El teatro renacentista inglés , también conocido como teatro inglés renacentista y teatro isabelino , hace referencia al teatro de Inglaterra entre 1558 y 1642.
Este es el estilo de las obras de William Shakespeare , Christopher Marlowe y Ben Jonson .
El término teatro renacentista inglés abarca el período comprendido entre 1562 (después de una representación de Gorboduc , la primera obra inglesa que utiliza versos en blanco , en el Inner Temple durante la temporada navideña de 1561) y la prohibición de obras teatrales promulgada por el Parlamento inglés en 1642. En sentido estricto, "isabelino" sólo se refiere al período del reinado de la reina Isabel (1558-1603). Se puede decir que el teatro renacentista inglés abarca el teatro isabelino de 1562 a 1603, el teatro jacobeo de 1603 a 1625 y el teatro carolino de 1625 a 1642.
Junto con la economía de la profesión, el carácter del drama cambió hacia el final del período. Bajo Isabel, el drama era una expresión unificada en lo que a clases sociales se refería: la corte veía las mismas obras que los plebeyos veían en los teatros públicos. Con el desarrollo de los teatros privados, el teatro se orientó más hacia los gustos y valores del público de clase alta. En la última parte del reinado de Carlos I , se escribían pocas obras nuevas para los teatros públicos, que se sustentaban en las obras acumuladas de las décadas anteriores. [1]
Los grammar schools ingleses , como los del continente, pusieron especial énfasis en el trivium : gramática, lógica y retórica . Aunque la instrucción retórica estaba destinada a ser una preparación para carreras en la función pública como la de derecho, los cánones retóricos de la memoria ( memoria ) y la entrega ( pronuntiatio ), el gesto y la voz, así como los ejercicios de los progymnasmata , como la prosopopeya , enseñaban habilidades teatrales. . [2] [3] Los estudiantes normalmente analizaban textos en latín y griego, escribían sus propias composiciones, las memorizaban y luego las interpretaban frente a su instructor y sus compañeros. [4] Los registros muestran que además de esta actuación semanal, los estudiantes representaban obras de teatro durante los días festivos, [5] y tanto en latín como en inglés. [6]
Las escuelas corales relacionadas con la corte isabelina incluían la Capilla de San Jorge , la Capilla Real y la de San Pablo . [7] Estas escuelas representaron obras de teatro y otros entretenimientos de la corte para la Reina. [8] Entre las décadas de 1560 y 1570, estas escuelas habían comenzado a actuar también para audiencias generales. [9] Las compañías de teatro de niños actores se derivaron de escuelas corales. [10] John Lyly es un ejemplo anterior de dramaturgo contratado para escribir para compañías infantiles; Lyly escribió Gallathea , Endymion y Midas para Paul's Boys. [11] Otro ejemplo es Ben Jonson , quien escribió Cynthia's Revels . [12]
El drama académico surge de las prácticas de milagros y obras de moralidad de finales de la Edad Media y principios de la Edad Moderna , así como de la Fiesta de los Locos y la elección de un Señor del Desgobierno . [13] La Fiesta de los Locos incluye obras de teatro . [14] A las universidades, particularmente Oxford y Cambridge , asistían estudiantes que cursaban títulos de licenciatura y maestría, seguidos de doctorados en Derecho, Medicina y Teología. [15] En el siglo XV, los dramas a menudo se restringían a obras de teatro con alguien que leía todas las partes en latín. [16] Con el redescubrimiento y la redistribución de materiales clásicos durante el Renacimiento inglés , se comenzaron a reescenificar obras latinas y griegas. [17] Estas obras de teatro solían ir acompañadas de fiestas. [18] La reina Isabel I vio dramas durante sus visitas a Oxford y Cambridge. [19] Un ciclo de obras de teatro muy conocido que se escribió y representó en las universidades fue el Parnassus Plays . [13]
Al graduarse, muchos estudiantes universitarios, especialmente los que se dedicaban a la abogacía, residían y participaban en los Inns of Court . Los Inns of Court eran comunidades de abogados en activo y ex alumnos universitarios. [20] Las figuras literarias y dramaturgos notables que residieron en Inns of Court incluyen a John Donne , Francis Beaumont , John Marston , Thomas Lodge , Thomas Campion , Abraham Fraunce , Sir Philip Sidney , Sir Thomas More , Sir Francis Bacon y George Gascoigne . [21] [22] Al igual que la universidad, los Inns of Court eligieron a su propio Señor del Desgobierno . [23] Otras actividades incluyeron la participación en tribunales simulados , disputas y máscaras . [23] [22] Las obras escritas y representadas en Inns of Court incluyen Gorboduc , Gismund de Salerne y The Misfortunes of Arthur . [22] Un ejemplo de una famosa mascarada puesta por los Inns fue El triunfo de la paz de James Shirley . Aquí también se representaron La comedia de los errores y Noche de reyes de Shakespeare , aunque escritas para teatro comercial. [24]
El primer teatro inglés permanente, el Red Lion , se inauguró en 1567 [25] pero fue un fracaso de corta duración. Los primeros teatros de éxito, como The Theatre , se inauguraron en 1576.
El establecimiento de teatros públicos grandes y rentables fue un factor esencial para el éxito del teatro renacentista inglés. Una vez que estuvieran en funcionamiento, el drama podría convertirse en un fenómeno fijo y permanente, más que transitorio. Su construcción se impulsó cuando el alcalde y la corporación de Londres prohibieron por primera vez las obras de teatro en 1572 como medida contra la plaga, y luego expulsaron formalmente a todos los jugadores de la ciudad en 1575. [26] Esto impulsó la construcción de teatros permanentes fuera de la jurisdicción de Londres. , en las libertades de Halliwell/Holywell en Shoreditch y más tarde en Clink , y en Newington Butts, cerca del distrito de entretenimiento establecido de St. George's Fields en la zona rural de Surrey. [26] El teatro fue construido en Shoreditch en 1576 por James Burbage con su cuñado John Brayne (el propietario del fallido teatro Red Lion de 1567) [27] y el teatro Newington Butts fue creado, probablemente por Jerome Savage, en algún momento entre 1575 [28] y 1577. [29] Al Teatro le siguieron rápidamente el cercano Teatro Cortina (1577), la Rosa (1587), el Cisne (1595), el Globo (1599), la Fortuna ( 1600) y el Red Bull (1604). [a]
Las excavaciones arqueológicas sobre los cimientos de la Rosa y el Globo a finales del siglo XX demostraron que todos los teatros de Londres tenían diferencias individuales, pero su función común requería un plan general similar. [30] Los teatros públicos tenían tres pisos de altura y estaban construidos alrededor de un espacio abierto en el centro. Generalmente de planta poligonal para dar un efecto general redondeado, aunque el Red Bull y el primer Fortune eran cuadrados. Los tres niveles de galerías orientadas hacia el interior daban al centro abierto, en el que sobresalía el escenario: esencialmente una plataforma rodeada por tres lados por el público. La parte trasera estaba restringida para las entradas y salidas de los actores y para los asientos de los músicos. El nivel superior detrás del escenario podría usarse como balcón , como en Romeo y Julieta y Antonio y Cleopatra , o como una posición desde la cual un actor podría arengar a una multitud, como en Julio César . [31] El foso era el lugar donde los miembros más pobres del público podían ver el espectáculo. Alrededor del siglo XVII se introdujo una nueva zona en los teatros, una "garganta". Una garganta era un pasillo invisible que los actores utilizaban para dirigirse a las alas del escenario donde la gente solía cambiarse de ropa rápidamente [ cita requerida ] .
Las casas de juegos se construían generalmente con madera y yeso. Las descripciones de los teatros individuales brindan información adicional sobre su construcción, como las piedras de pedernal que se utilizaron para construir el Cisne. También se construyeron teatros para poder albergar a un gran número de personas. [32]
A different model was developed with the Blackfriars Theatre, which came into regular use on a long-term basis in 1599.[b] The Blackfriars was small in comparison to the earlier theatres and roofed rather than open to the sky. It resembled a modern theatre in ways that its predecessors did not. Other small enclosed theatres followed, notably the Whitefriars (1608) and the Cockpit (1617). With the building of the Salisbury Court Theatre in 1629 near the site of the defunct Whitefriars, the London audience had six theatres to choose from: three surviving large open-air public theatres—the Globe, the Fortune, and the Red Bull—and three smaller enclosed private theatres: the Blackfriars, the Cockpit, and the Salisbury Court.[c] Audiences of the 1630s benefited from a half-century of vigorous dramaturgical development; the plays of Marlowe and Shakespeare and their contemporaries were still being performed on a regular basis, mostly at the public theatres, while the newest works of the newest playwrights were abundant as well, mainly at the private theatres.[citation needed]
Around 1580, when both the Theater and the Curtain were full on summer days, the total theater capacity of London was about 5000 spectators. With the building of new theater facilities and the formation of new companies, London's total theater capacity exceeded 10,000 after 1610.[33]
Ticket prices in general varied during this time period. The cost of admission was based on where in the theatre a person wished to be situated, or based on what a person could afford. If people wanted a better view of the stage or to be more separate from the crowd, they would pay more for their entrance. Due to inflation that occurred during this time period, admission increased in some theaters from a penny to a sixpence or even higher.[34]
Commercial theaters were largely located just outside the boundaries of the City of London, since City authorities tended to be wary of the adult playing companies, but plays were performed by touring companies all over England.[35] English companies even toured and performed English plays abroad, especially in Germany and in Denmark.[36][d]
Upper class spectators would pay for seats in the galleries, using cushions for comfort. In the Globe Theatre, nobles could sit directly by the side on the stage.[38]
Las compañías de actuación funcionaban según un sistema de repertorio : a diferencia de las producciones modernas que pueden durar meses o años, las compañías de esta época rara vez representaban la misma obra dos días seguidos. [39] Una partida de ajedrez de Thomas Middleton tuvo nueve funciones consecutivas en agosto de 1624 antes de que las autoridades la cerraran; pero esto se debió al contenido político de la obra y fue un fenómeno único, inédito e irrepetible. La temporada de 1592 de Lord Strange's Men en el Rose Theatre fue mucho más representativa: entre el 19 de febrero y el 23 de junio la compañía actuó seis días a la semana, menos el Viernes Santo y otros dos días. Representaron 23 obras diferentes, algunas solo una vez, y su obra más popular de la temporada, La primera parte de Jerónimo , basada en La tragedia española de Kyd , 15 veces. Nunca jugaban la misma jugada dos días seguidos y rara vez la misma jugada dos veces por semana. [40] [e] La carga de trabajo de los actores, especialmente de los actores principales como Richard Burbage o Edward Alleyn , debe haber sido tremenda.
Una característica distintiva de las empresas era que incluían sólo a hombres. Los papeles femeninos fueron interpretados por jugadores adolescentes vestidos con trajes de mujer. Algunas compañías estaban compuestas íntegramente por muchachos. [f] Las representaciones en los teatros públicos (como el Globe) se llevaban a cabo por la tarde sin iluminación artificial, pero cuando, durante una obra, la luz comenzaba a apagarse, se encendían velas. [43] En los teatros privados cerrados (como el Blackfriars) se utilizó iluminación artificial en todas partes. Las obras contenían poco o ningún escenario, ya que el escenario era descrito por los actores o indicado por el vestuario a lo largo de la obra. [44]
En la época isabelina, las investigaciones han sido concluyentes sobre cuántos actores y comparsas había en el siglo XVI, pero pocas investigaciones profundizan en los roles de los actores en los escenarios renacentistas ingleses. El primer punto es que durante la época isabelina a las mujeres no se les permitía actuar en el escenario. Los actores eran todos hombres; de hecho, la mayoría eran niños. En el caso de las obras escritas que tenían partes masculinas y femeninas, las partes femeninas eran interpretadas por los jugadores más jóvenes. [45] Los papeles femeninos más fuertes en las tragedias fueron interpretados por jugadores mayores porque tenían más experiencia. [45] Como jugador niño, se tuvieron que implementar muchas habilidades, como la voz y el atletismo (la esgrima era una de ellas). [45]
En el entretenimiento isabelino se creaban compañías y se las consideraba compañías de actores. Viajaron por Inglaterra porque el teatro era el arte más entretenido de la época.
Los actores isabelinos nunca representaban el mismo espectáculo en días sucesivos y añadían una nueva obra a su repertorio cada dos semanas. A estos actores se les pagaba dentro de estas compañías, por lo que, por su trabajo, aprendían constantemente nuevas obras mientras recorrían diferentes ciudades de Inglaterra. En estas obras había contables que actuaban como narradores de estas obras y presentaban a los actores y los diferentes roles que desempeñaban. En algunos momentos, el contable no decía la narración de la escena, para que el público pudiera descubrirlo por sí mismo. En las obras isabelinas y jacobeas, las obras a menudo excedían el número de personajes/roles y no tenían suficientes actores para desempeñarlos, de ahí surgió la idea de duplicar roles. [46] La duplicación de roles se utiliza para reforzar el tema de una obra haciendo que el actor represente los diferentes roles simultáneamente. [47] La razón de esto era que las compañías de actores controlaban los costos salariales, o para poder actuar en condiciones en las que recursos como los de otras compañías de actores que prestaban actores no estaban presentes. [47]
Se implementaron dos estilos de actuación: formal y natural. La actuación formal es objetiva y tradicional, mientras que la actuación natural intenta crear una ilusión para la audiencia al permanecer en el personaje e imitar las circunstancias ficticias. El actor formal simboliza mientras que el actor natural interpreta. El actor natural personifica mientras el actor formal representa el papel. Lo natural y lo formal son opuestos entre sí, donde la actuación natural es subjetiva. En general, el uso de estos estilos de actuación y el recurso dramático de los papeles duplicados hicieron que las obras isabelinas fueran muy populares. [48]
Uno de los principales usos del vestuario durante la época isabelina fue compensar la falta de escenografía, escenografía y utilería en el escenario. Creó un efecto visual para la audiencia y fue una parte integral de la actuación general. [49] Dado que el principal atractivo visual en el escenario eran los disfraces, a menudo eran de colores brillantes y visualmente fascinantes. Los colores simbolizaban la jerarquía social y los disfraces se hacían para reflejar eso. Por ejemplo, si un personaje fuera de la realeza, su disfraz incluiría el color púrpura. Los colores, así como los diferentes tejidos de los trajes, permitieron al público conocer el estado de cada personaje cuando apareció por primera vez en escena. [50]
Los disfraces se recogieron en el inventario. La mayoría de las veces, los disfraces no se hacían individualmente para adaptarse al actor. En cambio, serían seleccionados entre las acciones que conservarían las compañías de teatro. Una compañía de teatro reutilizaba trajes cuando era posible y rara vez confeccionaba trajes nuevos. Los disfraces en sí eran caros, por lo que normalmente los jugadores usaban ropa contemporánea independientemente del período de la obra. Las piezas más caras fueron entregadas a personajes de clase alta porque el vestuario se utilizaba para identificar el estatus social en el escenario. Las telas dentro de una casa de juegos indicarían la riqueza de la propia empresa. Los tejidos más utilizados fueron: terciopelo, raso, seda, paño de oro, encaje y armiño. [51] Para personajes menos significativos, los actores usarían su propia ropa.
Los actores también dejaron ropa en su testamento para que la usen los siguientes actores. Los amos también dejaban ropa a los sirvientes en su testamento, pero a los sirvientes no se les permitía usar ropa elegante, sino que vendían la ropa a compañías de teatro. [50] En las épocas Tudor e Isabelina, había leyes que establecían que ciertas clases solo podían usar ropa adecuada a su estatus en la sociedad. Había una discriminación de estatus dentro de las clases. Las clases altas hacían alarde de su riqueza y poder a través de la apariencia de la ropa, sin embargo, las cortesanas y los actores eran las únicas excepciones, ya que la ropa representaba su "capital de trabajo", pero sólo se les permitía vestirse así mientras trabajaban . Si los actores pertenecían a una compañía de actuación autorizada, se les permitía vestirse por encima de su posición en la sociedad para papeles específicos en una producción. [52]
La creciente población de Londres, la creciente riqueza de su gente y su afición por el espectáculo produjeron una literatura dramática de notable variedad, calidad y extensión. Se escribieron alrededor de 3.000 obras para la escena isabelina y, aunque la mayoría de ellas se han perdido, al menos 543 permanecen. [53] [54]
Las personas que escribieron estas obras fueron principalmente hombres hechos a sí mismos de orígenes modestos. [g] Algunos de ellos fueron educados en Oxford o Cambridge , pero muchos no. Aunque William Shakespeare y Ben Jonson eran actores, la mayoría no parecen haber sido intérpretes, y no se sabe que ningún autor importante que entró en escena después de 1600 haya complementado sus ingresos con la actuación. Sus vidas estaban sujetas a los mismos niveles de peligro y mortalidad anterior que todos los que vivieron durante el período moderno temprano: Christopher Marlowe fue asesinado en una aparente pelea en una taberna, mientras que Ben Jonson mató a un actor en un duelo. Probablemente varios eran soldados.
A los dramaturgos normalmente se les pagaba en incrementos durante el proceso de escritura y, si su obra era aceptada, también recibían las ganancias de la representación de un día. Sin embargo, no eran propietarios de las obras que escribieron. Una vez que una obra se vendía a una empresa, ésta era propietaria de la misma y el dramaturgo no tenía control sobre el reparto, la interpretación, la revisión o la publicación.
La profesión de dramaturgo era desafiante y estaba lejos de ser lucrativa. [56] Las entradas en el Diario de Philip Henslowe muestran que en los años alrededor de 1600 Henslowe pagaba tan sólo £6 o £7 por obra. Probablemente esto se encontraba en el extremo inferior del rango, aunque ni siquiera los mejores escritores podrían exigir mucho más. Un dramaturgo, trabajando solo, generalmente podía producir como máximo dos obras al año. En la década de 1630, Richard Brome firmó un contrato con el Salisbury Court Theatre para presentar tres obras al año, pero no pudo cumplir con la carga de trabajo. Shakespeare produjo menos de 40 obras en solitario en una carrera que abarcó más de dos décadas: tuvo éxito financiero porque era actor y, lo más importante, accionista de la compañía para la que actuaba y de los teatros que utilizaba. Ben Jonson logró el éxito como proveedor de máscaras de la corte y tenía talento para jugar el juego del mecenazgo que era una parte importante de la vida social y económica de la época. A los que eran puramente dramaturgos les fue mucho menos bien: las biografías de figuras tempranas como George Peele y Robert Greene , y las posteriores como Brome y Philip Massinger , están marcadas por la incertidumbre financiera, las luchas y la pobreza.
Los dramaturgos afrontaron la limitación natural de su productividad combinándose en equipos de dos, tres, cuatro e incluso cinco para generar textos de obra. La mayoría de las obras escritas en esta época fueron colaboraciones, y los artistas solistas que generalmente evitaban los esfuerzos colaborativos, como Jonson y Shakespeare, fueron la excepción a la regla. Dividir el trabajo, por supuesto, significaba dividir los ingresos; pero el acuerdo parece haber funcionado lo suficientemente bien como para que valiera la pena. De las más de 70 obras conocidas del canon de Thomas Dekker , aproximadamente 50 son colaboraciones. En un solo año (1598) Dekker trabajó en 16 colaboraciones para el empresario Philip Henslowe y ganó 30 libras esterlinas, o un poco menos de 12 chelines por semana, aproximadamente el doble que el ingreso promedio de un artesano de 1 chelín . por día. [57] Al final de su carrera, Thomas Heywood afirmaría haber tenido "una mano entera, o al menos un dedo principal" en la autoría de unas 220 obras. Un solista normalmente necesitaba meses para escribir una obra de teatro (aunque se dice que Jonson hizo Volpone en cinco semanas); El Diario de Henslowe indica que un equipo de cuatro o cinco escritores podría producir una obra en tan solo dos semanas. Sin embargo, es cierto que el Diario también muestra que los equipos de dramaturgos de la casa de Henslowe ( Anthony Munday , Robert Wilson , Richard Hathwaye , Henry Chettle y los demás, incluido incluso un joven John Webster) podían iniciar un proyecto y aceptar avances en él, pero no logran producir nada digno de ser escenificado. [58]
Las líneas amarillas cortas indican 27 años: la edad promedio en la que estos autores comenzaron su carrera como dramaturgos.
Los géneros de la época incluían la obra de historia , que describía la historia inglesa o europea. Las obras de Shakespeare sobre la vida de reyes, como Ricardo III y Enrique V , pertenecen a esta categoría, al igual que Eduardo II de Christopher Marlowe y la famosa Crónica del rey Eduardo I de George Peele . Las obras de historia también trataban de acontecimientos más recientes, como A Larum for London , que dramatiza el saqueo de Amberes en 1576. Una obra más conocida, La batalla de Alcázar de Peele (c. 1591), describe la batalla de Alcácer Quibir en 1578.
La tragedia era un género muy popular. Las tragedias de Marlowe tuvieron un éxito excepcional, como Dr. Fausto y El judío de Malta . Al público le gustaron especialmente los dramas de venganza , como La tragedia española , de Thomas Kyd . Las cuatro tragedias consideradas las más grandes de Shakespeare ( Hamlet , Otelo , El rey Lear y Macbeth ) se compusieron durante este período.
Las comedias también eran comunes. Un subgénero desarrollado en este período fue la comedia urbana , que trata satíricamente la vida en Londres al estilo de la nueva comedia romana . Algunos ejemplos son The Shoemaker 's Holiday, de Thomas Dekker , y A Chaste Maid in Cheapside, de Thomas Middleton .
Aunque marginados, los géneros más antiguos como la pastoral ( La fiel pastora , 1608) e incluso la obra moral ( Cuatro obras en una , ca. 1608-13) podrían ejercer influencias. Aproximadamente después de 1610, el nuevo subgénero híbrido de la tragicomedia disfrutó de un florecimiento, al igual que la máscara durante los reinados de los dos primeros reyes Estuardo , Jaime I y Carlos I.
Las obras de teatro sobre temas bíblicos eran comunes, siendo David y Betsabe de Peele uno de los pocos ejemplos supervivientes.
Sólo se imprimió una minoría de las obras del teatro renacentista inglés. De las 220 obras de Heywood, sólo unas 20 se publicaron en forma de libro. [59] En todo el período se publicaron poco más de 600 obras de teatro, la mayoría de las veces en ediciones individuales en cuarto . (Las ediciones recopiladas más grandes, como las de las obras de Shakespeare , Ben Jonson y Beaumont y Fletcher , fueron un desarrollo tardío y limitado). Durante gran parte de la era moderna, se pensó que los textos de las obras de teatro eran elementos populares entre los lectores del Renacimiento que proporcionaban ganancias saludables. para los papeleros que los imprimieron y vendieron. A principios del siglo XXI, el clima de opinión académica cambió un poco respecto de esta creencia: algunos investigadores contemporáneos sostienen que publicar obras de teatro era un negocio arriesgado y marginal [60] , aunque otros han cuestionado esta conclusión. [61] Algunos de los editores más exitosos del Renacimiento inglés, como William Ponsonby o Edward Blount , rara vez publicaban obras de teatro.
Un pequeño número de obras de la época sobrevivieron no en textos impresos sino en forma manuscrita . [h]
El creciente movimiento puritano era hostil hacia el teatro, ya que sentían que el "entretenimiento" era pecaminoso. Políticamente, los dramaturgos y actores eran clientes de la monarquía y la aristocracia, y la mayoría apoyaba la causa realista. La facción puritana, durante mucho tiempo poderosa en Londres, obtuvo el control de la ciudad a principios de la Primera Guerra Civil Inglesa , y el 2 de septiembre de 1642, el Parlamento Largo , impulsado por el partido parlamentario , bajo influencia puritana , prohibió la representación de obras de teatro en Londres. aunque no ordenó, contrariamente a lo que comúnmente se afirma, el cierre, y mucho menos la destrucción, de los propios teatros:
Considerando que el angustiado Estado de Irlanda, empapado en su propia sangre, y el distraído Estado de Inglaterra, amenazado con una nube de sangre por una guerra civil, exigen todos los medios posibles para apaciguar y evitar la ira de Dios, que aparece en estos Juicios; entre los cuales, el ayuno y la oración, que a menudo se ha intentado que sean muy eficaces, se han recomendado últimamente y todavía se recomiendan; y considerando que los deportes públicos no concuerdan con las calamidades públicas, ni las obras de teatro públicas con las estaciones de la humillación, siendo este un ejercicio de solemnidad triste y piadosa, y el otro son espectáculos de placer, que con demasiada frecuencia expresan alegría y ligereza lascivas: Por lo tanto, los Lores y los Comunes reunidos en este Parlamento consideran apropiado, y lo ordenan, que, mientras continúen estas tristes causas y estos tiempos de humillación establecidos, cesarán y desaparecerán las obras de teatro públicas, en lugar de las que se recomiendan al pueblo. de esta Tierra las consideraciones provechosas y oportunas del Arrepentimiento, la Reconciliación y la Paz con Dios, que probablemente puedan producir Paz y Prosperidad externas, y traer nuevamente Tiempos de Gozo y Alegría a estas Naciones.
— Oficina de papelería de Su Majestad , Actas y ordenanzas del interregno, 1642-1660 , "Septiembre de 1642: Orden de cese de las obras de teatro" [62]
La Ley pretende que la prohibición sea temporal ("... mientras estas tristes causas y Tiempos de Humillación establecidos continúen, las Obras de Teatro Público cesarán y desaparecerán") pero no le asigna un límite de tiempo.
Incluso después de 1642, durante la Guerra Civil Inglesa y el subsiguiente Interregno ( Commonwealth Inglesa ), continuó algo de teatro renacentista inglés. Por ejemplo, las autoridades permitieron las obras cómicas breves llamadas "drolls" , mientras que las obras de larga duración estaban prohibidas. Los edificios del teatro no se cerraron, sino que se utilizaron para fines distintos a la puesta en escena de obras de teatro. [i]
La representación de obras de teatro permaneció prohibida durante la mayor parte de los siguientes dieciocho años, y volvió a permitirse después de la Restauración de la monarquía en 1660. Los teatros comenzaron a representar muchas de las obras de la época anterior, aunque a menudo en formas adaptadas. Pronto evolucionaron nuevos géneros de comedia y espectáculo de la Restauración , que dieron al teatro inglés de finales del siglo XVII su carácter distintivo.
Cronología de la compañía de juegos del Renacimiento inglés
Esta línea de tiempo traza la existencia de las principales compañías teatrales inglesas desde 1572 (" Acta para el castigo de Vacabondes ", que restringía legalmente la actuación a los actores con un mecenas de grado suficiente) hasta 1642 (el cierre de los teatros por el Parlamento ). Antes de 1572 existían una variedad de actores ambulantes, e incluso las primeras compañías con sede en Londres. Las situaciones eran a menudo fluidas y gran parte de esta historia es oscura; Este cronograma implica necesariamente una mayor precisión de la que existe en algunos casos. Las etiquetas de la izquierda indican los nombres más comunes de las empresas. Los segmentos de la barra indican el usuario específico. En el caso de las empresas infantiles (situación jurídica distinta), se señalan algunos fundadores.
