Champlevé es una técnica de esmaltado en las artes decorativas , o un objeto elaborado mediante ese proceso, en el que se tallan, graban, troquelan o funden cubetas o celdas en la superficie de un objeto metálico y se rellenan con esmalte vítreo . Luego se cuece la pieza hasta que el esmalte se funde, y cuando se enfría se pule la superficie del objeto. Las partes no talladas de la superficie original permanecen visibles como marco para los diseños esmaltados; Por lo general, están dorados en trabajos medievales. [1] El nombre proviene del francés "campo elevado", "campo" que significa fondo, aunque en la práctica la técnica baja el área a esmaltar en lugar de elevar el resto de la superficie.
La técnica se utiliza desde la antigüedad, aunque ya no se encuentra entre las técnicas de esmaltado más utilizadas. Champlevé es adecuado para cubrir áreas relativamente grandes y para imágenes figurativas, aunque primero se utilizó de manera destacada en el arte celta para diseños geométricos. En el arte románico se aprovechó plenamente su potencial, decorando ataúdes, placas y vasijas, en esmalte de Limoges y de otros centros.
Champlevé se distingue de la técnica del esmalte cloisonné en la que los canales se crean soldando tiras planas de metal a la superficie del objeto. La diferencia entre las técnicas es análoga a las técnicas de carpintería de intarsia y marquetería . Se diferencia de la técnica de basse-taille , que la sucedió en las obras góticas de mayor calidad, en que la parte inferior de los huecos para el esmalte es rugosa, por lo que sólo se utilizan colores de esmalte opacos. En basse-taille los huecos están modelados y se utilizan esmaltes translúcidos, para efectos más sutiles, como en la Copa Real de Oro de París del siglo XIV . [2]
El esmalte se utilizó por primera vez en pequeñas piezas de joyería y, a menudo, se ha desintegrado en piezas antiguas que han sido enterradas. El uso constante y frecuente de la técnica champlevé se ve por primera vez en el estilo La Tène del arte celta temprano en Europa, del siglo III o II a. C., donde el color predominante era el rojo, posiblemente pensado como una imitación del coral rojo (como se usa en el Escudo Witham ), y la base solía ser de bronce . Los "celtas insulares" de las Islas Británicas hicieron un uso especialmente común de la técnica, que se ve como aspectos destacados en la decoración en relieve del Escudo de Battersea y otras piezas. [3] Sin embargo, técnicamente esto no era verdadero esmalte en el sentido habitual de la palabra, ya que el vidrio solo se calentaba hasta que se convertía en una pasta suave antes de colocarlo en su lugar. Esto a veces se conoce informalmente como esmaltado con "cera de sellado" y puede describirse como "incrustación de vidrio" o términos similares. La verdadera técnica del esmaltado, en la que se coloca pasta de vidrio y se cuece hasta que se licua, la aprendieron de los romanos. [4] La descripción literaria más antigua del esmalte es del sofista griego Filostrato III , quien escribió en sus Icones (Libro I, 28), describiendo arneses de caballos policromados: "Se dice que los bárbaros en el Océano vierten estos colores sobre platos calentados". bronce y que se adhieran, se endurezcan como la piedra y conserven los diseños que en ellos se hacen". [5]
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Los estilos curvilíneos celtas fueron muy eficaces en el esmalte y se utilizaron durante todo el período romano, cuando desaparecieron en gran medida en otros medios. La sartén Staffordshire Moorlands es una trulla del siglo II con grandes círculos esmaltados en cuatro colores, encargada por o para Draco, un soldado, posiblemente griego, como recuerdo de su servicio en el Muro de Adriano . Forma parte de un grupo de vasijas esmaltadas similares encontradas en Gran Bretaña y el norte de la Galia. Los artículos más pequeños de contextos similares incluyen broches y otras joyas, y monturas para arneses para caballos, como lo describe Filóstrato. Hacia el final del Imperio Romano surgieron nuevas formas: los terminales de los cada vez más elegantes broches penanulares de las Islas Británicas se decoran con champlevé, al igual que otros cierres y accesorios, y los soportes de los cuencos colgantes . Estos últimos han desconcertado durante mucho tiempo a los historiadores del arte, ya que no sólo no está claro su propósito, sino que se encuentran principalmente en contextos anglosajones y vikingos, incluidos tres en Sutton Hoo , pero su decoración utiliza motivos predominantemente celtas. Uno de los cuencos Sutton Hoo había sido reparado, pero en un estilo diferente, germánico. [6] En total, la producción de los diferentes tipos de cuencos colgantes abarca el período 400-1100. [7] Mientras que el principal experto, Rupert Bruce-Mitford , ve los cuencos como productos de talleres "celtas", quizás a menudo en Irlanda, en el mismo período se reduce el uso de grandes superficies de champlevé en los broches celtas más ornamentados , aunque Todavía se encuentran reflejos de esmalte que parecen gemas, algunos en millefiori . En el arte anglosajón , como en el de la mayor parte de Europa y el mundo bizantino, este fue el período en el que la técnica cloisonné dominó el esmaltado.
Champlevé está especialmente asociado con el arte románico , y muchas de las mejores supervivencias del estilo presentan esta técnica. Hubo un gran aumento en el uso de la técnica en varias áreas a finales del siglo XI, justo cuando maduraba el estilo románico. La fuente inmediata del estilo sigue siendo oscura; Se han sugerido varios orígenes exóticos, pero probablemente esté relacionado con la gran expansión en el uso de vidrieras en el mismo período. Normalmente se utilizaban bases de cobre o bronce, que eran suaves y fáciles de trabajar, además de relativamente baratas, pero como se decoloraban con el calor era necesario utilizar esmaltes opacos. El azul era ahora el color dominante, como en las vidrieras; Los mejores azules en pintura (ya sea en pared, panel o manuscrito) eran muy caros, mientras que en vidrio se pueden obtener fácilmente azules intensos.
Los esmaltes de Mosan y Limoges son los más famosos, y las figuras talladas en la placa de cobre muestran un magnífico sentido de las líneas. El Tríptico Stavelot de Nueva York es un ejemplo de la mejor obra de Mosan, y el Becket Casket de Londres es una excelente pieza temprana de Limoges. Se conocen los nombres de varios orfebres y esmaltadores mosanos. También se esmaltaron figuras en relieve y totalmente modeladas, y se formaron algunas bases metálicas martillando en moldes. La producción de Limoges aumentó constantemente en cantidad y en el período gótico había disminuido en calidad, pero proporcionaba un producto bastante barato, especialmente de ataúdes chasse , producidos a escala semiindustrial y exportados a toda Europa. También se produjeron en gran escala esmaltes españoles, que no se distinguen fácilmente de los trabajos de Limoges. El trabajo de Mosan a veces se realizaba en oro o plata dorada , pero en Limoges y España es habitual el cobre dorado , y gran parte del trabajo de Mosan también lo utiliza, como en el ejemplo ilustrado. Este ejemplo también muestra la mezcla de diferentes colores y matices dentro de la misma celda, que aquí se utilizan en todo el diseño de manera compleja, mientras que en los ejemplos de Limoges que aparecen a continuación se utiliza mucho menos y mucho más simple esta difícil técnica. [8]
Una técnica similar se conocía como "shippou-zogan" en Japón , donde se consideraba una forma de damasquinado .
