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En 1898, el barón Ferdinand de Rothschild legó al Museo Británico como legado de Waddesdon el contenido de su nueva sala de fumadores en Waddesdon Manor . Consistía en una amplia colección de casi 300 objetos de arte y de vertu , que incluían exquisitos ejemplos de joyería, vajilla, esmalte, tallas, vidrio y mayólica . Uno de los objetos más antiguos es el destacado Relicario de la Santa Espina , probablemente creado en la década de 1390 en París para Juan, duque de Berry . La colección sigue la tradición de un schatzkammer , o casa del tesoro, (y algunos escritores se refieren a él como tal [1] ), como los formados por los príncipes renacentistas de Europa; [2] de hecho, la mayoría de los objetos son de la Europa del Renacimiento tardío, aunque hay varias piezas medievales importantes y valores atípicos de la antigüedad clásica y la Siria medieval. [3]
Siguiendo la secuencia de los números del catálogo del museo, y dando el primer número para cada categoría, el legado consta de: "bronces", manijas y aldaba (WB.1); armas, armaduras y herrajes (WB.5); esmaltes (WB.19); vidrio (WB.53); mayólica italiana (WB.60); "copas, etc., de oro y piedra dura" (WB.66); placa de plata (WB.87); joyería (WB.147); cubertería (WB.201); "ataúdes, etc." (WB.217); tallas en madera y piedra (WB.231–265). No hay ningún grupo de pinturas, y WB.174, un retrato en miniatura sobre pergamino en un marco de madera, se incluye con las joyas, aunque esto se debe a que el sujeto lleva un colgante en la colección. [4]
La colección fue reunida para un lugar particular y para reflejar una estética particular; Otras partes de la colección de Ferdinand Rothschild contienen objetos de estilos muy diferentes, y no debe considerarse que el Legado refleja la totalidad de su gusto. Aquí lo que más atrajo a Ferdinand Rothschild fueron las obras intrincadas, magníficamente ejecutadas, muy decoradas y bastante ostentosas de los períodos gótico tardío, renacentista y manierista . Se podría decir que pocos de los objetos dependen de la simplicidad o del movimiento escultórico barroco para lograr su efecto, aunque varios provienen de períodos y lugares donde se realizaba gran parte del trabajo barroco. [5] El 11 de junio de 2015 se inauguró una nueva muestra de la colección, que según los términos del legado deben conservarse y exhibirse juntas.
La colección fue iniciada por el padre del barón Ferdinand, el barón Anselm von Rothschild (1803-1874), y puede incluir algunos objetos de colecciones anteriores de Rothschild . Para Mayer Amschel Rothschild (1744-1812) de Frankfurt , quien inició la prominencia de la familia, su negocio de monedas, "antigüedades, medallas y objetos de exhibición" precedió y financió sus operaciones bancarias, y la mayoría de los Rothschild continuaron coleccionando arte. . [6]
Al menos uno de los objetos que ahora se encuentran en el Museo Británico se puede ver en un gabinete al fondo de un retrato familiar de 1838 (izquierda), el año anterior al nacimiento de Ferdinand. [8] En sus Reminiscencias , Ferdinand recordó su emoción cuando era niño cuando le permitieron ayudar a envolver y desenvolver la colección de su padre, que pasaba los veranos en una cámara acorazada cuando la familia dejaba Viena para mudarse a una villa en el campo. [9]
El período posterior a la Revolución Francesa y las Guerras Napoleónicas ofreció enormes oportunidades para los coleccionistas de artes decorativas de los períodos medieval y renacentista. Estas categorías eran valoradas muy poco por el mercado del arte en general, y la orfebrería se vendía habitualmente sólo por su valor en lingotes . Es posible que algunos de los objetos más antiguos de metales preciosos de la colección hayan sido recibidos por primera vez por la familia como parte de transacciones bancarias; la propiedad de tales piezas siempre había sido en parte una forma de obtener algún uso del capital. [10] Fernando registra varias quejas de que su padre no aprovechó más sus oportunidades, pero en sus últimos años Anselmo comenzó a ampliar su rango de coleccionista, y fue él quien compró tanto el Relicario de la Espina Sagrada como el Escudo Ghisi . [11] Esta edad de oro para los coleccionistas había pasado cuando Ferdinand heredó su parte de la colección de su padre en 1874, que fue también el año en que compró la finca de Waddesdon y comenzó a construir allí. Ferdinand continuó ampliando la colección hasta su muerte en 1898, recurriendo principalmente a comerciantes y ampliando la gama de objetos coleccionados. [12] En particular, Ferdinand amplió a unas cincuenta las aproximadamente diez piezas de joyería de la colección de su padre. [13]
La nueva sala de fumadores construida para albergar la colección no se planeó hasta 1891, y la colección se trasladó allí a principios de 1896, menos de tres años antes de la muerte de Ferdinand. Las buenas fotografías permiten apreciar cómo estaban expuestos los objetos, en vitrinas y en estantes abiertos alrededor de las paredes, sobre las puertas y sobre la pequeña chimenea, que tenía encima una elaborada repisa de madera. Varios objetos, incluido el ataúd de Santa Valeria, estaban sobre mesas alejadas de las paredes. Había muchos asientos cómodos, algunos tapizados con piezas de vestimentas medievales, y había fotografías enmarcadas y plantas de interior. [14] La sala ahora está repleta de objetos del mismo período, aunque de tipos algo diferentes, y los visitantes de Waddesdon Manor pueden verlo desde la entrada. [15]
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La sala, con la sala de billar contigua , es la única sala de recepción en Waddesdon Manor que sigue el estilo exterior renacentista francés; [16] las otras habitaciones tienen estilos generales del siglo XVIII y contienen una magnífica colección de pinturas y muebles centrados en ese siglo. La segregación de la colección era parte del concepto de lo que se ha llamado "neo- Kunstkammer ", adoptado por algunos otros coleccionistas muy ricos de la época. [17] La Sala Renacentista de lo que ahora es la Colección Wallace y la colección de Sir Julius Wernher fueron otros ejemplos formados en Inglaterra durante el mismo período. [18] La neo- Kunstkammer pretendía emular las colecciones formadas durante el propio Renacimiento, en su mayoría por casas principescas; De estos, los supervivientes más destacados fueron las colecciones de los Habsburgo en Viena, Praga y Ambras , así como los tesoros de la Bóveda Verde de Dresde , la Residencia de Múnich y Kassel . A diferencia de esas colecciones, no se incluyeron objetos contemporáneos y recientes. [19]
El barón Fernando era un hombre inquieto y, según él mismo, infeliz, cuya vida se vio arruinada por la muerte de su esposa tras dar a luz a su único hijo, que nació muerto; esto fue en 1866. Posteriormente vivió con su hermana soltera Alice . Además de ocupar puestos en la vida pública local, fue diputado liberal por Aylesbury desde 1885 hasta su muerte, y desde 1896 administrador del Museo Británico, probablemente por instigación de Sir Augustus Wollaston Franks . [20]
Ferdinand reconoció y acogió con agrado la llegada de arte de alta calidad a las colecciones públicas, que había comenzado en serio durante su época como coleccionista. [21] Si bien la mayoría de sus bienes y colecciones quedaron en manos de su hermana Alice, la colección que ahora forma el Legado y, por separado, un grupo de 15 manuscritos que ahora se encuentran en la Biblioteca Británica , [22] quedaron en manos del Museo Británico. [23] Ya había donado al museo algunos objetos importantes durante su vida, que no se cuentan en el Legado. [24]
El legado del barón Fernando era muy específico y el incumplimiento de los términos lo anularía. Afirmó que la colección debería ser
colocado en una sala especial que se llamará Sala del Legado de Waddesdon, separada y aparte de los demás contenidos del Museo y, de ahora en adelante, para siempre, manténgalo en dicha sala o en alguna otra sala que la sustituya. [25]
Estos términos todavía se respetan, y hasta finales de 2014 la colección se mostró en la sala 45, bastante pequeña, en una exhibición inaugurada en 1973. [26] En 2015, el Legado se trasladó a la Sala 2A, una galería nueva y más grande en la planta baja. , cerca de la entrada principal por Museum Street . [27] Hasta que la colección de cerámica china de la Fundación Percival David se trasladó al Museo Británico, el Legado de Waddesdon era la única colección segregada de esta manera. [28]
Gran parte de la colección está formada por objetos de lujo del siglo XVI. Grandes piezas de orfebrería en plata o plata dorada causan una impresión inmediata en la exhibición, y fueron diseñadas para deslumbrar e impresionar a los invitados cuando se usan en la mesa o se exhiben en filas en un aparador con estantes como una librería moderna o una cómoda galesa . [29] Muchos están muy decorados con exhibiciones virtuosas de la técnica de los orfebres ; demasiado pesado para el gusto moderno convencional. [30] Son ciertamente objetos ostentosos diseñados para mostrar la riqueza de su propietario, y en muchos casos fueron diseñados para ser apreciados cuando se sostienen en la mano, en lugar de verse bajo un cristal. [31]
Hay varios vasos de pie con tapa, muchos de ellos de Augsburgo y Nuremberg ; estos se utilizaban para brindar para dar la bienvenida a un invitado, y también eran un obsequio común presentado en la política y la diplomacia, y por las ciudades a visitantes distinguidos. Su decoración a veces reflejaba el último gusto, a menudo basándose en diseños grabados que circulaban por Europa, pero también había a menudo una continuación muy conservadora de los estilos del gótico tardío, que persistieron hasta que pasaron a formar parte de un neugótico ("neogótico"). ") renacimiento a principios del siglo XVII. [32] El objeto más grande del legado con una conexión específicamente judía es una copa de plata dorada hecha en Nuremberg alrededor de 1600, pero que en 1740 pertenecía a una sociedad funeraria judía en Bratislava , como lo registra una inscripción en hebreo . [33]
Además de las piezas puramente metálicas, algunas se centran en tallas de piedra dura u objetos orgánicos como cuernos, conchas marinas, cáscaras de huevos de avestruz y semillas de plantas exóticas. [34] Estas "curiosidades" son típicas del gusto de la " época de los descubrimientos " del Renacimiento y muestran la superposición de la schatzkammer y el gabinete de curiosidades . [35] Otra forma de novedad está representada por un adorno de mesa que representa una figura de un cazador de un pie de altura, plateada y dorada, con un perro y blandiendo una lanza. Hay un mecanismo de relojería en su base que lo impulsa a lo largo de la mesa, y su cabeza se levanta para mostrar una taza, y habría sido usado en juegos de beber . Hay figuras separadas de un jabalí y de ciervos que puede perseguir, aunque no forman un conjunto; Estos también pueden funcionar como tazas. [36]
Uno de los objetos más importantes de la colección es el Escudo Ghisi , un escudo de desfile que nunca fue destinado a la batalla, realizado por Giorgio Ghisi , que fue a la vez orfebre y un importante grabador . Está firmado y fechado en 1554. Con empuñadura de espada, fechado en 1570 y ahora en el Museo Nacional Húngaro en Budapest , este es el único trabajo en metal damasquinado de Ghisi que se conserva. El escudo está realizado en hierro martillado en relieve, luego damasquinado con oro y parcialmente bañado en plata. Tiene un diseño intrincado con una escena de un jinete luchando en el centro, dentro de un marco, alrededor del cual hay cuatro marcos más que contienen figuras femeninas alegóricas, los propios marcos incorporan temas diminutos y abarrotados en una escala mucho más pequeña de la Ilíada y la mitología antigua. incrustado en oro. [37]
Otras piezas importantes son los juegos de aguamanil y palangana, en este contexto palangana significa un plato o bandeja grande, que cuando se usaban eran transportados por parejas de sirvientes para que los invitados se lavaran las manos sin levantarse de la mesa. Sin embargo, los ejemplos de la colección probablemente casi nunca se utilizaron para esto, sino que estaban destinados únicamente a exhibirse en aparadores; Normalmente, las cuencas son bastante poco profundas para su uso real. Se trataba quizás del tipo de plato más grandioso, con grandes superficies donde la inventiva manierista podía desenfrenarse en la decoración. Ya eran caros debido al peso del metal precioso, al que se sumaba una enorme cantidad de tiempo por parte de plateros altamente cualificados. [38] El conjunto Aspremont-Lynden del legado está documentado en esa familia desde 1610, unos 65 años después de su fabricación en Amberes , y pesa poco menos de cinco kilos. [39]
Aunque el Legado de Waddesdon contiene dos objetos medievales muy importantes con esmalte, y gran parte de las joyas y cubiertos decorados utilizan mucho esmalte, la gran mayoría de los artículos que pueden denominarse "esmaltes" son del estilo francés del siglo XVI liderado por pintó esmalte de Limoges , en lugar del esmalte champlevé por el que Limoges era famoso en el período románico . La nueva técnica produjo piezas pintadas con escenas figurativas o esquemas decorativos muy detallados. Al igual que con la mayólica italiana, las imágenes tendían a extraerse de la mitología o alegoría clásica, aunque el legado incluye algunas escenas del Antiguo Testamento , y las composiciones muy a menudo se extraían de grabados alemanes, franceses o italianos. Los esmaltes se producían en talleres que a menudo permanecían en la misma familia durante varias generaciones y, a menudo, están firmados en el esmalte o identificables, al menos en lo que respecta a la familia o el taller, mediante marcas perforadas en el reverso de los paneles, así como por estilo. Los principales artistas representados en la colección incluyen a Suzanne de Court , Pierre Reymond , Jean de Court , Pierre Courtois y Léonard Limousin . [40]
Los esmaltes se elaboraban como objetos como candelabros, platos, vasijas y espejos, y también como placas planas para incluir en otros objetos como ataúdes. La colección incluye todos estos tipos, tanto con placas desmontadas como con ataúdes provistos de placas. Los alegres grotescos ilustrados a la derecha se encuentran en el reverso de un gran plato cuya cara principal muestra una representación en colores brillantes de la destrucción del ejército del faraón en el Mar Rojo . [41] Ambos diseños tienen estrechos paralelos, sin ser exactamente copiados, en piezas de otras colecciones, en particular una del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Los diseños también se basan en grabados, pero adaptados por los esmaltadores para sus piezas. [42]
El Cofre de las Sibilas es un elaborado pequeño cofre con cerradura con un marco de plata dorada y gemas, engastado con paneles de grisalla con toques de oro y tintes de carne. Representa el sofisticado gusto de la corte de alrededor de 1535 y probablemente estaba destinado a joyas de dama. La mayoría de estos juegos de inserciones de esmalte han perdido la configuración para la que fueron diseñados. [43]
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El énfasis de la joyería está firmemente en espectaculares insignias y joyas colgantes del Renacimiento tardío en lo que se conoce como el "estilo español" que se adoptó en toda Europa entre aproximadamente 1550 y 1630, utilizando gemas junto con oro y esmalte para crear pequeñas y deslumbrantes. esculturas. Originalmente los usaban tanto hombres como mujeres, pero como colección, el grupo Waddesdon fue elegido para exhibirlos (y en un entorno específicamente masculino) en lugar de usarlos, excepto en algún baile de disfraces ocasional, una moda en ese momento. El grupo demuestra poco interés por las piedras preciosas y las perlas en sí mismas. Aunque estas piezas han sobrevivido con más frecuencia que los estilos que enfatizan las piedras preciosas y el oro macizo, que normalmente se reciclaban para obtener sus materiales cuando la moda cambió, la demanda de los coleccionistas del siglo XIX superó con creces la oferta de supervivencias auténticas, y muchas piezas incluyen mucho trabajo de esa época. período (ver más abajo). [44]
Sin embargo, para muchas de las piezas no es fácil localizar la fecha o el país de fabricación. No existe tal dificultad con la joya más famosa de la colección, la Lyte Jewel , que fue fabricada en Londres y presentada a Thomas Lyte de Lytes Cary , Somerset en 1610 por el rey James I de Inglaterra , a quien le encantaban las joyas grandes y regalarlas. a otros. Lyte no era un habitual de la corte, pero había elaborado un árbol genealógico que rastreaba la ascendencia de James hasta el legendario troyano Brut . La joya contiene un retrato en miniatura del rey realizado por Nicholas Hilliard , aunque por razones de conservación ahora se ha retirado de la joya. Lyte usa la joya en un retrato de 1611, que muestra una gota debajo del óvalo principal engastado con tres diamantes, que había desaparecido antes de 1882. La portada tiene un elaborado diseño calado con el monograma IR de James , mientras que la parte posterior tiene una decoración de esmalte muy finamente ejecutada. . [45]
Un colgante, con forma de linterna y con una pequeña crucifixión en su interior, se hizo en México en el siglo XVI y, en comparación con otras piezas, es posible que originalmente incluyera trabajos con plumas mexicanas , un arte precolombino cuyos artesanos los misioneros españoles empleaban en talleres para la exportación. objetos de lujo. [46]
La colección incluye un grupo ecléctico de objetos de muy alta calidad anteriores al Renacimiento. Los objetos más antiguos son un conjunto de cuatro medallones de bronce helenísticos con cabezas que sobresalen en muy alto relieve y asas redondas que cuelgan debajo. Estos datan del siglo antes de Cristo, provienen de una tumba en la Turquía moderna y eran accesorios para algún objeto de madera, tal vez un cofre. Las cabezas están identificadas como Ariadna , Dioniso , Perséfone y Plutón . [47] El cuerpo de ágata tallada de WB.68 puede ser tardorromano y se analiza a continuación.
La Copa Palmer es una importante copa de vidrio islámica temprana , fabricada alrededor de 1200, en Siria o quizás en Egipto, y pintada con esmaltes. En el mismo siglo se le regaló en Francia un pie y un pie de plata dorada y cristal de roca . Debajo de una poética inscripción árabe que alaba el consumo de vino, un príncipe sentado sosteniendo una copa o vaso está flanqueado por cinco asistentes de pie, dos tocando castañuelas y los demás sosteniendo armas. Como imagen temprana pintada con esmalte, la copa es extremadamente rara en el vidrio islámico, aunque se encuentran imágenes similares en cerámica persa pintada con cerámica Mina'i de la época. Hay un puñado de copas de vidrio islámicas tempranas comparables con esmalte que han sobrevivido en antiguas colecciones europeas, como la Suerte de Edenhall en el Museo de Victoria y Alberto , y otras en la Bóveda Verde de Dresde y el Louvre , y otras están registradas en inventarios antiguos. A menudo, en Europa, como aquí, se les dio un nuevo pie en el trabajo del metal. [48] También hay una gran lámpara de mezquita con decoración esmaltada de finales del siglo XIV. [49]
El arte románico está representado por un relicario de esmalte de Limoges inusualmente grande en la forma común de chasse , como una casa con dos aguas . Fue construido alrededor de 1170 para albergar las reliquias de Santa Valeria de Limoges , una virgen mártir del período romano que fue la santa local más importante de Limoges , un centro clave para el esmalte champlevé románico . Su historia altamente visual se cuenta en varias escenas que utilizan una amplia gama de colores, con el resto de la cara frontal decorada en estilo "vermicular", con el espacio entre las figuras lleno de motivos en volutas sobre un fondo dorado. Según la leyenda, Santa Valeria era una santa cefalófora , que después de ser decapitada llevó su propia cabeza para dársela a su obispo, San Marcial , que la había convertido. [50]
Hay muchos más objetos de estilo gótico y, como es típico en el norte de Europa, varios de ellos datan de bien entrado el siglo XVI y deben considerarse pertenecientes al Renacimiento del Norte . Sin embargo, el objeto medieval más importante, y posiblemente la pieza más importante de la colección, aunque pertenece al período gótico tardío, no tiene nada estrictamente gótico en su estilo y representa un gusto cortesano muy avanzado a este respecto. Este es el Relicario de la Santa Espina , que probablemente fue creado en la década de 1390 en París para que el príncipe Valois Juan, Duque de Berry , albergara una reliquia de la Corona de Espinas . Es una de las pocas obras o joyas de orfebrería importantes que sobreviven del extravagante mundo de las cortes de la familia real Valois alrededor de 1400. Está hecha de oro, profusamente decorada con joyas y perlas, y utiliza la técnica del esmaltado. en ronde bosse , o "en redondo", que se había desarrollado recientemente cuando se construyó el relicario, para crear un total de 28 figuras tridimensionales, en su mayoría en esmalte blanco. [51]
Por el contrario, alrededor de 1506 se hicieron dos cubiertas de metal muy elaboradas para las encuadernaciones de los libros de la Epístola y de los Evangelios para el altar mayor de una gran iglesia, probablemente la Catedral de Ulm , pero están llenas de detalles arquitectónicos góticos puntiagudos, aunque las numerosas figuras en alto Los relieves rozan el estilo renacentista. [52]
Hay dos estatuas alemanas de santos en madera, aproximadamente la mitad de su tamaño natural, de las décadas de alrededor de 1500, [53] y un número mayor de tallas de boj en miniatura . Entre ellos se incluyen "nueces de oración" de excelente calidad que datan de alrededor de 1510 a 1530. Se trata de pequeñas "bolas" de madera que se abren para revelar tallas de escenas religiosas en las que caben docenas de figuras diminutas en un espacio de dos o tres pulgadas de ancho, y eran una moda. entre la realeza y los ricos; aparentemente fueron fabricados en el norte de los Países Bajos. Parece que a menudo estaban colgados de cinturones o formaban parte de un rosario ; otros todavía tienen estuches de cobre. Un truco de técnica al realizarlos es que la escena principal tallada se realiza en un hemisferio más pequeño, permitiendo el acceso desde atrás, que luego se colocó en el hemisferio principal. [54]
La colección cuenta con siete vasijas de vidrio, pero un mayor número de piezas en cristal de roca transparente o cuarzo , mineral que fácilmente podría confundirse con vidrio. Este siempre fue un material mucho más valioso y prestigioso, calificándose como piedra semipreciosa. Requiere mucha paciencia para pulir y perforar , es mucho más difícil de trabajar que el vidrio (aunque, en consecuencia, es menos fácil de romper una vez terminado), y las piezas incluyen monturas o bases en metales preciosos, [55] que ninguno de los vidrios reales tiene; ni están pintadas las piezas de cristal de roca. El catálogo de Read agrupa estas y otras piezas en piedra semipreciosa con los objetos en oro, a diferencia de la "plata", lo que probablemente refleja cómo los habría clasificado un coleccionista del Renacimiento. Son diez piezas en cristal y nueve en otras piedras. [56]
Dos piezas de cristal son placas ovaladas lisas grabadas con escenas figurativas, una tradición diferente que se remonta a piezas como el cristal carolingio Lothair , también en el Museo Británico. [57] En 1902, el catálogo de Read sugería que "Es esta sección la que con toda probabilidad atraerá la mayoría de las miradas, tanto por la belleza de los ejemplares como por su rareza y su consiguiente coste"; Si este fue el caso entonces, probablemente no lo sea un siglo después. [58] Algunas piezas ahora se consideran del siglo XIX, o en gran parte, [59] y Reinhold Vasters , el Van Meegeren de la orfebrería renacentista, ahora es considerado responsable en varios casos. [60]
Un jarrón ancho y bajo de cristal con tapa tiene grabado el nombre del emperador mogol Akbar y durante mucho tiempo se pensó que era alemán, pero se envió a la India como regalo diplomático, ya que los soportes de metal son claramente de estilo europeo. Ahora se considera una talla de cristal mogol original y excepcionalmente rara, a la que se le añadieron monturas en el siglo XIX, tal vez en París. Sin embargo, a los especialistas el cartucho con el nombre de Akbar no les parece correcto para una pieza de la corte contemporánea, y el jarrón en la India probablemente fue tallado después de su reinado (1556-1605), y el nombre tal vez se añadió incluso más tarde. [61]
Además de las dos piezas de vidrio islámico descritas anteriormente, existen cinco vasijas de vidrio renacentista o barroco, todas ellas singulares y de una calidad excepcional. La mayoría son de cristal veneciano ; uno es de vidrio de Bohemia opaco moldeado (WB.56) con un Triunfo de Neptuno y ahora data de finales del siglo XVII; también es vidrio dicroico , que cambia de color según se ilumine por delante o por detrás. [63] Hay una copa muy rara de vidrio turquesa opaco con esmaltes (WB.55); esto era para imitar o sugerir una vasija hecha de piedra semipreciosa aún más cara. [64] La Copa Deblín de finales del siglo XV con su tapa forma parte de un pequeño grupo de vasijas fabricadas en Murano , Venecia, con un gusto alemán o centroeuropeo, basándose en formas de metal utilizadas allí. Lleva una inscripción posterior en checo instando a que se beba la salud de los Señores de Deblín , cerca de Brno , y probablemente era la "copa de bienvenida" del castillo de allí. [sesenta y cinco]
Las seis piezas de mayólica italiana pintada , o loza pintada y vidriada con estaño, son todas más grandes que el promedio, y no hay ninguno de los platos que tienen la forma de mayólica más común. [66] La pieza más antigua es una gran estatua de Fortuna de pie sobre un delfín , sosteniendo una vela, de Giovanni della Robbia , realizada en Florencia alrededor de 1500-10. [67] Este es un raro representante del Renacimiento italiano temprano al alto en el legado.
Las demás piezas son de finales del siglo XVI. Los más importantes son un par de grandes jarrones con asas de serpiente, de casi 60 cm (2 pies) de alto, pintados con escenas mitológicas, a los que se les añadieron bases y tapas de ormolu francés poco antes de que Horace Walpole los comprara en París para la "Galería " en Strawberry Hill House en 1765-1766. Los coleccionistas del siglo XVIII solían añadir monturas de ormolu a estas piezas, pero pocas han permanecido en su lugar. [68]
La colección incluye otros objetos, entre ellos algunas armas de fuego, espadas y equipo militar o de caza. También se encuentra un "calendario de caza" alemán de latón con varias hojas finas desplegadas. Entre ellas se incluyen líneas rebajadas rellenas de cera, que permiten al cazador entusiasta registrar a gran escala sus bolsas de lobos, osos, ciervos, jabalíes y conejos, así como el comportamiento de sus perros. [69] Hay un pequeño mueble con 11 cajones (más otros secretos) hecho como una fachada clásica, o quizás un escenario de teatro con escenografía; la decoración es mayoritariamente de hierro damasquinado y es obra milanesa del siglo XVI. [70]
Aparte de las tallas de madera más antiguas comentadas anteriormente, el legado incluye una serie de pequeños retratos del Renacimiento, en su mayoría alemanes, tallados en madera, ya sea en relieve o redondos. Son de muy alta calidad e incluyen dos bustos en miniatura de Conrado Meit de Filiberto II, duque de Saboya , que murió joven antes de que se hiciera el busto, y su esposa Habsburgo, Margarita de Austria . [71] También hay algunos retratos con medallones en piedra muy blanda, que permiten el detalle fino, y una escena alegórica atribuida a Peter Flötner . [72]
Es probable que cualquier colección formada antes del siglo XX (y muchas posteriores) contenga piezas que ya no puedan mantener sus atribuciones originales. En general, se puede decir que el Legado de Waddesdon se mantuvo bien en este sentido, y el roce más significativo con la falsificación ha sido beneficiar a la colección. En 1959 se confirmó que el Relicario de la Santa Espina de Waddesdon había estado en el Tesoro Imperial de los Habsburgo en Viena desde 1677 en adelante. Permaneció en Viena hasta después de 1860, cuando apareció en una exposición. Algún tiempo después, Salomon Weininger, un comerciante de arte con acceso a hábiles artesanos, lo envió para que lo restaurara, quien hizo varias copias en secreto. [74] Posteriormente fue declarado culpable de otras falsificaciones y murió en prisión en 1879, pero aún no se sabía que había devuelto una de sus copias del relicario a las colecciones imperiales en lugar del original, y luego vendió el original. que ahora está en el legado. [75] Una de las copias permaneció en el Tesoro Eclesiástico de la Corte Imperial de los Habsburgo en Viena, donde el engaño pasó desapercibido durante varias décadas. [76]
En el siglo XIX, varios tipos de objetos fueron especialmente objeto de importantes reelaboraciones, combinando algunas piezas originales con piezas de nueva construcción. Esta era especialmente una característica de las armas y armaduras, las joyas [77] y los objetos que combinaban tallas de piedra dura y monturas de metal. Esto lo hacían principalmente los comerciantes, pero a veces también los coleccionistas.
Otro objeto con una historia complicada y algo incierta es un jarrón de ágata de dos asas con monturas metálicas de estilo renacentista, que fue adquirido, junto con otras piezas similares, para Waddesdon de la colección del duque de Devonshire alrededor de 1897, poco antes de la muerte del barón Ferdinand. El catálogo de 1991 de Sir Hugh Tait dice sobre el jarrón:
Como él describe, fue Tait quien anuló la atribución a Cellini en 1971. [78]
En una colección de orfebrería renacentista, Benvenuto Cellini (1500-1571) representa la máxima atribución, ya que sus obras genuinas como orfebre son más raras que las pinturas de Giorgione . En su catálogo de 1902, Charles Hercules Read menciona que muchos de los colgantes habían sido atribuidos a Cellini, pero se abstiene de respaldar las atribuciones. [79] Una pequeña campanilla de plata (WB.95) había pertenecido a Horace Walpole, quien la elogió extravagantemente en una carta como "la cosa más única en el mundo, una campana de plata para tintero hecha por Benvenuto Cellini. Hace una Creo en todos los extravagantes elogios que se dedica a sí mismo, y también lo cree su Perseo. Bueno, mi campana es de muy buen gusto y está plagada de orugas, lagartos, saltamontes, moscas y mascaras, de modo que la tomarías por una de las plagas de Egipto. Están todas en altissimo , mejor dicho, en out-issimo relievo y, sin embargo, casi invisibles excepto con un espejo. ¡Qué follaje, qué fruto! Sin embargo, el barón Ferdinand se dio cuenta de que lo más probable era que fuera obra de Wenzel Jamnitzer , orfebre del emperador Rodolfo II , a quien todavía se atribuye. [80] Otra pieza que ya no se atribuye a Cellini es una gran aldaba de bronce, con una figura de Neptuno , de 40 cm de altura y un peso de más de 11 kilos. [81]
Una categoría del legado que ha sufrido varias degradaciones son las 16 piezas y juegos de cubiertos altamente decorados (WB.201-216). Ninguno de ellos fue fechado después del siglo XVII, pero en la base de datos del Museo Británico en 2014, varios databan del siglo XIX y eran creaciones fraudulentas recientes cuando ingresaron a la colección, algunas hechas por Reinhold Vasters. [82] También han surgido dudas sobre una copa de vidrio y una tapa con la fecha de 1518 (WB.59), que en realidad podría ser del siglo XIX. [83] Hugh Tait fecha ocho piezas de placa de plata en el siglo XIX y algunas de las joyas.
El Legado estuvo en exhibición en el Museo Británico desde el 9 de abril de 1900, en la Sala 40, que hoy contiene las exhibiciones medievales posteriores. En 1902 se publicó un catálogo ilustrado de Charles Hercules Read, que había reemplazado a Franks como guardián de las antigüedades británicas y medievales. Las fotografías del catálogo muestran una exposición de museo típica de la época, con vitrinas de madera y vidrio espaciadas alrededor de las paredes y libretas. situándose en el centro, este último con dos niveles. En 1921 se trasladó al ala norte. [84]
En 1973, el nuevo escenario de la Sala 45 tenía como objetivo "crear un elemento de sorpresa y asombro" en un espacio pequeño, donde sólo los objetos estaban brillantemente iluminados y exhibidos en un octágono exterior de vitrinas de pared y uno interior de paredes divisorias. Elevándose hasta el techo bajo y decorado con vitrinas poco profundas, algunas visibles desde ambos lados. En el centro, el Relicario de la Santa Espina ocupaba su propio pilar. [85]
La nueva sala de la planta baja al frente del museo, inaugurada en junio de 2015, devuelve el Legado a un espacio más grande y un entorno más abierto. Está en la parte más antigua del edificio y algunas adiciones posteriores a la sala se han eliminado como parte de la nueva instalación. El diseño es de los arquitectos Stanton Williams y el proyecto recibió financiación de la Fundación Rothschild. [86]
