempo, continuó la popularidad de los miniteatros. [57] [58]
Takeshi Kitano se destacó como un cineasta significativo con obras como Sonatine (1993), Kids Return (1996) y Hana-bi (1997), que recibió el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia. Shōhei Imamura volvió a ganar la Palma de Oro (compartida con el director iraní Abbas Kiarostami ), esta vez por La anguila (1997). Se convirtió en el quinto ganador en dos ocasiones, uniéndose a Alf Sjöberg , Francis Ford Coppola , Emir Kusturica y Bille August .
Kiyoshi Kurosawa obtuvo reconocimiento internacional tras el lanzamiento de Cure (1997). Takashi Miike inició una prolífica carrera con títulos como Audition (1999), Dead or Alive (1999) y The Bird People in China (1998). El ex documentalista Hirokazu Koreeda lanzó una aclamada carrera cinematográfica con Maborosi (1996) y After Life (1999).
Hayao Miyazaki dirigió dos enormes éxitos de taquilla y crítica, Porco Rosso (1992), que superó a ET, el extraterrestre (1982) como la película más taquillera en Japón , y La princesa Mononoke (1997), que también consiguió el primer puesto en taquilla. lugar hasta Titanic (1997).
Varios nuevos directores de anime alcanzaron un reconocimiento generalizado, trayendo consigo nociones del anime no solo como entretenimiento, sino también como arte moderno. Mamoru Oshii estrenó la película de acción y ciencia ficción filosófica Ghost in the Shell, aclamada internacionalmente , en 1996. Satoshi Kon dirigió el galardonado thriller psicológico Perfect Blue . Hideaki Anno también obtuvo un reconocimiento considerable con The End of Evangelion en 1997.
A principios del siglo XXI, se ha hecho referencia a Japón en numerosas ocasiones en la cultura popular, que fue relativamente exitosa para la industria cinematográfica japonesa. El país ha aparecido como escenario y tema en múltiples ocasiones en cine, poesía, televisión y música. El número de películas que se proyectan en Japón aumentó constantemente, con unas 821 películas estrenadas en 2006. Las películas basadas en series de televisión japonesas fueron especialmente populares durante este período. Las películas de anime representan ahora el 60 por ciento de la producción cinematográfica japonesa. Las décadas de 1990 y 2000 se consideran la "Segunda Edad de Oro del cine japonés", debido a la inmensa popularidad del anime, tanto dentro de Japón como en el extranjero. [43]
Aunque no fue un éxito comercial, All About Lily Chou-Chou, dirigida por Shunji Iwai, fue honrada en los festivales de cine de Berlín, Yokohama y Shanghai en 2001. Takeshi Kitano apareció en Battle Royale y dirigió y protagonizó Dolls y Zatoichi . Varias películas de terror, Kairo , Dark Water , Yogen , la serie Grudge y One Missed Call tuvieron éxito comercial. En 2004, se estrenó Godzilla: Final Wars , dirigida por Ryuhei Kitamura , para celebrar el 50 aniversario de Godzilla. En 2005, el director Seijun Suzuki hizo su película número 56, Princess Raccoon . Hirokazu Koreeda reclamó premios en festivales de cine de todo el mundo con dos de sus películas Distance y Nobody Knows . La película de la directora de cine Naomi Kawase The Mourning Forest ganó el Gran Premio en el Festival de Cine de Cannes en 2007. Yoji Yamada , director de la serie Otoko wa Tsurai yo , hizo una trilogía de aclamadas películas revisionistas de samuráis, Twilight Samurai de 2002 , seguida de The Hidden Blade en 2004 y Love and Honor en 2006. En 2008, Departures ganó el Premio de la Academia a la mejor película en lengua extranjera.
En anime, Hayao Miyazaki dirigió El viaje de Chihiro en 2001, rompiendo récords de taquilla japonesa y ganando varios premios, incluido el Premio de la Academia a la mejor película de animación en 2003 [59] , seguido de El castillo ambulante de Howl y Ponyo en 2004 y 2008 respectivamente. En 2004, Mamoru Oshii estrenó la película de anime Ghost in the Shell 2: Innocence , que recibió elogios de la crítica en todo el mundo. Su película de 2008 The Sky Crawlers tuvo una recepción internacional igualmente positiva. Satoshi Kon también estrenó tres películas más tranquilas, pero de gran éxito: Millennium Actriz , Los padrinos de Tokio y Paprika . Katsuhiro Otomo lanzó Steamboy , su primer proyecto animado desde la recopilación de cortometrajes Memories de 1995 , en 2004. En colaboración con Studio 4C , el director estadounidense Michael Arias lanzó Tekkon Kinkreet en 2008, con gran éxito internacional. Después de varios años de dirigir películas de acción real principalmente discretas, Hideaki Anno formó su propio estudio de producción y revisó su todavía popular franquicia Evangelion con la tetralogía Rebuild of Evangelion , una nueva serie de películas que ofrecen una narración alternativa de la historia original.
Algunos directores de Hollywood han recurrido a Tokio como telón de fondo para películas ambientadas en Japón. Los ejemplos del período de posguerra incluyen Tokyo Joe , My Geisha , Tokyo Story y la película de James Bond Sólo se vive dos veces ; ejemplos recientes incluyen Lost in Translation y The Last Samurai (ambos en 2003), Kill Bill: Volumen 1 y 2 y The Day After Tomorrow (todos en 2004), Memoirs of a Geisha (2005), The Fast and the Furious: Tokyo Drift. y Babel (ambas en 2006), The Day the Earth Stood Still (2008), 2012 (2009), Inception (2010), Emperor (2012), Pacific Rim y The Wolverine (ambas en 2013), Geostorm (2017) y Vengadores: Endgame (2019).
Desde febrero de 2000, se estableció el Consejo de Promoción de la Japan Film Commission. El 16 de noviembre de 2001 se presentaron a la Cámara de Representantes las leyes de la Fundación Japonesa para la Promoción de las Artes . Estas leyes tenían como objetivo promover la producción de artes mediáticas, incluida la escenografía cinematográfica, y estipulan que el gobierno (tanto a nivel nacional como local) debe prestar ayuda para preservar los medios cinematográficos. Las leyes fueron aprobadas el 30 de noviembre y entraron en vigor el 7 de diciembre. En 2003, en una reunión de la Agencia de Asuntos Culturales, se propusieron doce políticas en un informe escrito para permitir que películas hechas públicamente fueran promovidas y exhibidas en el Cine Centro del Museo Nacional de Arte Moderno.
Hasta ahora, cuatro películas han recibido reconocimiento internacional al ser seleccionadas para competir en los principales festivales de cine: Caterpillar de Kōji Wakamatsu compitió por el Oso de Oro en el 60º Festival Internacional de Cine de Berlín y ganó el Oso de Plata a la Mejor Actriz , Outrage de Takeshi Kitano fue En competencia por la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 2010 , Himizu de Sion Sono compitió por el León de Oro en el 68º Festival Internacional de Cine de Venecia .
En marzo de 2011, la industria cinematográfica y televisiva japonesa se vio afectada por el terremoto y el tsunami de Tohoku y el posterior desastre nuclear de Fukushima , que se vio muy afectado debido al triple desastre en curso. [ cita necesaria ] Sin embargo, muchos estudios japoneses fueron cerrados o reorganizados oficialmente para evitar el triple desastre. Como resultado, muchos de los estudios japoneses comenzaron a reabrir y las tasas de producción aumentaron.
En octubre de 2011 (después de la reapertura total de la industria cinematográfica y televisiva japonesa), Hara -Kiri: Death of a Samurai de Takashi Miike compitió por la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 2012 , la primera película en 3D que se proyectó. En Competición en Cannes. La película fue coproducida por el productor independiente británico Jeremy Thomas , que había logrado llevar títulos japoneses como Merry Christmas de Nagisa Oshima , Mr Lawrence and Taboo , Brother de Takeshi Kitano y 13 Assassins de Miike al escenario internacional como productor.
En 2018, Hirokazu Kore-eda ganó la Palma de Oro por su película Shoplifters en el 71º Festival de Cine de Cannes , festival que también contó con Asako I & II de Ryūsuke Hamaguchi en competencia.
La película japonesa de drama épico sobre desastres de 2020, Fukushima 50 , estrenada el 6 de marzo de 2020, dirigida por Setsurō Wakamatsu y escrita por Yōichi Maekawa. La película está basada en el libro de Ryusho Kadota, titulado On the Brink: The Inside Story of Fukushima Daiichi , y es la primera película japonesa que describe el desastre.
A principios de 2020, la industria cinematográfica y televisiva japonesa se vio afectada por la pandemia de COVID-19 , que se vio muy afectada debido a las exigencias sanitarias. Esto le dio a la nación su peor día para la industria cinematográfica y televisiva afectada por crisis de salud desde el final de la Segunda Guerra Mundial. Desde el primer (de muchos) "bloqueos sanitarios" hasta finales de septiembre de 2021, muchos estudios japoneses fueron cerrados o reorganizados para cumplir con los requisitos legales para la prevención de la propagación. Esto resultó en la suspensión del rodaje de muchas películas. [ cita necesaria ]
En octubre de 2020 (después de la reapertura de la industria cinematográfica), una película de anime japonesa Demon Slayer: Mugen Train basada en la serie de manga Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba rompió todos los récords de taquilla en el país, convirtiéndose en la película más taquillera de todos los tiempos. en Japón, la película japonesa más taquillera de todos los tiempos y la película más taquillera de 2020.
En octubre de 2021, una road - film dramática japonesa Drive My Car ganó el premio a la Mejor Película en Lengua Extranjera en la 79.ª edición de los Globos de Oro y recibió el Premio de la Academia a la Mejor Película Internacional en la 94.ª edición de los Premios de la Academia . [60] [61]
