El Museo Victoria y Alberto (abreviado V&A ) en Londres es el museo de artes aplicadas , artes decorativas y diseño más grande del mundo , y alberga una colección permanente de más de 2,8 millones de objetos. [3] Fue fundado en 1852 y lleva el nombre de la reina Victoria y el príncipe Alberto .
El V&A se encuentra en el distrito real de Kensington y Chelsea , en una zona conocida como " Albertopolis " debido a su asociación con el príncipe Alberto, el Albert Memorial y las principales instituciones culturales con las que estuvo asociado. Estas incluyen el Museo de Historia Natural , el Museo de la Ciencia , el Royal Albert Hall y el Imperial College de Londres . El museo es un organismo público no departamental patrocinado por el Departamento de Cultura, Medios de Comunicación y Deporte Digital . Al igual que con otros museos nacionales británicos, la entrada es gratuita.
El V&A cubre 12,5 acres (5,1 ha) [4] y 145 galerías. Su colección abarca 5.000 años de arte, desde la historia antigua hasta la actualidad, de las culturas de Europa , América del Norte , Asia y el norte de África . Sin embargo, el arte de la antigüedad en la mayoría de las áreas no se recoge. Las existencias de cerámica , vidrio, textiles, trajes , plata, herrería , joyas, muebles, objetos medievales , esculturas, grabados y grabados , dibujos y fotografías se encuentran entre las más grandes y completas del mundo. [5]
El museo posee la colección de escultura postclásica más grande del mundo , y la de escultura renacentista italiana es la más grande fuera de Italia. Los departamentos de Asia incluyen arte del sur de Asia, China, Japón, Corea y el mundo islámico . Las colecciones de Asia oriental se encuentran entre las mejores de Europa, con especial énfasis en cerámica y metalistería , mientras que la colección islámica se encuentra entre las más grandes del mundo occidental. En general, es uno de los museos más grandes del mundo.
Desde 2001, el museo se ha embarcado en un importante programa de renovación de 150 millones de libras esterlinas. Las nuevas galerías europeas para el siglo XVII y el siglo XVIII se inauguraron el 9 de diciembre de 2015. En ellas se restauraron los interiores originales del Aston Webb y se albergan las colecciones europeas de 1600 a 1815. [6] [7] El Young V&A en el este de Londres es una sucursal del museo, y se está planeando una nueva sucursal en Londres, V&A East. [8] El primer museo V&A fuera de Londres, V&A Dundee, abrió el 15 de septiembre de 2018. [9]
El Museo Victoria and Albert tiene sus orígenes en la Gran Exposición de 1851. Henry Cole fue el primer director del museo, también participó en la planificación. Inicialmente, el V&A se conocía como el Museo de Manufacturas . [10] La primera apertura al público general fue en mayo de 1852 en Marlborough House . En septiembre, la colección había sido transferida a Somerset House . En esta etapa, las colecciones cubrían tanto las artes aplicadas como la ciencia. [11] Varias de las exhibiciones de la Exposición inaugural fueron adquiridas por el museo para formar el núcleo de la colección del V&A. [12]
En febrero de 1854 se iniciaron conversaciones para trasladar el museo al emplazamiento actual [13] y el museo pasó a llamarse Museo de South Kensington . En 1855, el arquitecto alemán Gottfried Semper , a petición de Cole, elaboró un diseño para el museo, pero fue rechazado por la Junta de Comercio por ser demasiado caro. [14] El emplazamiento actual estaba ocupado por Brompton Park House, que se amplió en 1857 para incluir las primeras salas de refrigerios. El V&A fue el primer museo del mundo en ofrecer a investigadores e invitados un servicio de catering . [15] [5]
La inauguración oficial por parte de la reina Victoria se produjo el 20 de junio de 1857. [16] Al año siguiente, se introdujeron las aperturas nocturnas, que fueron posibles gracias al uso de iluminación a gas . En palabras del director del museo Cole, la iluminación a gas se introdujo "para determinar prácticamente qué horas son las más convenientes para las clases trabajadoras". [17] Para aumentar el interés por el museo entre el público objetivo , el museo exhibió sus colecciones tanto de artes aplicadas como de ciencias. El museo tenía como objetivo proporcionar recursos educativos y, de este modo, impulsar la industria productiva. [18]
En estos primeros años se hizo mucho hincapié en el uso práctico de la colección, en contraposición al " arte elevado " de la National Gallery y a la erudición del Museo Británico . [19] George Wallis (1811-1891), el primer conservador de la Colección de Bellas Artes, promovió apasionadamente la idea de una amplia educación artística a través de las colecciones del museo. Esto llevó a la transferencia al museo de la Escuela de Diseño que se había fundado en 1837 en Somerset House; después de la transferencia, se la denominó Escuela de Arte o Escuela de Formación Artística, para luego convertirse en el Royal College of Art , que finalmente logró su independencia total en 1949. Desde la década de 1860 hasta la de 1880, las colecciones científicas se habían trasladado del sitio principal del museo a varias galerías improvisadas al oeste de Exhibition Road . [18] En 1893, el "Museo de la Ciencia" había entrado en existencia de manera efectiva cuando se nombró un director independiente. [20]
La reina Victoria volvió a colocar la primera piedra del edificio Aston Webb (a la izquierda de la entrada principal) el 17 de mayo de 1899. [21] Fue durante esta ceremonia que se hizo público el cambio de nombre de «South Kensington Museum» a «Victoria and Albert Museum». El discurso de la reina Victoria durante la ceremonia, tal como se recoge en The London Gazette , finalizaba: «Confío en que seguirá siendo durante siglos un monumento de liberalidad perspicaz y una fuente de refinamiento y progreso». [22]
La exposición que el museo organizó para celebrar el centenario del cambio de nombre de 1899, Un gran diseño , realizó una primera gira por América del Norte a partir de 1997 ( Museo de Arte de Baltimore , Museo de Bellas Artes de Boston , Museo Real de Ontario de Toronto, Museo de Bellas Artes de Houston y los Museos de Bellas Artes de San Francisco ), y regresó a Londres en 1999. [23] Para acompañar y apoyar la exposición, el museo publicó un libro, Gran diseño , que ha puesto a disposición para su lectura en línea en su sitio web. [24]
La ceremonia de inauguración del edificio Aston Webb por parte del rey Eduardo VII y la reina Alejandra tuvo lugar el 26 de junio de 1909. [25] En 1914 comenzó la construcción del Museo de Ciencias , lo que marcó la división definitiva de las colecciones de ciencia y arte. [26]
En 1939, al estallar la Segunda Guerra Mundial, la mayor parte de la colección se envió a una cantera en Wiltshire , a Montacute House en Somerset o a un túnel cerca de la estación de metro de Aldwych , y los objetos más grandes permanecieron in situ , en bolsas de arena y tapiados con ladrillos. [27] Entre 1941 y 1944, algunas galerías se utilizaron como escuela para niños evacuados de Gibraltar . [28] El South Court se convirtió en una cantina, primero para la Royal Air Force y más tarde para los escuadrones de reparación de daños por bombas. [28]
Antes de que las colecciones regresaran después de la guerra, se celebró la exposición Britain Can Make It entre septiembre y noviembre de 1946, [29] que atrajo a casi un millón y medio de visitantes. [30] Esta fue organizada por el Consejo de Diseño Industrial , establecido por el gobierno británico en 1944 "para promover por todos los medios posibles la mejora del diseño en los productos de la industria británica". [30] El éxito de esta exposición llevó a la planificación del Festival de Gran Bretaña que se celebraría en 1951. En 1948, la mayoría de las colecciones habían sido devueltas al museo.
En julio de 1973, como parte de su programa de divulgación para los jóvenes, el V&A se convirtió en el primer museo de Gran Bretaña en presentar un concierto de rock. El V&A presentó una combinación de concierto y conferencia a cargo de la banda británica de folk-rock progresivo Gryphon , que exploró el linaje de la música y la instrumentación medievales y relató cómo contribuyeron a la música contemporánea 500 años después. Este enfoque innovador para atraer a los jóvenes a los museos fue un sello distintivo de la dirección de Sir Roy Strong y posteriormente fue emulado por otros museos británicos.
En la década de 1980, Strong rebautizó el museo como "El Museo Victoria y Alberto, el Museo Nacional de Arte y Diseño". La sucesora de Strong, Elizabeth Esteve-Coll, supervisó un período turbulento para la institución en el que se reestructuraron los departamentos de conservación del museo, lo que provocó críticas públicas por parte de algunos miembros del personal. Los intentos de Esteve-Coll de hacer que el V&A fuera más accesible incluyeron una campaña de marketing criticada que enfatizaba la cafetería por encima de la colección.
En 2001, el museo se embarcó en un importante programa de renovación de 150 millones de libras, llamado "FuturePlan". [31] [32] El plan implica rediseñar todas las galerías e instalaciones públicas del museo que aún no se han remodelado. Esto es para asegurar que las exhibiciones se muestren mejor, haya más información disponible, se mejore el acceso para los visitantes y el museo pueda cumplir con las expectativas modernas para las instalaciones del museo. [33] Se abandonó un edificio Spiral planeado; en su lugar se creó un nuevo Exhibition Road Quarter diseñado por AL_A de Amanda Levete . [34] Cuenta con una nueva entrada en Exhibition Road , un patio de azulejos de porcelana (inaugurado en 2017 como Sackler Courtyard y rebautizado como Exhibition Road Courtyard en 2022) [35] [36] y un nuevo espacio de galería subterráneo de 1.100 metros cuadrados (la Sainsbury Gallery) al que se accede a través del Blavatnik Hall. El proyecto Exhibition Road Quarter proporcionó 6.400 metros cuadrados de espacio adicional, lo que supone la mayor ampliación del museo en más de 100 años. [37] Se inauguró el 29 de junio de 2017. [38]
En marzo de 2018, se anunció que la duquesa de Cambridge se convertiría en la primera mecenas real del museo. [39] El 15 de septiembre de 2018, se inauguró el primer museo V&A fuera de Londres, V&A Dundee . [9] El museo, construido a un costo de £ 80,11 millones, está ubicado en la costa de Dundee y se centra en el diseño escocés, los muebles, los textiles, la moda, la arquitectura, la ingeniería y el diseño digital. [40] Aunque usa el nombre V&A, su funcionamiento y financiación son independientes del V&A. [41]
El museo también gestiona el Young V&A en Bethnal Green , que reabrió sus puertas el 1 de julio de 2023; [42] solía gestionar Apsley House y también el Theatre Museum en Covent Garden . El Theatre Museum está ahora cerrado; las colecciones de teatro del V&A ahora se exhiben dentro del edificio South Kensington.
Las partes victorianas del edificio tienen una historia compleja, con añadidos fragmentarios por parte de diferentes arquitectos. Fundado en mayo de 1852, no fue hasta 1857 que el museo se trasladó a su emplazamiento actual. Esta zona de Londres, antes conocida como Brompton , había pasado a llamarse 'South Kensington'. El terreno estaba ocupado por Brompton Park House, que se amplió, sobre todo con las "Brompton Boilers", [43] que eran galerías de hierro estrictamente utilitarias con un aspecto temporal y que más tarde se desmantelaron y se utilizaron para construir el Museo de la Infancia V&A. El primer edificio que se erigió y que todavía forma parte del museo fue la Sheepshanks Gallery en 1857 en el lado este del jardín. [44] Su arquitecto fue el ingeniero civil Capitán Francis Fowke , Royal Engineers , que fue designado por Cole. [45] Las siguientes ampliaciones importantes fueron diseñadas por el mismo arquitecto, las galerías Turner y Vernon construidas en 1858-1859 [46] para albergar las colecciones homónimas (posteriormente transferidas a la Tate Gallery ) y ahora utilizadas como galerías de imágenes y galería de tapices respectivamente. Luego se construyeron los patios norte [47] y sur [48] , los cuales se inauguraron en junio de 1862. Ahora forman las galerías para exposiciones temporales y están directamente detrás de la galería Sheepshanks. En el extremo norte del sitio se encuentra el ala de la Secretaría; [49] también construida en 1862, alberga las oficinas y la sala de juntas, etc. y no está abierta al público.
Se desarrolló un ambicioso esquema de decoración para estas nuevas áreas: una serie de figuras de mosaico que representaban a famosos artistas europeos del período medieval y renacentista. [50] Ahora se han trasladado a otras áreas del museo. También se comenzó una serie de frescos de Lord Leighton : Artes industriales aplicadas a la guerra 1878-1880 y Artes industriales aplicadas a la paz , que se comenzó pero nunca se terminó. [51] Al este de esto había galerías adicionales, cuya decoración fue obra de otro diseñador, Owen Jones ; estos eran los Patios Orientales (que cubrían India, China y Japón), completados en 1863. Nada de esta decoración sobrevive. [52]
Parte de estas galerías se convirtieron en las nuevas galerías que cubren el siglo XIX, inauguradas en diciembre de 2006. El último trabajo de Fowke fue el diseño de la serie de edificios en los lados norte y oeste del jardín. Esto incluye las salas de refrigerio, reinstauradas como el Café del Museo en 2006, con la galería de plata encima (en ese momento la galería de cerámica); el piso superior tiene un espléndido auditorio, aunque rara vez está abierto al público en general. La escalera de cerámica en la esquina noroeste de esta serie de edificios fue diseñada por FW Moody [53] y tiene detalles arquitectónicos de cerámica moldeada y coloreada. Todo el trabajo en la serie norte fue diseñado y construido entre 1864 y 1869. El estilo adoptado para esta parte del museo fue el renacentista italiano ; se hizo mucho uso de terracota , ladrillo y mosaico. Esta fachada norte fue concebida como la entrada principal al museo, con sus puertas de bronce, diseñadas por James Gamble y Reuben Townroe , que tienen seis paneles, que representan a Humphry Davy (química); Isaac Newton (astronomía); James Watt (mecánica); Bramante (arquitectura); Miguel Ángel (escultura); y Tiziano (pintura); Los paneles representan así la gama de las colecciones del museo. [54] Godfrey Sykes también diseñó los adornos de terracota y el mosaico en el frontón de la fachada norte conmemorando la Gran Exposición, cuyas ganancias ayudaron a financiar el museo. Esto está flanqueado por grupos de estatuas de terracota de Percival Ball . [55] Este edificio reemplazó a Brompton Park House, que luego pudo ser demolida para dar paso al ala sur.
Los interiores de las tres salas de refrigerio fueron asignados a diferentes diseñadores. El Green Dining Room (1866-68) fue obra de Philip Webb y William Morris , [56] y muestra influencias isabelinas . La parte inferior de las paredes está revestida de madera con una franja de pinturas que representan frutas y alguna figura ocasional, con follaje de yeso moldeado en la parte principal de la pared y un friso de yeso alrededor del techo decorado y vidrieras de Edward Burne-Jones . [57] El Centre Refreshment Room (1865-77) fue diseñado en estilo renacentista por James Gamble. [58] Las paredes e incluso las columnas jónicas de esta sala están cubiertas de azulejos de cerámica decorativa y moldeada, el techo consta de elaborados diseños en láminas de metal esmaltado y vidrieras a juego, y la chimenea de mármol [59] fue diseñada y esculpida por Alfred Stevens y fue retirada de Dorchester House antes de la demolición de ese edificio en 1929. La Grill Room (1876-81) fue diseñada por Sir Edward Poynter ; [60] la parte inferior de sus paredes consta de azulejos azules y blancos con varias figuras y follaje encerrados por paneles de madera, mientras que arriba hay grandes escenas de azulejos con figuras que representan las cuatro estaciones y los doce meses, pintadas por damas de la Escuela de Arte que entonces tenía su sede en el museo. Las ventanas también son de vidrieras; hay una elaborada reja de hierro fundido todavía en su lugar.
Tras la muerte del capitán Francis Fowke de los Royal Engineers, el siguiente arquitecto que trabajó en el museo fue el coronel (más tarde mayor general) Henry Young Darracott Scott , [61] también de los Royal Engineers. Él diseñó al noroeste del jardín la Escuela de Arquitectos Navales de cinco pisos (también conocida como las escuelas de ciencias), [62] ahora el ala Henry Cole, entre 1867 y 1872. El asistente de Scott, JW Wild, diseñó la impresionante escalera [63] que se eleva a toda la altura del edificio. Realizada en piedra de Cadeby, los escalones tienen 2,1 m de largo, mientras que las balaustradas y las columnas son de piedra de Portland. Ahora se utiliza para albergar conjuntamente las impresiones y los dibujos arquitectónicos del V&A (grabados, dibujos, pinturas y fotografías) y el Royal Institute of British Architects (RIBA Drawings and Archives Collections), y el Sackler Centre for Arts Education, que abrió sus puertas en 2008. [64]
Siguiendo el estilo de los edificios anteriores, varios diseñadores fueron responsables de la decoración. Los adornos de terracota fueron nuevamente obra de Godfrey Sykes, aunque se utilizó esgrafiado para decorar el lado este del edificio diseñado por FW Moody. [65] Un adorno final fueron las puertas de hierro forjado realizadas en 1885 diseñadas por Starkie Gardner. [66] Estas conducen a un pasaje a través del edificio. Scott también diseñó los dos Cast Courts (1870-73) [67] al sureste del jardín (el sitio de las "Brompton Boilers"); estos amplios espacios tienen techos de 70 pies (21 m) de altura para acomodar los moldes de yeso de partes de edificios famosos, incluida la Columna de Trajano (en dos piezas separadas). La parte final del museo diseñada por Scott fue la Biblioteca de Arte y lo que ahora es la galería de esculturas en el lado sur del jardín, construida en 1877-1883. [68] Los paneles de mosaico exteriores del parapeto fueron diseñados por Reuben Townroe, quien también diseñó el trabajo de yeso en la biblioteca. [69] Sir John Taylor diseñó las estanterías y los estantes. [69] Esta fue la primera parte del museo en tener iluminación eléctrica. [70] Esto completó la mitad norte del sitio, creando un cuadrilátero con el jardín en su centro, pero dejó al museo sin una fachada adecuada. En 1890, el gobierno lanzó un concurso para diseñar nuevos edificios para el museo, con el arquitecto Alfred Waterhouse como uno de los jueces; [71] esto le daría al museo una nueva e imponente entrada principal.
La fachada principal, construida con ladrillo rojo y piedra de Portland , se extiende 720 pies (220 m) a lo largo de Cromwell Gardens y fue diseñada por Aston Webb después de ganar un concurso en 1891 para ampliar el museo. La construcción se llevó a cabo entre 1899 y 1909. [72] Estilísticamente es un híbrido extraño: aunque gran parte de los detalles pertenecen al Renacimiento , hay influencias medievales en el trabajo. La entrada principal, que consiste en una serie de arcos poco profundos sostenidos por columnas delgadas y nichos con puertas gemelas separadas por el pilar, es románica en forma pero clásica en detalle. Asimismo, la torre sobre la entrada principal tiene una corona de obra abierta rematada por una estatua de la fama, [73] una característica de la arquitectura gótica tardía y una característica común en Escocia, pero el detalle es clásico. Las ventanas principales de las galerías también tienen parteluces y travesaños, nuevamente una característica gótica; La fila superior de ventanas está intercalada con estatuas de muchos de los artistas británicos cuyo trabajo se exhibe en el museo.
El príncipe Alberto aparece dentro del arco principal sobre las entradas gemelas, y la reina Victoria sobre el marco alrededor de los arcos y la entrada, esculpido por Alfred Drury . Estas fachadas rodean cuatro niveles de galerías. Otras áreas diseñadas por Webb incluyen el vestíbulo de entrada y la rotonda, los salones este y oeste, las áreas ocupadas por la tienda y las galerías asiáticas, y la galería de vestuario. El interior hace mucho uso del mármol en el vestíbulo de entrada y las escaleras que lo flanquean, aunque las galerías tal como se diseñaron originalmente eran blancas con detalles y molduras clásicas sobrias, muy en contraste con la elaborada decoración de las galerías victorianas, aunque gran parte de esta decoración se eliminó a principios del siglo XX. [74]
El museo sobrevivió a la Segunda Guerra Mundial con solo daños menores por las bombas. La pérdida más grave fue la de las vidrieras victorianas de la Escalera de Cerámica, que volaron cuando las bombas cayeron cerca; las marcas de las bombas que todavía se ven en la fachada del museo fueron causadas por fragmentos de las bombas.
En los años inmediatamente posteriores a la guerra, había poco dinero disponible para algo que no fueran las reparaciones esenciales. En los años 1950 y principios de los 1960 no hubo mucho trabajo de construcción; el primer trabajo importante fue la creación de un nuevo espacio de almacenamiento para libros en la Biblioteca de Arte en 1966 y 1967. Esto implicó la pavimentación del salón principal de Aston Webb para formar las estanterías de libros, [75] con una nueva galería medieval en la planta baja (ahora la tienda, inaugurada en 2006). Luego se rediseñaron las galerías de la planta baja en la parte suroeste del museo, que se abrieron en 1978 para formar las nuevas galerías que cubren el arte continental de 1600 a 1800 (desde el Renacimiento tardío, el Barroco hasta el Rococó y el Neoclásico). [76] En 1974, el museo había adquirido lo que ahora es el ala Henry Cole del Royal College of Science . [77] Para adaptar el edificio como galerías, todos los interiores victorianos, excepto la escalera, se reformularon durante la remodelación. Para conectar esto con el resto del museo, se construyó un nuevo edificio de entrada en el sitio de la antigua sala de calderas, el sitio previsto para el Spiral , entre 1978 y 1982. [78] Este edificio es de hormigón y muy funcional, el único adorno son las puertas de hierro de Christopher Hay y Douglas Coyne del Royal College of Art. [78] Estas están colocadas en la pared de la pantalla con columnas diseñada por Aston Webb que forma la fachada.
En la década de 1990 se rediseñaron algunas galerías, incluidas la galería india, japonesa, china, de herrería, las galerías principales de vidrio y la galería principal de platería, que se mejoró aún más en 2002 cuando se recreó parte de la decoración victoriana. Esto incluyó la sustitución de la decoración de cerámica de dos de las diez columnas y la restauración de los elaborados diseños pintados del techo. Como parte de la renovación de 2006, se restauraron los pisos de mosaico de la galería de esculturas; la mayoría de los pisos victorianos estaban cubiertos de linóleo después de la Segunda Guerra Mundial. Después del éxito de las Galerías Británicas, inauguradas en 2001, se decidió embarcarse en un rediseño importante de todas las galerías del museo; esto se conoce como "FuturePlan", y se creó en consulta con los diseñadores de exposiciones y planificadores maestros Metaphor . Se espera que el plan dure unos diez años y se inició en 2002. Hasta la fecha, se han rediseñado varias galerías, en particular, en 2002: la Galería de Plata principal, Contemporánea; En 2003: Fotografía, la entrada principal, The Painting Galleries; en 2004: el túnel del metro que lleva a la estación de metro de South Kensington , nueva señalización en todo el museo, arquitectura, salas de lectura y tiendas del V&A y el RIBA, artículos de metal, la Sala de Miembros, vidrio contemporáneo y la galería de esculturas de Gilbert Bayes ; en 2005: miniaturas de retratos, grabados y dibujos, exposiciones en la Sala 117, el jardín, plata sagrada y vidrieras; en 2006: Central Hall Shop, Islamic Middle East, la nueva cafetería y las galerías de esculturas. Varios diseñadores y arquitectos han participado en este trabajo. Eva Jiřičná diseñó las mejoras de la entrada principal y la rotonda, la nueva tienda, el túnel y las galerías de esculturas. Gareth Hoskins fue responsable de la arquitectura contemporánea, Softroom, Islamic Middle East y Members' Room, McInnes Usher McKnight Architects (MUMA) fueron responsables del nuevo Café y diseñaron las nuevas galerías medieval y renacentista que se inauguraron en 2009. [79]
El jardín central fue rediseñado por Kim Wilkie y se inauguró como el Jardín John Madejski el 5 de julio de 2005. El diseño es una sutil mezcla de lo tradicional y lo moderno: la disposición es formal; hay una fuente elíptica revestida de piedra con escalones alrededor del borde que se puede drenar para utilizar el área para recepciones, reuniones o exposiciones. Esto se encuentra frente a las puertas de bronce que conducen a las salas de refrigerio. Un camino central flanqueado por césped conduce a la galería de esculturas. Los lados norte, este y oeste tienen bordes herbáceos a lo largo de las paredes del museo con caminos en el frente que continúan a lo largo de la fachada sur. En las dos esquinas de la fachada norte, hay plantado un árbol liquidámbar americano . Los bordes sur, este y oeste de los céspedes tienen jardineras de vidrio que contienen naranjos y limoneros en verano, que se reemplazan por laureles en invierno.
Por la noche, tanto las jardineras como la fuente de agua pueden iluminarse, y las fachadas circundantes se iluminan para revelar detalles que normalmente están en sombra. Especialmente llamativos son los mosaicos de la logia de la fachada norte. En verano, se instala una cafetería en la esquina suroeste. El jardín también se utiliza para exposiciones temporales de esculturas; por ejemplo, en 2006 se mostró una escultura de Jeff Koons . También ha sido sede de la muestra anual de diseño contemporáneo del museo, la V&A Village Fete , desde 2005.
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En 2011, el V&A anunció que el estudio londinense AL A había ganado un concurso internacional para construir una galería debajo de un nuevo patio de entrada en Exhibition Road. [80] La planificación del proyecto se concedió en 2012. [81] Reemplazó la extensión propuesta diseñada por Daniel Libeskind con Cecil Balmond pero abandonada en 2004 después de no recibir financiación del Heritage Lottery Fund . [82]
El Exhibition Road Quarter abrió en 2017, con una nueva entrada que brinda acceso a los visitantes desde Exhibition Road . Se ha creado un nuevo patio, el Sackler Courtyard, detrás del Aston Webb Screen, una columnata construida en 1909 para ocultar las calderas del museo. La columnata se mantuvo, pero se eliminó la pared en la parte inferior en la construcción para permitir el acceso público al patio. [83] El nuevo patio de 1200 metros cuadrados es el primer patio completamente de porcelana del mundo, [38] que está cubierto con 11 000 azulejos de porcelana hechos a mano en quince patrones lineales diferentes esmaltados en diferentes tonos. Un pabellón de diseño modernista con paredes de vidrio y un techo angular cubierto con 4300 azulejos se encuentra en la esquina y contiene una cafetería. [37] Los tragaluces en el patio brindan luz natural a la escalera y al espacio de exhibición ubicado debajo del patio creado al excavar 15 m en el suelo. El espacio sin columnas de la Galería Sainsbury, de 1.100 metros cuadrados, es uno de los más grandes del país y ofrece espacio para exposiciones temporales. Se puede acceder a la galería a través del edificio Western Range, donde se ha creado una nueva entrada al Blavatnik Hall y al museo, y los visitantes pueden descender a la galería por escaleras con barandillas de madera de tulipán lacada. [37] [84] [85]
Las áreas de colección del museo no son fáciles de resumir, ya que han evolucionado en parte a través de los intentos de evitar demasiada superposición con otros museos nacionales de Londres. En general, el mundo clásico de Occidente y el Antiguo Oriente Próximo se deja al Museo Británico, y las pinturas occidentales a la National Gallery , aunque hay todo tipo de excepciones; por ejemplo, las miniaturas de retratos pintados , donde el V&A tiene la principal colección nacional.
El Victoria & Albert Museum está dividido en cuatro departamentos curatoriales: Arte Decorativo y Escultura; Performance, Muebles, Textiles y Moda; Arte, Arquitectura, Fotografía y Diseño; y Asia. [86] Los curadores del museo cuidan los objetos de la colección y brindan acceso al público y a los académicos a los objetos que actualmente no están en exhibición.
Los departamentos de colección se dividen a su vez en dieciséis áreas de exposición, cuya colección combinada suma más de 6,5 millones de objetos; no todos los objetos se exhiben o almacenan en el V&A. Hay un depósito en Blythe House , West Kensington, así como instituciones anexas administradas por el V&A, [87] además, el museo presta exhibiciones a otras instituciones. A continuación se enumera cada una de las colecciones en exhibición y el número de objetos dentro de la colección.
El museo cuenta con 145 galerías, pero dada la gran extensión de sus colecciones, solo un pequeño porcentaje se exhibe. Muchas adquisiciones han sido posibles únicamente con la ayuda del Fondo Nacional de Colecciones de Arte .
En 2004, el V&A, junto con el Royal Institute of British Architects, inauguró la primera galería permanente del Reino Unido [88] que abarca la historia de la arquitectura con exposiciones que utilizan maquetas, fotografías, elementos de edificios y dibujos originales. Con la apertura de la nueva galería, la Colección de Dibujos y Archivos del RIBA se ha transferido al museo, uniéndose a la ya extensa colección que posee el V&A. Con más de 600.000 dibujos, más de 750.000 papeles y parafernalia, y más de 700.000 fotografías de todo el mundo, juntos forman el recurso arquitectónico más completo del mundo.
No sólo están representados todos los arquitectos británicos más importantes de los últimos cuatrocientos años, sino que también hay muchos dibujos de arquitectos europeos (especialmente italianos) y estadounidenses en la colección. Los fondos del RIBA, con más de 330 dibujos de Andrea Palladio , son los más grandes del mundo; [89] otros europeos bien representados son Jacques Gentilhatre [90] y Antonio Visentini . [91] Los arquitectos británicos cuyos dibujos, y en algunos casos modelos de sus edificios, están en la colección incluyen: Inigo Jones , [92] Sir Christopher Wren , Sir John Vanbrugh , Nicholas Hawksmoor , William Kent , James Gibbs , Robert Adam , [93] Sir William Chambers , [94] James Wyatt , Henry Holland , John Nash , Sir John Soane , [95] Sir Charles Barry , Charles Robert Cockerell , Augustus Welby Northmore Pugin , [96] Sir George Gilbert Scott , John Loughborough Pearson , George Edmund Street , Richard Norman Shaw , Alfred Waterhouse, Sir Edwin Lutyens , Charles Rennie Mackintosh , Charles Holden , Frank Hoar , Lord Richard Rogers , Lord Norman Foster , Sir Nicholas Grimshaw , Zaha Hadid y Alick Horsnell .
Además de las salas de época , la colección incluye partes de edificios, por ejemplo, los dos pisos superiores de la fachada de la casa de Sir Paul Pindar [97] [98] fechados c. 1600 de Bishopsgate con carpintería elaboradamente tallada y ventanas emplomadas, un raro sobreviviente del Gran Incendio de Londres , hay un portal de ladrillo de una casa de Londres del período de la Restauración inglesa y una chimenea de la galería de la casa de Northumberland. Los ejemplos europeos incluyen una ventana abuhardillada que data de 1523-1535 del castillo de Montal. Hay varios ejemplos de edificios renacentistas italianos que incluyen portales, chimeneas, balcones y un aparador de piedra que solía tener una fuente incorporada. La galería principal de arquitectura tiene una serie de pilares de varios edificios y diferentes períodos, por ejemplo, una columna de la Alhambra . Los ejemplos que cubren Asia se encuentran en las galerías relacionadas con esos países, así como modelos y fotografías en la galería principal de arquitectura.
En junio de 2022, el RIBA anunció que pondría fin a su asociación de 20 años con el V&A en 2027, "de mutuo acuerdo", poniendo fin a la galería de arquitectura permanente del museo. Los artefactos se transferirán de nuevo a las colecciones existentes del RIBA, y algunos se trasladarán a la sede del instituto en el edificio 66 Portland Place, que se convertirá en una nueva Casa de la Arquitectura tras una remodelación de 20 millones de libras. [99]
La colección de arte asiático del V&A cuenta con más de 160.000 objetos, una de las más grandes que existen. Posee una de las colecciones de arte chino más completas e importantes del mundo, mientras que la colección de arte del sur de Asia es la más importante de Occidente. La colección del museo incluye piezas del sur y sureste de Asia, los reinos del Himalaya, China, el Lejano Oriente y el mundo islámico.
El V&A alberga más de 19.000 objetos del mundo islámico, que abarcan desde el período islámico temprano (el siglo VII) hasta principios del siglo XX. La Galería Jameel de Arte Islámico, inaugurada en 2006, alberga una muestra representativa de 400 objetos, entre los que destaca la alfombra Ardabil , la pieza central de la galería. Las exposiciones de esta galería abarcan objetos de España, el norte de África, Oriente Medio, Asia Central y Afganistán. Una obra maestra del arte islámico es un jarro de cristal de roca del siglo X. Se exhiben muchos ejemplos de Coranes con una caligrafía exquisita que data de varios períodos. Un minbar del siglo XV de una mezquita de El Cairo con marfil formando patrones geométricos complejos incrustados en madera es uno de los objetos más grandes en exposición. Se exhiben amplios ejemplos de cerámica, especialmente cerámica de Iznik , cristalería que incluye lámparas del siglo XIV de mezquitas y metalistería. La colección de alfombras y tapices de Oriente Medio y Persia se encuentra entre las mejores del mundo, muchas de ellas formaban parte del legado de Salting de 1909. También se exhiben ejemplos de trabajos en azulejos de varios edificios, incluida una chimenea de 1731 de Estambul hecha de azulejos azules y blancos intrincadamente decorados y azulejos turquesas del exterior de edificios de Samarcanda .
Las colecciones de arte del sur y sudeste asiático del museo son las más completas e importantes de Occidente y comprenden casi 60.000 objetos, incluidos unos 10.000 textiles y 6.000 pinturas, [100] la variedad de la colección es inmensa. La galería Jawaharlal Nehru de arte indio , inaugurada en 1991, contiene arte desde aproximadamente el año 500 a. C. hasta el siglo XIX. Hay una extensa colección de esculturas, principalmente de naturaleza religiosa, hindú , budista y jainista . La galería está ricamente dotada con el arte del Imperio mogol y el Imperio maratha , incluidos hermosos retratos de los emperadores y otras pinturas y dibujos, copas de vino de jade y cucharas de oro con incrustaciones de esmeraldas, diamantes y rubíes, también de este período son partes de edificios como un jaali y pilares. [101] La India era un gran productor de textiles, desde chintz de algodón teñido y muselina hasta ricos bordados con hilo de oro y plata, lentejuelas de colores y cuentas, así como alfombras de Agra y Lahore . También se muestran ejemplos de ropa. En 1879-80, las colecciones del Museo de la India de la extinta Compañía de las Indias Orientales se transfirieron al V&A y al Museo Británico. Los elementos de la colección incluyen el Tigre de Tipu , un autómata del siglo XVIII creado para Tipu Sultan , el gobernante del Reino de Mysore . La copa de vino personal del emperador mogol Shah Jahan también está en exhibición.
Las colecciones del Lejano Oriente incluyen más de 70.000 obras de arte [100] de los países del este de Asia: China, Japón y Corea. La Galería TT Tsui de arte chino abrió en 1991, exhibiendo una colección representativa de los aproximadamente 16.000 objetos [102] del V&A de China, que datan desde el cuarto milenio a. C. hasta la actualidad. Aunque la mayoría de las obras de arte en exhibición datan de las dinastías Ming y Qing , hay objetos que datan de la dinastía Tang y períodos anteriores, entre ellos una cabeza de bronce de un metro de alto de Buda que data de aproximadamente el 750 d. C., y una de las obras más antiguas, una cabeza de caballo de jade de 2000 años de antigüedad de un entierro. [103] Otras esculturas incluyen guardianes de tumbas de tamaño natural. Los ejemplos clásicos de artes decorativas chinas en exhibición incluyen laca china , seda, porcelana china , jade y esmalte cloisonné . Del siglo XVIII datan dos grandes retratos de un marido y una mujer pintados en acuarela sobre seda. Hay una mesa de laca china única , hecha en los talleres imperiales durante el reinado del emperador Xuande en la dinastía Ming . También se exhiben ejemplos de ropa. Uno de los objetos más grandes es una cama de mediados del siglo XVII. También se exhibe el trabajo de diseñadores chinos contemporáneos. [ cita requerida ]
La galería Toshiba de arte japonés abrió en diciembre de 1986. La mayoría de las exhibiciones datan de 1550 a 1900, pero una de las piezas más antiguas exhibidas es la escultura del siglo XIII de Amida Nyorai. Ejemplos de armaduras japonesas clásicas de mediados del siglo XIX, hojas de espada de acero ( Katana ), Inrō , lacados incluyendo el Cofre de Mazarino [104] fechado c1640 es una de las mejores piezas sobrevivientes de Kioto , porcelana incluyendo Imari , Netsuke , grabados en madera incluyendo el trabajo de Andō Hiroshige , obras gráficas incluyendo libros impresos, así como algunas pinturas, pergaminos y biombos, textiles y vestidos incluyendo kimonos son algunos de los objetos en exhibición. Uno de los objetos más bellos que se exhiben es el quemador de incienso de bronce ( koro ) de Suzuki Chokichi, fechado en 1875, con más de 2,25 metros de alto y 1,25 metros de diámetro, y que es también uno de los ejemplos más grandes que se han fabricado. El museo también exhibe algunas piezas de cloisonné de la compañía de producción artística japonesa Ando Cloisonné .
Las galerías más pequeñas cubren Corea, los reinos del Himalaya y el sudeste asiático. Las exhibiciones coreanas incluyen cerámicas esmaltadas en verde, bordados de seda de túnicas de funcionarios y relucientes cajas con incrustaciones de nácar hechas entre el 500 d. C. y el 2000. Las obras del Himalaya incluyen importantes esculturas de bronce nepalíes tempranas, trabajos repujados y bordados. El arte tibetano del siglo XIV al XIX está representado por imágenes religiosas de los siglos XIV y XV en madera y bronce, pinturas en pergamino y objetos rituales. El arte de Tailandia, Birmania, Camboya, Indonesia y Sri Lanka en oro, plata, bronce, piedra, terracota y marfil representa estas ricas y complejas culturas; las exhibiciones abarcan los siglos VI al XIX. Las refinadas esculturas hindúes y budistas reflejan la influencia de la India; los artículos en la exposición incluyen cortadores de nueces de betel, peines de marfil y ganchos de palanquín de bronce .
El museo alberga la Biblioteca Nacional de Arte , una biblioteca pública [105] que contiene más de 750.000 libros, fotografías, dibujos, pinturas y grabados. Es una de las bibliotecas más grandes del mundo dedicada al estudio de las bellas artes y las artes decorativas. La biblioteca cubre todas las áreas y períodos de las colecciones del museo con colecciones especiales que abarcan manuscritos iluminados , libros raros y cartas y archivos de artistas.
La biblioteca consta de tres grandes salas públicas con alrededor de cien mesas de estudio individuales: la Sala Oeste, la Sala Central y la Sala de Lectura. La sala central contiene "material de colección especial".
Uno de los grandes tesoros de la biblioteca es el Códice Forster, uno de los cuadernos de notas de Leonardo da Vinci . El Códice consta de tres manuscritos encuadernados en pergamino, Forster I, Forster II y Forster III, [106] de tamaño bastante pequeño, fechados entre 1490 y 1505. Su contenido incluye una gran colección de bocetos y referencias a la escultura ecuestre encargada por el duque de Milán Ludovico Sforza para conmemorar a su padre Francesco Sforza . [107] Estos fueron legados junto con más de 18.000 libros al museo en 1876 por John Forster . [108] El reverendo Alexander Dyce [109] fue otro benefactor de la biblioteca, dejando más de 14.000 libros al museo en 1869. Entre los libros que recopiló se encuentran ediciones tempranas en griego y latín de los poetas y dramaturgos Esquilo , Aristóteles , Homero , Livio , Ovidio , Píndaro , Sófocles y Virgilio . Entre los autores más recientes se incluyen Giovanni Boccaccio , Dante , Racine , Rabelais y Molière .
Los escritores cuyos documentos están en la biblioteca son tan diversos como Charles Dickens (que incluye los manuscritos de la mayoría de sus novelas) y Beatrix Potter (con la mayor colección de sus manuscritos originales en el mundo). [110] Los manuscritos iluminados en la biblioteca que datan de los siglos XII al XVI incluyen: una hoja del Salterio de Eadwine , Canterbury ; Libro de horas de bolsillo , Reims ; Misal de la Abadía Real de Saint Denis , París; el Libro de horas de Simon Marmion , Brujas ; Carta de 1524 iluminada por Lucas Horenbout , Londres; el manuscrito Armagnac del juicio y rehabilitación de Juana de Arco , Rouen . [111] También el período victoriano está representado por William Morris.
El catálogo de la colección de la Biblioteca Nacional de Arte del Museo Victoria y Alberto solía conservarse en distintos formatos, incluidos catálogos de exposiciones impresos y catálogos de fichas. Desde los años 1980 hasta los años 1990 se utilizó un sistema informático de catalogación llamado MODES, pero esos archivos electrónicos no estaban disponibles para los usuarios de la biblioteca. Todo el material de archivo de la Biblioteca Nacional de Arte utiliza la Descripción Archivística Codificada (EAD). El Museo Victoria y Alberto tiene un sistema informático, pero la mayoría de los artículos de la colección, a menos que se hayan incorporado recientemente, probablemente no aparezcan en el sistema informático. Hay una función en el sitio web del Museo Victoria y Alberto llamada "Buscar en las colecciones", pero no todo aparece allí. [112]
La Biblioteca Nacional de Arte también incluye una colección de cómics y arte de cómics. Entre las partes más destacadas de la colección se encuentran el Krazy Kat Arkive, que comprende 4.200 cómics, y la Colección Rakoff, que comprende 17.000 piezas recopiladas por el escritor y editor Ian Rakoff. [113]
El Departamento de Palabra e Imagen del Victoria and Albert Museum se encontraba bajo la misma presión que sentían los archivos de todo el mundo para digitalizar su colección. En 2007, se inició en ese departamento un proyecto de digitalización a gran escala, denominado Factory Project, para hacer referencia a Andy Warhol y crear una fábrica para digitalizar completamente la colección. El primer paso del Factory Project fue tomar fotografías con cámaras digitales. El Departamento de Palabra e Imagen tenía una colección de fotografías antiguas, pero eran en blanco y negro y en condiciones variables, por lo que se tomaron nuevas fotografías. Esas nuevas fotografías estarán a disposición de los investigadores en el sitio web del Victoria and Albert Museum. Se tomaron 15.000 imágenes durante el primer año del Factory Project, incluidos dibujos, acuarelas, arte generado por ordenador, fotografías, carteles y xilografías. El segundo paso del Factory Project es catalogar todo. El tercer paso del Factory Project es auditar la colección. Todos los elementos que fueron fotografiados y catalogados deben ser auditados para asegurarse de que todo lo que figuraba como parte de la colección se encontró físicamente durante la creación del Factory Project. El cuarto objetivo del Proyecto Factory es la conservación, lo que implica realizar algunos procedimientos básicos evitables en los objetos del departamento. En el sitio web de Victoria and Albert hay una función de "Búsqueda en las colecciones". El principal impulso detrás del proyecto de digitalización a gran escala llamado Proyecto Factory fue incluir más objetos de las colecciones en esas bases de datos informáticas. [112]
Estas quince galerías, inauguradas en noviembre de 2001, albergan alrededor de 4.000 objetos. Las exposiciones se centran en tres grandes temas: "Estilo", "Quién guió el gusto" y "Qué era nuevo". El período abarcado va de 1500 a 1900 y las galerías se dividen en tres grandes subdivisiones:
No solo se exhiben las obras de artistas y artesanos británicos, sino también obras producidas por artistas europeos que fueron compradas o encargadas por mecenas británicos, así como importaciones de Asia, incluyendo porcelana, tela y papel tapiz. Los diseñadores y artistas cuyo trabajo se exhibe en las galerías incluyen a Gian Lorenzo Bernini , Grinling Gibbons , Daniel Marot , Louis Laguerre , Antonio Verrio , Sir James Thornhill , William Kent, Robert Adam, Josiah Wedgwood, Matthew Boulton, Canova, Thomas Chippendale , Pugin, William Morris. Los mecenas que han influido en el gusto también están representados por obras de arte de sus colecciones, estos incluyen: Horace Walpole (una gran influencia en el Renacimiento gótico), William Thomas Beckford y Thomas Hope .
Las galerías muestran una serie de reconstrucciones completas y parciales de salas de época, de edificios demolidos, entre las que se incluyen:
Algunas de las obras más notables que se exhiben en las galerías incluyen:
Las galerías también vinculan el diseño con tendencias más amplias en la cultura británica. Por ejemplo, el diseño en el período Tudor estuvo influenciado por la difusión de los libros impresos y el trabajo de los artistas y artesanos europeos empleados en Gran Bretaña. En el período Estuardo, el aumento del comercio, especialmente con Asia, permitió un acceso más amplio a lujos como alfombras, muebles lacados, sedas y porcelana. En la era georgiana hubo un énfasis creciente en el entretenimiento y el ocio. Por ejemplo, el aumento del consumo de té condujo a la producción de parafernalia de té como porcelana y cajitas. Los estilos europeos que se ven en el Grand Tour también influyeron en el gusto. A medida que se afianzaba la Revolución Industrial , el crecimiento de la producción en masa produjo empresarios como Josiah Wedgwood , Matthew Boulton y Eleanor Coade . En la era victoriana, la nueva tecnología y la maquinaria tuvieron un efecto significativo en la fabricación y, por primera vez desde la Reforma, las iglesias anglicana y católica romana tuvieron un efecto importante en el arte y el diseño, como el Renacimiento gótico. Hay una gran exposición sobre la Gran Exposición que, entre otras cosas, dio lugar a la fundación del V&A. A finales del siglo XIX, la creciente reacción contra la industrialización, liderada por John Ruskin , contribuyó al movimiento Arts and Crafts.
Una de las partes más espectaculares del museo son los Patios de Yeso, que comprenden dos grandes salas de dos pisos con tragaluces que albergan cientos de moldes de yeso de esculturas, frisos y tumbas. Uno de ellos está dominado por una réplica a escala real de la Columna de Trajano , cortada por la mitad para que quepa debajo del techo. El otro incluye reproducciones de varias obras de escultura y arquitectura del Renacimiento italiano, incluida una réplica a tamaño real del David de Miguel Ángel . También se incluyen réplicas de dos David anteriores de Donatello y Verrocchio , aunque por razones de conservación la réplica de Verrocchio se exhibe en una vitrina.
Los dos patios están divididos por pasillos en ambos pisos, y las particiones que solían revestir el pasillo superior (la galería de esculturas de Gilbert Bayes) se eliminaron en 2004 para permitir que los patios se pudieran ver desde arriba.
Se trata de la colección de cerámica y vidrio más grande y completa del mundo, con más de 80.000 objetos procedentes de todo el mundo. Están representados todos los continentes habitados. Aparte de las numerosas piezas de las galerías primarias de la planta baja, gran parte de la planta superior está dedicada a galerías de cerámica de todos los períodos abarcados, que incluyen vitrinas con una selección representativa, pero también exposiciones masivas de "almacenamiento visible" de la colección de reserva.
En la colección se encuentra bien representada la porcelana de Meissen , de la primera fábrica de Europa que descubrió el método chino de fabricación de porcelana. Entre los mejores ejemplos se encuentran el Buitre de Meissen de 1731 y el Servicio de mesa Möllendorff , diseñado en 1762 por Federico II el Grande. La cerámica de la Manufacture nationale de Sèvres es extensa, especialmente de los siglos XVIII y XIX. La colección de porcelana británica del siglo XVIII es la más grande y mejor del mundo. Están representados ejemplos de todas las fábricas, siendo especialmente excelentes las colecciones de porcelana de Chelsea y de Worcester . También están representadas todas las principales fábricas británicas del siglo XIX. Un gran impulso a las colecciones fue el legado Salting realizado en 1909, que enriqueció el stock de cerámica china y japonesa del museo . Este legado forma parte de la mejor colección de cerámica y porcelana del este de Asia del mundo, incluida la cerámica Kakiemon .
En la colección están representados numerosos alfareros famosos, como Josiah Wedgwood, William De Morgan y Bernard Leach , así como Mintons & Royal Doulton . Hay una extensa colección de cerámica de Delft producida tanto en Gran Bretaña como en Holanda, que incluye una pirámide de flores de alrededor de 1695 de más de un metro de altura. Bernard Palissy tiene varios ejemplos de su trabajo en la colección, incluidos platos, jarras y candelabros. Los objetos más grandes de la colección son una serie de estufas de cerámica elaboradamente ornamentadas de los siglos XVI y XVII, fabricadas en Alemania y Suiza. Hay una colección inigualable de mayólica italiana y loza lustrada de España. La colección de cerámica de Iznik de Turquía es la más grande del mundo.
La colección de vidrio cubre 4000 años de fabricación de vidrio y tiene más de 6000 piezas de África, Gran Bretaña, Europa, América y Asia. La cristalería más antigua en exhibición proviene del Antiguo Egipto y continúa a través de la Antigua Roma, la Edad Media, el Renacimiento cubriendo áreas como el vidrio veneciano y el vidrio de Bohemia y períodos más recientes, incluido el vidrio Art Nouveau de Louis Comfort Tiffany y Émile Gallé , el estilo Art Deco está representado por varios ejemplos de René Lalique. Hay muchos ejemplos de candelabros de cristal, tanto ingleses, [118] exhibidos en las galerías británicas, como extranjeros, por ejemplo, uno veneciano atribuido a Giuseppe Briati y fechado en aproximadamente 1750. [119] La colección de vidrieras es posiblemente la mejor del mundo, abarcando los períodos medievales a modernos, y cubriendo Europa y Gran Bretaña. Varios ejemplos de vidrio heráldico inglés del siglo XVI se exhiben en las Galerías Británicas. En la colección se encuentran representados muchos diseñadores de vidrieras de renombre, entre ellos, del siglo XIX: Dante Gabriel Rossetti, Edward Burne-Jones y William Morris. También hay un ejemplo de la obra de Frank Lloyd Wright en la colección. Entre los diseñadores del siglo XX se incluyen Harry Clarke , John Piper , Patrick Reyntiens , Veronica Whall y Brian Clarke . [120]
La galería principal fue rediseñada en 1994, la balaustrada de vidrio en la escalera y el entrepiso son obra de Danny Lane , la galería que cubre el vidrio contemporáneo se inauguró en 2004 y la galería de plata sagrada y vidrieras en 2005. En esta última galería, las vidrieras se exhiben junto con la platería a partir del siglo XII y continúan hasta el presente. Algunas de las vidrieras más destacadas, fechadas entre 1243 y 1248, provienen de la Sainte-Chapelle y se exhiben junto con otros ejemplos en las nuevas galerías medievales y renacentistas. El importante vaso de vidrio del siglo XIII conocido como la Suerte de Edenhall también se exhibe en estas galerías. Ejemplos de vidrieras británicas se exhiben en las Galerías Británicas. Una de las obras más espectaculares de la colección es la lámpara de araña de Dale Chihuly en la rotonda de la entrada principal del museo.
Estas galerías están dedicadas a exposiciones temporales que muestran tanto las tendencias de las últimas décadas como lo último en diseño y moda.
Los grabados y dibujos de las más de 750.000 obras de la colección se pueden ver previa solicitud en la sala de grabados , la "Sala de estudio de grabados y dibujos"; es necesario reservar una cita. [121] La colección de dibujos incluye más de 10.000 obras de maestros británicos y 2.000 antiguos, incluidas obras de: Durero , Giovanni Benedetto Castiglione , Bernardo Buontalenti , Rembrandt , Antonio Verrio, Paul Sandby , John Russell , Angelica Kauffman , John Flaxman , [122] Hugh Douglas Hamilton , Thomas Rowlandson , William Kilburn , Thomas Girtin , Jean-Auguste-Dominique Ingres , David Wilkie , John Martin , Samuel Palmer , Sir Edwin Henry Landseer , Lord Leighton , Sir Samuel Luke Fildes y Aubrey Beardsley . Los artistas británicos modernos representados en la colección incluyen: Paul Nash , Percy Wyndham Lewis , Eric Gill , Stanley Spencer , John Piper, Robert Priseman , Graham Sutherland , Lucian Freud y David Hockney .
La colección de grabados cuenta con más de 500.000 objetos, que abarcan: carteles, tarjetas de felicitación, ex libris, así como una completa colección de grabados de antiguos maestros desde el Renacimiento hasta la actualidad, incluidas obras de Rembrandt, William Hogarth , Giovanni Battista Piranesi , Canaletto , Karl Friedrich Schinkel , Henri Matisse y Sir William Nicholson .
La colección de vestuario es la más completa de Gran Bretaña, con más de 14.000 prendas y accesorios, que datan principalmente de 1600 hasta la actualidad. Los bocetos de vestuario, los cuadernos de diseño y otras obras en papel suelen estar en manos del departamento de Word and Image. Como la ropa de uso diario de épocas anteriores no suele haber sobrevivido, la colección está dominada por prendas de moda confeccionadas para ocasiones especiales. Una de las primeras donaciones importantes de vestuario se produjo en 1913, cuando el V&A recibió la colección Talbot Hughes, que contenía 1.442 trajes y artículos, como regalo de Harrods tras su exposición en los grandes almacenes cercanos.
Algunas de las obras más antiguas de la colección son vestimentas medievales , especialmente el Opus Anglicanum . Una de las piezas más importantes de la colección es el traje de boda de Jaime II de Inglaterra , que se exhibe en las Galerías Británicas.
En 1971, Cecil Beaton organizó una exposición de 1200 prendas y accesorios de alta costura del siglo XX, incluidos vestidos usados por importantes personalidades de la alta sociedad como Patricia López-Willshaw, [123] Gloria Guinness [124] y Lee Radziwill , [125] y actrices como Audrey Hepburn [126] y Ruth Ford . [127] Después de la exposición, Beaton donó la mayoría de las exhibiciones al museo a nombre de sus antiguos propietarios.
En 1999, el V&A comenzó una serie de eventos de pasarela en vivo en el museo llamados Fashion in Motion, que presentaban piezas de colecciones de moda históricamente significativas. El primer espectáculo presentó a Alexander McQueen en junio de 1999. Desde entonces, el museo ha albergado recreaciones de varios desfiles de diseñadores cada año, incluidos Anna Sui , Tristan Webber, Elspeth Gibson , Chunghie Lee, Jean Paul Gaultier , Missoni , Gianfranco Ferré , Christian Lacroix , Kenzo y Kansai Yamamoto , entre otros. [128]
En 2002, el museo adquirió la colección Costiff de 178 trajes de Vivienne Westwood . Otros diseñadores famosos con trabajos en la colección incluyen a Coco Chanel , Hubert de Givenchy , Christian Dior , Cristóbal Balenciaga , Yves Saint Laurent , Guy Laroche , Irene Galitzine , Mila Schön , Valentino Garavani , Norman Norell , Norman Hartnell , Zandra Rhodes , Hardy Amies , Mary Quant , Christian Lacroix , Jean Muir y Pierre Cardin . [129] El museo continúa adquiriendo ejemplos de moda moderna para agregar a la colección.
El V&A mantiene un programa permanente de conservación de textiles y vestidos. Por ejemplo, en 2008, un importante conjunto de Dior de 1954, muy sucio, deformado y dañado por el agua, llamado 'Zemire', fue restaurado para que quedara en condiciones de exhibición para la exposición La edad de oro de la alta costura . [130]
![[131]"Vestido de Mantua confeccionado en un brocado de seda color marfil con un patrón de flores y hojas estilizadas".](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c3/Court_mantua_dress_at_Tullie_House_Museum_A_(24).JPG/1280px-Court_mantua_dress_at_Tullie_House_Museum_A_(24).JPG)
El Museo V&A cuenta con una gran colección de zapatos, unos 2000 pares de diferentes culturas de todo el mundo. La colección muestra la progresión cronológica de la altura del zapato, la forma del tacón y los materiales, revelando cuántos estilos que consideramos modernos han estado de moda y han pasado de moda a lo largo de los siglos. [132]
En noviembre de 2012, el museo abrió su primera galería dedicada exclusivamente al mobiliario. Antes de esta fecha, los muebles se habían exhibido como parte de un contexto de época más amplio, en lugar de hacerlo de forma aislada para mostrar sus méritos de diseño y construcción. Entre los diseñadores que se exhiben en la nueva galería se encuentran Ron Arad , John Henry Belter , Joe Colombo , Eileen Gray , Verner Panton , Thonet y Frank Lloyd Wright . [133] [134] [135]
La colección de muebles, aunque abarca Europa y América desde la Edad Media hasta la actualidad, es predominantemente británica y data de entre 1700 y 1900. [136] Muchos de los mejores ejemplos se exhiben en las Galerías Británicas, incluidas piezas de Chippendale, Adam, Morris y Mackintosh. [137] Uno de los objetos más antiguos es una pata de silla del Medio Egipto que data del 200-395 d. C. [133] [138]
La colección de muebles y carpintería también incluye habitaciones completas, instrumentos musicales y relojes. Entre las habitaciones que posee el museo se encuentran el Boudoir de Madame de Sévilly (París, 1781-1782) de Claude Nicolas Ledoux , con paneles pintados por Jean Simeon Rousseau de la Rottière ; [139] y la Oficina Kaufmann de Frank Lloyd Wright, diseñada y construida entre 1934 y 1937 para el propietario de unos grandes almacenes de Pittsburgh. [140]
La colección incluye piezas de William Kent, Henry Flitcroft , Matthias Lock , James Stuart , William Chambers , John Gillow, James Wyatt, Thomas Hopper , Charles Heathcote Tatham , Pugin, William Burges , Charles Voysey , Charles Robert Ashbee , Baillie Scott , Edwin Lutyens, Edward Maufe , Wells Coates y Robin Day . El museo también alberga la colección nacional de papel pintado, que está a cargo del departamento de Grabados, Dibujos y Pinturas. [141] [142]
La colección Soulages de objetos renacentistas italianos y franceses fue adquirida entre 1859 y 1865, e incluye varios cassone . La colección John Jones de arte y mobiliario francés del siglo XVIII fue legada al museo en 1882, entonces valorada en £ 250,000. Una de las piezas más importantes de esta colección es una cómoda de marquetería del ébanista Jean Henri Riesener fechada alrededor de 1780. Otras piezas de mobiliario firmadas en la colección incluyen un buró de Jean-François Oeben , un par de pedestales con trabajos de latón con incrustaciones de André Charles Boulle , una cómoda de Bernard Vanrisamburgh y una mesa de trabajo de Martin Carlin . Otros ébanistas del siglo XVIII representados en la colección del museo incluyen a Adam Weisweiler , David Roentgen , Gilles Joubert y Pierre Langlois. En 1901, Sir George Donaldson donó al museo varias piezas de mobiliario Art Nouveau que había adquirido el año anterior en la Exposición Universal de París . Esta donación fue criticada en su momento, por lo que el museo dejó de coleccionar piezas contemporáneas y no volvió a hacerlo hasta la década de 1960. En 1986, la colección Lady Abingdon de muebles de estilo Imperio francés fue legada por la señora TRP Hole.
Hay un conjunto de hermosas puertas con incrustaciones, fechadas en 1580 del Ayuntamiento de Amberes , atribuidas a Hans Vredeman de Vries . Una de las mejores piezas de mobiliario continental de la colección es el Buró Rococó Augustus Rex, fechado c1750, de Alemania, con marquetería especialmente fina y monturas de ormolu . Una de las piezas más grandiosas del mobiliario del siglo XIX es el muy elaborado Gabinete Francés fechado entre 1861 y 1867, hecho por M. Fourdinois, hecho de ébano con incrustaciones de maderas de boj, tilo, acebo, peral, nogal y caoba, así como mármol con tallas doradas. Los muebles diseñados por Ernest Gimson , Edward William Godwin , Charles Voysey, Adolf Loos y Otto Wagner se encuentran entre los ejemplos de finales del siglo XIX y principios del XX de la colección. Las obras modernistas de la colección incluyen a Le Corbusier , Marcel Breuer , Charles y Ray Eames y Giò Ponti .
Uno de los relojes más antiguos de la colección es un reloj astronómico de 1588 de Francis Nowe. Uno de los más grandes es el reloj de caja alta de James Markwick el joven de 1725, de casi 3 metros de altura y con revestimiento japonés . Otros relojeros con obras en la colección son: Thomas Tompion , Benjamin Lewis Vulliamy , John Ellicott y William Carpenter.
La colección de joyas del museo, que contiene más de 6000 piezas, es una de las colecciones de joyería más finas y completas del mundo e incluye obras que datan desde el Antiguo Egipto hasta la actualidad, así como diseños de joyas en papel. El museo posee piezas de los renombrados joyeros Cartier , Jean Schlumberger , Peter Carl Fabergé , Andrew Grima , Hemmerle y Lalique . [143] Otros artículos de la colección incluyen adornos de diamantes para vestidos hechos para Catalina la Grande , cierres de pulseras que alguna vez pertenecieron a María Antonieta y el collar de esmeraldas de Beauharnais presentado por Napoleón a su hija adoptiva Hortense de Beauharnais en 1806. [144] El museo también colecciona joyería moderna internacional de diseñadores como Gijs Bakker , Onno Boekhoudt, Peter Chang, Gerda Flockinger, Lucy Sarneel, Dorothea Prühl y Wendy Ramshaw , y joyería tradicional africana y asiática. Entre los legados más importantes se encuentran la colección de 154 gemas del reverendo Chauncy Hare Townshend , legada en 1869, la donación de Lady Cory en 1951 de importantes joyas de diamantes de los siglos XVIII y XIX, y la donación de la experta en joyería Dame Joan Evans en 1977 de más de 800 joyas que datan desde la Edad Media hasta principios del siglo XIX. El 24 de mayo de 2008 se inauguró una nueva galería de joyas, financiada por William y Judith Bollinger. [145]
Esta colección de más de 45.000 objetos abarca objetos de forja y fundición , bronce, platería, armas y armaduras, peltre, latón y esmaltes (incluidos numerosos ejemplos de esmalte de Limoges ). La galería principal de herrería fue rediseñada en 1995.
Hay más de 10.000 objetos hechos de plata u oro en la colección, la exposición (alrededor del 15 por ciento de la colección) se divide en secular [146] y sagrado [147] que abarca tanto vasos litúrgicos cristianos ( católicos romanos , anglicanos y ortodoxos griegos ) como judíos y otras obras. La galería principal de plata se divide en estas áreas: plata británica anterior a 1800; plata británica de 1800 a 1900; plata modernista a contemporánea; plata europea. La colección incluye la pieza más antigua conocida de plata inglesa con un sello distintivo fechado, un vaso de plata dorada fechado entre 1496 y 1497.
Entre los plateros cuyo trabajo está representado en la colección se incluyen Paul Storr [148] (cuyo tintero Castlereagh, fechado entre 1817 y 1819, es una de sus mejores obras) y Paul de Lamerie . [149]
La galería principal de trabajos en hierro abarca el hierro forjado y fundido europeo desde el período medieval hasta principios del siglo XX. El maestro de la forja en hierro Jean Tijou está representado tanto por ejemplos de su trabajo como por diseños en papel. Uno de los objetos más grandes es el Biombo Hereford , [150] que pesa casi 8 toneladas, mide 10,5 metros de alto y 11 metros de ancho, diseñado por Sir George Gilbert Scott en 1862 para el presbiterio de la catedral de Hereford , de donde fue retirado en 1967. Fue fabricado por Skidmore & Company. Su estructura de madera y hierro fundido está embellecida con hierro forjado, latón bruñido y cobre. Gran parte del cobre y el hierro están pintados en una amplia gama de colores. Los arcos y las columnas están decorados con cuarzo pulido y paneles de mosaico.
Una de las obras más raras de la colección es el Candelero de Gloucester de 58 cm de alto , [151] fechado en torno a 1110, hecho de bronce dorado; con ramas entrelazadas muy elaboradas e intrincadas que contienen pequeñas figuras e inscripciones, es un tour de force de fundición de bronce. También es importante el Cofre de Becket, fechado en torno a 1180 para contener reliquias de Santo Tomás Becket , hecho de cobre dorado, con escenas esmaltadas del martirio del santo. Otro punto destacado es el Báculo de Reichenau de 1351. [152] El Burghley Nef , un salero francés, fechado entre 1527 y 1528, utiliza una concha de nautilus para formar el casco de un recipiente, que reposa sobre la cola de una sirena parcelilt, que reposa sobre un pedestal hexagonal dorado sobre seis pies de garra y bola. Ambos mástiles tienen velas mayores y mayores, y las cofas de combate almenadas están hechas de oro. Estos elementos se exhiben en las nuevas galerías medievales y renacentistas.
Los instrumentos musicales están clasificados como muebles por el museo, [153] aunque los instrumentos asiáticos están conservados en sus departamentos correspondientes. [154]
Entre los instrumentos más importantes que posee el museo se encuentran un violín de Antonio Stradivarius fechado en 1699, un oboe que perteneció a Gioachino Rossini y una espineta con joyas fechada en 1571 hecha por Annibale Rossi. [155] La colección también incluye un virginal de alrededor de 1570 que se dice que perteneció a Isabel I , [156] y pianos de finales del siglo XIX diseñados por Edward Burne-Jones, [157] y Baillie Scott. [158]
La galería de instrumentos musicales cerró el 25 de febrero de 2010, [159] una decisión que fue muy controvertida. [153] Una petición en línea de más de 5.100 nombres en el sitio web del Parlamento llevó a Chris Smith a preguntar en el Parlamento sobre el futuro de la colección. [160] La respuesta, de Bryan Davies , fue que el museo tenía la intención de preservar y cuidar la colección y mantenerla disponible para el público, con objetos que se redistribuirían a las Galerías Británicas, las Galerías Medievales y Renacentistas y las nuevas galerías planificadas para Muebles y Europa 1600-1800, y que el Museo Horniman y otras instituciones eran posibles candidatos para préstamos de material para garantizar que los instrumentos permanecieran visibles al público. [160] El Horniman pasó a albergar una exposición conjunta con el V&A de instrumentos musicales, [161] y tiene el préstamo de 35 instrumentos del museo. [162]
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La colección incluye alrededor de 1130 pinturas al óleo británicas y 650 europeas , 6800 acuarelas británicas , pasteles y 2000 miniaturas , de las que el museo posee la colección nacional. También en préstamo al museo, de Su Majestad la Reina Isabel II , están los Cartones de Rafael : [163] los siete diseños supervivientes (había diez) a escala real para tapices en la Capilla Sixtina , de las vidas de Pedro y Pablo de los Evangelios y los Hechos de los Apóstoles . También hay en exposición un fresco de Pietro Perugino , fechado en 1522, de la iglesia de Castello en Fontignano ( Perugia ), que se encuentra entre las últimas obras del pintor. Uno de los objetos más grandes de la colección es el retablo español de San Jorge, c. 1400 , 670 x 486 cm, en témpera sobre madera, que consta de numerosas escenas y pintado por Andrés Marzal De Sax en Valencia .
Los artistas británicos del siglo XIX están bien representados. John Constable y JMW Turner están representados por óleos, acuarelas y dibujos. Uno de los objetos más inusuales en exposición es la vitrina experimental de Thomas Gainsborough con sus paisajes retroiluminados, que pintó sobre vidrio, lo que permitió cambiarlos como diapositivas. Otros pintores de paisajes con obras en exposición incluyen Philip James de Loutherbourg , Peter De Wint y John Ward .
En 1857, John Sheepshanks donó 233 pinturas, principalmente de artistas británicos contemporáneos, y un número similar de dibujos al museo con la intención de formar una "Galería Nacional de Arte Británico", un papel asumido desde entonces por la Tate Britain ; los artistas representados son William Blake , James Barry , Henry Fuseli , Sir Edwin Henry Landseer, Sir David Wilkie, William Mulready , William Powell Frith , Millais y Hippolyte Delaroche . Aunque algunas de las obras de Constable llegaron al museo con el legado de Sheepshanks, la mayoría de las obras del artista fueron donadas por su hija Isabel en 1888, [164] incluyendo la gran cantidad de bocetos al óleo, siendo el más significativo el boceto al óleo de tamaño completo de 1821 [165] para The Hay Wain . Otros artistas con obras en la colección incluyen: Bernardino Fungai , Marcus Gheeraerts el Joven , Domenico di Pace Beccafumi , Fioravante Ferramola , Jan Brueghel el Viejo , Anthony van Dyck , Ludovico Carracci , Antonio Verrio, Giovanni Battista Tiepolo , Domenico Tiepolo , Canaletto, Francis Hayman , Pompeo Batoni , Benjamin West , Paul Sandby, Richard Wilson , William Etty , Henry Fuseli, Thomas Lawrence , James Barry, Francis Danby , Richard Parkes Bonington y Alphonse Legros .
La colección de 100 acuarelas británicas de Richard Ellison fue donada por su viuda en 1860 y 1873 "para promover la fundación de la Colección Nacional de Pinturas en Acuarela". Más de 500 pinturas al óleo, acuarelas y miniaturas británicas y europeas y 3000 dibujos y grabados fueron legados en 1868-1869 por los clérigos Chauncey Hare Townshend y Alexander Dyce.
Varias pinturas francesas entraron en la colección como parte de las 260 pinturas y miniaturas (no todas las obras eran francesas, por ejemplo, La Virgen y el Niño de Carlo Crivelli ) que formaban parte del legado de Jones de 1882 y, como tales, se exhiben en las galerías de arte continental de 1600 a 1800, incluido el retrato de François, duque de Alençon de François Clouet , Gaspard Dughet y obras de François Boucher, incluido su retrato de Madame de Pompadour fechado en 1758, Jean François de Troy , Jean-Baptiste Pater y sus contemporáneos.
Otro importante benefactor victoriano fue Constantine Alexander Ionides , quien dejó 82 pinturas al óleo al museo en 1901, incluidas obras de Botticelli , Tintoretto , Adriaen Brouwer , Jean-Baptiste-Camille Corot , Gustave Courbet , Eugène Delacroix , Théodore Rousseau , Edgar Degas , Jean-François Millet , Dante Gabriel Rossetti , Edward Burne-Jones, además de acuarelas y más de mil dibujos y grabados.
El legado Salting de 1909 incluía, entre otras obras, acuarelas de JMW Turner. Otros acuarelistas fueron: William Gilpin , Thomas Rowlandson, William Blake, John Sell Cotman , Paul Sandby, William Mulready, Edward Lear , James Abbott McNeill Whistler y Paul Cézanne .
En el Patio Este se exhibe una copia de La Escuela de Atenas de Rafael, de más de 4 por 8 metros de tamaño, fechada en 1755 por Anton Raphael Mengs .
Los miniaturistas representados en la colección incluyen a Jean Bourdichon , Hans Holbein el Joven , Nicholas Hilliard , Isaac Oliver , Peter Oliver , Jean Petitot , Alexander Cooper , Samuel Cooper , Thomas Flatman , Rosalba Carriera , Christian Friedrich Zincke , George Engleheart , John Smart , Richard Cosway y William Charles Ross .
La colección contiene más de 500.000 imágenes que datan de la aparición de la fotografía, la imagen más antigua data de 1839. La galería muestra una serie de exposiciones temporales y cierra entre exposiciones para permitir que se vuelva a mostrar toda la obra. Ya en 1858, cuando el museo se llamaba South Kensington Museum, tuvo lugar la primera exposición fotográfica internacional del mundo.
La colección incluye el trabajo de muchos fotógrafos, desde Fox Talbot , Julia Margaret Cameron , la vizcondesa Clementina Hawarden , Gustave Le Gray , Benjamin Brecknell Turner , Frederick Hollyer , Samuel Bourne , Roger Fenton , Man Ray , Henri Cartier-Bresson , Ilse Bing , Bill Brandt , Cecil Beaton (hay más de 8000 de sus negativos ), Don McCullin , David Bailey , Jim Lee y Helen Chadwick hasta la actualidad.
Una de las colecciones más inusuales es la de las fotografías de Eadweard Muybridge de la locomoción animal de 1887, que consta de 781 placas. Estas secuencias de fotografías tomadas con una fracción de segundo de diferencia capturan imágenes de diferentes animales y humanos realizando diversas acciones. Hay varias de las imágenes de John Thomson de 1876-7 de la vida callejera en Londres en la colección. El museo también posee los retratos de sociedad de James Lafayette , una colección de más de 600 fotografías que datan de finales del siglo XIX y principios del XX y que retratan una amplia gama de figuras de la sociedad de la época, incluidos obispos, generales, damas de sociedad, maharajás indios, gobernantes etíopes y otros líderes extranjeros, actrices, personas posando en sus automóviles y una secuencia de fotografías que registran a los invitados al famoso baile de disfraces celebrado en Devonshire House en 1897 para celebrar el jubileo de diamante de la reina Victoria.
En 2003 y 2007, Penelope Smail y Kathleen Moffat donaron generosamente el extenso archivo de Curtis Moffat al museo. Moffat creó dinámicas fotografías abstractas, innovadoras naturalezas muertas en color y glamorosos retratos de sociedad durante las décadas de 1920 y 1930. También fue una figura fundamental en el diseño de interiores modernista. En París, durante la década de 1920, Moffat colaboró con Man Ray, produciendo retratos y fotogramas abstractos o "rayografías".
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La colección de esculturas del V&A es la colección de esculturas europeas posclásicas más completa del mundo. Hay aproximadamente 22.000 objetos [102] en la colección que cubren el período desde aproximadamente el 400 d. C. hasta 1914. Esto cubre, entre otros períodos, esculturas de marfil bizantinas y anglosajonas , estatuas y tallas medievales británicas, francesas y españolas, los períodos renacentista, barroco, neoclásico, victoriano y art nouveau. Todos los usos de la escultura están representados, desde tumbas y monumentos, hasta retratos, alegóricos, religiosos, míticos, estatuas para jardines que incluyen fuentes, así como decoraciones arquitectónicas. Los materiales utilizados incluyen mármol, alabastro, piedra, terracota, madera ( historia de la talla de madera ), marfil, yeso , yeso, bronce, plomo y cerámica.
La colección de esculturas italianas, medievales, renacentistas, barrocas y neoclásicas (tanto originales como en fundición) no tiene parangón fuera de Italia. Incluye Las tres Gracias de Canova , que el museo posee en conjunto con las Galerías Nacionales de Escocia . Los escultores italianos cuyas obras se conservan en el museo incluyen: Bartolomeo Bon , Bartolomeo Bellano , Luca della Robbia , Giovanni Pisano , Donatello, Agostino di Duccio , Andrea Riccio , Antonio Rossellino , Andrea del Verrocchio , Antonio Lombardo , Pier Jacopo Alari Bonacolsi , Andrea della Robbia , Michelozzo di Bartolomeo , Miguel Ángel (representado por un modelo de cera a mano alzada y moldes de sus esculturas más famosas), Jacopo Sansovino , Alessandro Algardi , Antonio Calcagni , Benvenuto Cellini ( la cabeza de Medusa fechada c. 1547 ), Agostino Busti , Bartolomeo Ammannati , Giacomo della Porta , Giambologna ( Sansón matando a un filisteo c. 1562 , su mejor obra fuera de Italia [ ¿según quién? ] ), Bernini ( Neptuno y Tritón c. 1622-3 ), Giovanni Battista Foggini , Vincenzo Foggini (Sansón y los filisteos), Massimiliano Soldani Benzi , Antonio Corradini , Andrea Brustolon , Giovanni Battista Piranesi, Innocenzo Spinazzi , Canova, Carlo Marochetti y Raffaelle Monti .
Una escultura inusual es la antigua estatua romana de Narciso restaurada por Valerio Cioli c. 1564 con yeso. Hay varios bronces de pequeña escala de Donatello como La Ascensión con Cristo entregando las llaves a San Pedro y Lamentación de Cristo , de Alessandro Vittoria , Tiziano Aspetti y Francesco Fanelli en la colección. La obra más grande de Italia es la Capilla del Canciller de Santa Chiara, Florencia, fechada entre 1493 y 1500, diseñada por Giuliano da Sangallo , tiene 11,1 metros de altura por 5,4 metros cuadrados, incluye un gran tabernáculo esculpido por Antonio Rossellino y decoración de terracota coloreada. [166]
Rodin está representado por más de 20 obras en la colección del museo, lo que la convierte en una de las mayores colecciones del trabajo del escultor fuera de Francia; estas fueron donadas al museo por el escultor en 1914, como reconocimiento al apoyo de Gran Bretaña a Francia en la Primera Guerra Mundial , [167] aunque la estatua de San Juan Bautista había sido comprada en 1902 por suscripción pública. Otros escultores franceses con obras en la colección son Hubert Le Sueur , François Girardon , Michel Clodion , Jean-Antoine Houdon , Jean-Baptiste Carpeaux y Jules Dalou .
También hay varias obras renacentistas de escultores del norte de Europa en la colección, incluyendo obras de: Veit Stoss , Tilman Riemenschneider , Hendrick de Keyser , Hans Daucher y Peter Flötner . Las obras barrocas de la misma área incluyen el trabajo de Adriaen de Vries y Sébastien Slodtz . Los escultores españoles con obras en la colección incluyen a Alonso Berruguete y Luisa Roldán representados por su Virgen con el Niño con San Diego de Alcalá c. 1695 .
Entre los escultores británicos y europeos que residieron en Gran Bretaña y cuyas obras se encuentran en la colección se incluyen [168] Nicholas Stone , Caius Gabriel Cibber , Grinling Gibbons, John Michael Rysbrack , Louis-François Roubiliac , Peter Scheemakers , Sir Henry Cheere, Agostino Carlini , Thomas Banks , Joseph Nollekens , Joseph Wilton , John Flaxman, Sir Francis Chantrey , John Gibson , Edward Hodges Baily , Lord Leighton , Alfred Stevens, Thomas Brock , Alfred Gilbert , George Frampton y Eric Gill. Una muestra de la obra de algunos de estos escultores se exhibe en las Galerías Británicas.
Con la apertura de las galerías de esculturas de Dorothy y Michael Hintze en 2006, se decidió ampliar la cronología de las obras expuestas hasta 1950; esto ha implicado préstamos de otros museos, incluido el Tate Britain, por lo que ahora se exhiben obras de Henry Moore y Jacob Epstein junto con otras de sus contemporáneos. Estas galerías se concentran en obras fechadas entre 1600 y 1950 de escultores británicos, obras de escultores continentales que trabajaron en Gran Bretaña y obras compradas por mecenas británicos a los escultores continentales, como Teseo y el Minotauro de Canova . Las galerías que dan al jardín están organizadas por tema, escultura de tumba, retrato, escultura de jardín y mitología. También hay una sección que cubre la escultura de finales del siglo XIX y principios del XX, que incluye obras de Rodin y otros escultores franceses como Dalou, que pasó varios años en Gran Bretaña donde enseñó escultura. [169]
En la galería Gilbert Bayes se exhiben obras de menor escala, que abarcan especialmente esculturas de alabastro medieval , bronces y esculturas de madera, y también se ofrecen demostraciones de diversas técnicas, como la fundición de bronce mediante fundición a la cera perdida .
La mayor parte de la escultura medieval y renacentista se exhibe en las nuevas galerías medievales y renacentistas (inauguradas en diciembre de 2009).
Uno de los objetos más grandes de la colección es el coro de la catedral de San Juan ('s-Hertogenbosch) , [170] de los Países Bajos, fechado entre 1610 y 1613. Es tanto una obra de arquitectura como de escultura, de 10,4 metros de ancho y 7,8 metros de alto; el marco arquitectónico es de mármoles de varios colores, incluidas columnas, arcos y balaustrada, sobre los que hay estatuas, bajorrelieves y otras tallas en alabastro, obra del escultor Conrad van Norenberch.
La colección de textiles consta de más de 53.000 ejemplos, principalmente de Europa occidental, aunque están representados todos los continentes poblados, que datan desde el siglo I d. C. hasta la actualidad, esta es la colección de este tipo más grande del mundo. Las técnicas representadas incluyen tejido, impresión, acolchado , bordado, encaje , tapicería y alfombras. Estos están clasificados por técnica, país de origen y fecha de producción. Las colecciones están bien representadas en estas áreas: sedas tempranas del Cercano Oriente, encaje, tapices europeos y bordados de iglesias medievales inglesas.
La colección de tapices incluye un fragmento del Paño de San Gereón, el tapiz europeo más antiguo que se conserva. Un elemento destacado de la colección son los cuatro Tapices de Caza de Devonshire , [171] tapices muy raros del siglo XV, tejidos en los Países Bajos, que representan la caza de varios animales; no solo su edad sino también su tamaño los hacen únicos. Los dos principales centros ingleses de tejido de tapices de los siglos XVI y XVII respectivamente, Sheldon y Mortlake, están representados en la colección con varios ejemplos. También se incluyen tapices del taller de John Vanderbank, que fue la principal fábrica de tapices inglesa a finales del siglo XVII y principios del XVIII. Algunos de los tapices más finos son ejemplos del taller de los Gobelinos , incluido un conjunto de "Jasón y los Argonautas" que data de la década de 1750. Otros centros continentales de tejido de tapices con obras en la colección incluyen Bruselas , Tournai , Beauvais , Estrasburgo y Florencia .
La colección también conserva uno de los primeros ejemplos de acolchado europeo que se conservan, el edredón Tristan siciliano de finales del siglo XIV. La colección tiene numerosos ejemplos de varios tipos de textiles diseñados por William Morris , [172] incluidos bordados, tejidos, tapices (incluido el tapiz The Forest de 1887), alfombras y tapices, así como libros de patrones y diseños de papel. El período art déco está cubierto por alfombras y telas diseñadas por Marion Dorn . Del mismo período hay una alfombra diseñada por Serge Chermayeff .
La colección también incluye los tapices de Oxburgh , realizados por María I de Escocia e Isabel de Hardwick . [173] Sin embargo, los tapices de Oxburgh se encuentran en préstamo permanente a largo plazo en Oxburgh Hall . [173]
El V&A alberga la colección nacional de artes escénicas del Reino Unido, que incluye teatro, danza, ópera, circo, títeres, comedia, teatro musical, vestuario, escenografía, pantomima, música popular y otras formas de entretenimiento en vivo. [175]
Las colecciones de Theatre & Performance se fundaron en la década de 1920 cuando la coleccionista privada Gabrielle Enthoven donó su colección de recuerdos teatrales al V&A. En 1974 se recopilaron dos colecciones independientes más para formar una colección integral de artes escénicas en el V&A. [176] Las colecciones se exhibieron en el Theatre Museum , que funcionó desde Covent Garden hasta su cierre en 2007. [177] Las galerías Theatre & Performance abrieron en South Kensington en marzo de 2009 [178] que rastrean el proceso de producción de la actuación e incluyen un espacio de exposición temporal. Los tipos de objetos exhibidos incluyen vestuario, modelos de escenarios, pelucas, libros de sugerencias y carteles.
El departamento conserva archivos importantes que documentan la práctica actual y la historia de las artes escénicas. Entre ellos se incluyen la English Stage Company del Royal Court Theatre , D'Oyly Carte y la colección de diseño del Arts Council . Entre los archivos personales más destacados se encuentran los de Vivien Leigh , Peter Brook , Henry Irving e Ivor Novello .
El rock y el pop están bien representados en el archivo del Festival de Glastonbury , [179] la colección fotográfica de Harry Hammond [180] y el archivo de Jamie Reid que documenta el punk. Los trajes incluyen los que usaron John Lennon , Mick Jagger , Elton John , Adam Ant , Chris Martin , Iggy Pop , Prince , Shirley Bassey y el atuendo de escenario que usó Roger Daltrey en Woodstock . [181]
En 2024, el museo exhibió los trajes que lució Taylor Swift a lo largo de su carrera. La exposición, titulada Taylor Swift Songbook Trail, fue concebida por el diseñador teatral Tom Piper [182] como un "viaje de aproximadamente 1 milla de largo" [...] "a través de las galerías del V&A South Kensington" con "13 paradas". [183] [184] [185] La mayoría de las exhibiciones estaban dispersas por todo el museo, y la "raramente vista Prince Consort Gallery" estaba completamente dedicada a la exposición. [186] [187]
El Departamento de Educación [188] tiene amplias responsabilidades. Proporciona información a los visitantes ocasionales y a los grupos escolares, incluida la integración del aprendizaje en el museo con el currículo nacional ; proporciona instalaciones de investigación para estudiantes de nivel universitario y superiores, con información y acceso a las colecciones. También supervisa el contenido del sitio web del museo, además de publicar libros y artículos sobre las colecciones, la investigación y otros aspectos del museo.
Varias áreas de la colección cuentan con salas de estudio dedicadas, que permiten el acceso a objetos de la colección que no están actualmente en exhibición, pero en algunos casos requieren cita previa. [189]
La nueva suite educativa Sackler , que ocupa los dos pisos inferiores del ala Henry Cole, se inauguró en septiembre de 2008. Incluye salas de conferencias y áreas para uso de las escuelas, que estarán disponibles durante las vacaciones escolares para el uso de las familias y permitirán la manipulación directa de los artículos de la colección.
V&A Publishing, dentro del departamento de educación, trabaja para recaudar fondos para el museo mediante la publicación de unos 30 libros y artículos digitales cada año. La empresa tiene unos 180 libros impresos. [190]
Hay mochilas de actividades disponibles para los niños. Se pueden pedir prestadas de forma gratuita e incluyen actividades prácticas como rompecabezas, juegos de construcción e historias relacionadas con los temas del museo. [191]
La Academia de Aprendizaje ofrece cursos para adultos y formación para profesionales del sector de la cultura y el patrimonio, tanto a nivel nacional como internacional. Además, disponemos de magníficas instalaciones para impartir clases, estudiar y conocer nuestras colecciones. [192]
La investigación [193] es un área muy importante del trabajo del museo e incluye: identificación e interpretación de objetos individuales; otros estudios contribuyen a la investigación sistemática, que desarrolla la comprensión pública del arte y los artefactos de muchas de las grandes culturas del mundo; investigación y evaluación de visitantes para descubrir las necesidades de los visitantes y sus experiencias en el museo. Desde 1990, el museo ha publicado informes de investigación; [194] estos se centran en todas las áreas de las colecciones.
Conservación [195] es responsable de la preservación a largo plazo de las colecciones y cubre todas las colecciones que conservan el V&A y el Museo de la Infancia del V&A. Los conservadores se especializan en áreas particulares de conservación. Las áreas cubiertas por el trabajo del conservador incluyen la conservación "preventiva", que incluye: realizar inspecciones, evaluaciones y brindar asesoramiento sobre el manejo de los artículos, el embalaje correcto, los procedimientos de montaje y manipulación durante el movimiento y la exhibición para reducir el riesgo de dañar los objetos. Las actividades incluyen controlar el entorno del museo (por ejemplo, la temperatura y la luz) y evitar que las plagas (principalmente insectos) dañen los artefactos. La otra categoría importante es la conservación "interventiva", que incluye: limpieza y reintegración para fortalecer los objetos frágiles, revelar la decoración original de la superficie y restaurar la forma. El tratamiento interventivo hace que un objeto sea más estable, pero también más atractivo y comprensible para el espectador. Por lo general, se realiza en artículos que se exhibirán al público.
A principios de la década de 2000, la Biblioteca Nacional de Arte se fusionó con el Departamento de Grabados, Pinturas y Dibujos para formar el Departamento de Palabra e Imagen. [196] La biblioteca y sus salas de lectura están ubicadas en el segundo piso del V&A, aunque algunas colecciones, particularmente los Archivos, se encuentran fuera del sitio. [197]
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El V&A trabaja con un pequeño número de organizaciones asociadas en Sheffield , Dundee y Blackpool para proporcionar una presencia regional. [199] [200]
En 2007, el V&A conversó con la Universidad de Dundee , la Universidad de Abertay , el Ayuntamiento de Dundee y el Gobierno escocés con vistas a abrir una nueva galería de 43 millones de libras en Dundee, que utilizaría la marca V&A, aunque se financiaría y operaría de forma independiente. [201] [202] Los costes se estimaron en 76 millones de libras en 2015, lo que lo convierte en el proyecto de galería más caro jamás realizado en Escocia. [203] [204] El V&A Dundee abrió el 15 de septiembre de 2018. [9] El Ayuntamiento de Dundee paga una parte importante de los costes de funcionamiento. El V&A no contribuye económicamente, pero proporciona experiencia, préstamos y exposiciones. [204]
También se están considerando planes para una nueva galería en Blackpool. [205] Esto sigue a los planes anteriores de trasladar la colección de teatro a un nuevo museo de 60 millones de libras en Blackpool, que fracasó debido a la falta de financiación. [206] El V&A expone dos veces al año en las Millennium Galleries en asociación con Museums Sheffield . [206]
El V&A es uno de los 17 museos de toda Europa y el Mediterráneo que participan en un proyecto llamado Discover Islamic Art . Desarrollado por el consorcio con sede en Bruselas Museum With No Frontiers , este "museo virtual" en línea reúne más de 1200 obras de arte y arquitectura islámicos en una única base de datos. En 2009, el V&A estableció un premio de arte, el Premio Jameel, para "arte contemporáneo y diseño inspirado en la tradición islámica" en asociación con Art Jameel . [207]
El V&A es un centro importante para el Festival de Diseño de Londres y alberga numerosas exposiciones y eventos relacionados con el festival. [208] [209] [210] [211] [212] [213]
El museo es un organismo público no departamental patrocinado por el Departamento de Cultura, Medios de Comunicación y Deporte Digital . Al igual que otros museos nacionales británicos, la entrada es gratuita. [214] [215]
El V&A cuenta con grandes galerías dedicadas a exposiciones temporales. Un año típico se organizan más de una docena de exposiciones diferentes que abarcan todas las áreas de las colecciones. Entre las exposiciones más destacadas de los últimos años se encuentran las siguientes:
El V&A ocupó el segundo lugar entre las exposiciones mejor pagadas de Londres en 2015 con el desfile récord de Alexander McQueen (3.472 al día). [218]
En noviembre de 2019, la fotógrafa de arte Nan Goldin encabezó una "muerte" en la entrada del patio Sackler del museo, en protesta contra la aceptación por parte del V&A de donaciones de la familia Sackler, propietaria de Purdue Pharma , fabricantes del adictivo analgésico opioide OxyContin . [219] El director del museo, Tristram Hunt , defendió la relación del museo con los Sackler y dijo que estaba orgulloso de haber recibido el apoyo de la familia durante varios años. [220]
En 2019, el V&A también recibió el patrocinio de una exposición sobre automóviles de Bosch, que había sido multada con 90 millones de euros por su participación en el escándalo de las emisiones de diésel. Una portavoz del V&A afirmó: "Bosch está a la vanguardia de la innovación, con el foco puesto en ofrecer soluciones sostenibles para la movilidad del futuro". [221]
Extinction Rebellion organizó una protesta sucia frente al V&A Dundee , en protesta contra el patrocinio del Barclays Bank a la exposición de Mary Quant del museo . [222]
En 2021, los planes para reducir los costos del museo reorganizando sus colecciones por fecha en lugar de por material fueron abandonados después de que los críticos dijeran que esto conduciría a recortes de personal y, por lo tanto, a una pérdida de experiencia. [223]
A partir de marzo de 2020, BBC Two transmitió una serie de seis programas que mostraban el trabajo detrás de escena de los curadores y restauradores del museo, titulados Secretos del museo . [224]
La Galería de Esculturas aparece en la comedia romántica de 2023 Red, White & Royal Blue . [225] [226] [227]
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