El rock es un género amplio de música popular que se originó en Estados Unidos, pero también en Reino Unido, a fines de la década de 1950 y principios de la de 1960, desarrollando una gran cantidad de subgéneros, incluidos el heavy metal y el punk rock . Tiene sus raíces en el rock and roll de las décadas de 1940 y 1950, un estilo que se inspiró directamente en los géneros del blues , el rhythm and blues y la música country . El rock también se nutrió fuertemente de géneros como el blues eléctrico y el folk , e incorporó influencias del jazz y otros estilos musicales. Para la instrumentación, el rock se centra en la guitarra eléctrica , generalmente como parte de un grupo de rock con bajo eléctrico , batería y uno o más cantantes. Por lo general, el rock es música basada en canciones con un4
4El rock es un género musical que utiliza una forma de verso-estribillo , pero se ha vuelto extremadamente diverso. Al igual que la música pop , las letras a menudo enfatizan el amor romántico, pero también abordan una amplia variedad de otros temas que con frecuencia son sociales o políticos. El rock fue el género musical más popular en los EE. UU. y gran parte del mundo occidental desde la década de 1950 hasta la década de 2010.
Los músicos de rock de mediados de los años 1960 comenzaron a hacer avanzar el álbum por delante del sencillo como la forma dominante de expresión y consumo de música grabada, con los Beatles a la vanguardia de este desarrollo. Sus contribuciones le dieron al género una legitimidad cultural en la corriente principal e iniciaron una era de álbumes con influencia del rock en la industria musical durante las siguientes décadas. A finales de los años 1960, el período de " rock clásico " [3] , habían surgido algunos subgéneros de música rock distintos, incluidos híbridos como el blues rock , el folk rock , el country rock , el rock sureño , el raga rock y el jazz rock , que contribuyeron al desarrollo del rock psicodélico , influenciado por la escena psicodélica e hippie contracultural . Los nuevos géneros que surgieron incluyeron el rock progresivo , que amplió los elementos artísticos, y el glam rock , que destacó el espectáculo y el estilo visual. En la segunda mitad de los años 1970, el punk rock reaccionó produciendo críticas sociales y políticas despojadas y enérgicas. El punk influyó en la década de 1980 en el new wave , el post-punk y, finalmente, el rock alternativo .
A partir de la década de 1990, el rock alternativo comenzó a dominar la música rock e irrumpió en la corriente principal en forma de grunge , britpop y rock indie . Desde entonces han surgido otros subgéneros de fusión, incluidos el pop-punk , el rock electrónico , el rap rock y el rap metal . Algunos movimientos fueron intentos conscientes de revisar la historia del rock, incluido el resurgimiento del garage rock / post-punk en la década de 2000. Desde la década de 2010, el rock ha perdido su posición como el género musical popular preeminente en la cultura mundial, pero sigue siendo comercialmente exitoso. La creciente influencia del hip-hop y la música electrónica de baile se puede ver en la música rock, especialmente en la escena techno-pop de principios de la década de 2010 y el resurgimiento del pop-punk-hip-hop de la década de 2020.
El rock también ha encarnado y servido como vehículo para movimientos culturales y sociales, dando lugar a importantes subculturas, entre ellas los mods y los rockeros en el Reino Unido, el movimiento hippie y el movimiento de contracultura occidental más amplio que se extendió desde San Francisco en los EE. UU. en la década de 1960, el último de los cuales continúa hasta nuestros días. De manera similar, la cultura punk de la década de 1970 engendró las subculturas gótica , punk y emo . Heredera de la tradición folclórica de la canción de protesta , la música rock se ha asociado con el activismo político , así como con los cambios en las actitudes sociales hacia la raza, el sexo y el consumo de drogas, y a menudo se la considera una expresión de la revuelta juvenil contra el consumismo y la conformidad de los adultos . Al mismo tiempo, ha tenido un gran éxito comercial, lo que ha dado lugar a acusaciones de traición .
Una buena definición del rock, de hecho, es que es música popular a la que, hasta cierto punto, no le importa si es popular.
— Bill Wyman en Vulture (2016) [4]
El sonido del rock se centra tradicionalmente en la guitarra eléctrica amplificada , que surgió en su forma moderna en la década de 1950 con la popularidad del rock and roll. [5] También estuvo muy influenciado por los sonidos de los guitarristas de blues eléctrico . [6] El sonido de una guitarra eléctrica en la música rock suele estar respaldado por un bajo eléctrico, que fue pionero en la música jazz en la misma época, [7] y por la percusión producida por una batería que combina tambores y platillos. [8] Este trío de instrumentos a menudo se ha complementado con la inclusión de otros instrumentos, en particular teclados como el piano, el órgano Hammond y el sintetizador. [9] La instrumentación básica del rock se derivó de la instrumentación básica de la banda de blues (guitarra principal prominente, segundo instrumento de acordes, bajo y batería). [6] Un grupo de músicos que interpretan música rock se denomina banda de rock o grupo de rock. Además, normalmente consta de entre tres (el trío de potencia ) y cinco miembros. Clásicamente, una banda de rock toma la forma de un cuarteto cuyos miembros cubren uno o más roles, incluyendo vocalista, guitarrista principal, guitarrista rítmico, bajista, baterista y, a menudo, teclista u otro instrumentista. [10]
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La música rock se construye tradicionalmente sobre una base de ritmos sincopados simples en un4
4 compás , con un contragolpe repetitivo de caja en los tiempos dos y cuatro. [11] Las melodías a menudo se originan en modos musicales más antiguos como el dórico y el mixolidio , así como en modos mayores y menores . Las armonías van desde la tríada común hasta cuartas y quintas perfectas paralelas y progresiones armónicas disonantes. [11] Desde finales de la década de 1950, [12] y particularmente desde mediados de la década de 1960 en adelante, la música rock a menudo utilizó la estructura verso-estribillo derivada del blues y la música folk, pero ha habido una variación considerable de este modelo. [13] Los críticos han enfatizado el eclecticismo y la diversidad estilística del rock. [14] Debido a su compleja historia y su tendencia a tomar prestado de otras formas musicales y culturales, se ha argumentado que "es imposible vincular la música rock a una definición musical rígidamente delineada". [15] En opinión del periodista musical Robert Christgau , "el mejor rock traslada las virtudes del arte popular (directividad, utilidad, audiencia natural) al presente con dosis de tecnología moderna y disociación modernista ". [16]
El rock and roll fue concebido como una salida para los anhelos adolescentes... Hacer rock and roll es también una forma ideal de explorar las intersecciones del sexo, el amor, la violencia y la diversión, de difundir los placeres y las limitaciones de lo regional y de abordar las depredaciones y los beneficios de la propia cultura de masas .
— Robert Christgau en Guía de registros de Christgau (1981) [17]
A diferencia de muchos estilos anteriores de música popular, las letras del rock han tratado una amplia gama de temas, incluido el amor romántico, el sexo, la rebelión contra " The Establishment ", las preocupaciones sociales y los estilos de vida. [11] Estos temas fueron heredados de una variedad de fuentes como la tradición pop de Tin Pan Alley , la música folk y el rhythm and blues . [18] Christgau caracteriza las letras del rock como un "medio cool" con una dicción simple y estribillos repetidos, y afirma que la "función" principal del rock "pertenece a la música o, más generalmente, al ruido ". [19] A menudo se ha observado el predominio de músicos blancos, hombres y, a menudo, de clase media en la música rock, [20] y el rock ha sido visto como una apropiación de formas musicales negras para un público joven, blanco y en gran parte masculino. [21] Como resultado, también se ha visto que articula las preocupaciones de este grupo tanto en el estilo como en las letras. [22] Christgau, escribiendo en 1972, dijo que a pesar de algunas excepciones, "el rock and roll generalmente implica una identificación de la sexualidad y la agresión masculinas". [23]
Desde que el término "rock" comenzó a usarse en lugar de "rock and roll" a fines de la década de 1960, generalmente se lo ha contrastado con la música pop, con la que comparte muchas características, pero de la que a menudo se distancia por un énfasis en la musicalidad, la interpretación en vivo y un enfoque en temas serios y progresivos como parte de una ideología de autenticidad que a menudo se combina con una conciencia de la historia y el desarrollo del género. [24] Según Simon Frith , el rock era "algo más que pop, algo más que rock and roll" y "los músicos de rock combinaban un énfasis en la habilidad y la técnica con el concepto romántico del arte como expresión artística, original y sincera". [24]
En el nuevo milenio, el término rock se ha utilizado ocasionalmente como un término general que incluye formas como la música pop, la música reggae , la música soul e incluso el hip hop , con el que ha sido influenciado pero a menudo contrastado a lo largo de gran parte de su historia. [25] Christgau ha utilizado el término de manera amplia para referirse a la música popular y semipopular que satisface su sensibilidad como "un rockero", incluida una afición por un buen ritmo, una letra significativa con algo de ingenio y el tema de la juventud, que tiene una "atracción eterna" tan objetiva "que toda la música juvenil participa de la sociología y el informe de campo ". Escribiendo en Christgau's Record Guide: The '80s (1990), dijo que esta sensibilidad es evidente en la música de la cantautora folk Michelle Shocked , el rapero LL Cool J y el dúo de synth-pop Pet Shop Boys —"todos jóvenes trabajando en sus identidades"— tanto como en la música de Chuck Berry , los Ramones y los Replacements . [26]
Los cimientos de la música rock están en el rock and roll, que se originó en Estados Unidos a fines de la década de 1940 y principios de la de 1950, y se extendió rápidamente a gran parte del resto del mundo. Sus orígenes inmediatos se encuentran en una fusión de varios géneros musicales negros de la época, incluido el rhythm and blues y la música gospel , con el country y el western . [27]
El debate rodea las muchas grabaciones que se han sugerido como "el primer disco de rock and roll ". Entre los contendientes se incluyen " Strange Things Happening Every Day " de Sister Rosetta Tharpe (1944); [28] " That's All Right " de Arthur Crudup (1946), [29] que luego fue versionada por Elvis Presley en 1954; " The House of Blue Lights " de Ella Mae Morse y Freddie Slack (1946); [30] " Good Rocking Tonight " de Wynonie Harris (1948); [31] "Rock Awhile" de Goree Carter (1949); [32] " Rock the Joint " de Jimmy Preston (1949), también versionada por Bill Haley & His Comets en 1952; [33] y « Rocket 88 » de Jackie Brenston y sus Delta Cats (en realidad, Ike Turner y su banda Kings of Rhythm ), grabada por Sam Phillips para Chess Records en 1951. [34]
En 1951, el disc jockey de Cleveland, Ohio, Alan Freed, comenzó a tocar música rhythm and blues (en aquel entonces denominada " música racial ") para un público multirracial, y se le atribuye el uso por primera vez de la frase "rock and roll" para describir la música. [35] Cuatro años más tarde, " Rock Around the Clock " (1954) de Bill Haley se convirtió en la primera canción de rock and roll en encabezar las listas de ventas y reproducción de la revista Billboard , y abrió la puerta a nivel mundial para esta nueva ola de cultura popular. [36] [37] Otros artistas con éxitos tempranos de rock and roll fueron Chuck Berry , Bo Diddley , Fats Domino , Little Richard , Jerry Lee Lewis y Gene Vincent . [34] Pronto el rock and roll se convirtió en la principal fuerza en las ventas de discos estadounidenses y los cantantes , como Eddie Fisher , Perry Como y Patti Page , que habían dominado la década anterior de la música popular, vieron su acceso a las listas de éxitos del pop significativamente restringido. [38]
Se ha considerado que el rock and roll dio lugar a varios subgéneros distintos, incluido el rockabilly, que combina el rock and roll con la música country "hillbilly", que generalmente tocaban y grababan a mediados de la década de 1950 cantantes blancos como Carl Perkins , Jerry Lee Lewis, Buddy Holly y, con el mayor éxito comercial, Elvis Presley . [39] Los movimientos hispanoamericanos y latinoamericanos en el rock and roll, que eventualmente conducirían al éxito del rock latino y el rock chicano en los EE. UU., comenzaron a surgir en el suroeste ; con el músico estándar de rock and roll Ritchie Valens e incluso aquellos dentro de otros géneros heredados, como Al Hurricane junto con sus hermanos Tiny Morrie y Baby Gaby, cuando comenzaron a combinar el rock and roll con el country- western dentro de la música tradicional de Nuevo México . [40] Además, la década de 1950 vio el crecimiento de la popularidad de la guitarra eléctrica y el desarrollo de un estilo de interpretación específicamente rock and roll a través de exponentes como Chuck Berry, Link Wray y Scotty Moore . [41] El uso de la distorsión , iniciado por guitarristas de swing occidental como Junior Barnard [42] y Eldon Shamblin, fue popularizado por Chuck Berry a mediados de la década de 1950. [43] El uso de acordes de potencia , iniciado por Francisco Tárrega y Heitor Villa-Lobos en el siglo XIX y más tarde por Willie Johnson y Pat Hare a principios de la década de 1950, fue popularizado por Link Wray a fines de la década de 1950. [44]
Los comentaristas han percibido tradicionalmente un declive del rock and roll a finales de los años 50 y principios de los 60. En 1959, la muerte de Buddy Holly, Big Bopper y Ritchie Valens en un accidente aéreo, la marcha de Elvis al ejército, el retiro de Little Richard para convertirse en predicador, los procesos contra Jerry Lee Lewis y Chuck Berry y el estallido del escándalo de los sobornos (que implicaba a importantes figuras, entre ellas Alan Freed, en sobornos y corrupción en la promoción de actos o canciones individuales), dieron la sensación de que la era del rock and roll establecida en ese momento había llegado a su fin. [45]
El rock se extendió rápidamente desde sus orígenes en los EE. UU., asociado con la rápida americanización que se estaba produciendo a nivel mundial después de la Segunda Guerra Mundial . [46] A Cliff Richard se le atribuye uno de los primeros éxitos del rock and roll fuera de América del Norte con " Move It " (1959), que marcó el comienzo del sonido del rock británico . [47] Varios artistas, el más destacado Tommy Steele del Reino Unido, encontraron el éxito con versiones de los principales éxitos del rock and roll estadounidense antes de que las grabaciones pudieran difundirse internacionalmente, a menudo traduciéndolas a los idiomas locales cuando era necesario. [48] [49] Steele, en particular, realizó giras por Gran Bretaña, Escandinavia, Australia, la URSS y Sudáfrica de 1955 a 1957, influyendo en la globalización del rock. [48] El disco de Johnny O'Keefe de 1958, " Wild One ", fue uno de los primeros éxitos del rock and roll australiano. [50] A finales de la década de 1950, así como en el mundo occidental influenciado por Estados Unidos, el rock era popular en estados comunistas como Yugoslavia, [51] y la URSS, [52] así como en regiones como Sudamérica. [49]
A finales de los años 1950 y principios de los 1960, los artistas de blues y blues rock estadounidenses , que habían sido superados por el auge del rock and roll en los EE. UU., encontraron nueva popularidad en el Reino Unido, visitando con exitosas giras. [53] El éxito de 1955 de Lonnie Donegan " Rock Island Line " fue una gran influencia y ayudó a desarrollar la tendencia de los grupos de música skiffle en todo el país, muchos de los cuales, incluidos los Quarrymen de John Lennon (más tarde los Beatles ), pasaron a tocar rock and roll. [54] Mientras que el antiguo mercado del rock and roll en los EE. UU. estaba dominado por el pop ligero y las baladas, los grupos de rock británicos en clubes y bailes locales estaban desarrollando un estilo más fuertemente influenciado por los pioneros del blues-rock, y estaban comenzando a tocar con una intensidad y un impulso que rara vez se encuentran en los actos estadounidenses blancos; [55] esta influencia continuaría dando forma al futuro de la música rock a través de la Invasión Británica . [53]
Los primeros cuatro años de la década de 1960 se han considerado tradicionalmente como una era de pausa para el rock and roll. [56] Más recientemente, algunos autores [ palabras equívocas ] han enfatizado importantes innovaciones y tendencias en este período sin las cuales los desarrollos futuros no habrían sido posibles. [57] [58] Si bien el rock and roll temprano, particularmente a través del advenimiento del rockabilly, vio el mayor éxito comercial para los intérpretes masculinos y blancos, en esta era, el género estaba dominado por artistas negros y femeninos. El rock and roll no había desaparecido por completo de la música a fines de la década de 1950 y algo de su energía se puede ver en las diversas modas de baile de principios de la década de 1960, iniciadas por el disco de Chubby Checker " The Twist " (1960). [58] [nb 1] Algunos historiadores de la música también han señalado importantes e innovadores desarrollos técnicos que se basaron en el rock and roll en este período, incluido el tratamiento electrónico del sonido por parte de innovadores como Joe Meek y los elaborados métodos de producción del Muro del Sonido aplicados por Phil Spector . [58]
El rock and roll instrumental de artistas como Duane Eddy , Link Wray y The Ventures fue desarrollado por Dick Dale , quien agregó una distintiva reverberación "húmeda" , punteo alternativo rápido e influencias de Medio Oriente y México . Produjo el éxito regional " Let's Go Trippin ' " en 1961 y lanzó la locura de la música surf, siguiendo con canciones como " Misirlou " (1962). [62] Al igual que Dale y sus Del-Tones , la mayoría de las primeras bandas de surf se formaron en el sur de California, incluidos los Bel-Airs , los Challengers y Eddie & the Showmen . [62] Los Chantays obtuvieron un éxito nacional entre los diez primeros con " Pipeline " en 1963 y probablemente la melodía de surf más conocida fue " Wipe Out " de 1963, de los Surfaris , que alcanzó el número 2 y el número 10 en las listas de Billboard en 1965. [63] El surf rock también fue popular en Europa durante este tiempo, con el grupo británico The Shadows logrando éxitos a principios de la década de 1960 con instrumentales como " Apache " y " Kon-Tiki ", mientras que el grupo de surf sueco Spotnicks tuvo éxito tanto en Suecia como en Gran Bretaña.
La música surf alcanzó su mayor éxito comercial como música pop vocal, en particular el trabajo de los Beach Boys , formados en 1961 en el sur de California. Sus primeros álbumes incluían tanto surf rock instrumental (entre ellos versiones de música de Dick Dale) como canciones vocales, basándose en el rock and roll y el doo wop y las armonías cercanas de grupos de pop vocal como Four Freshmen . [64] El primer éxito de los Beach Boys, " Surfin ' ", en 1961 alcanzó el top 100 de Billboard y ayudó a hacer de la locura de la música surf un fenómeno nacional. [65] A menudo se argumenta que la locura de la música surf y las carreras de casi todos los grupos de surf terminaron efectivamente con la llegada de la Invasión Británica a partir de 1964, porque la mayoría de los éxitos de la música surf se grabaron y lanzaron entre 1960 y 1965. [66] [nb 2]
A finales de 1962, lo que se convertiría en la escena del rock británico había comenzado con grupos beat como los Beatles , Gerry & the Pacemakers y los Searchers de Liverpool y Freddie and the Dreamers , Herman's Hermits y los Hollies de Manchester. Se basaron en una amplia gama de influencias estadounidenses, incluido el rock and roll de los años 50, el soul, el rhythm and blues y la música surf, [67] inicialmente reinterpretando melodías estadounidenses estándar y tocando para bailarines. Bandas como los Animals de Newcastle y Them de Belfast , [68] y particularmente las de Londres como los Rolling Stones y los Yardbirds , fueron influenciadas mucho más directamente por el rhythm and blues y más tarde por la música blues. [69] Pronto estos grupos estaban componiendo su propio material, combinando formas de música estadounidenses e infundiéndoles un ritmo de alta energía. Las bandas beat tendían a producir "melodías alegres e irresistibles", mientras que los primeros grupos de blues británicos tendían a producir canciones menos sexualmente inocentes y más agresivas, adoptando a menudo una postura antisistema. Sin embargo, hubo, particularmente en las primeras etapas, un cruce musical considerable entre las dos tendencias. [70] En 1963, liderados por los Beatles, los grupos beat habían comenzado a lograr un éxito nacional en Gran Bretaña, y pronto fueron seguidos en las listas por los grupos más centrados en el rhythm and blues. [71]
« I Want to Hold Your Hand » fue el primer éxito número uno de los Beatles en la lista Billboard Hot 100 , [72] permaneciendo siete semanas en la cima y un total de 15 semanas en la lista. [73] [74] Su primera aparición en The Ed Sullivan Show el 9 de febrero de 1964, atrayendo a un estimado de 73 millones de espectadores (en ese momento un récord para un programa de televisión estadounidense) se considera un hito en la cultura pop estadounidense. Durante la semana del 4 de abril de 1964, los Beatles ocuparon 12 posiciones en la lista de sencillos Billboard Hot 100 , incluidos los cinco primeros puestos. Los Beatles se convirtieron en la banda de rock con mayores ventas de todos los tiempos y fueron seguidos en las listas estadounidenses por numerosas bandas británicas. [70] Durante los dos años siguientes, los artistas británicos dominaron sus propias listas y las de Estados Unidos con Peter and Gordon , The Animals, [75] Manfred Mann , Petula Clark , [75] Freddie and the Dreamers, Wayne Fontana and the Mindbenders , Herman's Hermits, The Rolling Stones, [76] The Troggs y Donovan [77] todos con uno o más sencillos número uno. [73] Otros artistas importantes que fueron parte de la invasión incluyeron a The Kinks y Dave Clark Five . [78] [79]
La Invasión Británica ayudó a internacionalizar la producción de rock and roll, abriendo la puerta para que los intérpretes británicos (e irlandeses) posteriores lograran el éxito internacional. [80] En Estados Unidos, podría decirse que supuso el fin de la música surf instrumental, los grupos vocales de chicas y (por un tiempo) los ídolos adolescentes , que habían dominado las listas estadounidenses a finales de los años 1950 y 1960. [81] Afectó las carreras de actos establecidos de R&B como Fats Domino y Chubby Checker e incluso descarriló temporalmente el éxito en las listas de los actos de rock and roll sobrevivientes, incluido Elvis. [82] La Invasión Británica también jugó un papel importante en el surgimiento de un género distinto de música rock y consolidó la primacía del grupo de rock, basado en guitarras y batería y produciendo su propio material como cantautores. [83] Siguiendo el ejemplo del LP Rubber Soul de los Beatles de 1965 en particular, otros grupos de rock británicos lanzaron álbumes de rock concebidos como declaraciones artísticas en 1966, incluidos Aftermath de los Rolling Stones , Revolver de los Beatles y A Quick One de los Who , así como grupos estadounidenses como los Beach Boys ( Pet Sounds ) y Bob Dylan ( Blonde on Blonde ). [84]
El garage rock era una forma cruda de música rock, particularmente frecuente en Norteamérica a mediados de los años 1960 y llamado así debido a la percepción de que se ensayaba en el garaje familiar suburbano. [85] [86] Las canciones de garage rock a menudo giraban en torno a los traumas de la vida en la escuela secundaria, con canciones sobre "chicas mentirosas" y circunstancias sociales injustas siendo particularmente comunes. [87] Las letras y la entrega tendían a ser más agresivas de lo que era común en ese momento, a menudo con voces gruñonas o gritadas que se disolvían en gritos incoherentes. [85] Variaban desde música cruda de un solo acorde (como los Seeds ) hasta calidad de músico de estudio (incluidos los Knickerbockers , los Remains y los Fifth Estate ). También hubo variaciones regionales en muchas partes del país con escenas florecientes particularmente en California y Texas. [87] Los estados del noroeste del Pacífico de Washington y Oregón tenían quizás [ ¿según quién? ] el sonido regional más definido. [88]
El estilo había estado evolucionando desde las escenas regionales ya en 1958. "Tall Cool One" (1959) de los Wailers y " Louie Louie " de los Kingsmen (1963) son ejemplos convencionales del género en sus etapas formativas. [89] En 1963, los sencillos de bandas de garage estaban entrando en las listas nacionales en mayor número, incluidos Paul Revere and the Raiders (Boise), [90] the Trashmen (Minneapolis) [91] y the Rivieras (South Bend, Indiana). [92] Otras bandas de garage influyentes, como los Sonics (Tacoma, Washington), nunca llegaron al Billboard Hot 100. [ 93]
La invasión británica influyó enormemente en las bandas de garage, proporcionándoles una audiencia nacional, lo que llevó a muchas (a menudo grupos de surf o hot rod ) a adoptar una influencia británica y alentó a muchos más grupos a formarse. [87] Miles de bandas de garage existían en los Estados Unidos y Canadá durante la época y cientos produjeron éxitos regionales. [87] A pesar de que decenas de bandas firmaron con importantes sellos regionales, la mayoría fueron fracasos comerciales. En general, se acepta que el garage rock alcanzó su punto máximo tanto comercial como artístico alrededor de 1966. [87] En 1968, el estilo desapareció en gran medida de las listas nacionales y a nivel local, ya que los músicos aficionados se enfrentaron a la universidad, el trabajo o el reclutamiento . [87] Habían surgido nuevos estilos para reemplazar al garage rock. [87] [nb 3]
Aunque el primer impacto de la Invasión Británica en la música popular estadounidense fue a través de actos basados en el beat y el R&B, el impulso fue rápidamente retomado por una segunda ola de bandas que se inspiraron más directamente en el blues estadounidense , incluidos los Rolling Stones y los Yardbirds . [95] Los músicos de blues británicos de finales de la década de 1950 y principios de la de 1960 se habían inspirado en la forma de tocar acústica de figuras como Lead Belly , que fue una gran influencia en la moda del skiffle, y Robert Johnson . [96] Cada vez más adoptaron un sonido amplificado fuerte, a menudo centrado en la guitarra eléctrica, basado en el blues de Chicago , particularmente después de la gira por Gran Bretaña de Muddy Waters en 1958, que impulsó a Cyril Davies y al guitarrista Alexis Korner a formar la banda Blues Incorporated . [97] La banda involucró e inspiró a muchas de las figuras del posterior boom del blues británico , incluidos miembros de los Rolling Stones y Cream , combinando estándares y formas de blues con instrumentación y énfasis de rock. [55]
El otro foco clave del blues británico fue John Mayall ; su banda, los Bluesbreakers , incluyó a Eric Clapton (después de la salida de Clapton de los Yardbirds) y más tarde a Peter Green . Particularmente significativo fue el lanzamiento del álbum Blues Breakers with Eric Clapton (Beano) (1966), considerado una de las grabaciones seminales del blues británico y cuyo sonido fue muy emulado tanto en Gran Bretaña como en los Estados Unidos. [98] Eric Clapton formó los supergrupos Cream, Blind Faith y Derek and the Dominos , seguidos de una extensa carrera en solitario que ayudó a llevar el blues rock a la corriente principal. [97] Green, junto con la sección rítmica de Bluesbreaker Mick Fleetwood y John McVie , formó Fleetwood Mac de Peter Green , que disfrutó de algunos de los mayores éxitos comerciales del género. [97] A finales de los años 1960 Jeff Beck , también ex alumno de los Yardbirds, llevó el blues rock en dirección al heavy rock con su banda, Jeff Beck Group . [97] El último guitarrista de los Yardbirds fue Jimmy Page , quien luego formó The New Yardbirds que rápidamente se convirtió en Led Zeppelin . Muchas de las canciones de sus primeros tres álbumes, y ocasionalmente más tarde en sus carreras, fueron expansiones de canciones de blues tradicionales. [97]
En Estados Unidos, el blues rock fue iniciado a principios de los años 1960 por el guitarrista Lonnie Mack , [99] pero el género comenzó a despegar a mediados de los años 1960 a medida que los grupos desarrollaron un sonido similar al de los músicos de blues británicos. Los actos clave incluyeron a Paul Butterfield (cuya banda actuó como Mayall's Bluesbreakers en Gran Bretaña como punto de partida para muchos músicos exitosos), Canned Heat , los primeros Jefferson Airplane , Janis Joplin , Johnny Winter , la J. Geils Band y Jimi Hendrix con sus power trios , la Jimi Hendrix Experience (que incluía a dos miembros británicos y se fundó en Gran Bretaña) y Band of Gypsys , cuyo virtuosismo con la guitarra y su sentido del espectáculo estarían entre los más emulados de la década. [97] Las bandas de blues rock de los estados del sur, como Allman Brothers Band , Lynyrd Skynyrd y ZZ Top , incorporaron elementos country a su estilo para producir el género distintivo Southern rock . [100]
Las primeras bandas de blues rock solían emularse al jazz, tocando improvisaciones largas y complejas, que luego serían un elemento importante del rock progresivo. Desde aproximadamente 1967, bandas como Cream y Jimi Hendrix Experience se habían alejado de la música puramente basada en el blues hacia la psicodelia . [101] En la década de 1970, el blues rock se había vuelto más pesado y basado más en riffs, ejemplificado por el trabajo de Led Zeppelin y Deep Purple , y las líneas entre el blues rock y el hard rock "eran apenas visibles", [101] a medida que las bandas comenzaron a grabar álbumes de estilo rock. [101] El género fue continuado en la década de 1970 por figuras como George Thorogood y Pat Travers , [97] pero, particularmente en la escena británica (excepto quizás por el advenimiento de grupos como Status Quo y Foghat que se inclinaron por una forma de boogie rock repetitivo y de alta energía ), las bandas se centraron en la innovación del heavy metal , y el blues rock comenzó a salir de la corriente principal. [102]
En la década de 1960, la escena que se había desarrollado a partir del resurgimiento de la música folk estadounidense había crecido hasta convertirse en un movimiento importante, que utilizaba música tradicional y nuevas composiciones en un estilo tradicional, generalmente con instrumentos acústicos. [103] En Estados Unidos, el género fue iniciado por figuras como Woody Guthrie y Pete Seeger y a menudo se lo identificaba con la política progresista o laboral . [103] A principios de los sesenta, figuras como Joan Baez y Bob Dylan habían pasado a primer plano en este movimiento como cantautores. [104] Dylan había comenzado a llegar a un público general con éxitos como " Blowin' in the Wind " (1963) y " Masters of War " (1963), que llevaron las " canciones de protesta " a un público más amplio, [105] pero, aunque comenzaron a influirse mutuamente, el rock y la música folk habían permanecido como géneros en gran medida separados, a menudo con audiencias mutuamente excluyentes. [106]
Los primeros intentos de combinar elementos de folk y rock incluyeron " House of the Rising Sun " (1964) de los Animals, que fue la primera canción folk de éxito comercial grabada con instrumentación de rock and roll [107] y " I'm a Loser " (1964) de los Beatles , posiblemente la primera canción de los Beatles en ser influenciada directamente por Dylan. [108] Se suele pensar que el movimiento folk rock despegó con la grabación de " Mr. Tambourine Man " de Dylan por parte de los Byrds , que encabezó las listas en 1965. [106] Con miembros que habían sido parte de la escena folk de los cafés de Los Ángeles, los Byrds adoptaron la instrumentación de rock, incluyendo tambores y guitarras Rickenbacker de 12 cuerdas , que se convirtieron en un elemento importante en el sonido del género. [106] Más tarde ese año, Dylan adoptó instrumentos eléctricos, para gran indignación de muchos puristas del folk, y su " Like a Rolling Stone " se convirtió en un sencillo de éxito en Estados Unidos. [106] Según Ritchie Unterberger , Dylan (incluso antes de su adopción de instrumentos eléctricos) influyó en músicos de rock como los Beatles, demostrando "a la generación del rock en general que un álbum podía ser una declaración independiente importante sin sencillos exitosos", como en The Freewheelin' Bob Dylan (1963). [109]
El folk rock despegó particularmente en California, donde llevó a grupos como Mamas & the Papas y Crosby, Stills y Nash a pasarse a la instrumentación eléctrica, y en Nueva York, donde engendró a artistas como Lovin' Spoonful y Simon and Garfunkel , con el acústico " The Sounds of Silence " (1965) de este último siendo remezclado con instrumentos de rock para ser el primero de muchos éxitos. [106] Estos actos influyeron directamente en artistas británicos como Donovan y Fairport Convention . [106] En 1969, Fairport Convention abandonó su mezcla de versiones estadounidenses y canciones influenciadas por Dylan para tocar música folclórica tradicional inglesa con instrumentos eléctricos. [110] Este folk-rock británico fue adoptado por bandas como Pentangle , Steeleye Span y Albion Band , lo que a su vez impulsó a grupos irlandeses como Horslips y a grupos escoceses como JSD Band , Spencer's Feat y más tarde Five Hand Reel , a utilizar su música tradicional para crear una marca de rock celta a principios de los años 1970. [111]
El folk-rock alcanzó su pico de popularidad comercial en el período 1967-68, antes de que muchos grupos se desviaran en diversas direcciones, incluidos Dylan y los Byrds, quienes comenzaron a desarrollar el country rock . [112] Sin embargo, se ha visto que la hibridación del folk y el rock ha tenido una gran influencia en el desarrollo de la música rock, incorporando elementos de psicodelia y ayudando a desarrollar las ideas del cantautor, la canción de protesta y los conceptos de "autenticidad". [106] [113]
La onda inspirada en el LSD de la música psicodélica comenzó en la escena folk. [114] El primer grupo en publicitarse como rock psicodélico fueron los 13th Floor Elevators de Texas. [114] Los Beatles introdujeron muchos de los elementos principales del sonido psicodélico al público en este período, como el feedback de guitarra , el sitar indio y los efectos de sonido de backmasking . [115] El rock psicodélico despegó particularmente en la escena musical emergente de California cuando los grupos siguieron el cambio de los Byrds del folk al folk rock a partir de 1965. [115] El estilo de vida psicodélico, que giraba en torno a las drogas alucinógenas, ya se había desarrollado en San Francisco y productos particularmente destacados de la escena fueron Big Brother and the Holding Company , Grateful Dead y Jefferson Airplane . [115] [116] El guitarrista principal de The Jimi Hendrix Experience , Jimi Hendrix, hizo jams extensos, distorsionados y llenos de retroalimentación que se convirtieron en una característica clave de la psicodelia. [115] El rock psicodélico alcanzó su apogeo en los últimos años de la década. En 1967, los Beatles lanzaron su declaración psicodélica definitiva en Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band , que incluía la controvertida canción " Lucy in the Sky with Diamonds ", los Rolling Stones respondieron más tarde ese año con Their Satanic Majesties Request , [115] y Pink Floyd debutó con The Piper at the Gates of Dawn . Las grabaciones clave incluyeron Surrealistic Pillow de Jefferson Airplane y el álbum debut homónimo de los Doors . Estas tendencias alcanzaron su punto máximo en el festival de Woodstock de 1969 , que vio actuaciones de la mayoría de los principales actos psicodélicos. [115]
Sgt. Pepper fue considerado más tarde como el mejor álbum de todos los tiempos y un punto de partida para la era del álbum , durante la cual la música rock pasó del formato de sencillos a álbumes y alcanzó legitimidad cultural en la corriente principal. [117] Liderados por los Beatles a mediados de la década de 1960, [118] los músicos de rock impulsaron el LP como la forma dominante de expresión y consumo de música grabada, iniciando una era de álbumes con influencia del rock en la industria de la música durante las siguientes décadas. [119]
El rock progresivo, un término que a veces se usa indistintamente con el rock artístico , fue más allá de las fórmulas musicales establecidas al experimentar con diferentes instrumentos, tipos de canciones y formas. [120] Desde mediados de la década de 1960 , Left Banke , los Beatles, los Rolling Stones y los Beach Boys fueron pioneros en la inclusión de clavicordios , secciones de viento y cuerdas en sus grabaciones para producir una forma de rock barroco y se puede escuchar en sencillos como " A Whiter Shade of Pale " (1967) de Procol Harum , con su introducción inspirada en Bach . [121] Los Moody Blues utilizaron una orquesta completa en su álbum Days of Future Passed (1967) y posteriormente crearon sonidos orquestales con sintetizadores. [120] La orquestación clásica, los teclados y los sintetizadores fueron una adición frecuente al formato de rock establecido de guitarras, bajo y batería en el rock progresivo posterior. [122]
Los instrumentales eran comunes, mientras que las canciones con letras a veces eran conceptuales, abstractas o basadas en la fantasía y la ciencia ficción. [123] SF Sorrow (1968) de Pretty Things , Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire) (1969) de The Kinks y Tommy (1969) de The Who introdujeron el formato de las óperas rock y abrieron la puerta a los álbumes conceptuales , a menudo contando una historia épica o abordando un gran tema general. [124] El álbum debut de King Crimson de 1969, In the Court of the Crimson King , que mezclaba potentes riffs de guitarra y mellotron , con jazz y música sinfónica , a menudo se toma como la grabación clave en el rock progresivo, lo que ayudó a la adopción generalizada del género a principios de la década de 1970 entre las bandas de blues-rock y psicodélicas existentes, así como entre los actos recién formados. [120] La vibrante escena de Canterbury vio a artistas que siguieron a Soft Machine desde la psicodelia, pasando por influencias del jazz, hacia el hard rock más expansivo, incluidos Caravan , Hatfield and the North , Gong y National Health . [125] El grupo francés Magma alrededor del baterista Christian Vander creó casi por sí solo el nuevo género musical zeuhl con sus primeros álbumes a principios de la década de 1970. [126]
Un mayor éxito comercial lo disfrutó Pink Floyd, que también se alejó de la psicodelia después de la salida de Syd Barrett en 1968, con The Dark Side of the Moon (1973), considerado una obra maestra del género, convirtiéndose en uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos. [127] Hubo un énfasis en el virtuosismo instrumental, con Yes mostrando las habilidades tanto del guitarrista Steve Howe como del teclista Rick Wakeman , mientras que Emerson, Lake & Palmer fue un supergrupo que produjo algunos de los trabajos técnicamente más exigentes del género. [120] Jethro Tull y Genesis persiguieron marcas de música muy diferentes, pero claramente inglesas. [128] Renaissance , formada en 1969 por los ex Yardbirds Jim McCarty y Keith Relf, evolucionó hasta convertirse en una banda de alto concepto que presentaba la voz de tres octavas de Annie Haslam . [129] La mayoría de las bandas británicas dependían de un culto relativamente pequeño, pero un puñado, incluyendo a Pink Floyd, Genesis y Jethro Tull, lograron producir sencillos top ten en casa y abrirse paso en el mercado estadounidense. [130] La marca estadounidense de rock progresivo variaba desde los eclécticos e innovadores Frank Zappa , Captain Beefheart y Blood, Sweat & Tears , [131] hasta bandas más orientadas al pop rock como Boston , Foreigner , Kansas , Journey y Styx . [120] Estas, además de las bandas británicas Supertramp y ELO , demostraron una influencia del rock progresivo y, aunque se encontraban entre los actos de mayor éxito comercial de la década de 1970, anunciaron la era de la pompa o el rock de estadio , que duraría hasta que los costos de los espectáculos complejos (a menudo con puesta en escena teatral y efectos especiales), fueran reemplazados por festivales de rock más económicos como lugares importantes en vivo en la década de 1990. [ cita requerida ]
La vertiente instrumental del género dio lugar a álbumes como Tubular Bells (1973) de Mike Oldfield , el primer disco y éxito mundial del sello Virgin Records , que se convirtió en un pilar del género. [120] El rock instrumental fue particularmente significativo en Europa continental, lo que permitió a bandas como Kraftwerk , Tangerine Dream , Can , Focus (banda) y Faust sortear la barrera del idioma. [132] Su " krautrock " cargado de sintetizadores , junto con el trabajo de Brian Eno (durante un tiempo teclista de Roxy Music ), sería una gran influencia en el rock electrónico posterior . [120] Con la llegada del punk rock y los cambios tecnológicos a finales de los años 1970, el rock progresivo fue cada vez más descartado por pretencioso y exagerado. [133] [134] Muchas bandas se separaron, pero algunas, incluidas Genesis, ELP, Yes y Pink Floyd, consiguieron regularmente álbumes entre los diez primeros con exitosas giras mundiales de acompañamiento. [94] Algunas bandas que surgieron después del punk, como Siouxsie and the Banshees , Ultravox y Simple Minds , mostraron la influencia del rock progresivo, así como sus influencias punk más habitualmente reconocidas. [135]
A finales de los años 1960, el jazz-rock surgió como un subgénero diferenciado de las escenas del blues-rock, el rock psicodélico y el rock progresivo, mezclando el poder del rock con la complejidad musical y los elementos improvisados del jazz. AllMusic afirma que el término jazz-rock "puede referirse a las bandas de fusión más ruidosas, salvajes y electrificadas del campo del jazz, pero la mayoría de las veces describe a los intérpretes que vienen del lado del rock de la ecuación". El jazz-rock "... generalmente surgió de los subgéneros del rock más ambiciosos artísticamente de finales de los años 60 y principios de los 70", incluido el movimiento de cantautores. [136] Muchos de los primeros músicos de rock and roll estadounidenses habían comenzado en el jazz y llevaron algunos de estos elementos a la nueva música. En Gran Bretaña, el subgénero del blues rock y muchas de sus figuras principales, como Ginger Baker y Jack Bruce de la banda liderada por Eric Clapton, Cream , habían surgido de la escena del jazz británico . A menudo se destaca como la primera grabación de jazz-rock real el único álbum de los relativamente oscuros Free Spirits , con sede en Nueva York, Out of Sight and Sound (1966). El primer grupo de bandas que utilizó conscientemente la etiqueta fueron bandas de rock blanco orientadas al R&B que hicieron uso de secciones de vientos jazzeros, como Electric Flag , Blood, Sweat & Tears y Chicago , para convertirse en algunos de los actos de mayor éxito comercial de finales de los años 1960 y principios de los años 1970. [137]
Los actos británicos que surgieron en el mismo período de la escena del blues, para hacer uso de los aspectos tonales e improvisados del jazz, incluyeron a Nucleus [138] y el spin-off de Graham Bond y John Mayall, Colosseum . Del rock psicodélico y las escenas de Canterbury surgió Soft Machine, quien, se ha sugerido, produjo una de las fusiones artísticamente exitosas de los dos géneros. Quizás la fusión más aclamada por la crítica vino del lado del jazz de la ecuación, con Miles Davis , particularmente influenciado por el trabajo de Hendrix, incorporando instrumentación de rock en su sonido para el álbum Bitches Brew (1970). Fue una gran influencia en los artistas de jazz con influencia del rock posteriores, incluidos Herbie Hancock , Chick Corea y Weather Report . [137] El género comenzó a desvanecerse a fines de la década de 1970, cuando una forma más suave de fusión comenzó a conquistar a su audiencia, [136] pero artistas como Steely Dan , [136] Frank Zappa y Joni Mitchell grabaron importantes álbumes influenciados por el jazz en este período, y ha seguido siendo una gran influencia en la música rock. [137]
Reflexionando sobre los avances que se produjeron en la música rock a principios de los años 1970, Robert Christgau escribió en Christgau's Record Guide: Rock Albums of the Seventies (1981): [17]
Por supuesto, la década es en sí misma un esquema arbitrario: el tiempo no realiza un giro ordenado hacia el futuro cada diez años. Pero, como muchos conceptos artificiales (como el dinero, por ejemplo), la categoría adquiere una realidad propia una vez que la gente descubre cómo ponerla en práctica. "Los años 60 se acabaron", un eslogan que recién se empezó a escuchar en 1972, movilizó a todos aquellos ansiosos por creer que el idealismo había pasado de moda y, una vez que se movilizaron, así fue. En la música popular, abrazar los años 70 significó tanto una retirada elitista de la desordenada escena de los conciertos y la contracultura como una búsqueda lucrativa del mínimo común denominador en la radio FM y el rock de álbumes .
El rock se convirtió en una industria multimillonaria durante esta década y duplicó su mercado , al tiempo que, como señaló Christgau, sufría una importante "pérdida de prestigio cultural". "Quizás los Bee Gees se hicieron más populares que los Beatles, pero nunca fueron más populares que Jesús ", dijo. "En la medida en que la música conservaba algún poder mítico, el mito era autorreferencial : había muchas canciones sobre la vida del rock and roll, pero muy pocas sobre cómo el rock podía cambiar el mundo, excepto como una nueva marca de analgésicos... En los años 70, los poderosos tomaron el poder, ya que los industriales del rock capitalizaron el estado de ánimo nacional para reducir la música potente a una especie de entretenimiento a menudo reaccionario, y para transmutar la base popular del rock de la audiencia al mercado". [17]
El rock de raíces es el término que se utiliza ahora para describir un alejamiento de lo que algunos veían como los excesos de la escena psicodélica, hacia una forma más básica de rock and roll que incorporaba sus influencias originales, en particular el blues, el country y la música folk, lo que llevó a la creación del country rock y el rock sureño. [139] En 1966, Bob Dylan fue a Nashville para grabar el álbum Blonde on Blonde . [140] Este y otros álbumes posteriores con una influencia más clara del country, como Nashville Skyline , han sido vistos como creadores del género country folk , una ruta seguida por varios músicos folk en gran parte acústicos. [140] Otros actos que siguieron la tendencia de regreso a lo básico fueron el grupo canadiense The Band y Creedence Clearwater Revival , con sede en California , que mezclaron rock and roll básico con folk, country y blues, para estar entre las bandas más exitosas e influyentes de finales de los años 1960. [141] El mismo movimiento vio el comienzo de las carreras discográficas de artistas solistas californianos como Ry Cooder , Bonnie Raitt y Lowell George , [142] e influyó en el trabajo de intérpretes consagrados como Beggar's Banquet (1968) de los Rolling Stones y Let It Be (1970) de los Beatles . [115] Reflexionando sobre este cambio de tendencias en la música rock en los últimos años, Christgau escribió en su columna de junio de 1970 en "Consumer Guide" que esta "nueva ortodoxia" y "rezago cultural" abandonaron las producciones improvisadas y ornamentadas en estudio a favor de un énfasis en la "instrumentación ajustada y sobria" y la composición de canciones: "Sus referentes son el rock de los años 50, la música country y el rhythm and blues, y su inspiración clave es The Band". [143]
En 1968, Gram Parsons grabó Safe at Home con la International Submarine Band , posiblemente el primer álbum de country rock verdadero . [144] Más tarde ese año se unió a los Byrds para Sweetheart of the Rodeo (1968), generalmente considerada una de las grabaciones más influyentes del género. [144] Los Byrds continuaron en la misma línea, pero Parsons se fue para que se le uniera otro ex miembro de los Byrds, Chris Hillman, para formar los Flying Burrito Brothers , quienes ayudaron a establecer la respetabilidad y los parámetros del género, antes de que Parsons se fuera para seguir una carrera en solitario. [144] Las bandas en California que adoptaron el country rock incluyeron a Hearts and Flowers, Poco , New Riders of the Purple Sage , [144] Beau Brummels , [144] y Nitty Gritty Dirt Band . [145] Algunos intérpretes también disfrutaron de un renacimiento al adoptar sonidos country, incluidos: los Everly Brothers; el ex ídolo adolescente Rick Nelson, que se convirtió en el líder de Stone Canyon Band; el ex Monkee Mike Nesmith, que formó First National Band ; y Neil Young . [144] Los Dillards fueron, inusualmente, un acto country, que se inclinó hacia la música rock. [144] El mayor éxito comercial del country rock llegó en la década de 1970, con artistas como los Doobie Brothers , Emmylou Harris , Linda Ronstadt and the Eagles (compuesto por miembros de Burritos, Poco y Stone Canyon Band), que emergieron como uno de los actos de rock más exitosos de todos los tiempos, produciendo álbumes que incluían Hotel California (1976). [146]
Generalmente se piensa que los fundadores del rock sureño fueron los Allman Brothers Band, quienes desarrollaron un sonido distintivo, derivado en gran medida del blues rock , pero incorporando elementos de boogie , soul y country a principios de la década de 1970. [100] El acto más exitoso que los siguió fue Lynyrd Skynyrd, quien ayudó a establecer la imagen de "Good ol' boy" del subgénero y la forma general del rock de guitarra de la década de 1970. [100] Sus sucesores incluyeron a los instrumentistas de fusión/progresivo Dixie Dregs , los Outlaws con más influencia country , Wet Willie con tendencia funk/R&B y (incorporando elementos de R&B y gospel) los Ozark Mountain Daredevils . [100] Después de la pérdida de los miembros originales de los Allmans y Lynyrd Skynyrd, el género comenzó a perder popularidad a fines de la década de 1970, pero se mantuvo en la década de 1980 con actos como .38 Special , Molly Hatchet y Marshall Tucker Band . [100]
El glam rock surgió de las escenas psicodélicas y de rock artístico inglesas de finales de los años 1960 y puede verse como una extensión y una reacción contra esas tendencias. [147] Musicalmente diverso, variando entre el simple resurgimiento del rock and roll de figuras como Alvin Stardust hasta el complejo rock artístico de Roxy Music, y puede verse tanto como una moda como un subgénero musical. [147] Visualmente era una mezcla de varios estilos, que iban desde el glamour de Hollywood de los años 30 , pasando por el atractivo sexual de las pin-ups de los años 50, la teatralidad del cabaret de antes de la guerra , los estilos literarios y simbolistas victorianos , la ciencia ficción, hasta el misticismo y la mitología antiguos y ocultos ; manifestándose en ropa escandalosa, maquillaje, peinados y botas con suela de plataforma. [148] El glam es más conocido por su ambigüedad sexual y de género y las representaciones de la androginia , además del uso extensivo de la teatralidad. [149] Fue prefigurado por el espectáculo y la manipulación de la identidad de género de actos estadounidenses como los Cockettes y Alice Cooper . [150]
Los orígenes del glam rock se asocian con Marc Bolan , quien había renombrado su dúo folk a T. Rex y había empezado a tocar instrumentos eléctricos a fines de la década de 1960. A menudo se cita como el momento de inicio su aparición en el programa musical de la BBC Top of the Pops en marzo de 1971 vistiendo purpurina y satenes, para interpretar lo que sería su segundo éxito Top 10 del Reino Unido (y su primer éxito número 1 en el Reino Unido), " Hot Love ". [151] A partir de 1971, ya una estrella menor, David Bowie desarrolló su personaje de Ziggy Stardust, incorporando elementos de maquillaje profesional, mimo y actuación en su acto. [152] Estos intérpretes pronto fueron seguidos en el estilo por actos como Roxy Music, Sweet , Slade , Mott the Hoople , Mud y Alvin Stardust . [152] Si bien tuvieron un gran éxito en las listas de sencillos en el Reino Unido, muy pocos de estos músicos pudieron tener un impacto serio en los Estados Unidos; Bowie fue la principal excepción al convertirse en una superestrella internacional e impulsar la adopción de estilos glam entre grupos como Lou Reed , Iggy Pop , New York Dolls y Jobriath , a menudo conocidos como "glitter rock" y con un contenido lírico más oscuro que sus contrapartes británicas. [153] En el Reino Unido, el término glitter rock se usó con mayor frecuencia para referirse a la versión extrema del glam seguida por Gary Glitter y sus músicos de apoyo Glitter Band , quienes entre ellos lograron dieciocho sencillos entre los diez primeros en el Reino Unido entre 1972 y 1976. [154] Una segunda ola de actos de glam rock, incluidos Suzi Quatro , Roy Wood 's Wizzard y Sparks , dominó las listas de sencillos británicas desde aproximadamente 1974 hasta 1976. [152] Los actos existentes, algunos de los cuales generalmente no se consideran centrales para el género, también adoptaron estilos glam, incluidos Rod Stewart , Elton John , Queen y, durante un tiempo, incluso los Rolling Stones. [152] También fue una influencia directa en los actos que saltaron a la fama más tarde, incluidos Kiss y Adam Ant , y menos directamente en la formación del rock gótico y el glam metal , así como en el punk rock, lo que ayudó a poner fin a la moda del glam desde aproximadamente 1976. [153] Desde entonces, el glam ha disfrutado de resurgimientos modestos esporádicos a través de bandas como Chainsaw Kittens ,la Oscuridad [155] y en el acto crossover de R&B Prince . [156]
Después de los primeros éxitos del rock latino en la década de 1960, músicos chicanos como Carlos Santana y Al Hurricane continuaron teniendo carreras exitosas a lo largo de la década de 1970. Santana abrió la década con éxito en su sencillo de 1970 " Black Magic Woman " en el álbum Abraxas . [157] Su tercer álbum Santana III produjo el sencillo "No One to Depend On", y su cuarto álbum Caravanserai experimentó con su sonido con una recepción mixta. [158] [159] Más tarde lanzó una serie de cuatro álbumes que alcanzaron el estatus de oro: Welcome , Borboletta , Amigos y Festivál . Al Hurricane continuó mezclando su música rock con la música de Nuevo México , aunque también estaba experimentando más intensamente con la música jazz , lo que dio lugar a varios sencillos exitosos, especialmente en su álbum Vestido Mojado , incluido el homónimo "Vestido Mojado", así como "Por una mujer casada" y "Puño de tierra"; Sus hermanos tuvieron sencillos exitosos de música de Nuevo México en "La Del Moño Colorado" de Tiny Morrie y "La Cumbia De San Antone" de Baby Gaby. [160] Al Hurricane Jr. también comenzó su exitosa carrera de grabación de música de Nuevo México con influencias del rock en la década de 1970, con su versión de 1976 de "Flor De Las Flores". [161] [162] Los Lobos ganaron popularidad en esta época, con su primer álbum Los Lobos del Este de Los Ángeles en 1977.
Una época extraña, 1971. Aunque la balcanización del rock en géneros ya estaba en marcha, a menudo era difícil distinguir una frase de la siguiente. " Art-rock " podía significar cualquier cosa, desde los Velvet hasta los Moody Blues , y aunque se lanzó Led Zeppelin y se celebró a Black Sabbath , el " heavy metal " siguió siendo un concepto amorfo.
—Robert Christgau [163]
Desde finales de la década de 1960 se hizo común dividir la música rock mainstream en soft rock y hard rock. El soft rock a menudo se derivaba del folk rock, utilizando instrumentos acústicos y poniendo más énfasis en la melodía y las armonías. [164] Los artistas principales incluyeron a Carole King , Cat Stevens y James Taylor . [164] Alcanzó su pico comercial a mediados y finales de la década de 1970 con actos como Billy Joel , America y el reformado Fleetwood Mac , cuyo Rumours (1977) fue el álbum más vendido de la década. [165] Por el contrario, el hard rock se derivaba más a menudo del blues-rock y se tocaba más fuerte y con más intensidad. [166] A menudo enfatizaba la guitarra eléctrica, tanto como un instrumento rítmico usando riffs repetitivos simples y como un instrumento principal solista, y era más probable que se usara con distorsión y otros efectos. [166] Los actos clave incluyeron bandas de la Invasión Británica como los Kinks, así como artistas de la era psicodélica como Cream, Jimi Hendrix y Jeff Beck Group . [166] Las bandas influenciadas por el hard rock que disfrutaron de éxito internacional a finales de la década de 1970 incluyeron a Queen, [167] Thin Lizzy , [168] Aerosmith , AC/DC , [166] y Van Halen .
Desde finales de los años 1960, el término "heavy metal" comenzó a usarse para describir un hard rock tocado con aún más volumen e intensidad, primero como adjetivo y, a principios de los años 1970, como sustantivo. [169] El término se utilizó por primera vez en la música en " Born to Be Wild " (1967) de Steppenwolf y comenzó a asociarse con bandas pioneras como Blue Cheer de San Francisco , James Gang de Cleveland y Grand Funk Railroad de Michigan . [170] Para 1970, tres bandas británicas clave habían desarrollado los sonidos y estilos característicos que ayudarían a dar forma al subgénero. Led Zeppelin agregó elementos de fantasía a su blues-rock cargado de riffs, Deep Purple trajo intereses sinfónicos y medievales de su fase de rock progresivo y Black Sabbath introdujo facetas de la armonía gótica y modal , ayudando a producir un sonido "más oscuro". [171] Estos elementos fueron retomados por una "segunda generación" de bandas de heavy metal a finales de la década de 1970, entre ellas: Judas Priest , UFO , Motörhead y Rainbow de Gran Bretaña; Kiss , Ted Nugent y Blue Öyster Cult de los EE. UU.; Rush de Canadá y Scorpions de Alemania, todas ellas marcando la expansión de la popularidad del subgénero. [171] A pesar de la falta de difusión y muy poca presencia en las listas de sencillos, el heavy metal de finales de la década de 1970 consiguió un número considerable de seguidores, sobre todo entre los adolescentes varones de clase trabajadora de América del Norte y Europa. [172] En la década de 1980, bandas como Bon Jovi , Guns N' Roses , Skid Row y Def Leppard tuvieron un éxito generalizado, con hard rock y una fusión de hard rock con pop. Durante la década de 1990, el hard rock experimentó un ligero descenso en popularidad, a excepción de algunos éxitos importantes como November Rain de Guns N' Roses . Pero a principios de la década de 2000, " It's My Life " de Bon Jovi generó un enorme aumento en la popularidad del rock y el pop rock y ayudó a introducir estos géneros a una nueva base de fans.
El rock, principalmente el género heavy metal, ha sido criticado por algunos líderes cristianos, quienes lo han condenado como inmoral, anticristiano e incluso satánico. [173] Sin embargo, el rock cristiano comenzó a desarrollarse a fines de la década de 1960, particularmente a partir del movimiento de Jesús que comenzó en el sur de California, y surgió como un subgénero en la década de 1970 con artistas como Larry Norman , generalmente visto como la primera "estrella" importante del rock cristiano. [174] El género fue principalmente un fenómeno en los Estados Unidos. [175] Muchos intérpretes de rock cristiano tienen vínculos con la escena de la música cristiana contemporánea . A partir de la década de 1980, los intérpretes de pop cristiano han tenido cierto éxito en la corriente principal. Si bien estos artistas fueron en gran medida aceptables en las comunidades cristianas, la adopción de estilos de heavy rock y glam metal por bandas como Stryper , que lograron un éxito considerable en la corriente principal en la década de 1980, fue más controvertida. [176] [177] A partir de la década de 1990 hubo un número cada vez mayor de actos que intentaron evitar la etiqueta de banda cristiana, prefiriendo ser vistos como grupos que también eran cristianos, incluido POD . [178]
El rock del corazón estadounidense orientado a la clase trabajadora, caracterizado por un estilo musical sencillo y una preocupación por las vidas de la gente común y trabajadora estadounidense, se desarrolló en la segunda mitad de la década de 1970. El término rock del corazón se utilizó por primera vez para describir a grupos de rock de estadios del Medio Oeste como Kansas , REO Speedwagon y Styx, pero que llegaron a asociarse con una forma de rock de raíces con mayor preocupación social más directamente influenciada por el folk, el country y el rock and roll. [179] Se ha visto como una contraparte del country rock de la Costa Oeste y el Rust Belt del Medio Oeste estadounidense y el rock sureño del sur estadounidense. [180] Liderado por figuras que inicialmente se habían identificado con el punk y la new wave, estuvo fuertemente influenciado por actos como Bob Dylan, los Byrds, Creedence Clearwater Revival y Van Morrison , y el rock básico del garage de los años 60 y los Rolling Stones. [181]
Ejemplificado por el éxito comercial de los cantautores Bruce Springsteen , Bob Seger y Tom Petty , junto con actos menos conocidos como Southside Johnny and the Asbury Jukes y Joe Grushecky and the Houserockers , fue en parte una reacción al declive urbano posindustrial en el Este y el Medio Oeste, a menudo centrándose en cuestiones de desintegración social y aislamiento, junto a una forma de revivalismo del rock and roll de buenos momentos. [181] El género alcanzó su pico comercial, artístico e influyente a mediados de la década de 1980, con Born in the USA (1984) de Springsteen, encabezando las listas de éxitos en todo el mundo y generando una serie de sencillos entre los diez primeros, junto con la llegada de artistas como John Mellencamp , Steve Earle y cantautores más amables como Bruce Hornsby . [181] También se puede escuchar como una influencia en artistas tan diversos como Billy Joel , [182] Kid Rock [183] y The Killers . [184]
El rock del corazón del país se fue desvaneciendo como género reconocido a principios de los años 1990, a medida que la música rock en general, y los temas de la clase trabajadora blanca y de cuello azul en particular, perdieron influencia entre el público más joven, y los artistas del corazón del país se volcaron hacia obras más personales. [181] Muchos artistas de rock del corazón del país continuaron grabando con éxito crítico y comercial, sobre todo Bruce Springsteen, Tom Petty y John Mellencamp, aunque su producción se volvió más personal y experimental, y ya no encajaba en un género específico. [185]
El punk rock se desarrolló entre 1974 y 1976 en Estados Unidos y el Reino Unido. Con raíces en el garage rock y otras formas de lo que ahora se conoce como música protopunk, las bandas de punk rock evitaron los excesos percibidos del rock convencional de los años 70. [186] Crearon música rápida y contundente, generalmente con canciones cortas, instrumentación simplificada y letras a menudo políticas y antisistema. El punk adopta una ética DIY (hazlo tú mismo) , y muchas bandas autoproducen sus grabaciones y las distribuyen a través de canales informales. [187]
A finales de 1976, grupos como los Ramones y Patti Smith , en la ciudad de Nueva York, y los Sex Pistols y The Clash , en Londres, fueron reconocidos como la vanguardia de un nuevo movimiento musical. [186] El año siguiente, el punk rock se extendió por todo el mundo. El punk rápidamente se convirtió en un fenómeno cultural importante en el Reino Unido. La escaramuza televisiva en vivo de los Sex Pistols con Bill Grundy el 1 de diciembre de 1976 fue el momento decisivo en la transformación del punk británico en un fenómeno mediático importante, incluso cuando algunas tiendas se negaron a almacenar los discos y la difusión radial era difícil de conseguir. [188] En mayo de 1977, los Sex Pistols alcanzaron nuevas cotas de controversia (y el número dos en la lista de sencillos) con una canción que hacía referencia a la reina Isabel II , " God Save the Queen ", durante su Jubileo de Plata . [189] En su mayor parte, el punk se arraigó en escenas locales que tendían a rechazar la asociación con la corriente principal. Surgió una subcultura punk asociada, que expresaba la rebelión juvenil y se caracterizaba por estilos de vestimenta distintivos y una variedad de ideologías antiautoritarias . [190]
A principios de la década de 1980, estilos más rápidos y agresivos como el hardcore y el Oi! se habían convertido en el modo predominante del punk rock. [191] Esto ha dado lugar a varias cepas evolucionadas del hardcore punk, como el D-beat (un subgénero cargado de distorsión influenciado por la banda británica Discharge ), el anarco-punk (como Crass ), el grindcore (como Napalm Death ) y el crust punk . [192] Los músicos que se identificaron con el punk o se inspiraron en él también persiguieron una amplia gama de otras variaciones, dando lugar al new wave , el post-punk y el movimiento del rock alternativo . [186]
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Aunque el punk rock fue un fenómeno social y musical significativo, logró menos en términos de ventas de discos (siendo distribuido por pequeños sellos especializados como Stiff Records ), [193] o difusión en la radio estadounidense (ya que la escena radial continuó siendo dominada por formatos convencionales como el disco y el rock orientado a los álbumes ). [194] El punk rock había atraído a devotos del mundo artístico y universitario y pronto bandas con un enfoque más culto y artístico, como Talking Heads y Devo, comenzaron a infiltrarse en la escena punk; en algunos sectores, la descripción "new wave" comenzó a usarse para diferenciar a estas bandas menos abiertamente punk. [195] Los ejecutivos discográficos, que habían estado en su mayoría desconcertados por el movimiento punk, reconocieron el potencial de los actos de new wave más accesibles y comenzaron a contratar y comercializar agresivamente a cualquier banda que pudiera afirmar una conexión remota con el punk o la new wave. [196] Muchas de estas bandas, como The Cars y The Go-Go's, pueden verse como bandas pop comercializadas como new wave; [197] Otros grupos ya existentes, como Police , Pretenders y Elvis Costello , utilizaron el movimiento new wave como trampolín para carreras relativamente largas y exitosas desde el punto de vista crítico, [198] mientras que las bandas de "corbatas delgadas" ejemplificadas por Knack , [199] o los fotogénicos Blondie , comenzaron como grupos punk y se trasladaron a un territorio más comercial. [200]
Entre 1979 y 1985, influenciada por Kraftwerk, Yellow Magic Orchestra , David Bowie y Gary Numan , la nueva ola británica se dirigió hacia nuevos románticos como Spandau Ballet , Ultravox , Japan , Duran Duran , A Flock of Seagulls , Culture Club , Talk Talk y Eurythmics , a veces usando el sintetizador para reemplazar todos los demás instrumentos. [201] Este período coincidió con el auge de MTV y condujo a una gran exposición para esta marca de synth-pop, creando lo que se ha caracterizado como una segunda invasión británica . [202] Algunas bandas de rock más tradicionales se adaptaron a la era del video y se beneficiaron de la difusión de MTV , la más obvia fue Dire Straits , cuyo " Money for Nothing " se burlaba suavemente de la estación, a pesar del hecho de que había ayudado a convertirlos en estrellas internacionales, [203] pero en general, el rock orientado a la guitarra fue eclipsado comercialmente. [204]
Si bien el hardcore perseguía más directamente la estética despojada del punk, y el new wave llegó a representar su ala comercial, el post-punk surgió a finales de los años 1970 y principios de los 1980 como su lado más artístico y desafiante. Las principales influencias además de las bandas punk fueron Velvet Underground , Frank Zappa y Captain Beefheart , y la escena no wave con base en Nueva York que ponía énfasis en la interpretación, incluyendo bandas como James Chance and the Contortions , DNA y Sonic Youth . [205] Los primeros contribuyentes al género incluyeron a las bandas estadounidenses Pere Ubu , Devo, The Residents y Talking Heads . [205]
La primera ola del post-punk británico incluyó a Gang of Four , Siouxsie and the Banshees y Joy Division , quienes pusieron menos énfasis en el arte que sus contrapartes estadounidenses y más en las oscuras cualidades emocionales de su música. [205] Bandas como Siouxsie and the Banshees, Bauhaus , The Cure y Sisters of Mercy , se movieron cada vez más en esta dirección para fundar el rock gótico, que se había convertido en la base de una importante subcultura a principios de la década de 1980. [206] Un territorio emocional similar fue perseguido por actos australianos como Birthday Party y Nick Cave . [205] Los miembros de Bauhaus y Joy Division exploraron un nuevo territorio estilístico como Love and Rockets y New Order respectivamente. [205] Otro movimiento post-punk temprano fue la música industrial [207] desarrollada por las bandas británicas Throbbing Gristle y Cabaret Voltaire , y la neoyorquina Suicide , que utilizaban una variedad de técnicas electrónicas y de muestreo que emulaban el sonido de la producción industrial y que se desarrollarían en una variedad de formas de música post-industrial en la década de 1980. [208]
La segunda generación de bandas post-punk británicas que irrumpieron a principios de los años 1980, incluyendo a The Fall , The Pop Group , The Mekons , Echo and the Bunnymen y The Teardrop Explodes , tendieron a alejarse de los paisajes sonoros oscuros. [205] Podría decirse que la banda más exitosa que surgió del post-punk fue U2 de Irlanda , que incorporó elementos de imaginería religiosa junto con comentarios políticos en su música a menudo himnaria, y a fines de los años 1980 se había convertido en una de las bandas más grandes del mundo. [209] Aunque muchas bandas post-punk continuaron grabando y actuando, decayó como movimiento a mediados de los años 1980 cuando los actos se disolvieron o se mudaron para explorar otras áreas musicales, pero ha seguido influyendo en el desarrollo de la música rock y ha sido visto como un elemento importante en la creación del movimiento de rock alternativo. [210]
El término rock alternativo fue acuñado a principios de los años 1980 para describir a los artistas de rock que no encajaban en los géneros mainstream de la época. Las bandas denominadas "alternativas" no tenían un estilo unificado, pero todas eran vistas como distintas de la música mainstream. Las bandas alternativas estaban vinculadas por su deuda colectiva con el punk rock, a través del hardcore, la new wave o los movimientos post-punk. [211] Las bandas de rock alternativo importantes de la década de 1980 en los EE. UU. incluyeron a REM , Hüsker Dü , Jane's Addiction , Sonic Youth y Pixies , [211] y en el Reino Unido The Cure , New Order , Jesus and Mary Chain y The Smiths . [212] Los artistas se limitaron en gran medida a sellos discográficos independientes , construyendo una extensa escena musical underground basada en la radio universitaria , fanzines, giras y el boca a boca. [213] Rechazaron el synth-pop dominante de principios de los años 1980, marcando un regreso al rock de guitarra basado en grupos. [214] [215] [216]
Pocas de estas primeras bandas lograron un éxito generalizado, aunque las excepciones a esta regla incluyen a REM, The Smiths y The Cure. A pesar de una falta general de ventas espectaculares de álbumes, las bandas originales de rock alternativo ejercieron una influencia considerable en la generación de músicos que alcanzaron la mayoría de edad en la década de 1980 y terminaron abriéndose paso hacia el éxito generalizado en la década de 1990. Los estilos de rock alternativo en los EE. UU. Durante la década de 1980 incluyeron el jangle pop , asociado con las primeras grabaciones de REM, que incorporaban las guitarras resonantes del pop y el rock de mediados de la década de 1960, y el college rock, utilizado para describir a las bandas alternativas que comenzaron en el circuito universitario y la radio universitaria, incluidos actos como 10,000 Maniacs y Feelies . [211] En el Reino Unido, el rock gótico fue dominante a principios de los 80, pero a finales de la década, el indie o dream pop [217] como Primal Scream , Bogshed , Half Man Half Biscuit y Wedding Present , y lo que se denominaron bandas shoegaze como My Bloody Valentine , Slowdive , Ride y Lush entraron. [218] Particularmente vibrante fue la escena de Madchester , produciendo bandas como Happy Mondays , Inspiral Carpets y Stone Roses . [212] [219] La siguiente década vería el éxito del grunge en los EE. UU. y el britpop en el Reino Unido, llevando el rock alternativo a la corriente principal.
Desilusionadas por el pop y el rock comercializados y altamente producidos a mediados de la década de 1980, las bandas en el estado de Washington (particularmente en el área de Seattle ) formaron un nuevo estilo de rock que contrastaba marcadamente con la música mainstream de la época. [220] El género en desarrollo llegó a ser conocido como "grunge", un término descriptivo del sonido sucio de la música y la apariencia descuidada de la mayoría de los músicos, que se rebelaron activamente contra las imágenes demasiado arregladas de otros artistas. [220] El grunge fusionó elementos del hardcore punk y el heavy metal en un solo sonido, e hizo un uso intensivo de la distorsión de la guitarra , el fuzz y el feedback . [220] Las letras eran típicamente apáticas y llenas de angustia, y a menudo trataban temas como la alienación social y el entrampamiento, aunque también era conocido por su humor negro y sus parodias del rock comercial. [220]
Bandas como Green River , Soundgarden , Melvins y Skin Yard fueron pioneras en el género, siendo Mudhoney la más exitosa a finales de la década. El grunge siguió siendo en gran medida un fenómeno local hasta 1991, cuando el álbum Nevermind de Nirvana se convirtió en un gran éxito, conteniendo la canción himno « Smells Like Teen Spirit ». [221] Nevermind era más melódico que sus predecesores, al firmar con Geffen Records la banda fue una de las primeras en emplear mecanismos tradicionales de promoción y marketing corporativos como un video de MTV, exhibiciones en tiendas y el uso de «consultores» de radio que promovieron la difusión en las principales estaciones de rock mainstream. Durante 1991 y 1992, otros álbumes de grunge como Ten de Pearl Jam , Badmotorfinger de Soundgarden y Dirt de Alice in Chains , junto con el álbum Temple of the Dog con miembros de Pearl Jam y Soundgarden, se convirtieron en uno de los 100 álbumes más vendidos. [222] Los principales sellos discográficos contrataron a la mayoría de las bandas grunge restantes en Seattle, mientras que una segunda afluencia de actos se trasladó a la ciudad con la esperanza de tener éxito. [223] Sin embargo, con la muerte de Kurt Cobain y la posterior disolución de Nirvana en 1994, los problemas de gira de Pearl Jam y la salida del cantante principal de Alice in Chains, Layne Staley, en 1998, el género comenzó a declinar, en parte para ser eclipsado por el britpop y el post-grunge de sonido más comercial . [224]
El britpop surgió de la escena del rock alternativo británico de principios de los años 1990 y se caracterizó por bandas particularmente influenciadas por la música de guitarra británica de los años 1960 y 1970. [212] The Smiths fueron una influencia importante, al igual que las bandas de la escena Madchester , que se había disuelto a principios de los años 1990. [80] El movimiento ha sido visto en parte como una reacción contra varias tendencias musicales y culturales con base en Estados Unidos a fines de los años 1980 y principios de los años 1990, particularmente el fenómeno grunge y como una reafirmación de una identidad de rock británica. [212] El britpop era variado en estilo, pero a menudo usaba melodías y ganchos pegadizos, además de letras con preocupaciones particularmente británicas y la adopción de la iconografía de la Invasión Británica de los años 1960, incluidos los símbolos de la identidad británica previamente utilizados por los mods. [225] Se lanzó alrededor de 1993 con lanzamientos de grupos como Suede y Blur , a quienes pronto se unieron otros como Oasis , Pulp , Supergrass y Elastica , quienes produjeron una serie de álbumes y sencillos exitosos. [212] Durante un tiempo, la competencia entre Blur y Oasis fue construida por la prensa popular como la "Batalla del Britpop", inicialmente ganada por Blur, pero con Oasis logrando un mayor éxito a largo plazo e internacional, influyendo directamente en bandas de Britpop posteriores, como Ocean Colour Scene y Kula Shaker . [226] Los grupos de Britpop llevaron el rock alternativo británico a la corriente principal y formaron la columna vertebral de un movimiento cultural británico más grande conocido como Cool Britannia . [227] Aunque sus bandas más populares, particularmente Blur y Oasis, pudieron difundir su éxito comercial en el extranjero, especialmente en los Estados Unidos, el movimiento se había desmoronado en gran medida a fines de la década. [212]
The term post-grunge was coined for the generation of bands that followed the emergence into the mainstream and subsequent hiatus of the Seattle grunge bands. Post-grunge bands emulated their attitudes and music, but with a more radio-friendly commercially oriented sound.[224] Often they worked through the major labels and came to incorporate diverse influences from jangle pop, pop-punk, alternative metal or hard rock.[224] The term post-grunge originally was meant to be pejorative, suggesting that they were simply musically derivative, or a cynical response to an "authentic" rock movement.[228] Originally, grunge bands that emerged when grunge was mainstream and were suspected of emulating the grunge sound were pejoratively labelled as post-grunge.[228] From 1994, former Nirvana drummer Dave Grohl's new band, the Foo Fighters, helped popularize the genre and define its parameters.[229]
Some post-grunge bands, like Candlebox, were from Seattle, but the subgenre was marked by a broadening of the geographical base of grunge, with bands like Los Angeles' Audioslave, and Georgia's Collective Soul and beyond the US to Australia's Silverchair and Britain's Bush, who all cemented post-grunge as one of the most commercially viable subgenres of the late 1990s.[211][224] Although male bands predominated post-grunge, female solo artist Alanis Morissette's 1995 album Jagged Little Pill, labelled as post-grunge, also became a multi-platinum hit.[230] Post-grunge morphed during the late 1990s as post-grunge bands like Creed and Nickelback emerged.[228] Bands like Creed and Nickelback took post-grunge into the 21st century with considerable commercial success, abandoning most of the angst and anger of the original movement for more conventional anthems, narratives and romantic songs, and were followed in this vein by newer acts including Shinedown, Seether, 3 Doors Down and Puddle of Mudd.[228]
The origins of 1990s pop-punk can be seen in the more song-oriented bands of the 1970s punk movement like Buzzcocks and the Clash, commercially successful new wave acts such as the Jam and the Undertones, and the more hardcore-influenced elements of alternative rock in the 1980s.[231] Pop-punk tends to use power-pop melodies and chord changes with speedy punk tempos and loud guitars.[232] Punk music provided the inspiration for some California-based bands on independent labels in the early 1990s, including Rancid and Green Day.[231] In 1994 Green Day moved to a major label and produced the album Dookie, which found a new, largely teenage, audience and proved a surprise diamond-selling success, leading to a series of hit singles, including two number ones in the US.[211] They were soon followed by the eponymous debut from Weezer, which spawned three top ten singles in the US.[233] This success opened the door for the multi-platinum sales of metallic punk band the Offspring with Smash (1994).[211] This first wave of pop punk reached its commercial peak with Green Day's Nimrod (1997) and the Offspring's Americana (1998).[234]
A second wave of pop-punk was spearheaded by Blink-182, with their breakthrough album Enema of the State (1999), followed by bands such as Good Charlotte, Simple Plan and Sum 41, who made use of humour in their videos and had a more radio-friendly tone to their music, while retaining the speed, some of the attitude and even the look of 1970s punk.[231] Later pop-punk bands, including All Time Low, the All-American Rejects and Fall Out Boy, had a sound that has been described as closer to 1980s hardcore, while still achieving commercial success.[231]
In the 1980s the terms indie rock and alternative rock were used interchangeably.[235] By the mid-1990s, as elements of the movement began to attract mainstream interest, particularly grunge and then Britpop, post-grunge and pop-punk, the term alternative began to lose its meaning.[235] Those bands following the less commercial contours of the scene were increasingly referred to by the label indie.[235] They characteristically attempted to retain control of their careers by releasing albums on their own or small independent labels, while relying on touring, word-of-mouth, and airplay on independent or college radio stations for promotion.[235] Linked by an ethos more than a musical approach, the indie rock movement encompassed a wide range of styles, from hard-edged, grunge-influenced bands like the Cranberries and Superchunk, through do-it-yourself experimental bands like Pavement, to punk-folk singers such as Ani DiFranco.[211][212] It has been noted that indie rock has a relatively high proportion of female artists compared with preceding rock genres, a tendency exemplified by the development of feminist-informed Riot grrrl music.[236] Many countries have developed an extensive local indie scene, flourishing with bands with enough popularity to survive inside the respective country, but virtually unknown outside them.[237]
By the end of the 1990s many recognisable subgenres, most with their origins in the late 1980s alternative movement, were included under the umbrella of indie. Lo-fi eschewed polished recording techniques for a D.I.Y. ethos and was spearheaded by Beck, Sebadoh and Pavement.[211] The work of Talk Talk and Slint helped inspire both post rock, an experimental style influenced by jazz and electronic music, pioneered by Bark Psychosis and taken up by acts such as Tortoise, Stereolab, and Laika,[238][239] as well as leading to more dense and complex, guitar-based math rock, developed by acts like Polvo and Chavez.[240] Space rock looked back to progressive roots, with drone heavy and minimalist acts like Spacemen 3, the two bands created out of its split, Spectrum and Spiritualized, and later groups including Flying Saucer Attack, Godspeed You! Black Emperor and Quickspace.[241] In contrast, Sadcore emphasised pain and suffering through melodic use of acoustic and electronic instrumentation in the music of bands like American Music Club and Red House Painters,[242] while the revival of baroque pop reacted against lo-fi and experimental music by placing an emphasis on melody and classical instrumentation, with artists like Arcade Fire, Belle and Sebastian and Rufus Wainwright.[243]
Alternative metal emerged from the hardcore scene of alternative rock in the US in the later 1980s, but gained a wider audience after grunge broke into the mainstream in the early 1990s.[244] Early alternative metal bands mixed a wide variety of genres with hardcore and heavy metal sensibilities, with acts like Jane's Addiction and Primus using progressive rock, Soundgarden and Corrosion of Conformity using garage punk, the Jesus Lizard and Helmet mixing noise rock, Ministry and Nine Inch Nails influenced by industrial music, Monster Magnet moving into psychedelia, Pantera, Sepultura and White Zombie creating groove metal, while Biohazard, Limp Bizkit and Faith No More turned to hip hop and rap.[244]
Hip hop had gained attention from rock acts in the early 1980s, including the Clash with "The Magnificent Seven" (1980) and Blondie with "Rapture" (1980).[245][246] Early crossover acts included Run DMC and the Beastie Boys.[247] Detroit rapper Esham became known for his "acid rap" style, which fused rapping with a sound that was often based in rock and heavy metal.[248][249] Rappers who sampled rock songs included Ice-T, the Fat Boys, LL Cool J, Public Enemy and Whodini.[250] The mixing of thrash metal and rap was pioneered by Anthrax on their 1987 comedy-influenced single "I'm the Man".[250]
In 1990, Faith No More broke into the mainstream with their single "Epic", often seen as the first truly successful combination of heavy metal with rap.[251] This paved the way for the success of existing bands like 24-7 Spyz and Living Colour, and new acts including Rage Against the Machine and Red Hot Chili Peppers, who all fused rock and hip hop among other influences.[250][252] Among the first wave of performers to gain mainstream success as rap rock were 311,[253] Bloodhound Gang,[254] and Kid Rock.[255] A more metallic sound – nu metal – was pursued by bands including Limp Bizkit, Korn and Slipknot.[250] Later in the decade this style, which contained a mix of grunge, punk, metal, rap and turntable scratching, spawned a wave of successful bands like Linkin Park, P.O.D. and Staind, who were often classified as rap metal or nu metal, the first of which are the best-selling band of the genre.[256]
In 2001, nu metal reached its peak with albums like Staind's Break the Cycle, P.O.D's Satellite, Slipknot's Iowa and Linkin Park's Hybrid Theory. New bands also emerged like Disturbed, Godsmack and Papa Roach, whose major label début Infest became a platinum hit.[257] Korn's long-awaited fifth album Untouchables, and Papa Roach's second album Lovehatetragedy, did not sell as well as their previous releases, while nu metal bands were played more infrequently on rock radio stations and MTV began focusing on pop punk and emo.[258] Since then, many bands have changed to a more conventional hard rock, heavy metal, or electronic music sound.[258]
From about 1997, as dissatisfaction grew with the concept of Cool Britannia, and Britpop as a movement began to dissolve, emerging bands began to avoid the Britpop label while still producing music derived from it.[259][260] Many of these bands tended to mix elements of British traditional rock (or British trad rock),[261] particularly the Beatles, Rolling Stones and Small Faces,[262] with American influences, including post-grunge.[263][264] Drawn from across the United Kingdom (with several important bands emerging from the north of England, Scotland, Wales and Northern Ireland), the themes of their music tended to be less parochially centered on British, English and London life and more introspective than had been the case with Britpop at its height.[265][266] This, beside a greater willingness to engage with the American press and fans, may have helped some of them in achieving international success.[267] Several alternative bands that had enjoyed some success during the mid-1990s, but did not find major commercial success until the late 1990s included the Verve and Radiohead. After the decline of Britpop they began to gain more critical and popular attention. The Verve's album Urban Hymns (1997) was a worldwide hit, and Radiohead achieved near-universal critical acclaim with their experimental third album OK Computer (1997), as well as its follow-up Kid A (2000).
Post-Britpop bands have been seen as presenting the image of the rock star as an ordinary person and their increasingly melodic music was criticised for being bland or derivative.[268] Post-Britpop bands like Travis from The Man Who (1999), Stereophonics from Performance and Cocktails (1999), Feeder from Echo Park (2001), and particularly Coldplay from their debut album Parachutes (2000), achieved much wider international success than most of the Britpop groups that had preceded them, and were some of the most commercially successful acts of the late 1990s and early 2000s, arguably providing a launchpad for the subsequent garage rock revival and post-punk revival, which has also been seen as a reaction to their introspective brand of rock.[264][269][270][271]
Post-hardcore developed in the US, particularly in the Chicago and Washington, DC areas, in the early to mid-1980s, with bands that were inspired by the do-it-yourself ethics and guitar-heavy music of hardcore punk, but influenced by post-punk, adopting longer song formats, more complex musical structures and sometimes more melodic vocal styles.[272]
Emo also emerged from the hardcore scene in 1980s Washington, D.C., initially as "emocore", used as a term to describe bands who favored expressive vocals over the more common abrasive, barking style.[273] The early emo scene operated as an underground, with short-lived bands releasing small-run vinyl records on tiny independent labels.[273] Emo broke into mainstream culture in the early 2000s with the platinum-selling success of Jimmy Eat World's Bleed American (2001) and Dashboard Confessional's The Places You Have Come to Fear the Most (2003).[274] The new emo had a much more mainstream sound than in the 1990s and a far greater appeal amongst adolescents than its earlier incarnations.[274] At the same time, use of the term emo expanded beyond the musical genre, becoming associated with fashion, a hairstyle and any music that expressed emotion.[275] By 2003 post-hardcore bands had also caught the attention of major labels and began to enjoy mainstream success in the album charts.[citation needed] A number of these bands were seen as a more aggressive offshoot of emo and given the often vague label of screamo.[276]
In the early 2000s, a new group of bands that played a stripped down and back-to-basics version of guitar rock, emerged into the mainstream. They were variously characterised as part of a garage rock, post-punk or New Wave revival.[277][278][279][280] Because the bands came from across the globe, cited diverse influences (from traditional blues, through New Wave to grunge), and adopted differing styles of dress, their unity as a genre has been disputed.[281] There had been attempts to revive garage rock and elements of punk in the 1980s and 1990s and by 2000 scenes had grown up in several countries.[282]
The commercial breakthrough from these scenes was led by four bands: the Strokes, who emerged from the New York club scene with their début album Is This It (2001); the White Stripes, from Detroit, with their third album White Blood Cells (2001); the Hives from Sweden after their compilation album Your New Favourite Band (2001); and the Vines from Australia with Highly Evolved (2002).[283] They were christened by the media as the "The" bands, and dubbed "The saviours of rock 'n' roll", leading to accusations of hype.[284] A second wave of bands that gained international recognition due to the movement included Black Rebel Motorcycle Club, the Killers, Interpol and Kings of Leon from the US,[285] the Libertines, Arctic Monkeys, Bloc Party, Kaiser Chiefs and Franz Ferdinand from the UK,[286] Jet and Wolfmother from Australia,[287] and the Datsuns and the D4 from New Zealand.[288]
In the 2000s, as computer technology became more accessible and music software advanced, it became possible to create high quality music using little more than a single laptop computer.[289] This resulted in a massive increase in the amount of home-produced electronic music available to the general public via the expanding internet,[290] and new forms of performance such as laptronica[289] and live coding.[291] These techniques also began to be used by existing bands and by developing genres that mixed rock with digital techniques and sounds, including indie electronic, electroclash, dance-punk and new rave.[citation needed]
During the 2010s, rock music declined from its position as the major popular music genre, now sharing with electronic dance and hip hop, the latter of which had surpassed it as the most consumed musical genre in the United States by 2017.[292][293][294] The rise of streaming and the advent of technology, which changed approaches toward music creation, were cited as major factors.[295] Ken Partridge of Genius suggested that hip-hop became more popular because it is a more transformative genre and does not need to rely on past sounds, and that there is a direct connection to the stagnation of rock music and changing social attitudes during the 2010s.[293] Bill Flanagan, in a 2016 opinion piece for The New York Times, compared the state of rock during this period to the state of jazz in the early 1980s, "slowing down and looking back."[296]
The rock bands which had chart success in the 2010s were mostly associated with the trends that had been popular in the 2000s and earlier decades rather than reflecting new scenes and sounds.[297] Some pop rock and hard rock bands continued to see commercial success during this period, including Ghost, Maroon 5, Twenty One Pilots, Fall Out Boy, Imagine Dragons, Halestorm, Panic! at the Disco, Black Veil Brides, Greta Van Fleet, and The Black Keys.[298][299][300] Outside of the charts, the commercialisation of rock festivals was a major theme of the decade, with both global megafestivals such as Coachella, Glastonbury and Roskilde, and smaller-scale local festivals expanding.[301]
In 2020, the COVID-19 pandemic brought extreme changes to the rock scene worldwide. Restrictions, such as quarantine rules, caused widespread cancellations and postponements of concerts, tours, festivals, album releases, award ceremonies, and competitions.[302][303][304][305][306] Some artists resorted to giving online performances to keep their careers active.[307] Another scheme to circumvent the quarantine limitations was used at a concert of Danish rock musician Mads Langer: the audience watched the performance from inside their cars, much like in a drive-in theater.[308] Musically, the pandemic led to a surge in new releases from the slower, less energetic, and more acoustic subgenres of rock music.[309][310] The industry raised funds to help itself through efforts such as Crew Nation, a relief fund for live music crews organised by Livenation.[311]
Psychedelic and progressive styles in rock would see a major resurgence in popularity during the 2010s and 2020s. Some of the most notable acts in neo-psychedelia originated in Australia; Kevin Parker's Tame Impala released the single "Elephant" in 2012, which became a hit on alternative radio in various countries, and would be followed by the release of critically acclaimed albums by Parker such as Lonerism (2012) and Currents (2015).[312][313][314] This new style of Australian psychedelic music not only built on the psychedelic and progressive rock acts of the '60s and '70s, but also incorporated new and unique musical influences from various subgenres of rock, heavy metal, EDM, and world music.[315] A 2014 article in The Guardian described Australia as a place where "independently minded rock bands are free to develop at their own pace".[316] Other Australian psychedelic and progressive revival acts of the 2010s and 2020s include King Gizzard & the Lizard Wizard, Psychedelic Porn Crumpets, Rolling Blackouts Coastal Fever, Bananagun, Jay Watson, The Murlocs, Stonefield, and Tropical Fuck Storm.[317][318]
Psychedelic trends in rock have also seen a revival in Europe, with European and American stoner rock groups such as Uncle Acid & the Deadbeats, Graveyard, Kadavar, All Them Witches, and True Widow performing a heavier, more riff-based version of neo-psychedelia containing stronger blues and metal influences.[319] Europe has been described as "really good" for new psychedelic music, with many American stoner rock bands choosing to tour in Europe as opposed to North America.[320]
At the start of the 2020s, recording artists in both pop and rap music released popular pop-punk-influenced recordings, many of them produced or assisted by Blink-182 drummer Travis Barker. Representing a commercial resurgence for the genre, these acts included Machine Gun Kelly, Willow Smith, Trippie Redd, Halsey, Yungblud, and Olivia Rodrigo. The popularity of the social media platform TikTok helped spark nostalgia for the angst-driven musical style among young listeners during the pandemic. Among the most successful of these releases have been Machine Gun Kelly's 2020 album Tickets to My Downfall, which topped the Billboard 200, and Rodrigo's number-one hit single "Good 4 U" (2021).[321]
In the mid-to-late 2010s and early 2020s, a new wave of post-punk bands from Britain and Ireland emerged. The groups in this scene have been described with the term "Crank Wave" by NME and The Quietus in 2019, and as "Post-Brexit New Wave" by NPR writer Matthew Perpetua in 2021.[322][323][324] Artists that have been identified as part of the style include Black Midi, Wet Leg, Squid, Black Country, New Road, Dry Cleaning, Shame, Sleaford Mods, Fontaines D.C., The Murder Capital, Idles and Yard Act.[322][323][324][325] Post-punk artists that attained prominence in the 2010s and early 2020s from other countries besides the UK included Parquet Courts, Protomartyr and Geese (United States), Preoccupations (Canada), Iceage (Denmark), and Viagra Boys (Sweden).[326][327][328]
During the mid-to-late 2010s, some mainstream rock bands began to gain notoriety for performing in a back-to-basics style of rock music meant to emulate the sound of legacy acts popular on classic rock radio. The release of Greta Van Fleet's Anthem of the Peaceful Army (2018) saw a renewed mainstream interest in earlier rock styles of the 1960s and 1970s, with Revolver describing this classic rock revival sound as "hard-hitting, swaggering, riff-driven rock 'n' roll built around a core vocal-guitar-bass-drum configuration".[329] Other groups considered to be a part of this trend include Rival Sons, the Struts, Dirty Honey, Crown Lands, Larkin Poe, and White Reaper.[330]
Different subgenres of rock were adopted by, and became central to, the identity of a large number of sub-cultures. In the 1950s and 1960s, respectively, British youths adopted the Teddy Boy and Rocker subcultures, which revolved around US rock and roll.[331] The counterculture of the 1960s was closely associated with psychedelic rock.[331] The mid-late 1970s punk subculture began in the US, but it was given a distinctive look by British designer Vivienne Westwood, a look which spread worldwide.[332] Out of the punk scene, the Goth and Emo subcultures grew, both of which presented distinctive visual styles.[333]
When an international rock culture developed, it supplanted cinema as the major sources of fashion influence.[334] Paradoxically, followers of rock music have often mistrusted the world of fashion, which has been seen as elevating image above substance.[334] Rock fashions have been seen as combining elements of different cultures and periods, as well as expressing divergent views on sexuality and gender, and rock music in general has been noted and criticised for facilitating greater sexual freedom.[334][335] Rock has also been associated with various forms of drug use, including the amphetamines taken by mods in the early to mid-1960s, through the LSD, mescaline, hashish and other hallucinogenic drugs linked with psychedelic rock in the mid-late 1960s and early 1970s; and sometimes to cannabis, cocaine and heroin, all of which have been eulogised in song.[336][337]
Rock has been credited with changing attitudes to race by opening up African-American culture to white audiences; but at the same time, rock has been accused of appropriating and exploiting that culture.[338][339] While rock music has absorbed many influences and introduced Western audiences to different musical traditions,[340] the global spread of rock music has been interpreted as a form of cultural imperialism.[341] Rock music inherited the folk tradition of protest song, making political statements on subjects such as war, religion, poverty, civil rights, justice and the environment.[342] Political activism reached a mainstream peak with the "Do They Know It's Christmas?" single (1984) and Live Aid concert for Ethiopia in 1985, which, while raising awareness of world poverty and funds for aid, have also been criticised (along with similar events), for providing a stage for self-aggrandisement and increased profits for the rock stars involved.[343]
Since its early development, rock music has been associated with rebellion against social and political norms, most in early rock and roll's rejection of an adult-dominated culture, the counterculture's rejection of consumerism and conformity and punk's rejection of all forms of social convention,[344] however, it can also be seen as providing a means of commercial exploitation of such ideas and of diverting youth away from political action.[345][346]
Professional women instrumentalists are uncommon in rock genres such as heavy metal although bands such as Within Temptation have featured women as lead singers with men playing instruments. According to Schaap and Berkers, "playing in a band is a male homosocial activity, that is, learning to play in a band is a peer-based ... experience, shaped by existing sex-segregated friendship networks.[347] They note that rock music "is often defined as a form of male rebellion vis-à-vis female bedroom culture."[348] (The theory of "bedroom culture" argues that society influences girls to not engage in crime and deviance by virtually trapping them in their bedroom; it was identified by a sociologist named Angela McRobbie.) In popular music, there has been a gendered "distinction between public (male) and private (female) participation" in music.[348] "Several scholars have argued that men exclude women from bands or from the bands' rehearsals, recordings, performances, and other social activities".[349] "Women are regarded as passive and private consumers of slick, prefabricated – hence, inferior – pop music ..., excluding them from participating as high status rock musicians".[349] One of the reasons that there are mixed gender bands is that "bands operate as tight-knit units in which homosocial solidarity – social bonds between people of the same sex ... – plays a crucial role".[349] In the 1960s rock music scene, "singing was sometimes an acceptable pastime for a girl, but playing an instrument ... simply wasn't done".[350]
"The rebellion of rock music was a male rebellion; the women – often, in the 1950s and '60s, girls in their teens – in rock sang songs as personæ dependent on their macho boyfriends ...". Philip Auslander says that "Although there were many women in rock by the late 1960s, most performed only as singers, a feminine position in popular music". Though some women played instruments in American all-female garage rock bands, none of these bands achieved more than regional success. So they "did not provide viable templates for women's on-going participation in rock".[351] In relation to the gender composition of heavy metal bands, it has been said that "[h]eavy metal performers are almost exclusively male"[352] "...at least until the mid-1980s"[353] apart from "...exceptions such as Girlschool".[352] However, "...now [in the 2010s] maybe more than ever–strong metal women have put up their dukes and got down to it",[354] "carv[ing] out a considerable place for [them]selves."[355] When Suzi Quatro emerged in 1973, "no other prominent female musician worked in rock simultaneously as a singer, instrumentalist, songwriter, and bandleader".[351] According to Auslander, she was "kicking down the male door in rock and roll and proving that a female musician ... and this is a point I am extremely concerned about ... could play as well if not better than the boys".[351]
An all-female band is a musical group in genres such as rock and blues which is composed of female musicians. This is distinct from a girl group, in which the female members are vocalists, though this terminology is not universally followed.[356]
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