El arte japonés consta de una amplia gama de estilos artísticos y medios que incluyen cerámica antigua , escultura , pintura con tinta y caligrafía sobre seda y papel, pinturas ukiyo-e y grabados en madera , cerámica , origami , bonsái y, más recientemente , manga y anime . Tiene una larga historia, que va desde los inicios de la ocupación humana en Japón, en algún momento del décimo milenio a. C., hasta la actualidad.
Japón ha estado expuesto periódicamente a nuevas ideas junto con largos períodos de contacto mínimo con el mundo exterior. Con el tiempo, el país absorbió, imitó y finalmente asimiló elementos de la cultura extranjera que complementaban sus preferencias estéticas. El arte complejo más antiguo de Japón se produjo en los siglos VII y VIII en relación con el budismo . En el siglo IX, cuando los japoneses comenzaron a alejarse de China y desarrollar formas de expresión autóctonas, las artes seculares adquirieron cada vez más importancia; Hasta finales del siglo XV florecieron tanto las artes religiosas como las seculares. Después de la Guerra Ōnin (1467-1477), Japón entró en un período de agitación política, social y económica que duró más de un siglo. En el estado que surgió bajo el liderazgo del shogunato Tokugawa , la religión organizada jugó un papel mucho menos importante en la vida de las personas, y las artes que sobrevivieron fueron principalmente seculares. El período Meiji (1868-1912) vio una abrupta afluencia de estilos occidentales, que han seguido siendo importantes.
La pintura es la expresión artística preferida en Japón, practicada tanto por aficionados como por profesionales. Hasta los tiempos modernos, los japoneses escribían con pincel en lugar de pluma , y su familiaridad con las técnicas del pincel los ha hecho particularmente sensibles a los valores y la estética de la pintura. Con el surgimiento de la cultura popular en el período Edo , el ukiyo-e , un estilo de grabados en madera, se convirtió en una forma importante y sus técnicas se perfeccionaron para crear imágenes coloridas producidas en masa; A pesar del tradicional lugar de honor que ocupa la pintura, estos grabados demostraron ser fundamentales en el diálogo del mundo occidental con el arte japonés durante el siglo XIX . Los japoneses, en este período, encontraron en la escultura un medio mucho menos comprensivo para la expresión artística: la mayoría de las grandes esculturas japonesas están asociadas con la religión , y el uso del medio disminuyó con la cada vez menor importancia del budismo tradicional.
La cerámica japonesa se encuentra entre las mejores del mundo e incluye los artefactos japoneses más antiguos conocidos; La porcelana de exportación japonesa ha sido una industria importante en varios puntos. La laca japonesa es también una de las artes y artesanías más importantes del mundo, y las obras magníficamente decoradas con maki-e se exportaron a Europa y China, siendo exportaciones importantes hasta el siglo XIX. [1] [2] En arquitectura , las preferencias japonesas por los materiales naturales y la interacción del espacio interior y exterior se expresan claramente.
Los primeros pobladores de Japón fueron el pueblo Jōmon ( c. 10.500 – c. 300 a. C. ), [3] llamado así por las marcas de cuerdas que decoraban las superficies de sus vasijas de arcilla, eran cazadores-recolectores nómadas que luego practicaron la agricultura organizada y construyeron ciudades. con poblaciones de cientos, si no miles. Construyeron casas sencillas de madera y techo de paja colocadas en pozos de tierra poco profundos para obtener calor del suelo. Elaboraron vasijas de cerámica profusamente decoradas , figuritas de arcilla llamadas dogū y joyas de cristal.
Durante el período Jōmon temprano (5000-2500 a. C.), [3] comenzaron a descubrirse aldeas y se encontraron objetos cotidianos comunes, como vasijas de cerámica para hervir agua. Las vasijas encontradas durante esta época tenían fondos planos y diseños elaborados hechos de materiales como el bambú. Se cree que algunas de las primeras figuras de Jōmon pueden haber sido utilizadas como objetos de fertilidad debido a sus senos y caderas anchas. [3]
El período Jōmon medio (2500-1500 a. C.) [3] difirió del período Jōmon temprano en muchos aspectos. Estos pueblos eran menos nómadas y comenzaron a establecerse en aldeas. Crearon herramientas útiles para procesar los alimentos que recolectaban y cazaban, lo que les hacía la vida más fácil. A través de las numerosas cerámicas estéticamente agradables encontradas durante este período, es evidente que tenían una economía estable y más tiempo libre. Además, la gente del período Jōmon Medio se diferenciaba de sus antepasados en el desarrollo de vasijas para funciones específicas, por ejemplo, vasijas para almacenamiento. [3] Las decoraciones de estas vasijas eran más realistas que las de las primeras cerámicas Jōmon. [3]
Durante el período Jōmon tardío y final (1500-300 a. C.), [3] el clima se volvió más frío, lo que llevó a los colonos a alejarse de las montañas. La principal fuente de alimento era el pescado, lo que les llevó a desarrollar herramientas y técnicas de pesca. Además, el aumento en el número de embarcaciones sugiere que cada hogar tenía su propio stock. Algunas vasijas encontradas durante el Período Jōmon Tardío y Final sufrieron daños, lo que podría indicar que fueron utilizadas para rituales. Además, se encontraron figurillas con cuerpos carnosos distintivos y ojos en forma de gafas. [3]
figuritas dogu
Dogū ("figura de tierra") son pequeñas figuras humanoides y de animales que datan de finales del período Jōmon . [4] Fueron producidos en todo Japón, excepto Okinawa . [4] Según algunos eruditos, los dogū eran efigies de personas y podrían haber sido utilizados en magia simpática . [5] Los Dogū son pequeñas figuras de arcilla , típicamente de 10 a 30 centímetros (4 a 12 pulgadas) de alto. [6] La mayoría son mujeres, con ojos grandes, cinturas pequeñas y caderas anchas. [4] Muchas tienen barrigas grandes, lo que sugiere que eran diosas madre . [6]
La siguiente ola de inmigrantes fue el pueblo Yayoi , llamado así por el distrito de Tokio donde se encontraron por primera vez restos de sus asentamientos. Estas personas, que llegaron a Japón alrededor del año 300 a. C., [7] trajeron sus conocimientos sobre el cultivo de arroz en humedales, la fabricación de armas de cobre y campanas de bronce ( dōtaku ) y cerámicas cocidas en hornos y lanzadas con ruedas .
La tercera etapa de la prehistoria japonesa, el período Kofun (c. 300 – 710 d. C.), [3] representa una modificación de la cultura Yayoi , atribuible al desarrollo interno o a la fuerza externa. Este período es más notable por su cultura de las tumbas y otros artefactos como espejos de bronce y esculturas de arcilla llamadas haniwa que se erigieron fuera de estas tumbas. A lo largo del período Kofun, las características de estas tumbas evolucionaron desde tumbas más pequeñas erigidas en cimas de colinas y crestas hasta tumbas mucho más grandes construidas en terrenos planos. [8] La tumba más grande de Japón, la tumba del emperador Nintoku , alberga 46 túmulos y tiene forma de ojo de cerradura, [9] una característica distintiva que se encuentra en las tumbas Kofun posteriores. [8]
Durante los períodos Asuka y Nara , llamados así porque la sede del gobierno japonés estuvo situada en el valle de Asuka del 542 al 645 [3] y en la ciudad de Nara hasta el 784, tuvo lugar en Japón la primera afluencia significativa de cultura asiática continental.
La transmisión del budismo proporcionó el impulso inicial para los contactos entre China y Japón. Los japoneses reconocieron las facetas de la cultura china que podrían incorporar provechosamente a la suya propia: un sistema para convertir ideas y sonidos en escritura; historiografía ; teorías complejas de gobierno, como una burocracia eficaz ; y, lo más importante para las artes, nuevas tecnologías, nuevas técnicas de construcción, métodos más avanzados de fundición en bronce y nuevas técnicas y medios para la pintura.
Sin embargo, a lo largo de los siglos VII y VIII, el foco principal de los contactos entre Japón y el continente asiático fue el desarrollo del budismo. No todos los estudiosos están de acuerdo sobre las fechas significativas y los nombres apropiados para aplicar a varios períodos de tiempo entre 552, la fecha oficial de la introducción del budismo en Japón, y 784, cuando la capital japonesa fue trasladada desde Nara. Las designaciones más comunes son el período Suiko, 552–645; el período Hakuhō , 645–710, y el período Tenpyō, 710–784.
Las primeras esculturas japonesas de Buda datan de los siglos VI y VII. [10] En última instancia, derivan del arte greco-budista de Gandhara de los siglos I al III d.C., caracterizado por patrones de vestimenta fluidos y una representación realista, [11] al que se superpusieron rasgos artísticos chinos. Después de que el arte budista chino Wei del Norte se infiltrara en la península de Corea, varios grupos de inmigrantes trajeron íconos budistas a Japón. [12] En particular, la forma semisentada de Maitreya se adaptó a un estilo artístico griego antiguo altamente desarrollado que se transmitió a Japón, como lo demuestran las estatuas Kōryū-ji Miroku Bosatsu y Chūgū-ji Siddhartha . [13] Muchos historiadores retratan a Corea como un mero transmisor del budismo. [14] Los Tres Reinos, y particularmente Baekje, fueron fundamentales como agentes activos en la introducción y formación de una tradición budista en Japón en 538 o 552. [15] Ilustran el punto terminal de la transmisión del arte en la Ruta de la Seda durante la primera pocos siglos de nuestra era. Se pueden encontrar otros ejemplos en el desarrollo de la iconografía del dios japonés del viento Fūjin , [16] los guardianes Niō , [17] y los patrones florales casi clásicos en las decoraciones de los templos. [18]
Las estructuras budistas más antiguas que aún existen en Japón y los edificios de madera más antiguos del Lejano Oriente se encuentran en Hōryū-ji, al suroeste de Nara. Construido por primera vez a principios del siglo VII como templo privado del príncipe heredero Shōtoku , consta de 41 edificios independientes. Los más importantes, la sala de culto principal, o Kondō (Salón Dorado), y Gojū-no-tō ( Pagoda de cinco pisos ), se encuentran en el centro de un área abierta rodeada por un claustro techado. El Kondō , al estilo de los salones de culto chinos , es una estructura de dos pisos construida con postes y vigas, rematada por un irimoya , o techo de tejas cerámicas a cuatro aguas.
En el interior del Kondō , sobre una gran plataforma rectangular, se encuentran algunas de las esculturas más importantes de la época. La imagen central es una Trinidad Shaka (623), el Buda histórico flanqueado por dos bodhisattvas , escultura fundida en bronce por el escultor Tori Busshi (floreció a principios del siglo VII) en homenaje al recientemente fallecido Príncipe Shōtoku. En las cuatro esquinas de la plataforma se encuentran los Reyes Guardianes de las Cuatro Direcciones , tallados en madera alrededor del año 650. También se encuentra en Hōryū-ji el Santuario Tamamushi , una réplica de madera de un Kondō , que está colocada sobre una base alta de madera que decorado con pinturas figurativas ejecutadas en un medio de pigmentos minerales mezclados con laca.
La construcción de templos en el siglo VIII se centró en torno al Tōdai-ji en Nara. Construido como sede de una red de templos en cada una de las provincias, el Tōdaiji es el complejo religioso más ambicioso erigido en los primeros siglos del culto budista en Japón. Apropiadamente, el Buda de 16,2 m (53 pies) (completado en 752) consagrado en el salón principal del Buda, o Daibutsuden , es un Buda Rushana, la figura que representa la esencia de la Budeidad, del mismo modo que el Tōdaiji representaba el centro de las actividades patrocinadas por el Imperio. El budismo y su difusión por todo Japón. Sólo sobreviven unos pocos fragmentos de la estatua original, y la sala actual y el Buda central son reconstrucciones del período Edo .
Agrupados alrededor del Daibutsuden, en una ladera de suave pendiente, hay una serie de salas secundarias: el Hokke-dō (Salón del Sutra del Loto), con su imagen principal, el Fukukenjaku Kannon (不空羂索観音立像, el bodhisattva más popular), elaborado con madera seca. laca (tela bañada en laca y moldeada sobre una armadura de madera); el Kaidanin (戒壇院, Salón de Ordenación) con sus magníficas estatuas de arcilla de los Cuatro Reyes Guardianes ; y el almacén, llamado Shōsōin . Esta última estructura es de gran importancia como depósito histórico-artístico, porque en ella se guardan los utensilios que se utilizaron en la ceremonia de dedicación del templo en el año 752, el ritual revelador de la imagen de Rushana, así como documentos gubernamentales y muchos documentos seculares. Objetos propiedad de la familia imperial.
Se cree que el choukin (o chōkin ), el arte del grabado o escultura en metal, comenzó en el período Nara. [19] [20]
En 794 la capital de Japón fue trasladada oficialmente a Heian-kyō (actual Kioto ), donde permaneció hasta 1868. El término período Heian se refiere a los años comprendidos entre 794 y 1185, cuando se estableció el shogunato de Kamakura a finales del siglo XIX. Guerra Genpei . El período se divide a su vez en el Heian temprano y el Heian tardío, o era Fujiwara , siendo la fecha crucial 894, el año en que se suspendieron oficialmente las embajadas imperiales en China .
Arte Heian temprano: en reacción a la creciente riqueza y poder del budismo organizado en Nara, el sacerdote Kūkai (más conocido por su título póstumo Kōbō Daishi, 774–835) viajó a China para estudiar Shingon , una forma de budismo Vajrayana , que introducido en Japón en 806. En el centro del culto a Shingon se encuentran los mandalas , diagramas del universo espiritual, que luego comenzaron a influir en el diseño de los templos. La arquitectura budista japonesa también adoptó la estupa , originalmente una forma arquitectónica india , en su pagoda de estilo chino.
Los templos levantados para esta nueva secta se construyeron en las montañas, lejos de la Corte y de los laicos de la capital. La topografía irregular de estos sitios obligó a los arquitectos japoneses a repensar los problemas de la construcción de templos y, al hacerlo, a elegir elementos de diseño más autóctonos. Los techos de corteza de ciprés reemplazaron a los de tejas de cerámica, se usaron tablones de madera en lugar de pisos de tierra y se agregó un área de culto separada para los laicos frente al santuario principal.
El templo que mejor refleja el espíritu de los primeros templos de Heian Shingon es el Murō-ji (principios del siglo IX), ubicado en lo profundo de un grupo de cipreses en una montaña al sureste de Nara. La imagen de madera (también de principios del siglo IX) de Shakyamuni , el Buda "histórico", consagrado en un edificio secundario en Murō-ji , es típica de la escultura Heian temprana, con su cuerpo pesado, cubierto por gruesos pliegues de cortinas talladas en el estilo honpa-shiki (onda ondulada) y su expresión facial austera y retraída.
Arte Fujiwara: En el período Fujiwara , se hizo popular el budismo de la Tierra Pura , que ofrecía una salvación fácil mediante la creencia en Amida (el Buda del Paraíso Occidental). Este período lleva el nombre de la familia Fujiwara , entonces la más poderosa del país, que gobernaba como regentes del Emperador, convirtiéndose, de hecho, en dictadores civiles. Al mismo tiempo, la nobleza de Kioto desarrolló una sociedad dedicada a actividades estéticas elegantes. Su mundo era tan seguro y hermoso que no podían concebir el Paraíso como muy diferente. Crearon una nueva forma de salón de Buda, el salón Amida, que combina lo secular con lo religioso y alberga una o más imágenes de Buda dentro de una estructura que se asemeja a las mansiones de la nobleza.
El Hō-ō-dō (Salón Fénix, terminado en 1053) del Byōdō-in , un templo en Uji , al sureste de Kioto, es el ejemplo de los salones Fujiwara Amida. Consiste en una estructura rectangular principal flanqueada por dos corredores laterales en forma de L y un corredor trasero, ubicado en el borde de un gran estanque artificial. En el interior, una única imagen dorada de Amida ( c. 1053 ) está instalada sobre una plataforma alta. La escultura Amida fue ejecutada por Jōchō , quien utilizó un nuevo canon de proporciones y una nueva técnica ( yosegi ), en la que se tallan múltiples piezas de madera como conchas y se unen desde el interior. Aplicadas a las paredes de la sala hay pequeños relieves de seres celestiales; se cree que el anfitrión acompañó a Amida cuando descendió del Paraíso Occidental para reunir las almas de los creyentes en el momento de la muerte y transportarlas en flores de loto al Paraíso. Las pinturas de Raigō en las puertas de madera del Hō-ō-dō, que representan el Descenso del Buda Amida, son un ejemplo temprano de Yamato-e , pintura de estilo japonés, y contienen representaciones del paisaje alrededor de Kioto.
E-maki : En el último siglo del período Heian, el rollo narrativo ilustrado horizontal, conocido como e-maki (絵巻, literalmente "rollo de imágenes"), pasó a primer plano. Genji Monogatari Emaki , un famoso cuento ilustrado de Genji que data aproximadamente de 1130, representa el pergamino yamato-e más antiguo que se conserva y uno de los puntos culminantes de la pintura japonesa. Escrita alrededor del año 1000 por Murasaki Shikibu , dama de honor de la emperatriz Shōshi , la novela trata de la vida y los amores de Genji y el mundo de la corte Heian tras su muerte. Los artistas del siglo XII de la versión e-maki idearon un sistema de convenciones pictóricas que transmiten visualmente el contenido emocional de cada escena. En la segunda mitad del siglo, se hizo popular un estilo diferente y más vivo de ilustración narrativa continua. El Ban Dainagon Ekotoba (finales del siglo XII), un pergamino que trata de una intriga en la corte, enfatiza figuras en movimiento activo representadas con pinceladas ejecutadas rápidamente y colores finos pero vibrantes.
Los e-maki también son algunos de los primeros y mejores ejemplos de los estilos de pintura otoko-e ("cuadros de hombres") y onna-e ("cuadros de mujeres"). Hay muchas diferencias sutiles entre los dos estilos, apelando a las preferencias estéticas de los géneros. Pero quizás lo más fácilmente perceptible sean las diferencias en el tema. Onna-e , resumido en el pergamino de La historia de Genji, suele tratar de la vida de la corte, en particular de las damas de la corte, y de temas románticos. Otoko-e a menudo registraba acontecimientos históricos, en particular batallas. El asedio del Palacio Sanjō (1160), representado en la sección "Ataque nocturno al Palacio Sanjō" del pergamino Heiji Monogatari es un ejemplo famoso de este estilo.
En 1180, estalló una guerra entre los dos clanes guerreros más poderosos: los Taira y los Minamoto ; cinco años más tarde, los Minamoto salieron victoriosos y establecieron una sede de gobierno de facto en la aldea costera de Kamakura , donde permaneció hasta 1333. Con el paso del poder de la nobleza a la clase guerrera, las artes tuvieron que satisfacer a un nuevo público: hombres dedicados a las habilidades bélicas, sacerdotes comprometidos a hacer que el budismo estuviera disponible para los plebeyos analfabetos, y conservadores, la nobleza y algunos miembros del sacerdocio que lamentaban el poder decreciente de la corte. Así, el realismo, una tendencia popularizadora y un renacimiento clásico caracterizan el arte del período Kamakura . En el período Kamakura, Kioto y Nara siguieron siendo centros de producción artística y alta cultura.
Escultura: La escuela de escultores Kei , particularmente Unkei , creó un estilo de escultura nuevo y más realista. Las dos imágenes del guardián Niō (1203) en la Gran Puerta Sur del Tōdai-ji en Nara ilustran el estilo dinámico suprarrealista de .Unkei. Las imágenes, de unos 8 m (aproximadamente 26 pies) de altura, fueron talladas en múltiples bloques en un período de aproximadamente tres meses, una hazaña indicativa de un sistema de estudio desarrollado de artesanos que trabajan bajo la dirección de un maestro escultor. Las esculturas de madera policromada de Unkei (1208, Kōfuku-ji , Nara) de dos sabios indios, Muchaku y Seshin , los legendarios fundadores de la secta Hossō , se encuentran entre las obras realistas más logradas del período; Tal como las presenta Unkei, son imágenes notablemente individualizadas y creíbles. Una de las obras más famosas de este período es una Tríada de Amitabha (terminada en 1195), en Jōdo-ji en Ono , creada por Kaikei , sucesor de Unkei.
Caligrafía y pintura: El Kegon Engi Emaki , la historia ilustrada de la fundación de la secta Kegon , es un excelente ejemplo de la tendencia popularizadora de la pintura de Kamakura. La secta Kegon, una de las más importantes del período Nara, atravesó tiempos difíciles durante el ascenso de las sectas de la Tierra Pura . Después de la Guerra Genpei (1180-1185), el sacerdote Myōe de Kōzan-ji buscó revivir la secta y también proporcionar un refugio a las mujeres que habían enviudado a causa de la guerra. Se había disuadido a las esposas de los samuráis de aprender más que un sistema de silabarios para transcribir sonidos e ideas (ver kana ), y la mayoría eran incapaces de leer textos que empleaban ideogramas chinos ( kanji ).
Así, el Kegon Engi Emaki combina pasajes de texto, escritos con un máximo de sílabas fácilmente legibles, e ilustraciones que presentan el diálogo entre personajes escrito junto a los hablantes, una técnica comparable a las historietas contemporáneas. La trama de e-maki , la vida de los dos sacerdotes coreanos que fundaron la secta Kegon, tiene un ritmo rápido y está llena de hazañas fantásticas, como un viaje al palacio del Rey del Océano y una conmovedora historia de una madre. [ se necesita aclaración ]
Una obra de corte más conservador es la versión ilustrada del diario de Murasaki Shikibu . Se siguieron produciendo versiones en e-maki de su novela, pero la nobleza, en sintonía con el nuevo interés por el realismo pero nostálgica de los días pasados de riqueza y poder, revivió e ilustró el diario para recuperar el esplendor de la época de la autora. Uno de los pasajes más bellos ilustra el episodio en el que dos jóvenes cortesanos mantienen juguetonamente prisionera a Murasaki Shikibu en su habitación, mientras, afuera, la luz de la luna brilla sobre las orillas cubiertas de musgo de un riachuelo en el jardín imperial.
Durante el período Muromachi (1338-1573), también llamado período Ashikaga, se produjo un cambio profundo en la cultura japonesa. El clan Ashikaga tomó el control del shogunato y trasladó su sede de regreso a Kioto, al distrito Muromachi de la ciudad. Con el regreso del gobierno a la capital, las tendencias popularizadoras del período Kamakura llegaron a su fin y la expresión cultural adquirió un carácter más aristocrático y elitista. El budismo zen , la secta Chan que tradicionalmente se cree que fue fundada en China en el siglo VI, se introdujo por segunda vez en Japón y echó raíces.
Pintura: Debido a las empresas seculares y las misiones comerciales a China organizadas por los templos zen, muchas pinturas y objetos de arte chinos se importaron a Japón e influyeron profundamente en los artistas japoneses que trabajaban para los templos zen y el shogunato. Estas importaciones no sólo cambiaron el tema de la pintura, sino que también modificaron el uso del color; Los colores brillantes de Yamato-e cedieron a los monocromos de la pintura a la manera china, donde las pinturas generalmente solo tienen blanco y negro o diferentes tonos de un solo color.
Típica de la pintura Muromachi temprana es la representación del sacerdote-pintor Kao (activo a principios del siglo XV) del legendario monje Kensu (Hsien-tzu en chino) en el momento en que alcanzó la iluminación. Este tipo de pintura fue ejecutada con pinceladas rápidas y un mínimo de detalle. Atrapando un bagre con una calabaza (principios del siglo XV, Taizō-in , Myōshin-ji , Kioto), del sacerdote-pintor Josetsu (activo c. 1400 ), marca un punto de inflexión en la pintura de Muromachi. Realizado originalmente para una pantalla baja, se ha vuelto a montar como un pergamino colgante con inscripciones de figuras contemporáneas arriba, una de las cuales se refiere a la pintura como del "nuevo estilo". En primer plano se representa a un hombre en la orilla de un arroyo sosteniendo una pequeña calabaza y mirando un gran bagre resbaladizo. La niebla llena el terreno intermedio y las montañas del fondo parecen estar muy lejos. Generalmente se supone que el "nuevo estilo" de la pintura, ejecutado alrededor de 1413, se refiere a una sensación más china de espacio profundo dentro del plano pictórico.
Los artistas más destacados del período Muromachi son los sacerdotes-pintores Shūbun y Sesshū . Shūbun, un monje del templo Shōkoku-ji de Kioto , creó en el cuadro Leyendo en un bosque de bambú (1446) un paisaje realista con una profunda recesión en el espacio. Sesshū, a diferencia de la mayoría de los artistas de la época, pudo viajar a China y estudiar la pintura china en sus orígenes. Paisaje de las cuatro estaciones ( Sansui Chokan ; c. 1486 ) es una de las obras más logradas de Sesshu, que representa un paisaje continuo a lo largo de las cuatro estaciones.
En el período Azuchi-Momoyama (1573-1603), una sucesión de líderes militares, como Oda Nobunaga , Toyotomi Hideyoshi y Tokugawa Ieyasu , intentaron traer la paz y la estabilidad política a Japón después de una era de casi 100 años de guerra. Oda, un cacique menor, adquirió poder suficiente para tomar el control de facto del gobierno en 1568 y, cinco años más tarde, para derrocar al último shōgun Ashikaga. Hideyoshi tomó el mando después de la muerte de Oda, pero sus planes de establecer un gobierno hereditario fueron frustrados por Ieyasu, quien estableció el shogunato Tokugawa en 1603.
Pintura: La escuela de pintura más importante del período Momoyama fue la escuela Kanō , y la mayor innovación del período fue la fórmula, desarrollada por Kanō Eitoku , para la creación de paisajes monumentales en las puertas corredizas que cierran una habitación. La decoración de la sala principal que da al jardín del Jukō-in , un subtemplo de Daitoku-ji (un templo zen en Kioto), es quizás el mejor ejemplo que se conserva de la obra de Eitoku. Un enorme árbol ume y pinos gemelos están representados en pares de biombos corredizos en esquinas diagonalmente opuestas, sus troncos repiten las verticales de los postes de las esquinas y sus ramas se extienden a izquierda y derecha, unificando los paneles contiguos. El biombo de Eitoku, Los leones chinos , también en Kioto, revela el estilo de pintura audaz y de colores brillantes preferido por los samuráis.
Hasegawa Tōhaku , contemporáneo de Eitoku, desarrolló un estilo algo diferente y más decorativo para las pinturas en biombos a gran escala. En su Maple Screen (楓図), ahora en el templo de Chishaku-in (ja:智積院), Kioto, colocó el tronco del árbol en el centro y extendió las ramas casi hasta el borde de la composición, creando un Una obra más plana y menos arquitectónica que Eitoku, pero una pintura visualmente hermosa. Su pantalla séxtuple, Pine Wood (松林図), es una representación magistral en tinta monocromática de una arboleda envuelta en niebla.
El shogunato Tokugawa obtuvo el control indiscutible del gobierno en 1603 con el compromiso de traer paz y estabilidad económica y política al país; en gran medida fue un éxito. El shogunato sobrevivió hasta 1867, cuando se vio obligado a capitular por no haber podido hacer frente a la presión de las naciones occidentales para abrir el país al comercio exterior. Uno de los temas dominantes en el período Edo fueron las políticas represivas del shogunato y los intentos de los artistas de escapar de estas restricciones. El más importante de ellos fue el cierre del país a los extranjeros y a los atavíos de sus culturas, y la imposición de estrictos códigos de conducta que afectan todos los aspectos de la vida, la ropa que uno usa, la persona con la que se casa y las actividades que uno puede o debe hacer. no perseguir.
Sin embargo, en los primeros años del período Edo , el impacto total de las políticas de Tokugawa aún no se había sentido, y se produjeron algunas de las mejores expresiones de arquitectura y pintura de Japón: el Palacio Katsura en Kioto y las pinturas de Tawaraya Sōtatsu , pionero del Escuela Rinpa .
Impresión en madera: Las impresiones en madera se utilizaron originalmente para traducir escrituras budistas en el siglo VIII en Japón. La impresión xilográfica consiste en el grabado de imágenes o dibujos sobre un trozo de madera, que luego se presiona contra una hoja de papel. En el siglo VIII, la xilografía se consideraba un método conveniente para la reproducción de texto impreso hasta que nuevas innovaciones permitieron traducir el color al papel o, más conocido, como impresiones Nishik-e. La impresión con bloques de madera fue el método común de impresión desde el siglo XI hasta el XIX. Las impresiones Nishiki-e produjeron bienes como calendarios que comúnmente se vendían a miembros ricos de la sociedad durante el período Edo. En el período Edo, estos grabados representaban acontecimientos y escenas de actores destacados. Luego, Ukiyo se asoció con la impresión en madera a principios del período Edo. Estas pinturas de Ukiyo representaban la vida cotidiana de miembros destacados de la sociedad. Ukiyo comenzó como pergaminos esculpidos a mano que representaban la vida de un plebeyo normal.
Arquitectura: El Palacio Independiente de Katsura , construido a imitación del palacio de Genji , contiene un grupo de edificios brillantes que combinan elementos de la arquitectura japonesa clásica con reformulaciones innovadoras. Todo el complejo está rodeado por un bonito jardín con senderos para pasear. Muchos de los poderosos daimyōs (señores feudales) construyeron un jardín japonés estilo circuito en el territorio del país y compitieron por la belleza.
Pintura: Sōtatsu desarrolló un estilo decorativo magnífico al recrear temas de la literatura clásica, utilizando figuras y motivos de colores brillantes del mundo natural sobre fondos de pan de oro. Una de sus mejores obras es el par de biombos Waves at Matsushima , en la Freer Gallery de Washington, DC. Un siglo después, Kōrin reelaboró el estilo de Sōtatsu y creó obras visualmente magníficas exclusivamente suyas. Quizás sus mejores pinturas sean las pinturas cinematográficas de Flores de ciruelo rojas y blancas .
Escultura: El monje budista Enkū esculpió 120.000 imágenes budistas con un estilo tosco e individual.
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Ukiyo-e y nanga (bunjinga)
La escuela de arte más conocida en Occidente es la de las pinturas ukiyo-e y las xilografías del mundo demimonde, el mundo del teatro kabuki y los distritos del placer . Los grabados ukiyo-e comenzaron a producirse a finales del siglo XVII; en 1765 Harunobu produjo la primera impresión policromada . Los diseñadores de grabados de la siguiente generación, incluidos Torii Kiyonaga y Utamaro , crearon representaciones elegantes y, a veces, perspicaces de cortesanas.
En el siglo XIX las figuras dominantes fueron Hokusai e Hiroshige , este último creador de grabados de paisajes románticos y un tanto sentimentales. Los extraños ángulos y formas a través de los cuales Hiroshige solía ver el paisaje, y el trabajo de Kiyonaga y Utamaro, con su énfasis en planos planos y fuertes contornos lineales, tuvieron un profundo impacto en artistas occidentales como Edgar Degas y Vincent van Gogh . A través de obras de arte conservadas en museos occidentales, estos mismos grabadores ejercerían más tarde una poderosa influencia en las imágenes y los enfoques estéticos utilizados por los primeros poetas modernistas como Ezra Pound , Richard Aldington y HD [21].
Una escuela de pintura contemporánea del ukiyo-e fue la nanga o bunjinga, un estilo basado en pinturas ejecutadas por pintores eruditos chinos. Así como los artistas de ukiyo-e eligieron representar figuras de la vida fuera de las restricciones del shogunato Tokugawa, los artistas de bunjin recurrieron a la cultura china. Los ejemplos de este estilo son Ike no Taiga , Yosa Buson , Tanomura Chikuden y Yamamoto Baiitsu (ja:山本梅逸).
Cerámica
Los estilos tradicionales, principalmente de gres , continuaron en muchas partes de Japón, pero la cerámica japonesa fue transformada hacia el comienzo del período Edo, por una gran afluencia de alfareros coreanos, capturados o persuadidos a emigrar en el curso de las invasiones japonesas de Corea en el siglo XIX. Década de 1590 . Muchos de ellos se asentaron en la isla sureña de Kyushu , y trajeron consigo la experiencia de versiones del horno trepador de cámaras de estilo chino , llamado noborigama en Japón, que permitía altas temperaturas con un control más preciso. Alrededor de 1620 descubrieron depósitos de caolinita y comenzaron a fabricar porcelana por primera vez en Japón. Los primeros productos (llamados "Early Imari") eran relativamente pequeños e imitaban la porcelana china azul y blanca bajo vidriado , que Japón había estado importando durante algún tiempo. [22]
La industria de la porcelana se expandió enormemente a finales de la década de 1650, cuando el colapso de la industria china debido a la guerra civil generó pedidos muy grandes de los comerciantes chinos y de la Compañía Holandesa de las Indias Orientales ; para entonces, a los comerciantes solo se les permitía hacer negocios en Japón. El primer gran período de exportación de porcelana japonesa duró aproximadamente hasta la década de 1740, y la mayor parte de la porcelana japonesa se fabricaba para la exportación, principalmente a Europa, pero también al mundo islámico al oeste y al sur de Japón. [23] La cerámica japonesa se encuentra entre las mejores del mundo. [24] [25]
Lacados:
Con el desarrollo de la economía y la cultura, la calidad artística de los muebles lacados ha mejorado. Hon'ami Kōetsu y Ogata Kōrin trasladaron los diseños de la escuela de pintura Rinpa al material lacado. Desde mediados del período Edo, el inrō para contenedores de medicinas portátiles comenzó a decorarse magníficamente con maki-e y raden , y se hizo popular entre la clase samurái y los comerciantes ricos de la clase chōnin , y al final del período Edo, pasó de accesorios prácticos a colecciones de arte. [26] [27] La exportación de artículos lacados continuó después del período Azuchi-Momoyama. María Antonieta y María Teresa son conocidas como coleccionistas de lacas japonesas de este período. [2]
Cuando el Emperador de Japón recuperó el poder gobernante en 1868, Japón fue una vez más invadido por formas de cultura nuevas y extrañas. Durante el período anterior a la guerra , la introducción de valores culturales occidentales condujo a una dicotomía en el arte japonés, así como en casi todos los demás aspectos de la cultura, entre los valores tradicionales y los intentos de duplicar y asimilar una variedad de nuevas ideas en conflicto. Esta división siguió siendo evidente a finales del siglo XX, aunque para entonces ya se había producido mucha síntesis, y creó una atmósfera cultural internacional y estimuló las artes japonesas contemporáneas hacia formas cada vez más innovadoras.
El gobierno se interesó activamente en el mercado de exportación de arte, promoviendo las artes japonesas en una sucesión de ferias mundiales , comenzando con la Exposición Universal de Viena de 1873 . [28] [29] Además de financiar en gran medida las ferias, el gobierno asumió un papel activo en la organización de cómo se presentaba la cultura japonesa al mundo. Creó una empresa semipública, la Kiritsu Kosho Kaisha (Primera Compañía de Fabricación Industrial), para promover y comercializar las exportaciones de arte [30] y estableció la Hakurankai Jimukyoku (Oficina de Exposiciones) para mantener los estándares de calidad. [29] Para la Exposición Internacional del Centenario de 1876 en Filadelfia, el gobierno japonés creó una Oficina del Centenario y envió un enviado especial para asegurar espacio para los 30.000 artículos que se exhibirían. [31] La Casa Imperial también se interesó activamente en las artes y la artesanía, encargando obras ("artículos de presentación") como obsequios para dignatarios extranjeros. [32] En 1890, se creó el sistema Teishitsu Gigeiin ( Artista de la Casa Imperial ) para reconocer a artistas distinguidos; setenta fueron nombrados entre 1890 y 1944. [33] Entre ellos se encontraban el pintor y lacador Shibata Zeshin , el ceramista Makuzu Kōzan , el pintor Hashimoto Gahō y el artista de esmalte cloisonné Namikawa Yasuyuki . [33]
A medida que las importaciones occidentales se hicieron populares, la demanda de arte japonés disminuyó dentro del propio Japón. [34] En Europa y América, la nueva disponibilidad del arte japonés generó una fascinación por la cultura japonesa; una moda conocida en Europa como japonismo . [35] El patrocinio imperial, el patrocinio gubernamental, la promoción a nuevas audiencias y la tecnología occidental se combinaron para fomentar una era de innovación artística japonesa. En las artes decorativas, los artistas japoneses alcanzaron nuevos niveles de sofisticación técnica. [30]
Hoy en día, Masayuki Murata posee más de 10.000 obras de arte Meiji y es uno de los coleccionistas más entusiastas. A partir de entonces, la mayoría de las excelentes obras de Meiji Art fueron compradas por coleccionistas extranjeros y sólo unas pocas permanecieron en Japón, pero debido a que compró muchas obras de países extranjeros y abrió el Museo Kiyomizu Sannenzaka, [36] el estudio y La reevaluación del arte Meiji avanzó rápidamente en Japón a partir del siglo XXI. [37] Nasser Khalili es también uno de los coleccionistas de arte Meiji más dedicados del mundo, y su colección abarca muchas categorías de arte Meiji. La Familia Imperial Japonesa también posee excelentes obras de Arte Meiji, algunas de las cuales fueron donadas al estado y ahora se almacenan en el Museo de las Colecciones Imperiales .
A principios del siglo XX, las formas de arte europeas estaban bien introducidas y su unión produjo edificios notables como la Estación de Tren de Tokio y el Edificio de la Dieta Nacional que todavía existen en la actualidad. Estación de Tokio, un edificio de arquitectura Giyōfū , lleno de ladrillos y de estilo pseudoeuropeo. Este estilo de construcción se construyó en zonas urbanas.
Jihei Ogawa construyó muchos jardines japoneses nuevos y artísticos .
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La primera respuesta de los japoneses a las formas de arte occidental fue una aceptación sincera, y en 1876 se abrió la Escuela de Arte Tecnológico (ja:工部美術学校), que empleaba instructores italianos para enseñar métodos occidentales. La segunda respuesta fue un movimiento pendular en dirección opuesta encabezado por Okakura Kakuzō y el estadounidense Ernest Fenollosa , quienes alentaron a los artistas japoneses a conservar temas y técnicas tradicionales mientras creaban obras más acordes con el gusto contemporáneo. Esta fue una estrategia que eventualmente sirvió para extender la influencia del arte japonés hasta Calcuta, Londres y Boston en los años previos a la Primera Guerra Mundial . [38] A partir de estos dos polos de la teoría artística, derivados de Europa y del este de Asia respectivamente, se desarrollaron el yōga ("pintura de estilo occidental") y el Nihonga ("pintura japonesa"), categorías que se han mantenido vigentes.
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Durante la era Meiji, el esmalte cloisonné japonés alcanzó un apogeo técnico, produciendo artículos más avanzados que cualquiera que hubiera existido antes. [39] El período comprendido entre 1890 y 1910 se conoció como la "edad de oro" de los esmaltes japoneses. [40] Los artistas experimentaron con pastas y con el proceso de cocción para producir bloques de esmalte cada vez más grandes, con menos necesidad de cloisons (tiras metálicas envolventes). [39] Así, los esmaltes se convirtieron en un medio más pictórico, con diseños similares o copiados de las pinturas tradicionales. [41] Se hicieron populares los esmaltes con un diseño exclusivo de Japón, en el que se utilizaban flores, pájaros e insectos como temas. En particular, las obras de Namikawa Yasuyuki y Namikawa Sōsuke se exhibieron en ferias mundiales y ganaron numerosos premios. [42] [43] [44] [45] Junto con los dos Namikawa, la Compañía Ando Cloisonné ha producido muchos cloisonné de alta calidad. Los esmaltes japoneses se consideraron incomparables gracias a los nuevos logros en diseño y color. [46]
La era Meiji vio un renovado interés en la laca a medida que los artistas desarrollaron nuevos diseños y experimentaron con nuevas texturas y acabados. [47] Maki-e (decorar la laca con polvo de oro o plata) era la técnica más común para laca de calidad en este período. [48] Shibata Zeshin fue un lacador que ganó una gran reputación por sus obras desde el período Bakumatsu hasta el período Meiji. Los artículos lacados llamados Shibayama y Somada , creados en el período Edo, se hicieron populares por su estilo vistoso, con incrustaciones de oro, plata, mariscos, marfil y coloridos metales y vidrio, y alcanzaron su apogeo durante este período. [49] La laca de los talleres japoneses fue reconocida como técnicamente superior a lo que podría producirse en cualquier otro lugar del mundo. [50]
Al comienzo de la era Meiji, la orfebrería japonesa era casi totalmente desconocida fuera del país, a diferencia de la laca y la porcelana que anteriormente se exportaban. [51] El trabajo en metal estaba relacionado con la práctica budista, por ejemplo en el uso de bronce para las campanas de los templos y los calderos de incienso, por lo que hubo menos oportunidades para los trabajadores metalúrgicos una vez que el budismo fue desplazado como religión estatal. [51] Las exposiciones internacionales llevaron el bronce fundido japonés a una nueva audiencia extranjera, atrayendo grandes elogios. [51] La historia pasada del armamento samurái equipó a los trabajadores metalúrgicos japoneses para crear acabados metálicos en una amplia gama de colores. Combinando y acabando cobre, plata y oro en diferentes proporciones, crearon aleaciones especializadas como shakudō y shibuichi . Con esta variedad de aleaciones y acabados, un artista podría dar la impresión de una decoración a todo color. [52]
En el periodo Meiji la ropa japonesa comenzó a occidentalizarse y el número de personas que vestían kimono disminuyó, por lo que los artesanos que elaboraban netsuke y kiseru con marfil y madera perdieron su demanda. Por lo tanto, intentaron crear un nuevo campo, las esculturas de marfil para decoración de interiores, y muchas obras elaboradas fueron exportadas a países extranjeros o compradas por la Familia Imperial . En particular, las obras de Ishikawa Komei y Asahi Gyokuzan ganaron elogios en Japón. [53]
Las innovaciones técnicas y artísticas de la era Meiji convirtieron la porcelana en una de las formas de arte decorativo japonés de mayor éxito internacional. [54] La cerámica Satsuma era un nombre dado originalmente a la cerámica de la provincia de Satsuma , elaboradamente decorada con dorado y esmalte. Estos productos fueron muy elogiados en Occidente. Considerado en Occidente como distintivamente japonés, este estilo en realidad debía mucho a los pigmentos importados y a las influencias occidentales, y se creó pensando en la exportación. [55] Los talleres de muchas ciudades se apresuraron a producir este estilo para satisfacer la demanda de Europa y América, a menudo produciendo de forma rápida y económica. Por lo tanto, el término "artículo Satsuma" pasó a asociarse no con un lugar de origen sino con artículos de menor calidad creados exclusivamente para la exportación. [56] A pesar de esto, artistas como Yabu Meizan y Makuzu Kōzan mantuvieron los más altos estándares artísticos y al mismo tiempo exportaron con éxito. [57] De 1876 a 1913, Kōzan ganó premios en 51 exposiciones, incluida la Exposición Universal y la Exposición Industrial Nacional. [58]
La edición de 1902 de la Encyclopædia Britannica escribió: "En ninguna rama del arte aplicado el genio decorativo de Japón muestra resultados más atractivos que el de los tejidos textiles, y en ninguna ha habido un progreso más notorio durante los últimos años". [59] En Kioto se estaban produciendo obras pictóricas muy grandes y coloridas. El bordado se había convertido en una forma de arte por derecho propio, adoptando una variedad de técnicas pictóricas como el claroscuro y la perspectiva aérea . [59]
Inmediatamente después de la derrota de Japón en la Segunda Guerra Mundial en 1945, un gran número de artistas japoneses cayeron bajo la influencia del Partido Comunista de Japón , o incluso se unieron a él , que acababa de ser legalizado por la ocupación militar de Japón liderada por Estados Unidos después de muchos años de represión. por la policía japonesa de antes y de la guerra. [60] Esto tuvo que ver con el éxito del Partido Comunista al vender la noción en los primeros años de la posguerra de que el partido había sido el único grupo en Japón que había resistido el militarismo en tiempos de guerra. [61] Además, la palabra japonesa para "vanguardia" (前衛, zen'ei ), como en "vanguardia de la revolución comunista", resulta ser la misma palabra utilizada para "vanguardia" que en la vanguardia artística. guardia. [62] El Partido Comunista de Japón pronto llegó a dominar las principales sociedades y exposiciones artísticas de Japón y, por tanto, la forma de arte predominante inmediatamente después de la guerra fue el realismo socialista que describía el sufrimiento de los pobres y la nobleza de los trabajadores. clase, en línea con la doctrina del Partido Comunista de que todo el arte debe servir al propósito de promover la causa de la revolución. [61] En 1952, el Partido Comunista incluso ordenó a artistas como Hiroshi Katsuragawa y otros miembros de la recién formada Asociación de Arte de Vanguardia (前衛美術会, Zen'ei Bijutsukai ) que fueran a las montañas para producir arte realista socialista en apoyo de "escuadrones guerrilleros de montaña" que intentaban fomentar una revolución violenta en Japón. [63]
A lo largo de la década de 1950, muchos artistas japoneses se desilusionaron cada vez más con la definición rígida y limitada de "arte" impuesta por el Partido Comunista. [64] Sin embargo, debido a la preeminencia actual de los miembros y partidarios del Partido Comunista en los altos rangos de las sociedades artísticas y los jurados de exposiciones, a los artistas les resultó extremadamente difícil incluso mostrar su arte a menos que se ajustaran a las directrices del Partido. [65] Algunos artistas rehuyeron las exposiciones públicas formales. Otros buscaron reconocimiento, apoyo financiero y oportunidades para mostrar su arte en el extranjero, como el grupo de artistas conceptuales Gutai , fundado en 1954. Otros artistas hicieron uso de las pocas exposiciones "independientes" sin jurado en Japón, como la Yomiuri Indépendant . Exposición patrocinada por el Yomiuri Shimbun , a la que cualquiera podía acceder. [66]
La gota que colmó el vaso llegó con las protestas masivas de Anpo en 1960 contra el Tratado de Seguridad entre Estados Unidos y Japón (conocido como " Anpo " en japonés), debido al papel extremadamente pasivo desempeñado por el supuestamente "vanguardista" Partido Comunista. Tras el tratado, una ronda de recriminaciones provocó una mayor desilusión con el Partido Comunista y el arte realista socialista, lo que provocó que muchos más artistas rompieran con la influencia del Partido. [67]
Con el desvanecimiento del dominio del realismo socialista, la década de 1960 fue testigo de una explosión de nuevas formas de arte en Japón, a medida que las artes se expandieron en nuevas direcciones que podrían denominarse mejor "posmodernas". [68] Colectivos de artistas como Neo-Dada Organizers , Zero Dimension y Hi-Red Center exploraron conceptos como "no arte" y "anti-arte" y llevaron a cabo una variedad de "eventos", "happenings" audaces. y otras formas de arte escénico diseñadas para erosionar los límites entre el arte y la vida cotidiana. De manera similar, el grupo Mono-ha traspasó los límites que dividen el arte, el espacio, el paisaje y el medio ambiente. Otros artistas, como el diseñador gráfico Tadanori Yokoo , se inspiraron en la contracultura de los años 60 y la explosión de nuevas formas de cómics manga orientados a adultos . En las artes escénicas, Tatsumi Hijikata fue pionero en una nueva forma de danza posmoderna llamada Butoh , y dramaturgos como Jūrō Kara y Satō Makoto crearon el estilo Angura de teatro radical "underground". [69] Y en fotografía, fotógrafos como Daidō Moriyama fueron pioneros en una nueva escuela de fotografía de posguerra extremadamente influyente que enfatizaba la espontaneidad por encima de la composición cuidadosamente escenificada y celebraba las características " are, bure, bokeh " (literalmente "áspero, borroso, fuera de lugar"). enfocar"). [70] [71]
La proliferación de nuevos tipos de arte estuvo respaldada por el tremendo crecimiento de la economía japonesa en la década de 1960, recordado como el " milagro económico japonés ". A lo largo de la década de 1960, la economía japonesa creció más del 10% anual. El aumento de la riqueza creó una nueva clase de consumidores que podían permitirse gastar dinero en arte y apoyar diferentes tipos de arte y artistas. Por primera vez en la historia moderna de Japón, se volvió viable para un número significativo de artistas ganarse la vida únicamente vendiendo su arte. El auge de la construcción en Japón en la década de 1960, que arrasó con la antigua arquitectura tradicional japonesa de madera y papel y la reemplazó con resplandecientes megaciudades de vidrio y acero, ayudó a inspirar nuevas escuelas de arquitectura japonesa, como el movimiento Metabolismo (arquitectura) liderado por de Kenzō Tange , que se liberó audazmente de los modelos convencionales y demostró ser influyente en todo el mundo.
Al mismo tiempo, sin embargo, el mundo del arte siguió dominado por camarillas que promovían las obras de ciertos artistas (generalmente hombres) sobre otros. A medida que se hizo mucho más fácil para los japoneses viajar al extranjero en la década de 1960, algunas artistas femeninas como Yayoi Kusama y Yoko Ono encontraron una mejor acogida en el extranjero y se trasladaron a centros artísticos como Londres, París y Nueva York, al igual que muchos artistas masculinos como Bueno.
El triunfo de las nuevas formas de arte japonés se consolidó en la Exposición Universal de Osaka de 1970 , donde decenas de artistas conceptuales y de vanguardia fueron contratados para diseñar pabellones y experiencias artísticas para los asistentes a la feria. [72] El arte de vanguardia japonés se había globalizado y se había convertido en algo que incluso el gobierno conservador estaba orgulloso de mostrar al mundo.
En las décadas de 1970 y 1980, el arte japonés continuó en muchas de las direcciones iniciadas en las décadas de 1950 y 1960, pero a menudo con presupuestos mucho mayores y materiales más caros, a medida que la economía de Japón siguió expandiéndose rápidamente y finalmente creció hasta convertirse en una de las burbujas económicas más grandes de la historia. . Con la moneda japonesa volviéndose increíblemente fuerte a raíz del Acuerdo Plaza de 1985 , las personas e instituciones japonesas se convirtieron en actores importantes en el mercado internacional del arte. Megacorporaciones japonesas extraordinariamente ricas comenzaron a construir sus propios museos de arte privados y a adquirir colecciones de arte moderno y contemporáneo, y los artistas japoneses también se beneficiaron enormemente de estos gastos.
En particular, la producción artística continuó alejándose de la pintura y la escultura tradicionales en dirección al diseño gráfico , el arte pop , el arte portátil , el arte escénico , el arte conceptual y el arte de instalación . Se pusieron cada vez más de moda varios tipos de arte "híbrido". A medida que avanzaba la tecnología, los artistas incorporaron cada vez más la electrónica, el vídeo, las computadoras, la música y los sonidos sintetizados y los videojuegos en su arte. La estética del manga y el anime , en la que tantos artistas jóvenes habían crecido inmersos, ejerció una influencia creciente, aunque a veces bastante sutil. Por encima de todo, los artistas evitaron cualquier cosa que oliera a "gran arte" o "bellas artes" en favor de lo personal, lo ecléctico, lo fantástico o fantasmagórico y lo lúdico. En la edición, artistas femeninas como Mika Yoshizawa fueron cada vez más aceptadas y apoyadas por el mundo del arte en Japón.
El arte contemporáneo japonés adopta tantas formas y expresa tantas ideas diferentes como el arte contemporáneo mundial en general. Abarca desde publicidad, anime, videojuegos y arquitectura, como ya se mencionó, hasta escultura, pintura y dibujo en todas sus innumerables formas. Los artistas japoneses han hecho contribuciones especialmente notables al arte contemporáneo global en los campos de la arquitectura, los videojuegos, el diseño gráfico, la moda y quizás, sobre todo, la animación. Si bien al principio el anime se derivaba principalmente de historias de manga, hoy en día abunda el anime diverso y muchos artistas y estudios han alcanzado gran fama como artistas; En general, se considera que Hayao Miyazaki y los artistas y animadores de Studio Ghibli se encuentran entre los mejores que el mundo del anime tiene para ofrecer.
Al mismo tiempo, muchos artistas japoneses continúan utilizando técnicas y materiales artísticos tradicionales japoneses heredados de los tiempos premodernos, como las formas tradicionales de papel y cerámica japoneses y la pintura con tinta negra y de color sobre papel o seda. Algunas de estas obras de arte representan temas tradicionales en estilos tradicionales, mientras que otras exploran motivos y estilos nuevos y diferentes, o crean híbridos de formas de arte tradicionales y contemporáneas, mientras utilizan medios o materiales tradicionales. Otros más evitan los medios y estilos nativos y adoptan pinturas al óleo occidentales o cualquier otra forma.
En la escultura ocurre lo mismo; algunos artistas se apegan a los modos tradicionales, otros lo hacen con un estilo moderno y otros eligen modos, estilos y medios occidentales o completamente nuevos. Yo Akiyama es sólo uno de los muchos escultores japoneses modernos. Trabaja principalmente en cerámica y barro, creando obras que son muy simples y directas, que parecen creadas a partir de la tierra misma. Otro escultor, utilizando hierro y otros materiales modernos, construyó una gran escultura de arte moderno en la ciudad portuaria israelí de Haifa , llamada Hanabi (Fuegos artificiales). Nahoko Kojima es una artista contemporánea de Kirie que ha sido pionera en la técnica de la escultura cortada en papel que cuelga en 3D.
Takashi Murakami es posiblemente uno de los artistas modernos japoneses más conocidos del mundo occidental. Murakami y los demás artistas de su estudio crean piezas en un estilo inspirado en el anime, que ha denominado " superplano ". Sus piezas adoptan multitud de formas, desde pintura hasta escultura, algunas de tamaño realmente enorme. Pero la mayoría, si no todos, muestran muy claramente esta influencia del anime, utilizando colores brillantes y detalles simplificados.
Yayoi Kusama , Yoshitomo Nara , Hiroshi Sugimoto , Chiharu Shiota , Daidō Moriyama , Mariko Mori , Aya Takano y Tabaimo son considerados artistas importantes en el campo del arte japonés contemporáneo. [73] El Grupo 1965 , un colectivo de artistas, cuenta entre sus miembros al artista contemporáneo Makoto Aida . [74]
Muchas formas tradicionales de música, danza y teatro japoneses han sobrevivido en el mundo contemporáneo y gozan de cierta popularidad gracias a su reidentificación con los valores culturales japoneses. La música y la danza tradicionales, cuyos orígenes se remontan al antiguo uso religioso ( budista , sintoísta y folclórica ), se han conservado en las representaciones dramáticas del teatro Noh , kabuki y bunraku . Las antiguas formas de música y danza de la corte derivadas de fuentes continentales se preservaron a través de músicos de la casa imperial y grupos de templos y santuarios. Algunos de los instrumentos musicales más antiguos del mundo han estado en uso continuo en Japón desde el período Jōmon , como lo demuestran los hallazgos de flautas y cítaras de piedra y arcilla de entre dos y cuatro cuerdas, a las que se les añadieron campanas y gongs de metal del período Yayoi. crear conjuntos musicales tempranos. En el período histórico temprano (siglos VI al VII), había una variedad de tambores , gongs, campanillas , flautas e instrumentos de cuerda grandes y pequeños, como la biwa importada parecida a una mandolina y la cítara plana de seis cuerdas, que evolucionó. en el koto de trece cuerdas . Estos instrumentos formaron las orquestas de la música ceremonial de la corte ( gagaku ) de origen continental del siglo VII , que, junto con el bugaku (un tipo de danza de la corte) que la acompaña, son las formas más antiguas que aún se interpretan en la corte imperial, templos antiguos. y santuarios. El budismo introdujo los cantos rítmicos, todavía utilizados, que sustentan el Shigin , y que se unieron a ideas nativas para sustentar el desarrollo de la música vocal, como en el Noh .
El arte japonés se caracteriza por polaridades únicas. En la cerámica de los períodos prehistóricos, por ejemplo, a la exuberancia siguió un arte disciplinado y refinado. Otro ejemplo lo proporcionan dos estructuras del siglo XVI que son polos opuestos: el Palacio Independiente de Katsura es un ejercicio de simplicidad, con énfasis en materiales naturales, toscos y sin adornos, y una afinidad por la belleza lograda por accidente; Nikkō Tōshō-gū es una estructura rígidamente simétrica repleta de relieves tallados de colores brillantes que cubren cada superficie visible. El arte japonés, valorado no sólo por su simplicidad sino también por su exuberancia colorida, ha influido considerablemente en la pintura occidental del siglo XIX y en la arquitectura occidental del siglo XX .
Las concepciones estéticas de Japón, derivadas de diversas tradiciones culturales, han sido formativas en la producción de formas artísticas únicas. A lo largo de los siglos, se desarrolló y perfeccionó una amplia gama de motivos artísticos, adquiriendo un significado simbólico. Como una perla , adquirieron muchas capas de significado y un gran brillo. La estética japonesa proporciona una clave para comprender obras artísticas perceptiblemente diferentes de las provenientes de las tradiciones occidentales.
Dentro de la tradición artística del este asiático, China ha sido el maestro reconocido y Japón el estudiante devoto. Sin embargo, varias artes japonesas desarrollaron su propio estilo, que puede diferenciarse de varias artes chinas. El enfoque monumental, simétricamente equilibrado y racional de las formas de arte chino se volvió miniaturizado, irregular y sutilmente sugerente en manos japonesas. Los jardines de rocas en miniatura , las plantas diminutas ( bonsái ) y los ikebana (arreglos florales), en los que unos pocos seleccionados representaban un jardín, fueron las actividades favoritas de los aristócratas refinados durante un milenio y han seguido siendo parte de la vida cultural contemporánea.
La diagonal, que refleja un flujo natural, en lugar del triángulo fijo, se convirtió en el recurso estructural favorito, ya sea en pintura, diseño arquitectónico o de jardines, pasos de danza o notaciones musicales. Los números impares reemplazan a los números pares en la regularidad de un patrón maestro chino, y tirar hacia un lado permite que un motivo gire la esquina de un objeto tridimensional, dando así continuidad y movimiento que falta en un diseño frontal estático. Los pintores japoneses utilizaron los recursos del corte, el primer plano y el desvanecimiento en el siglo XII en el yamato-e , o pintura en pergamino al estilo japonés, tal vez una de las razones por las que el cine moderno ha sido una forma de arte tan natural y exitosa en Japón. Se utiliza sugerencia en lugar de declaración directa; Insinuaciones poéticas oblicuas y melodías y pensamientos alusivo e inconclusos han resultado frustrantes para el occidental que intenta penetrar los significados de la literatura, la música, la pintura e incluso el lenguaje cotidiano.
Los japoneses comenzaron a definir tales ideas estéticas en una serie de frases evocadoras al menos en el siglo X u XI. Los refinamientos cortesanos del período aristocrático Heian evolucionaron hacia la elegante simplicidad vista como la esencia del buen gusto en el arte discreto que se llama shibui . Dos términos originados en las prácticas meditativas del budismo zen describen grados de tranquilidad: uno, el reposo que se encuentra en la humilde melancolía ( wabi ), el otro, la serenidad que acompaña al disfrute de la belleza tenue ( sabi ). El pensamiento zen también contribuyó con una inclinación por combinar lo inesperado o sorprendente, utilizado para sacudir la conciencia hacia la meta de la iluminación. En el arte, este enfoque se expresó en combinaciones de materiales tan improbables como el plomo con incrustaciones de laca y en imágenes poéticas contradictorias. Imágenes y motivos inesperadamente humorísticos y a veces grotescos también surgen del kōan (enigma) Zen. Aunque las artes han sido principalmente seculares desde el período Edo , la estética y los métodos de formación tradicionales, derivados generalmente de fuentes religiosas, siguen siendo la base de las producciones artísticas.
El arte japonés moderno a menudo está fuertemente influenciado por la relación única de la nación con la tecnología , combinando frecuentemente formas y conceptos tradicionales con nuevas estéticas y ansiedades del presente tecnológico, además de estar fuertemente influenciado por la variada historia económica de la nación después de la Segunda Guerra Mundial. El arte japonés moderno aborda temas de aislamiento y despersonalización , así como el creciente poder e influencia de las tecnologías digitales y el grado en que la cultura japonesa se ve afectada y ejerce influencia en un mundo cada vez más globalizado e interconectado.
Como Japón fue una de las primeras naciones en conectarse a Internet a gran escala y uno de los primeros países en adoptar el uso generalizado de teléfonos celulares, el arte japonés fue una de las primeras formas de arte en evaluar críticamente los dramáticos efectos sociales que tiene la conectividad ubicua. tenía en la sociedad. Por el contrario, la cantidad de arte japonés distribuido en Internet significó que el arte y la estética japoneses, incluido el arte de la cultura de masas como el manga y el anime , tuvieran una enorme influencia en la cultura de Internet durante las décadas de 1990 y 2000, una influencia que no sólo se siente hoy en día. , pero también alentó a los artistas japoneses a continuar explorando críticamente la naturaleza de la vida en línea.
El arte japonés también se ha visto influenciado por el papel cada vez mayor del arte de la cultura de masas del país en la cultura pop global. El manga, el anime, los videojuegos, las películas de gran consumo y los productos culturales asociados han seguido haciéndose más grandes y más influyentes en el mundo del arte japonés desde la década de 1970, y los temas expresados en estas obras a menudo han reflejado las inquietudes actuales de la nación. El lenguaje estético y las convenciones de estos medios han llegado a representar cada vez más la totalidad del arte y la cultura japoneses también en el extranjero; La estética del kawaii , por ejemplo, originalmente se derivó de conceptos tradicionales dentro del arte japonés que se remonta al siglo XV, [75] pero fue explorada en series populares de manga y anime en el Japón de posguerra, y hoy en día se considera comúnmente como central para el japonés contemporáneo. cultura. [76]
La estética tradicional japonesa son formas de belleza en la cultura japonesa que se derivan de los primeros siglos. Al menos hace más de doscientos años. Algunas de estas estéticas tempranas conforman la estética japonesa en su conjunto: el arte budista sincrético, Wabi-Sabi, Miyabi, Shibui y Jo-ha-Kyu.
Esta estética en la cultura japonesa es conocida por muchas cosas como la belleza en todas las cosas, incluso aquellas que son imperfectas. La modestia y las cosas poco convencionales son lo que se considera la estética wabi-sabi. Wabi y sabi conforman juntos la estética de la belleza incompleta. Cuando se separan, ambos sirven como términos diferentes. Wabi es sinónimo de trabajo fresco y sencillo, denotando toda complicación y teniendo también un aire muy rústico en todo lo relacionado. Estar hecho de la naturaleza y hecho del propio hombre a la vez. Si se hace por accidente, aporta cierta singularidad a la obra. Sabi es la belleza y cómo ésta se origina en la edad. El ciclo de la vida juega un gran papel en sabi, agregando a la estética esa sensación de belleza en obras que reciben reparación de daños por el envejecimiento con el tiempo. Al unir wabi y sabi, se crea la estética de que cada pieza simple desarrollada no requiere un diseño complicado. Tampoco hace falta una plenitud absoluta para que se encuentre belleza en él, y con la edad llega una belleza más delicada.
El wabi-sabi siempre ha estado relacionado con las ceremonias del té en la cultura japonesa. Se dice que estas ceremonias son profundos eventos wabi-sabi. Wabi-sabi también se relaciona con actividades como la arquitectura, la moda y la filosofía. Todas estas partes del wabi-sabi comparten la creencia en el mismo tema: todas las imperfecciones, como el trabajo incompleto, encierran una belleza innegable. Sin embargo, no todo el mundo, por supuesto, está a favor de la idea detrás del wabi-sabi. Si bien esto es cierto, hay muchos que desean mantener viva la creencia a pesar de lo que otros creen. En general, wabi-sabi parece ser un enfoque muy consciente de la vida cotidiana. Una forma tranquila de ver las cosas y una forma de vivir sin parecer crítico. Al entender wabi-sabi, hay términos que también se relacionan fuertemente con lo estético.
Cada uno de estos términos se utiliza para desglosar la comprensión completa de wabi-sabi. Se relaciona más con el aspecto filosófico de toda la estética y cómo ver el entorno. Estos pueden aludir a varias cosas, incluidas las ideas de los humanos, los temas detrás de ciertos aspectos de la vida o la naturaleza misma. Cada término nos lleva al punto de que wabi-sabi es una estética que consiste en apreciar las pequeñas cosas que son imperfectas o incompletas. [ cita necesaria ]
En la historia actual de Japón, miyabi puede representar muchas cosas. Sin embargo, parece centrarse en el concepto de elegancia, belleza, refinamiento y cortesía. Por esto, es una de las estéticas más antiguas entre la mayoría de las estéticas japonesas de la cultura. Eso explicaría por qué no es tan popular como el resto, que puede ser más nuevo en comparación con miyabi. Es un término que también se utiliza para expresar la cultura aristocrática. Miyabi elimina toda forma de mala educación y crudeza de la cultura. Esto produce la imagen y la forma adecuadas de la cultura aristocrática. Miyabi provoca estos cambios. Miyabi asegura que el refinamiento del amor, la literatura, los sentimientos y el arte se celebre dentro de la cultura japonesa. El refinamiento es bienvenido.
Shibui está llegando a comprender un objeto o una obra de arte tal como es. Localizar la belleza simple y sutil en ciertas cosas es un objetivo a la hora de diseñar o revisar ciertos diseños. En muchos sentidos, shibui es muy similar al wabi-sabi pero no es wabi-sabi. Shibui aprecia los objetos y objetos simplemente por ser. No hay complicaciones ni pensamientos irracionales cuando se trata de shibui. Afín a cierta estética de la cultura japonesa, existen un par de términos en relación con el Shibui: shibumi es el sabor del shibui; Shibusa es el estado de shibui.
Ambos términos se relacionan con la belleza sutil y discreta. Hay varios artículos y objetos que pueden considerarse parte de la estética shibui, no solo arte o moda. También pueden ser personas, animales, canciones, películas y varios tipos diferentes de medios pueden considerarse shibui. Por ejemplo, un par de zapatos, una cámara, un ciclomotor y varias obras de arte u objetos diferentes utilizados para la actividad cotidiana pueden considerarse shibui. Directo y sencillo es el camino del shibui. Nada exagerado ni demasiado llamativo.
Esta es una estética que se originó en el Teatro Noh e incluso apareció en el siglo XIV. Se utiliza en diferentes formas de arte en Japón incluso hoy en día. Es un movimiento que se ha aplicado en varias artes diferentes, donde jo, ha y kyu representan cosas individuales para conformar su definición: jo, 'comienzo'; ja, 'romper', 'crack'; kyu: 'rápido', 'sobre'
Básicamente, lo que esta estética significa es que cuando se trata de piezas que tienen que ver con el movimiento, las cosas deben comenzar lentamente con una preparación adecuada. Casi parecido a cómo se cuenta una historia. Luego, una vez que alcanza su clímax, se acelera. Cuando llega a su final, es cuando las cosas comienzan a acelerarse rápidamente hasta que, de repente, llega a su final.
Tradicionalmente, el artista era un vehículo de expresión y se mostraba personalmente reticente, acorde con el papel de un artesano o artista de bajo estatus social. El calígrafo , miembro de la clase de literatos confucianos , o clase samurái en Japón, tenía un estatus más alto, mientras que los artistas de gran genio a menudo eran reconocidos en el período Kamakura al recibir un nombre de un señor feudal y así ascender socialmente. Sin embargo, las artes escénicas generalmente eran menos estimadas y la supuesta inmoralidad de las actrices del temprano teatro Kabuki hizo que el gobierno de Tokugawa prohibiera a las mujeres subir al escenario; Los papeles femeninos en Kabuki y Noh fueron desempeñados posteriormente por hombres.
Después de la Segunda Guerra Mundial , los artistas normalmente se reunían en asociaciones artísticas, algunas de las cuales eran sociedades profesionales establecidas desde hacía mucho tiempo, mientras que otras reflejaban el último movimiento artístico. La Liga de Artistas de Japón, por ejemplo, fue responsable del mayor número de exposiciones importantes, incluida la prestigiosa Nitten (Exposición de Arte de Japón) anual. El PEN Club de Japón (PEN significa prosa, ensayo y narrativa), una rama de una organización internacional de escritores, era la mayor de unas treinta asociaciones de autores importantes. Actores, bailarines, músicos y otros artistas escénicos alardeaban de tener sus propias sociedades, incluida la Sociedad Kabuki, organizada en 1987 para mantener los altos estándares tradicionales de este arte, que se pensaba que estaban en peligro por la innovación moderna. Sin embargo, en la década de 1980, los pintores y escultores de vanguardia habían evitado todos los grupos y eran artistas "desvinculados".
Hay varias universidades especializadas en artes en Japón, encabezadas por las universidades nacionales. La más importante es la Universidad de las Artes de Tokio , una de las universidades nacionales más difíciles de ingresar. Otro centro fundamental es la Universidad de Arte Tama , que produjo muchos de los artistas jóvenes innovadores del Japón de finales del siglo XX. La formación tradicional en las artes, derivada de los métodos tradicionales chinos, persiste; Los expertos enseñan desde sus hogares o escuelas principales trabajando dentro de una relación maestro-alumno. Un alumno no experimenta con un estilo personal hasta que alcanza el más alto nivel de formación, se gradúa en una escuela de artes o llega a ser director de una escuela. Muchos artistas jóvenes han criticado este sistema por sofocar la creatividad y la individualidad. Una nueva generación de vanguardia ha roto con esta tradición y a menudo ha recibido su formación en Occidente. En las artes tradicionales, sin embargo, el sistema maestro-alumno preserva los secretos y habilidades del pasado. Algunos linajes maestro-alumno se remontan al período Kamakura, desde el cual continúan utilizando el estilo o tema de un gran maestro. Los artistas japoneses consideran el virtuosismo técnico como la condición sine qua non de sus profesiones, hecho reconocido por el resto del mundo como una de las señas de identidad del arte japonés.
El gobierno nacional ha apoyado activamente las artes a través de la Agencia de Asuntos Culturales , creada en 1968 como organismo especial del Ministerio de Educación . El presupuesto de la agencia para el año fiscal 1989 aumentó a 37.800 millones de yenes después de cinco años de recortes presupuestarios, pero todavía representaba mucho menos del 1 por ciento del presupuesto general. La División de Asuntos Culturales de la agencia difundió información sobre las artes dentro de Japón e internacionalmente, y la División de Protección de Bienes Culturales (文化財保護部, ahora 文化財部) protegió el patrimonio cultural de la nación. La División de Asuntos Culturales se ocupa de áreas como la promoción del arte y la cultura, los derechos de autor de las artes y las mejoras en el idioma nacional . También apoya festivales artísticos y culturales nacionales y locales, y financia eventos culturales itinerantes en música, teatro, danza, exposiciones de arte y cine. Se ofrecen premios especiales para alentar a artistas jóvenes y profesionales establecidos, y cada año se conceden algunas becas para que puedan formarse en el extranjero. La agencia financia museos nacionales de arte moderno en Kioto y Tokio y el Museo Nacional de Arte Occidental en Tokio, que exhiben muestras tanto japonesas como internacionales. La agencia también apoya a la Academia de Arte de Japón , que honra a personas eminentes de las artes y las letras, nombrándolos miembros y ofreciendo ¥3,5 millones en premios. Los premios se otorgan en presencia del Emperador , quien personalmente otorga el más alto galardón, la Orden de la Cultura . La Universidad de las Artes de Tokio también participó activamente en varios eventos artísticos en años anteriores. Sus otros campus también ofrecen cursos variados.
El patrocinio y la promoción de las artes por parte del gobierno se amplían para incluir un nuevo esfuerzo cooperativo con las empresas japonesas para proporcionar financiación más allá del ajustado presupuesto de la Agencia de Asuntos Culturales. Participan muchas otras instituciones públicas y privadas, especialmente en el floreciente campo de la concesión de premios artísticos. Un número creciente de grandes corporaciones se unen a los principales periódicos para patrocinar exposiciones y espectáculos y otorgar premios anuales. Los más importantes de los numerosos premios literarios concedidos son el venerable Premio Naoki y el Premio Akutagawa , siendo este último el equivalente al Premio Pulitzer en Estados Unidos.
En 1989, un esfuerzo por promover el intercambio intercultural condujo al establecimiento de un " Premio Nobel " japonés para las artes, el Premium Imperiale , por parte de la Asociación de Arte de Japón . Este premio de 100.000 dólares fue financiado en gran parte por el conglomerado de medios de comunicación Fujisankei Communications Group y se concedió mediante una selección a nivel mundial.
En la década de 1980 surgieron varias fundaciones que promovían las artes, incluida la Fundación de Bienes Culturales creada para preservar sitios históricos en el extranjero, especialmente a lo largo de la Ruta de la Seda en Asia Interior y en Dunhuang en China . En 1988 se concertó otro acuerdo internacional con el Instituto Smithsonian de los Estados Unidos para el intercambio cooperativo de estudios de alta tecnología de artefactos asiáticos. El gobierno desempeña un papel importante al financiar la Fundación Japón , que proporciona subvenciones tanto institucionales como individuales, realiza intercambios académicos, otorga premios anuales, apoya publicaciones y exposiciones y envía grupos de artes tradicionales japonesas a actuar en el extranjero. El Festival de las Artes que se celebra cada otoño durante dos meses para todas las artes escénicas está patrocinado por la Agencia de Asuntos Culturales. Las principales ciudades también brindan un apoyo sustancial a las artes; En la década de 1980, un número creciente de ciudades habían construido grandes centros para las artes escénicas y, estimuladas por la financiación gubernamental, ofrecían premios como el Premio Lafcadio Hearn iniciado por la ciudad de Matsue . Varios nuevos museos municipales también ofrecían alrededor de un tercio más de instalaciones en la década de 1980 de las que estaban disponibles anteriormente. A finales de los años 1980, Tokio añadió más de veinte nuevas salas culturales, en particular, el gran Bunkamura construido por el Grupo Tokyu y la reconstrucción del Teatro Globe de Shakespeare . Todos estos esfuerzos reflejan un creciente entusiasmo popular por las artes. Los compradores de arte japoneses arrasaron los mercados de arte occidentales a finales de los años 1980, pagando cifras récord por pinturas impresionistas y 51,7 millones de dólares sólo por un Picasso de la época azul .
Ciertamente los alfareros japoneses se encuentran entre los más destacados del mundo actual...
En términos de habilidad y técnica de loza y cerámica en general, Japón es un líder y maestro del mundo.
Dudamos que alguna forma del arte del esmaltado pueda igualar el trabajo ejecutado en Japón, que se distingue por una gran libertad de diseño y las más exquisitas gradaciones de color.
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