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El esmalte de Limoges se ha producido en Limoges , en el suroeste de Francia , durante varios siglos hasta la actualidad. Hay dos períodos en los que tuvo importancia europea. Desde el siglo XII hasta 1370 existió una gran industria que producía objetos metálicos decorados con esmalte mediante la técnica del champlevé , de los cuales la mayoría de los supervivientes (estimados en unas 7.500 piezas), [1] y probablemente la mayor parte de la producción original, son objetos religiosos. como relicarios .
Después de un intervalo de un siglo, la industria revivió a finales del siglo XV, especializándose ahora en la técnica del esmalte pintado y, en unas pocas décadas, fabricando piezas más seculares que religiosas. En el Renacimiento francés fue el centro principal, con varios talleres dinásticos, que a menudo firmaban o perforaban sus obras. [2] Las piezas de lujo, como platos, placas y jarras, se pintaron con una sofisticada decoración manierista de escenas de figuras pictóricas, que en las vasijas estaban rodeadas por elaborados bordes.
En ambos períodos las piezas más importantes incluyen escenas narrativas. Estos ejemplifican los estilos de sus respectivos períodos. En el champlevé medieval la acción se muestra simple y directamente mediante unas pocas figuras, con fondos estampados. En las piezas pintadas manieristas, numerosas figuras y fondos detallados tienden a abrumar la actividad de las figuras principales.
Después de un declive a partir de 1630 aproximadamente y la posterior competencia de la porcelana , la producción de alta calidad revivió a mediados del siglo XIX y adoptó el Art Nouveau y otros estilos contemporáneos, con una producción relativamente pequeña. [3]
Limoges ya era el centro europeo de producción de esmalte vítreo champlevé más grande y famoso, pero no el de mayor calidad, en el siglo XII; sus obras fueron conocidas como Opus de Limogia o Labor Limogiae . [5] Los principales competidores de la ciudad en el mercado preocupado por los precios eran los talleres del norte de España, y el trabajo de Limoges muestra signos de influencia española e islámica desde muy temprano; Se ha especulado que hubo movimiento de trabajadores entre las dos regiones. [6] El estilo vermiculado posterior y las fronteras pseudocúficas son dos ejemplos de tal influencia. [7] Algunas de las primeras piezas de esmalte de Limoges muestran una banda en escritura pseudocúfica, que "era una característica ornamental recurrente en Limoges y había sido adoptada durante mucho tiempo en Aquitania". [8]
Las placas champlevé y los " ataúdes chasse " o relicarios de cobre finalmente se produjeron casi en masa y fueron asequibles para las iglesias parroquiales y la nobleza. Sin embargo, el trabajo champlevé de mayor calidad provino del valle de Mosan , en piezas como el Tríptico Stavelot , y más tarde los esmaltadores basse-taille de París, Siena y otros lugares lideraron el segmento superior del mercado del esmalte, a menudo con bases en metales preciosos; Casi todas estas piezas han sido fundidas en algún momento. Pero Limoges todavía recibía pedidos de piezas importantes para catedrales o mecenas reales, especialmente en los siglos XII y XIII, y había una variedad de calidades de trabajo disponibles. La industria ya estaba en declive en 1370, cuando el brutal saqueo de la ciudad después del asedio de Limoges por parte de los ingleses, liderados por Eduardo el Príncipe Negro , acabó efectivamente con ella. [9] Para entonces, los orfebres de los centros más grandes habían recurrido en su mayoría a otras técnicas como la basse-taille. [10]
El esmalte de Limoges se aplicaba normalmente sobre una base de cobre , pero a veces también sobre plata u oro. [5] La conservación es a menudo excelente debido a la dureza del material empleado, [5] y las obras más baratas de cobre de Limoges han sobrevivido a un ritmo mucho mayor que las obras cortesanas de metales preciosos, cuyos materiales fueron casi todos reciclados en algún momento. punto. Las partes no cubiertas de esmalte estaban generalmente doradas ; Había dos estilos básicos. En el primero, el más común pero que no se introdujo hasta 1200, las figuras estaban doradas y a menudo al menos parcialmente en relieve , mientras que los fondos estaban principalmente en esmaltes de colores. En el otro, esto estaba al revés, y las figuras eran esmaltadas, sobre un fondo dorado. [11]
Las áreas doradas también estaban marcadas con líneas incisas, que representaban los rostros y ropas de figuras o patrones en los fondos (este último conocido como estilo vermiculado ). Las piezas a menudo estaban decoradas con joyas, generalmente imitaciones en esmalte o vidrio en las piezas supervivientes, y los círculos multicolores en muchos de los fondos pueden entenderse como imitaciones de gemas. Desde aproximadamente 1200, el azul, con el oro de las zonas doradas, fue el color predominante en la paleta de Limoges. En el arte medieval, el azul era notoriamente caro en otros medios como la pintura, pero relativamente fácil de lograr tanto en esmalte como en vidrieras , cuyos creadores aprovecharon esto al máximo. [12]
Los elementos en relieve más pequeños se hicieron principalmente estampando troqueles que llevaban el diseño de detalles como las cabezas de figuras que de otro modo serían planas; Cuando las figuras enteras están en relieve, generalmente están hechas de una pieza separada de cobre que primero se empuja hacia afuera desde atrás para darle una forma aproximada y luego se termina trabajando en el frente. Estos estaban unidos a la pieza principal con remaches de cobre , cuyas cabezas redondas suelen ser fácilmente visibles. En algunas piezas, especialmente aquellas como las cabezas de báculo con una forma tridimensional igual en dos lados, todo el cuerpo fue martillado en matrices metálicas que llevaban el diseño. Entonces era más probable que los dos lados estuvieran soldados entre sí. [13]
El crecimiento de la industria de Limoges y su reputación en el siglo XII parece deberse en gran medida a los Grandmontines , una orden monástica cuya casa madre de Grandmont estaba fuera de la ciudad. La orden creció rápidamente después de la muerte de su fundador, San Esteban de Muret en 1124, y fue patrocinada por el rey Enrique II de Inglaterra . Ya no se cree que hubiera un taller de esmalte en la propia abadía de Grandmont; en cambio, se patrocinaron los talleres seculares de Limoges. La orden tenía poca tierra y era pobre, además de que su gobierno austero aparentemente desalentaba el gasto en arte; no utilizó escultura monumental. No obstante, se enviaron esmaltes a las nuevas casas que iban surgiendo, principalmente en Francia. [14]
El Papa Inocencio III (1198-1216), que visitó Grandmont dos veces, encargó a Limoges un trabajo para Roma: un relicario para su iglesia titular y un trabajo para el santuario de San Pedro en la Basílica de San Pedro , efectivamente el escenario más prestigioso de la Iglesia occidental. El IV Concilio de Letrán , convocado por Inocencio, especificó que el esmalte de Limoges era adecuado para una de las dos píxides que toda iglesia debía tener (aunque no se consideró un material apropiado para los cálices , que las normas católicas aún exigen generalmente que estén al menos revestidos). en metales preciosos). [15]
Otros factores que contribuyeron a difundir la reputación del trabajo de Limoges fueron que Limoges se encontraba en una ruta principal de peregrinación a Santiago de Compostela y también contaba con el patrocinio de los Caballeros Templarios . Las piezas se regalaron en lugares tan lejanos como los Reinos Cruzados de Tierra Santa y Escandinavia , y se han conservado en Novgorod , Rusia. [13]
Además de los ataúdes, que constituyen una parte importante de la producción durante toda la época, había muchos otros tipos de objetos realizados en esmalte de Limoges. Los fabricados para uso eclesiástico han tenido más posibilidades de sobrevivir, y probablemente predominaron en la primera parte del período. Algunos tipos de objetos, como los candelabros, que suelen ser pequeños con un alfiler, y los medallones ornamentales para cofres, suelen tener decoración secular o neutra y probablemente se fabricaban de la misma manera para ambos mercados. En el período posterior, otros objetos pueden tener una decoración claramente secular, como escenas caballerescas de caballeros en combate, [16] o escenas más raras de amor cortés . [17] Las cubiertas de libros religiosos (o encuadernaciones de tesoros ) se hicieron en grandes cantidades a lo largo del período, generalmente en pares de placas que rara vez han sobrevivido juntas; Dios el Padre y la crucifixión de Cristo son temas comunes. [18]
Otros temas que aparecen en el esmalte de Limoges con bastante más frecuencia que en otro arte religioso de la época incluyen la vida de Santa Valeria de Limoges , una heroína local, así como el martirio de Santo Tomás Becket , cuyo culto fue promovido vigorosamente por la iglesia después su muerte, incluida la distribución de reliquias secundarias (trozos de su ropa empapados en su sangre diluida) por toda Europa. El hecho de que haya más de veinte bastidores de Limoges que muestren la historia de los Reyes Magos ha desconcertado un poco a los historiadores del arte. Sus reliquias fueron "trasladadas" de Milán a Colonia en 1164, [19] y se ha sugerido que partes de la mampostería del antiguo santuario de Milán estaban disponibles como reliquias. [20] En temas como estos, con muchos ejemplos sobrevivientes, las representaciones a menudo son muy similares o se dividen en grupos, lo que sugiere diseños compartidos y tal vez diferentes talleres que utilizan los mismos patrones.
En el siglo XIII estaba de moda que en la parte superior de las tumbas de las élites se colocara un panel de esmalte y metal con una efigie del difunto, que a menudo estaba en relieve . Dos hijos de San Luis IX (1214-1270), que murieron jóvenes, tenían tumbas de este tipo en la abadía de Royaumont en las afueras de París (ahora en la basílica de Saint-Denis ), [21] y se registran varias tumbas de obispos y grandes nobles; pocos sobrevivieron a la Revolución Francesa . [22] Esto fue parte de una tendencia de las obras tardías de Limoges a volverse cada vez más escultóricas, a menudo con sólo pequeños toques en el esmalte. [23] El número de piezas seculares, o las que han sobrevivido, aumentó en el período posterior, incluyendo candelabros, placas de medallón para adornar cofres y otras cosas, [24] y gemelions, cuencos para el lavado de manos ceremonial que venían en pares, sirvientes vertiéndose sobre las manos de uno a otro. [17]
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La técnica del esmalte pintado apareció a mediados del siglo XV, quizás por primera vez en los Países Bajos, seguida pronto por Limoges durante el reinado de Luis XI (1461-1483). [26] El primer maestro importante, que se conoce con el nombre de Monvaerni, o Pseudo-Monvaerni, como ahora se sabe que el nombre se basa en la mala interpretación de una inscripción, trabajó en las últimas décadas del siglo. [27] Le siguieron los artistas desconocidos llamados el "Maestro del Tríptico de Luis XII", en honor a una pieza del Museo de Victoria y Alberto , y el "Maestro del Tríptico de Orleans", que creó una serie de piezas religiosas antes de 1515 aproximadamente. en un estilo todavía basado en la pintura del siglo anterior. [28] Eran demasiado pequeños para las iglesias y evidentemente se usaban para devociones privadas, tal vez especialmente para los viajeros frecuentes. [29]
La técnica floreció en varios talleres de Limoges a lo largo del siglo XVI, disfrutando de privilegios del rey que le otorgaron casi un monopolio en Francia. Además, desde la época de Luis XI la posibilidad de obtener el título de maestro en el gremio de esmaltadores estaba limitada a unas pocas familias por edictos reales. [30] Los esmaltes se producían en talleres que a menudo persistían en la misma familia durante varias generaciones, y a menudo están firmados en el esmalte, o identificables, al menos en lo que respecta a la familia o el taller, mediante marcas perforadas en la parte posterior de los paneles, como así como por estilo. [31]
Al menos inicialmente, se trataba de objetos de muy alto estatus para el gusto refinado de la corte y otros coleccionistas adinerados, [32] y los habitantes ricos de la ciudad aumentaron la base de clientes a partir de la década de 1530, a medida que la industria se expandía. [33] A diferencia del Limoges champlevé medieval, estos esmaltes se fabricaron para un mercado restringido principalmente a Francia, aunque algunas piezas se encargaron a Alemania. [34] Si bien el champlevé medieval de Limoges competía con otros centros de Europa, en el siglo XVI no había realmente ninguna otra ciudad que produjera ninguna cantidad de grandes esmaltes pictóricos en estilo manierista . Algunas piezas de cristal de Murano fueron pintadas parcialmente en un estilo más o menos equivalente.
En 1580, el estilo parece haber ido pasando de moda, y Bernard Palissy , creador de un estilo complementario en cerámica, escribió que "su arte se ha vuelto tan barato que apenas pueden ganarse la vida". [35] La producción continuó hasta el siglo XVII, pero con una calidad decreciente después de las primeras décadas. En el siglo XVIII, el papel de los objetos de lujo esmaltados fue reemplazado en gran medida por la porcelana europea , pero después de algunos refinamientos técnicos, la pintura con esmalte se volvió ampliamente utilizada para pequeños retratos en miniatura , lo que antes era una excentricidad inglesa. Se pintaron en muchas ciudades importantes donde había clientes, y Limoges sólo desempeñó un papel secundario. Limoges también fue un centro activo de loza pintada y más tarde de porcelana de Limoges . [3]
La nueva técnica produjo piezas pintadas con escenas figurativas o esquemas decorativos muy detallados. Al igual que con la mayólica italiana , a la que de alguna manera Limoges pintó esmalte fue una respuesta francesa tardía, las imágenes tendían a extraerse de la mitología o alegoría clásica, aunque incluye escenas religiosas, a menudo del Antiguo Testamento . Muchos maestros se fueron convirtiendo en hugonotes ( calvinistas franceses ) a lo largo del siglo, y las nuevas Biblias moralizadas impresas , con ilustraciones de Bernard Salomon y otros, hicieron accesible un gran número de escenas narrativas que antes no eran muy familiares. [36]
La mayoría de las composiciones se tomaron de grabados alemanes, franceses o italianos , especialmente las escenas más grandes con muchas figuras. Los bordes de las piezas más grandes son muy elaborados y utilizan toda la gama de adornos manieristas, difundidos por estampados de adornos y otros modelos. Hay mucho trabajo de correas y los grotescos fantásticos a menudo reciben un tratamiento cómico. [37] Los alegres grotescos ilustrados a la derecha se encuentran en el reverso de un gran plato cuya cara principal muestra una representación en colores brillantes de la destrucción del ejército del faraón en el Mar Rojo . [38] Ambos diseños tienen estrechos paralelos, sin ser exactamente copiados, en piezas de otras colecciones, en particular una del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Los diseños también se basan en grabados, pero adaptados por los esmaltadores para sus piezas. [39]
La introducción, alrededor de 1530, del estilo grisalla , con la mayor parte de la composición en blanco y negro, puede parecer sorprendente en un medio que generalmente dependía para su efecto de una amplia gama de colores brillantes que sólo podían ser igualados por la cerámica en los otros medios, como la orfebrería, en los que se fabricaron objetos similares. A menudo se incluían otros colores apagados, especialmente el dorado y el rosa para el color carne. Es posible que haya habido una influencia del blanco y negro de los estampados de los que se extrajeron los diseños, y el estilo probablemente fue mucho más fácil de implementar. Las áreas de grisalla generalmente se hacían cociendo una capa de esmalte "negro", de hecho, generalmente un color morera muy oscuro , a veces un azul muy oscuro, luego se agregaba una capa de blanco y se raspaba parcialmente antes de volver a cocer. Luego se pueden agregar reflejos en blanco, dorado u otros colores. [40] Las piezas grisalla dominaron la producción en el período aproximado entre 1530 y 1560, y posteriormente continuaron fabricándose junto con las policromadas. [41] Se ha afirmado que estas piezas eran "oscuras y sombrías, reflejando el pesimismo prevaleciente durante la Reforma". [3]
Todavía se aplicaban esmaltes a las bases de láminas de cobre; la construcción de las complicadas formas tridimensionales que se utilizan a menudo ahora no podía utilizar soldadura , que no resistiría la temperatura de cocción. También era necesario esmaltar la parte posterior de las láminas, incluso donde serían invisibles, para reducir el pandeo durante la cocción; este esmalte invisible se llama "contraesmalte" y se utiliza material de desecho de los lados pintados. La técnica requería (si no en grisalla ) múltiples cocciones a temperaturas estrechamente controladas para cocer los distintos colores, aunque el número de cocciones realmente necesarias se ha convertido en un tema de cierta controversia en las últimas décadas. Los autores anteriores afirmaban que había hasta veinte, pero ahora parece más probable un máximo de ocho o nueve. [42] Se utilizó dorado al mercurio para las zonas doradas, muy común en las cenefas; Este y algunos otros colores sólo se dispararon brevemente, como etapa final. [43]
Dados los privilegios reales, los talleres de esmalte tendían a permanecer en la familia y, además, están bastante mal documentados en comparación con los pintores; las diversas firmas y monogramas de las piezas han dado mucho de qué discutir a los historiadores del arte. [44] Los sellos en los marcos metálicos o en el marco pueden ser útiles para dar fechas. Léonard Limousin fue el más famoso de los siete artistas del esmalte de la familia Limousin, cuyas obras firmadas y fechadas se extienden desde 1532 hasta 1574. La familia Court/de Court probablemente incluía a la mayor parte de Jean Court (activo en la década de 1550), Jean de Court (activo en la década de 1560 y década de 1570, también retratista de éxito al óleo), Suzanne de Court , quizás activa entre 1570 y 1620, y Pierre Courteys (o Courtois), que firmó obras de 1550 a 1568. Las familias Pénicault, Laudin y Reymond o Raymond ( Pierre Reymond ) fueron También destacados esmaltadores, [31] los Laudin, especialmente destacados en el siglo XVII, como la "última chispa" de la tradición de Limoges. [45]
Algunas de estas firmas (por lo general, solo iniciales) pueden representar "de la empresa/taller de" en lugar de "pintado por". Algunos pintores de esmalte individuales también son conocidos por obras particulares, y otros se les atribuyen en función de su estilo; La ilustración aquí pertenece a una serie sobre la Eneida realizada por el "Maestro de la Eneida", [46] quien hizo un gran conjunto de placas alrededor de la década de 1530, de las cuales 74 se encuentran ahora ampliamente dispersas en varias colecciones. Copian las composiciones de las ilustraciones xilográficas utilizadas por primera vez en una edición de las obras de Virgilio publicada en Estrasburgo en 1502, y luego reutilizadas en las ediciones de Lyon de 1517 y 1529; En estos había 143 ilustraciones de la Eneida , y ninguno de los últimos tres libros tiene versiones esmaltadas supervivientes. Es posible que hayan decorado un pequeño estudio, [47] con paneles de madera como en el gabinete de emaux perteneciente a la reina Catalina de Médicis a su muerte en 1589, con pequeños retratos esmaltados. [48]
La serie de la Eneida refleja el estilo esencialmente gótico de los grabados en madera copiados, [47] pero probablemente fueron realizados cuando Léonard Limousin ya estaba al servicio del rey. Su exposición al estilo italiano de la Primera Escuela de Fontainebleau fue probablemente la clave para la rápida adopción del estilo manierista sofisticado por parte de los artistas de Limoges, donde prevaleció durante el resto del siglo. [49]
Los esmaltes se elaboraban como objetos como candelabros, platos, vasijas y respaldos de espejos, y también como placas planas para incluir en otros objetos como ataúdes. Aunque muy a menudo se hacían con formas para servir comida y bebida, la evidencia sugiere que generalmente no se usaban para esto, sino que se guardaban entre otros objetos de arte en las salas de recepción. [50] Al igual que con los esmaltes medievales, si bien algunas piezas evidentemente se hicieron por encargo, otras probablemente se hicieron para venderlas o distribuirlas en el mercado. [33] Las insignias de sombrero se hicieron populares a medida que la industria y la clientela se expandieron; la gran joyería tradicional preferida para estos. [35]
La pieza tridimensional más grande que ha sobrevivido es una "fuente de mesa" en grisalla de 490 mm de altura en Waddesdon Manor en Inglaterra, fechada en 1552, supuestamente hecha para Diane de Poitiers , amante de Enrique II de Francia . [51] Sin embargo, esta puede ser una pieza "compuesta" compuesta en los siglos XVIII y XIX a partir de varias piezas del siglo XVI, y con las iniciales unidas de Henri y Diane agregadas. [52]
El Cofre de las Sibilas en el Legado de Waddesdon en el Museo Británico (una de las mejores colecciones, y siempre en exhibición) es un pequeño cofre con cerradura elaborado con un marco de plata dorada y gemas, engastado con paneles de grisalla con toques de oro y carne. tintes. Representa el sofisticado gusto de la corte de alrededor de 1535 y probablemente estaba destinado a joyas de dama. La mayoría de estos conjuntos de inserciones de esmalte han perdido los engastes para los que estaban destinados, [53] pero muchos se encuentran ahora en marcos de repuesto añadidos por los marchantes de París en la segunda mitad del siglo XIX. [54]
Después de un largo período en el que se coleccionaron muy poco, el interés por las Limoges pintadas revivió en la primera mitad del siglo XIX, como parte de un renacimiento general del Renacimiento. El gusto creció hasta finales de siglo, siendo París el principal mercado para reunir ejemplares de castillos, adornándolos si era necesario con la audacia habitual del siglo XIX y vendiéndolos a un grupo cada vez más internacional de coleccionistas muy ricos. Las habilidades adquiridas para las reparaciones dieron lugar a algunas auténticas falsificaciones. Los historiadores del arte comenzaron a reconstruir los nombres y biografías detrás de la enredada evidencia a partir de firmas y estilos, [54] así como imitaciones en cerámica de Francia e Inglaterra. [55]
A partir de mediados de siglo, grandes grupos se incluyeron en exposiciones apropiadas en París y Londres, y más tarde las colecciones privadas pasaron en su mayor parte a museos; "las importantes colecciones de esmaltes de Limoges se encuentran hoy en una docena de museos": [56]
Esta pieza es la placa central de una cruz", del primer tercio del siglo XIII. Actualmente se encuentra en la Legión de Honor de San Francisco . La zona sin tallar está dorada para ayudar a enmarcar las partes esmaltadas. Esta cruz probablemente se utilizó en la Abadía de San Marcial probablemente como cruz procesional .
La Cruz de Spitzer es un crucifijo , realizado hacia 1190 en Limoges , Francia, por un artesano conocido como el "Maestro del Taller Real Plantagenet". La obra está realizada en cobre, grabada y dorada, con incrustaciones de esmalte champlevé de Limoges, con tonos azules, verdes, amarillos, rojos y blancos, y representa a Cristo en la cruz . Es posible que haya sido hecha como una cruz procesional para la Abadía de Grandmont : cruces similares se encuentran en otras colecciones, incluido el Museo Metropolitano de Arte .
Este cofre relicario representa escenas de la muerte de Thomas Becket . Santo Tomás Becket, arzobispo de Canterbury , fue asesinado en la catedral de Canterbury en 1170, supuestamente por deseo del rey Enrique II de Inglaterra . Beckett fue canonizado como santo tres años después de su asesinato, y las escenas de la vida y muerte de Thomas Becket rápidamente se convirtieron en fuentes populares de inspiración para los artistas de Limoges, que se encuentran en más de 45 ataúdes que se conservan en la actualidad. [57] Ahora se encuentra en la Legión de Honor de San Francisco en las Galerías de Arte Medieval.
El Becket Casket de Londres (ilustrado en la parte superior) es otro ejemplo de Limoges; Es el ataúd de Becket más grande que se conserva y posiblemente el más antiguo. Es posible que se haya realizado apenas diez años después del asesinato de Becket. [58]
![Típico ataúd medieval de Limoges chasse, en este caso un crismatorio en lugar de un relicario, siglo XIII.[25]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/ae/Box_holy_oils_Louvre_OA6935.jpg/1280px-Box_holy_oils_Louvre_OA6935.jpg)
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