El jazz es un género musical que se originó en las comunidades afroamericanas de Nueva Orleans , Luisiana , a finales del siglo XIX y principios del XX, con raíces en el blues y el ragtime . [1] [2] [3] [4] Desde la era del jazz de la década de 1920 , ha sido reconocido como una forma importante de expresión musical en la música tradicional y popular . El jazz se caracteriza por el swing y las notas azules , los acordes complejos , las voces de llamada y respuesta , los polirritmos y la improvisación . El jazz tiene sus raíces en la armonía europea y los rituales rítmicos africanos. [5] [6]
A medida que el jazz se extendió por el mundo, se basó en culturas musicales nacionales, regionales y locales, que dieron lugar a diferentes estilos. El jazz de Nueva Orleans comenzó a principios de la década de 1910, combinando marchas anteriores de bandas de música , cuadrillas francesas , biguine , ragtime y blues con improvisación polifónica colectiva . Pero el jazz no comenzó como una tradición musical única en Nueva Orleans ni en ningún otro lugar. [7] En la década de 1930, los estilos más destacados eran las big bands de swing orientadas a la danza , el jazz de Kansas City (un estilo de improvisación, blues y swing duro) y el jazz gitano (un estilo que enfatizaba los valses de musette ). El bebop surgió en la década de 1940, trasladando el jazz de la música popular bailable a una "música de músico" más desafiante que se tocaba a tempos más rápidos y utilizaba más improvisación basada en acordes. El cool jazz se desarrolló a finales de la década de 1940, introduciendo sonidos más tranquilos y suaves y líneas melódicas largas y lineales. [8]
A mediados de la década de 1950 surgió el hard bop , que introdujo influencias del ritmo y el blues , el gospel y el blues en grupos pequeños y, en particular, en el saxofón y el piano. El jazz modal se desarrolló a finales de la década de 1950, utilizando el modo , o escala musical, como base de la estructura musical y la improvisación, al igual que el free jazz , que exploraba la interpretación sin métrica, ritmo ni estructuras formales regulares. La fusión jazz-rock apareció a finales de los años 1960 y principios de los 1970, combinando la improvisación del jazz con ritmos de la música rock , instrumentos eléctricos y sonido escénico altamente amplificado. A principios de la década de 1980, una forma comercial de jazz fusión llamada smooth jazz tuvo éxito y obtuvo una importante difusión radiofónica. Otros estilos y géneros abundan en el siglo XXI, como el jazz latino y afrocubano .
El origen de la palabra jazz ha dado lugar a una considerable investigación y su historia está bien documentada. Se cree que está relacionado con jasm , un término del argot que se remonta a 1860 y que significa " pep, energía " . [9] [10] El registro escrito más antiguo de la palabra se encuentra en un artículo de 1912 en Los Angeles Times en el que un lanzador de béisbol de ligas menores describió un lanzamiento al que llamó 'bola de jazz' "porque se tambalea y simplemente puedes hacerlo". No hago nada con eso". [9] [10]
El uso de la palabra en un contexto musical fue documentado ya en 1915 en el Chicago Daily Tribune . [10] [11] Su primer uso documentado en un contexto musical en Nueva Orleans fue en un artículo del Times-Picayune del 14 de noviembre de 1916 sobre "bandas de jas". [12] En una entrevista con National Public Radio , el músico Eubie Blake ofreció sus recuerdos de las connotaciones de jerga del término, diciendo: "Cuando Broadway lo adoptó, lo llamaron 'JAZZ'. No se llamaba así. Era "Se escribe 'JASS'. Eso era sucio, y si supieras lo que es, no lo dirías delante de las mujeres". [13] La Sociedad Americana de Dialectos la nombró la Palabra del siglo XX . [14]
El jazz es difícil de definir porque abarca una amplia gama de música que abarca un período de más de 100 años, desde el ragtime hasta la fusión con rock . Se han realizado intentos de definir el jazz desde la perspectiva de otras tradiciones musicales, como la historia de la música europea o la música africana. Pero el crítico Joachim-Ernst Berendt sostiene que sus términos de referencia y su definición deberían ser más amplios, [15] definiendo el jazz como una "forma de música artística que se originó en los Estados Unidos a través de la confrontación del negro con la música europea" [16]. y argumentando que se diferencia de la música europea en que el jazz tiene una "relación especial con el tiempo definido como 'swing ' ". El jazz implica "una espontaneidad y vitalidad de la producción musical en la que la improvisación juega un papel" y contiene una "sonoridad y una forma de fraseo que reflejan la individualidad del músico de jazz que lo interpreta". [15]
Travis Jackson ha propuesto una definición más amplia que abarca diferentes épocas del jazz: "es música que incluye cualidades como el swing, la improvisación, la interacción grupal, el desarrollo de una 'voz individual' y la apertura a diferentes posibilidades musicales". [17] Krin Gibbard argumentó que "el jazz es una construcción" que designa "una serie de músicas con suficientes puntos en común para ser entendidas como parte de una tradición coherente". [18] Duke Ellington , una de las figuras más famosas del jazz, dijo: "Todo es música". [19]
Aunque el jazz se considera difícil de definir, en parte porque contiene muchos subgéneros, la improvisación es uno de sus elementos definitorios. La centralidad de la improvisación se atribuye a la influencia de formas anteriores de música como el blues , una forma de música folclórica que surgió en parte de las canciones de trabajo y los gritos de campo de los esclavos afroamericanos en las plantaciones. Estas canciones de trabajo comúnmente se estructuraban en torno a un patrón repetitivo de llamada y respuesta , pero los primeros blues también eran improvisados. La interpretación de música clásica se evalúa más por su fidelidad a la partitura musical , prestando menos atención a la interpretación, la ornamentación y el acompañamiento. El objetivo del intérprete clásico es tocar la composición tal como fue escrita. Por el contrario, el jazz suele caracterizarse por ser producto de la interacción y la colaboración, otorgando menos valor a la contribución del compositor, si lo hay, y más al intérprete. [20] El intérprete de jazz interpreta una melodía de manera individual, nunca tocando la misma composición dos veces. Dependiendo del estado de ánimo, la experiencia y la interacción del intérprete con los miembros de la banda o la audiencia, el intérprete puede cambiar melodías, armonías y compases. [21]
En los primeros tiempos del Dixieland , también conocido como jazz de Nueva Orleans, los intérpretes se turnaban para tocar melodías e improvisar contramelodías . En la era del swing de las décadas de 1920 y 1940, las big bands dependían más de arreglos escritos o aprendidos de oído y memorizados. Los solistas improvisaron dentro de estos arreglos. En la era del bebop de la década de 1940, las grandes bandas dieron paso a grupos pequeños y arreglos minimalistas en los que la melodía se expresaba brevemente al principio y la mayor parte de la pieza era improvisada. El jazz modal abandonó las progresiones de acordes para permitir a los músicos improvisar aún más. En muchas formas de jazz, un solista cuenta con el apoyo de una sección rítmica de uno o más instrumentos de cuerdas (piano, guitarra), contrabajo y batería. La sección rítmica toca acordes y ritmos que delinean la estructura de la composición y complementan al solista. [22] En el vanguardismo y el free jazz , la separación entre solista y banda se reduce, y existe una licencia, o incluso un requisito, para el abandono de acordes, escalas y metros.
Desde la aparición del bebop, se han criticado las formas de jazz con orientación comercial o influenciadas por la música popular. Según Bruce Johnson, siempre ha habido una "tensión entre el jazz como música comercial y una forma de arte". [17] Con respecto al resurgimiento del jazz Dixieland de la década de 1940, los músicos negros lo rechazaron por considerarlo un entretenimiento de nostalgia superficial para el público blanco. [23] [24] Por otro lado, los entusiastas del jazz tradicional han descartado el bebop, el free jazz y el jazz fusión como formas de degradación y traición. Una visión alternativa es que el jazz puede absorber y transformar diversos estilos musicales. [25] Al evitar la creación de normas, el jazz permite que surjan estilos de vanguardia. [17]
Para algunos afroamericanos, el jazz ha llamado la atención sobre las contribuciones afroamericanas a la cultura y la historia. Para otros, el jazz es un recordatorio de "una sociedad opresiva y racista y de restricciones a sus visiones artísticas". [26] Amiri Baraka sostiene que existe un género de "jazz blanco" que expresa la blancura . [27] Músicos de jazz blancos aparecieron en el Medio Oeste y en otras áreas de los EE. UU. Papa Jack Laine , que dirigía la banda Reliance en Nueva Orleans en la década de 1910, fue llamado "el padre del jazz blanco". [28] La Original Dixieland Jazz Band , cuyos miembros eran blancos, fue el primer grupo de jazz en grabar, y Bix Beiderbecke fue uno de los solistas de jazz más destacados de la década de 1920. [29] El estilo Chicago fue desarrollado por músicos blancos como Eddie Condon , Bud Freeman , Jimmy McPartland y Dave Tough . Otros de Chicago, como Benny Goodman y Gene Krupa, se convirtieron en miembros destacados del swing durante la década de 1930. [30] Muchas bandas incluían músicos blancos y negros. Estos músicos ayudaron a cambiar las actitudes hacia la raza en los EE. UU. [31]
Las intérpretes y compositoras de jazz han contribuido al jazz a lo largo de su historia. Aunque Betty Carter , Ella Fitzgerald , Adelaide Hall , Billie Holiday , Peggy Lee , Abbey Lincoln , Anita O'Day , Dinah Washington y Ethel Waters fueron reconocidas por su talento vocal, menos familiares fueron los directores de banda, compositores e instrumentistas como la pianista Lil. Hardin Armstrong , la trompetista Valaida Snow y las compositoras Irene Higginbotham y Dorothy Fields . Las mujeres comenzaron a tocar instrumentos de jazz a principios de la década de 1920, obteniendo un reconocimiento particular en el piano. [32]
Cuando los músicos de jazz masculinos fueron reclutados durante la Segunda Guerra Mundial, muchas bandas exclusivamente femeninas los reemplazaron. [32] The International Sweethearts of Rhythm , fundada en 1937, fue una banda popular que se convirtió en la primera banda integrada exclusivamente femenina en los EE. UU. y la primera en viajar con la USO , de gira por Europa en 1945. Las mujeres eran miembros de la grandes bandas de Woody Herman y Gerald Wilson . A partir de la década de 1950, muchas instrumentistas de jazz se destacaron y algunas de ellas mantuvieron largas carreras. Algunos de los improvisadores, compositores y directores de orquesta más distintivos del jazz han sido mujeres. [33] La trombonista Melba Liston es reconocida como la primera trompetista que trabajó en bandas importantes y que tuvo un impacto real en el jazz, no solo como músico sino también como una respetada compositora y arreglista, particularmente a través de sus colaboraciones con Randy Weston de desde finales de los años cincuenta hasta los noventa. [34] [35]
Los judíos estadounidenses desempeñaron un papel importante en el jazz. A medida que el jazz se difundió, se desarrolló para abarcar muchas culturas diferentes, y el trabajo de los compositores judíos en Tin Pan Alley ayudó a dar forma a los diferentes sonidos que el jazz llegó a incorporar. [36]
Los judíos estadounidenses pudieron prosperar en el jazz gracias a la blancura de prueba que se les asignó en ese momento. [37] George Bornstein escribió que los afroamericanos simpatizaban con la difícil situación de los judíos estadounidenses y viceversa. Como minorías privadas de derechos, los compositores judíos de música popular se veían a sí mismos como aliados naturales de los afroamericanos. [38]
The Jazz Singer con Al Jolson es un ejemplo de cómo los judíos estadounidenses pudieron llevar el jazz, música que desarrollaron los afroamericanos, a la cultura popular. [39] Benny Goodman fue un judío estadounidense vital para la progresión del jazz. Goodman era el líder de una banda racialmente integrada llamada King of Swing. Su concierto de jazz en el Carnegie Hall en 1938 fue el primero que se realizó allí. Bruce Eder describió el concierto como "el concierto de jazz o música popular más importante de la historia". [40]
Shep Fields también ayudó a popularizar la música "Sweet" Jazz a través de sus apariciones y transmisiones remotas de Big Band desde lugares emblemáticos como Palmer House de Chicago, Paramount Theatre de Broadway y Starlight Roof en el famoso Hotel Waldorf-Astoria . Entretuvo al público con un estilo musical ligero y elegante que siguió siendo popular entre el público durante casi tres décadas, desde la década de 1930 hasta finales de la de 1950. [41] [42] [43]
El jazz se originó entre finales del siglo XIX y principios del XX. Se desarrolló a partir de muchas formas de música, incluidos blues , espirituales , himnos , marchas , canciones de vodevil , ragtime y música de baile . [44] También incorporó interpretaciones de música clásica estadounidense y europea, entrelazadas con canciones populares africanas y esclavas y las influencias de la cultura de África occidental. [45] Su composición y estilo han cambiado muchas veces a lo largo de los años con la interpretación e improvisación personal de cada intérprete, lo que es también uno de los mayores atractivos del género. [46]
En el siglo XVIII, los esclavos del área de Nueva Orleans se reunían socialmente en un mercado especial, en un área que más tarde se conoció como Congo Square, famosa por sus danzas africanas. [47]
En 1866, la trata de esclavos en el Atlántico había traído a casi 400.000 africanos a América del Norte. [48] Los esclavos procedían en gran parte de África occidental y de la cuenca del río Congo y trajeron consigo fuertes tradiciones musicales. [49] Las tradiciones africanas utilizan principalmente una melodía de una sola línea y un patrón de llamada y respuesta , y los ritmos tienen una estructura contramétrica y reflejan los patrones de habla africanos. [50]
Un relato de 1885 dice que estaban haciendo música extraña (criolla) con una variedad igualmente extraña de "instrumentos": tablas de lavar, tinas, jarras, cajas golpeadas con palos o huesos y un tambor hecho estirando piel sobre un barril de harina. [4] [51]
Los domingos se organizaban fastuosos festivales con bailes africanos con tambores en Place Congo, o Congo Square , en Nueva Orleans hasta 1843. [52] Hay relatos históricos de otras reuniones de música y danza en otras partes del sur de los Estados Unidos. Robert Palmer dijo sobre la música esclava de percusión:
Por lo general, esta música se asociaba con festivales anuales, cuando se recogía la cosecha del año y se reservaban varios días para la celebración. Todavía en 1861, un viajero en Carolina del Norte vio bailarines vestidos con trajes que incluían tocados con cuernos y colas de vaca y escuchó música proporcionada por una "caja de gumbo" cubierta de piel de oveja, aparentemente un tambor de estructura; triángulos y mandíbulas proporcionaban la percusión auxiliar. Hay bastantes [relatos] de los estados del sureste y Luisiana que datan del período 1820-1850. Algunos de los primeros colonos del delta [de Mississippi] procedían de las cercanías de Nueva Orleans, donde nunca se desalentó activamente el uso de tambores durante mucho tiempo y se utilizaron tambores caseros para acompañar los bailes públicos hasta el estallido de la Guerra Civil. [53]
Otra influencia vino del estilo armónico de los himnos de la iglesia, que los esclavos negros habían aprendido e incorporado a su propia música como espirituales . [54] Los orígenes del blues no están documentados, aunque pueden verse como la contraparte secular de los espirituales. Sin embargo, como señala Gerhard Kubik , mientras que los espirituales son homofónicos , el blues rural y el jazz temprano "se basaban en gran medida en conceptos de heterofonía ". [55]
A principios del siglo XIX, un número cada vez mayor de músicos negros aprendieron a tocar instrumentos europeos, en particular el violín, que utilizaban para parodiar la música de baile europea en sus propios bailes . A su vez, los intérpretes de juglares europeo-americanos con la cara negra popularizaron la música a nivel internacional, combinando la síncopa con el acompañamiento armónico europeo. A mediados del siglo XIX, el compositor blanco de Nueva Orleans Louis Moreau Gottschalk adaptó ritmos y melodías de esclavos de Cuba y otras islas del Caribe a música de salón de piano. Nueva Orleans fue el principal nexo entre las culturas afrocaribeña y afroamericana.
Los Códigos Negros prohibieron que los esclavos tocaran tambores, lo que significó que las tradiciones africanas de tocar tambores no se conservaron en América del Norte, a diferencia de Cuba, Haití y otras partes del Caribe. Los patrones rítmicos de origen africano se conservaron en los Estados Unidos en gran parte a través de "ritmos corporales", como pisotear, aplaudir y dar palmaditas en el baile juba . [56]
En opinión del historiador del jazz Ernest Borneman , lo que precedió al jazz de Nueva Orleans antes de 1890 fue la "música afrolatina", similar a la que se tocaba en el Caribe en aquella época. [57] Un patrón de tres tiempos conocido en la música cubana como tresillo es una figura rítmica fundamental que se escucha en muchas músicas de esclavos diferentes del Caribe, así como en las danzas folclóricas afrocaribeñas interpretadas en Nueva Orleans Congo Square y en las composiciones de Gottschalk (por ejemplo “Recuerdos de La Habana” (1859)). Tresillo (que se muestra a continuación) es la célula rítmica de pulso doble más básica y predominante en las tradiciones musicales del África subsahariana y en la música de la diáspora africana . [58] [59]
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Tresillo se escucha de manera destacada en la música de segunda línea de Nueva Orleans y en otras formas de música popular de esa ciudad desde principios del siglo XX hasta el presente. [60] "En general, los patrones rítmicos africanos más simples sobrevivieron en el jazz... porque podían adaptarse más fácilmente a las concepciones rítmicas europeas", observó el historiador del jazz Gunther Schuller . "Algunos sobrevivieron, otros fueron descartados a medida que avanzaba la europeización". [61]
En el período posterior a la Guerra Civil (después de 1865), los afroamericanos pudieron obtener excedentes de bombos, cajas y pífanos militares, y surgió una música afroamericana original de tambores y pífanos, con tresillo y figuras rítmicas sincopadas relacionadas. [62] Esta era una tradición de percusión distinta de sus contrapartes caribeñas, que expresaba una sensibilidad exclusivamente afroamericana. "Los tamborileros y el bombo tocaban ritmos cruzados sincopados", observó el escritor Robert Palmer, especulando que "esta tradición debe haberse remontado a la segunda mitad del siglo XIX, y no podría haberse desarrollado en primer lugar si "No había sido una reserva de sofisticación polirrítmica en la cultura que nutrió". [56]
La música afroamericana comenzó a incorporar motivos rítmicos afrocubanos en el siglo XIX, cuando la habanera ( contradanza cubana ) ganó popularidad internacional. [63] Músicos de La Habana y Nueva Orleans tomaban el ferry dos veces al día entre ambas ciudades para actuar, y la habanera rápidamente echó raíces en la musicalmente fértil Crescent City. John Storm Roberts afirma que el género musical habanera "llegó a Estados Unidos veinte años antes de que se publicara el primer trapo". [64] Durante más de un cuarto de siglo en el que se formaron y desarrollaron el cakewalk , el ragtime y el proto-jazz, la habanera fue una parte constante de la música popular afroamericana. [64]
Las habaneras estuvieron ampliamente disponibles como partituras y fueron la primera música escrita basada rítmicamente en un motivo africano (1803). [65] Desde la perspectiva de la música afroamericana, el "ritmo habanera" (también conocido como "congo"), [65] "tango-congo", [66] o tango . [67] puede considerarse como una combinación de tresillo y backbeat . [68] La habanera fue el primero de muchos géneros musicales cubanos que disfrutaron de períodos de popularidad en los Estados Unidos y reforzaron e inspiraron el uso de ritmos basados en el tresillo en la música afroamericana.
La pieza para piano "Ojos Criollos (Danse Cubaine)" (1860) del nativo de Nueva Orleans Louis Moreau Gottschalk fue influenciada por los estudios del compositor en Cuba: el ritmo de la habanera se escucha claramente en la mano izquierda. [58] : 125 En la obra sinfónica de Gottschalk "Una noche en los trópicos" (1859), la variante del tresillo cinquillo aparece extensamente. [69] La figura fue utilizada más tarde por Scott Joplin y otros compositores de ragtime.
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Comparando la música de Nueva Orleans con la música de Cuba, Wynton Marsalis observa que tresillo es el "clavé" de Nueva Orleans, una palabra española que significa "código" o "llave", como la clave de un rompecabezas o misterio. [70] Aunque el patrón es sólo media clave , Marsalis señala que la figura unicelular es el patrón guía de la música de Nueva Orleans. Jelly Roll Morton llamó a la figura rítmica el tinte español y la consideró un ingrediente esencial del jazz. [71]
La abolición de la esclavitud en 1865 generó nuevas oportunidades para la educación de los afroamericanos liberados. Aunque la estricta segregación limitó las oportunidades laborales para la mayoría de los negros, muchos pudieron encontrar trabajo en el entretenimiento. Los músicos negros pudieron brindar entretenimiento en bailes, espectáculos de juglares y vodevil , tiempo durante el cual se formaron muchas bandas de música. Los pianistas negros tocaban en bares, clubes y burdeles a medida que se desarrollaba el ragtime . [72] [73]
El ragtime apareció como partitura, popularizado por músicos afroamericanos como el artista Ernest Hogan , cuyas exitosas canciones aparecieron en 1895. Dos años más tarde, Vess Ossman grabó un popurrí de estas canciones como solo de banjo conocido como "Rag Time Medley". [74] [75] También en 1897, el compositor blanco William Krell publicó su " Mississippi Rag " como la primera pieza escrita de ragtime instrumental para piano, y Tom Turpin publicó su "Harlem Rag", el primer trapo publicado por un afroamericano.
El pianista de formación clásica Scott Joplin produjo su " Original Rags " en 1898 y, en 1899, tuvo un éxito internacional con " Maple Leaf Rag ", una marcha de ragtime de múltiples acordes con cuatro partes que presentan temas recurrentes y una línea de bajo con abundantes acordes de séptima. . Su estructura fue la base de muchos otros trapos, y las síncopas en la mano derecha, especialmente en la transición entre el primer y el segundo tono, fueron novedosas en su momento. [76] Los últimos cuatro compases de "Maple Leaf Rag" de Scott Joplin (1899) se muestran a continuación.
Patrones rítmicos de base africana como el tresillo y sus variantes, el ritmo de habanera y el cinquillo , se escuchan en las composiciones de ragtime de Joplin y Turpin. " Solace " de Joplin (1909) generalmente se considera dentro del género de la habanera: [77] [78] ambas manos del pianista tocan de forma sincopada, abandonando por completo cualquier sentido de ritmo de marcha . Ned Sublette postula que el ritmo del tresillo/habanera "encontró su camino en el ragtime y el cakewalk", [79] mientras que Roberts sugiere que "la influencia de la habanera puede haber sido parte de lo que liberó a la música negra del bajo europeo del ragtime". [80]
En el noreste de Estados Unidos, se había desarrollado un estilo "caliente" de tocar ragtime, en particular la orquesta sinfónica Clef Club de James Reese Europe en la ciudad de Nueva York, que tocó un concierto benéfico en el Carnegie Hall en 1912. [81] [82 ] El estilo rag de Baltimore de Eubie Blake influyó en el desarrollo de James P. Johnson de tocar el piano con zancadas , en el que la mano derecha toca la melodía, mientras que la mano izquierda proporciona el ritmo y la línea de bajo. [83]
En Ohio y en otras partes del Medio Oeste, la principal influencia fue el ragtime, hasta aproximadamente 1919. Alrededor de 1912, cuando aparecieron el banjo de cuatro cuerdas y el saxofón, los músicos comenzaron a improvisar la línea melódica, pero la armonía y el ritmo permanecieron sin cambios. Un relato contemporáneo afirma que el blues sólo se podía escuchar en el jazz en los cabarets de tripas, que generalmente eran menospreciados por la clase media negra. [84]
Blues es el nombre que se le da tanto a una forma musical como a un género musical, [85] que se originó en las comunidades afroamericanas principalmente del sur profundo de los Estados Unidos a finales del siglo XIX a partir de sus espirituales , canciones de trabajo y gritos de campo. , gritos y cánticos y baladas narrativas sencillas rimadas . [86]
El uso africano de escalas pentatónicas contribuyó al desarrollo de las notas azules en el blues y el jazz. [87] Como explica Kubik:
Muchos de los blues rurales del sur profundo son estilísticamente una extensión y fusión de básicamente dos amplias tradiciones de estilos de canciones acompañadas en el cinturón centro-occidental de Sudán:
- Un estilo de canción fuertemente árabe/islámico, como el que se encuentra, por ejemplo, entre los hausa . Se caracteriza por melisma, entonación ondulada, inestabilidades tonales dentro de un marco pentatónico y voz declamatoria.
- Un antiguo estrato de composición de canciones pentatónicas del centro oeste de Sudán, a menudo asociado con ritmos de trabajo simples en una métrica regular, pero con notables acentos fuera de compás. [88]
WC Handy se interesó por el folk blues del sur profundo mientras viajaba por el delta del Mississippi. En esta forma de folk blues, el cantante improvisaba libremente dentro de un rango melódico limitado, sonando como un grito de campo, y el acompañamiento de guitarra era abofeteado en lugar de rasgueado, como un pequeño tambor que respondía con acentos sincopados, funcionando como otra "voz". [89] Handy y los miembros de su banda eran músicos afroamericanos formados formalmente que no habían crecido con el blues, sin embargo, pudo adaptar el blues a un formato de instrumento de banda más grande y organizarlos en una forma de música popular.
Handy escribió sobre su adopción del blues:
El primitivo negro del sur, mientras cantaba, seguramente presionaría el tercer y séptimo tono de la escala, arrastrando las palabras entre mayor y menor. Ya fuera en el campo algodonero del Delta o en el dique que sube por St. Louis, siempre era lo mismo. Hasta entonces, sin embargo, nunca había oído ese insulto utilizado por un negro más sofisticado, ni por ningún hombre blanco. Intenté transmitir este efecto... introduciendo terceras y séptimas bemoles (ahora llamadas notas azules) en mi canción, aunque la tonalidad predominante era mayor..., y también llevé este recurso a mi melodía. [90]
La publicación de su partitura " Memphis Blues " en 1912 introdujo el blues de 12 compases en el mundo (aunque Gunther Schuller sostiene que no es realmente un blues, sino "más bien un juego de niños"). [91] Esta composición, así como su posterior " St. Louis Blues " y otras, incluían el ritmo de habanera, [92] y se convertirían en estándares del jazz . La carrera musical de Handy comenzó en la era anterior al jazz y contribuyó a la codificación del jazz mediante la publicación de algunas de las primeras partituras de jazz.
La música de Nueva Orleans , Luisiana , tuvo un profundo efecto en la creación del jazz temprano. En Nueva Orleans, los esclavos podían practicar elementos de su cultura como el vudú y tocar la batería. [93] Muchos de los primeros músicos de jazz tocaron en los bares y burdeles del barrio rojo alrededor de Basin Street llamado Storyville . [94] Además de las bandas de baile, había bandas de música que tocaban en lujosos funerales (más tarde llamados funerales de jazz ). Los instrumentos utilizados por las bandas de música y de baile se convirtieron en los instrumentos del jazz: metales, tambores y lengüetas afinados en la escala europea de 12 tonos. Las bandas pequeñas contenían una combinación de músicos autodidactas y con educación formal, muchos de ellos de la tradición de las procesiones fúnebres. Estas bandas viajaban en comunidades negras del sur profundo. A partir de 1914, músicos criollos y afroamericanos de Luisiana tocaron en espectáculos de vodevil que llevaron el jazz a ciudades del norte y oeste de los EE. UU. [95] El jazz se hizo internacional en 1914, cuando la Creole Band con el cornetista Freddie Keppard interpretó por primera vez Concierto de jazz fuera de Estados Unidos, en el Pantages Playhouse Theatre de Winnipeg , Canadá . [96]
En Nueva Orleans, un director de banda blanco llamado Papa Jack Laine integró blancos y negros en su banda de música. Era conocido como "el padre del jazz blanco" debido a los muchos músicos de primer nivel que empleaba, como George Brunies , Sharkey Bonano y futuros miembros de la Original Dixieland Jass Band . A principios del siglo XX, el jazz se interpretaba principalmente en comunidades afroamericanas y mulatas debido a las leyes de segregación. Storyville llevó el jazz a un público más amplio a través de los turistas que visitaron la ciudad portuaria de Nueva Orleans. [97] Muchos músicos de jazz de comunidades afroamericanas fueron contratados para actuar en bares y burdeles. Entre ellos se encontraban Buddy Bolden y Jelly Roll Morton , además de los de otras comunidades, como Lorenzo Tio y Alcide Nunez . Louis Armstrong comenzó su carrera en Storyville [98] y encontró el éxito en Chicago. Storyville fue cerrado por el gobierno de Estados Unidos en 1917. [99]
El cornetista Buddy Bolden tocó en Nueva Orleans de 1895 a 1906. No existen grabaciones suyas. A su banda se le atribuye la creación de los cuatro grandes: el primer patrón de bombo sincopado que se desvía de la marcha estándar al ritmo. [100] Como muestra el siguiente ejemplo, la segunda mitad del patrón de los cuatro grandes es el ritmo de habanera.
El pianista afrocriollo Jelly Roll Morton comenzó su carrera en Storyville. A partir de 1904, realizó giras con espectáculos de vodevil por ciudades del sur, Chicago y Nueva York. En 1905, compuso " Jelly Roll Blues ", que se convirtió en el primer arreglo de jazz impreso cuando se publicó en 1915. Introdujo a más músicos al estilo de Nueva Orleans. [101]
Morton consideró el tresillo/habanera, al que llamó el tinte español , un ingrediente esencial del jazz. [102] "Ahora, en una de mis primeras canciones, "New Orleans Blues", puedes notar el matiz español. De hecho, si no logras poner matices de español en tus melodías, nunca podrás lograrlo. Yo lo llamo el condimento adecuado para el jazz". [71]
A continuación se muestra un extracto de "New Orleans Blues". En el extracto, la mano izquierda toca el ritmo del tresillo, mientras que la mano derecha toca variaciones del cinquillo.
Morton fue un innovador crucial en la evolución desde la forma temprana del jazz conocida como ragtime hasta el piano de jazz , y podía interpretar piezas en cualquiera de los estilos; En 1938, Morton realizó una serie de grabaciones para la Biblioteca del Congreso en las que demostró la diferencia entre los dos estilos. Los solos de Morton, sin embargo, todavía estaban cerca del ragtime y no eran meras improvisaciones sobre cambios de acordes como en el jazz posterior, pero su uso del blues fue de igual importancia.
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Morton aflojó el rígido sentimiento rítmico del ragtime, disminuyendo sus adornos y empleando un sentimiento de swing . [103] El swing es la técnica rítmica africana más importante y duradera utilizada en el jazz. Una definición de swing de Louis Armstrong citada con frecuencia es: "si no lo sientes, nunca lo sabrás". [104] El Nuevo Diccionario de Música de Harvard afirma que el swing es: "Un impulso rítmico intangible en el jazz... El swing desafía el análisis; las afirmaciones sobre su presencia pueden inspirar argumentos". No obstante, el diccionario proporciona una descripción útil de las subdivisiones triples del tiempo en contraste con las subdivisiones dobles: [105] swing superpone seis subdivisiones del tiempo sobre una estructura de pulso básica o cuatro subdivisiones. Este aspecto del swing prevalece mucho más en la música afroamericana que en la música afrocaribeña. Un aspecto del swing, que se escucha en músicas de la diáspora más rítmicamente complejas, coloca los golpes entre las "cuadrículas" de pulso triple y doble. [106]
Las bandas de música de Nueva Orleans son una influencia duradera, ya que aportan a los trompetistas al mundo del jazz profesional el sonido distintivo de la ciudad y, al mismo tiempo, ayudan a los niños negros a escapar de la pobreza. El líder de la Camelia Brass Band de Nueva Orleans , D'Jalma Ganier, enseñó a Louis Armstrong a tocar la trompeta; Armstrong luego popularizaría el estilo de tocar la trompeta de Nueva Orleans y luego lo ampliaría. Al igual que Jelly Roll Morton, a Armstrong también se le atribuye el abandono de la rigidez del ragtime en favor de notas swing. Armstrong, quizás más que cualquier otro músico, codificó la técnica rítmica del swing en el jazz y amplió el vocabulario del solista de jazz. [107]
La Original Dixieland Jass Band hizo las primeras grabaciones de la música a principios de 1917, y su " Livery Stable Blues " se convirtió en el primer disco de jazz publicado. [108] [109] [110] [111] [112] [113] [114] Ese año, muchas otras bandas hicieron grabaciones con "jazz" en el título o nombre de la banda, pero la mayoría eran discos de ragtime o novedosos en lugar de jazz. . En febrero de 1918, durante la Primera Guerra Mundial, la banda de infantería "Hellfighters" de James Reese Europe llevó el ragtime a Europa, [115] [116] y luego, a su regreso, grabaron estándares de Dixieland, incluido " Darktown Strutters' Ball ". [81]
De 1920 a 1933, la Prohibición en los Estados Unidos prohibió la venta de bebidas alcohólicas, lo que dio lugar a bares clandestinos ilícitos que se convirtieron en lugares animados de la "Era del Jazz", presentando música popular, canciones de baile, canciones novedosas y melodías de espectáculos. El jazz comenzó a adquirir reputación de inmoral y muchos miembros de las generaciones mayores lo vieron como una amenaza a los viejos valores culturales al promover los valores decadentes de los locos años 20. Henry van Dyke de la Universidad de Princeton escribió: "... no es música en absoluto. Es simplemente una irritación de los nervios del oído, una provocación sensual de las cuerdas de la pasión física". [117] El New York Times informó que los aldeanos siberianos usaban jazz para ahuyentar a los osos, pero los aldeanos habían usado ollas y sartenes; Otra historia afirmaba que el infarto mortal de un célebre director de orquesta fue causado por el jazz. [117]
En 1919, la Original Creole Jazz Band de Kid Ory, formada por músicos de Nueva Orleans, comenzó a tocar en San Francisco y Los Ángeles, donde en 1922 se convirtió en la primera banda de jazz negra de origen de Nueva Orleans en realizar grabaciones. [118] [119] Durante el mismo año, Bessie Smith hizo sus primeras grabaciones. [120] Chicago estaba desarrollando " Hot Jazz ", y King Oliver se unió a Bill Johnson . Bix Beiderbecke formó The Wolverines en 1924.
A pesar de sus orígenes negros sureños, había un mercado más grande para la música de baile de jazz interpretada por orquestas blancas. En 1918, Paul Whiteman y su orquesta se convirtieron en un éxito en San Francisco. Firmó un contrato con Victor y se convirtió en el principal director de orquesta de la década de 1920, dándole al hot jazz un componente blanco, contratando a músicos blancos como Bix Beiderbecke , Jimmy Dorsey , Tommy Dorsey , Frankie Trumbauer y Joe Venuti . En 1924, Whiteman encargó Rhapsody in Blue de George Gershwin , que fue estrenada por su orquesta. El jazz comenzó a ser reconocido como una forma musical notable. Olin Downes , reseñando el concierto en The New York Times , escribió: "Esta composición muestra un talento extraordinario, ya que muestra a un joven compositor con objetivos que van mucho más allá de los de su calaña, luchando con una forma de la que está lejos de ser maestro". ... A pesar de todo esto, se ha expresado de una forma significativa y, en general, muy original... Su primer tema... no es una simple melodía de baile... es una idea, o varias ideas, correlacionadas y combinadas en ritmos variados y contrastantes que inmediatamente intrigan al oyente". [121]
Después de que la banda de Whiteman realizó una exitosa gira por Europa, enormes orquestas de jazz de moda en los fosos de los teatros se hicieron populares con otros blancos, incluidos Fred Waring , Jean Goldkette y Nathaniel Shilkret . Según Mario Dunkel, el éxito de Whiteman se basó en una "retórica de la domesticación" según la cual había elevado y hecho valioso (léase "blanco") un tipo de música previamente incipiente (léase "negro"). [122]
El éxito de Whiteman hizo que los artistas negros siguieran su ejemplo, entre ellos Earl Hines (que abrió en The Grand Terrace Cafe en Chicago en 1928), Duke Ellington (que abrió en el Cotton Club en Harlem en 1927), Lionel Hampton , Fletcher Henderson , Claude Hopkins , y Don Redman , con Henderson y Redman desarrollando la fórmula de "hablar entre ellos" para la música swing "caliente". [123]
En 1924, Louis Armstrong se unió a la banda de baile Fletcher Henderson durante un año, como solista destacado. En 1924, Guy Lombardo también formó en Canadá una de las grandes bandas de "Sweet Jazz" favoritas de Armstrong . Su Royal Canadians Orchestra se especializó en interpretaciones de "la música más dulce de este lado del cielo" que trascendió las fronteras raciales. [124] [125] El estilo original de Nueva Orleans era polifónico, con variación temática e improvisación colectiva simultánea. Armstrong era un maestro del estilo de su ciudad natal, pero cuando se unió a la banda de Henderson, ya era un pionero en una nueva fase del jazz, con énfasis en los arreglos y los solistas. Los solos de Armstrong fueron mucho más allá del concepto de improvisación temática y improvisaron con acordes, en lugar de melodías. Según Schuller, en comparación, los solos de los compañeros de banda de Armstrong (incluido un joven Coleman Hawkins ), sonaban "rígidos, pesados", con "ritmos entrecortados y una calidad de tono gris poco distinguida". [126] El siguiente ejemplo muestra un breve extracto de la melodía directa de "Mandy, Make Up Your Mind" de George W. Meyer y Arthur Johnston (arriba), comparada con las improvisaciones solistas de Armstrong (abajo) (grabadas en 1924). [127] Los solos de Armstrong fueron un factor importante para hacer del jazz un verdadero lenguaje del siglo XX. Después de dejar el grupo de Henderson, Armstrong formó su banda Hot Five , donde popularizó el canto scat . [128]
La década de 1930 perteneció a las populares big bands de swing , en las que algunos solistas virtuosos se hicieron tan famosos como los líderes de la banda. Las figuras clave en el desarrollo de la "gran" banda de jazz incluyeron a los directores y arreglistas Count Basie , Cab Calloway , Jimmy y Tommy Dorsey , Duke Ellington , Benny Goodman , Fletcher Henderson , Earl Hines , Harry James , Jimmie Lunceford , Glenn Miller y Artie Shaw . Aunque era un sonido colectivo, el swing también ofrecía a los músicos individuales la oportunidad de hacer "solos" e improvisar solos melódicos y temáticos que a veces podían ser música compleja y "importante".
Con el tiempo, las restricciones sociales relativas a la segregación racial comenzaron a relajarse en Estados Unidos: los directores de orquesta blancos comenzaron a reclutar músicos negros y los directores de orquesta negros, blancos. A mediados de la década de 1930, Benny Goodman contrató al pianista Teddy Wilson , al vibrafonista Lionel Hampton y al guitarrista Charlie Christian para unirse a pequeños grupos. En la década de 1930, el Kansas City Jazz, ejemplificado por el saxofonista tenor Lester Young, marcó la transición de las big bands a la influencia del bebop de la década de 1940. Un estilo de principios de la década de 1940 conocido como "jumping the blues" o jump blues utilizaba pequeños combos, música rápida y progresiones de acordes de blues, basándose en el boogie-woogie de la década de 1930.
Mientras el swing alcanzaba la cima de su popularidad, Duke Ellington pasó finales de los años 1920 y 1930 desarrollando un lenguaje musical innovador para su orquesta. Abandonando las convenciones del swing, experimentó con sonidos orquestales, armonía y formas musicales con composiciones complejas que todavía se traducían bien para el público popular; algunas de sus canciones se convirtieron en éxitos y su popularidad se extendió desde Estados Unidos hasta Europa. [129]
Ellington llamó a su música música americana , en lugar de jazz , y le gustaba describir a quienes lo impresionaban como "más allá de toda categoría". [130] Estos incluían a muchos músicos de su orquesta, algunos de los cuales están considerados entre los mejores del jazz por derecho propio, pero fue Ellington quien los fusionó en una de las orquestas de jazz más populares de la historia del jazz. A menudo compuso para el estilo y las habilidades de estos individuos, como "Jeep's Blues" para Johnny Hodges , "Concerto for Cootie" para Cootie Williams (que más tarde se convirtió en " Do Nothing Till You Hear from Me " con letra de Bob Russell ). y "The Mooche" de Tricky Sam Nanton y Bubber Miley . También grabó composiciones escritas por los miembros de su banda, como " Caravana " y " Perdido " de Juan Tizol , que trajeron el "tinte español" al jazz de big band. Varios miembros de la orquesta permanecieron con él durante varias décadas. La banda alcanzó un pico creativo a principios de la década de 1940, cuando Ellington y un pequeño grupo cuidadosamente seleccionado de sus compositores y arreglistas escribieron para una orquesta de voces distintivas que mostraban una tremenda creatividad. [131]
Como sólo se publicó en Europa un número limitado de discos de jazz estadounidense, el jazz europeo tiene muchas de sus raíces en artistas estadounidenses como James Reese Europe, Paul Whiteman y Lonnie Johnson , que visitaron Europa durante y después de la Primera Guerra Mundial. actuaciones en vivo que inspiraron el interés del público europeo por el jazz, así como el interés por todo lo americano (y por lo tanto exótico) que acompañó los problemas económicos y políticos de Europa durante esta época. [132] Los inicios de un estilo europeo distinto de jazz comenzaron a surgir en este período de entreguerras.
El jazz británico comenzó con una gira de la Original Dixieland Jazz Band en 1919 . En 1926, Fred Elizalde y sus estudiantes universitarios de Cambridge comenzaron a transmitir en la BBC. A partir de entonces, el jazz se convirtió en un elemento importante en muchas de las principales orquestas de danza y los instrumentistas de jazz se hicieron numerosos. [133]
Este estilo entró en pleno apogeo en Francia con el Quintette du Hot Club de France , que comenzó en 1934. Gran parte de este jazz francés era una combinación de jazz afroamericano y los estilos sinfónicos en los que los músicos franceses estaban bien formados; En esto, es fácil ver la inspiración de Paul Whiteman ya que su estilo también era una fusión de los dos. [134] El guitarrista belga Django Reinhardt popularizó el jazz gitano , una mezcla de swing americano de los años 30, " musette " de salón de baile francés y folk de Europa del Este con un sentimiento lánguido y seductor; los instrumentos principales eran la guitarra de cuerdas de acero, el violín y el contrabajo. Los solos pasan de un intérprete a otro mientras la guitarra y el bajo forman la sección rítmica. Algunos investigadores creen que Eddie Lang y Joe Venuti fueron pioneros en la asociación guitarra-violín característica del género, [135] que llegó a Francia después de haber sido escuchados en vivo o en Okeh Records a fines de la década de 1920. [136]
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El estallido de la Segunda Guerra Mundial marcó un punto de inflexión para el jazz. El jazz de la era del swing de la década anterior había desafiado a otras músicas populares como representativas de la cultura de la nación, y las grandes bandas alcanzaron la cima del éxito del estilo a principios de la década de 1940; actos de swing y big bands viajaron con militares estadounidenses al extranjero, a Europa, donde también se hizo popular. [137] En Estados Unidos, sin embargo, la guerra presentó dificultades para el formato de big band: el servicio militar obligatorio acortó el número de músicos disponibles; la necesidad militar de goma laca (comúnmente utilizada para prensar discos de gramófono ) limitó la producción de discos; la escasez de caucho (también debido al esfuerzo de guerra) disuadió a las bandas de realizar giras por carretera; y una demanda del sindicato de músicos para que se prohibiera la grabación comercial y se limitara la distribución de música entre 1942 y 1944. [138]
Muchas de las grandes bandas que se vieron privadas de músicos experimentados debido al esfuerzo de guerra comenzaron a reclutar músicos jóvenes que no tenían la edad para el servicio militar obligatorio, como fue el caso del saxofonista Stan Getz cuando entró en una banda cuando era adolescente. [139] Esto coincidió con un resurgimiento a nivel nacional del estilo Dixieland de jazz anterior al swing; Artistas como el clarinetista George Lewis , el cornetista Bill Davison y el trombonista Turk Murphy fueron aclamados por los críticos de jazz conservadores como más auténticos que las big bands. [138] En otros lugares, con las limitaciones de la grabación, pequeños grupos de jóvenes músicos desarrollaron un estilo de jazz más dinámico e improvisado, [137] colaborando y experimentando con nuevas ideas para el desarrollo melódico, el lenguaje rítmico y la sustitución armónica , durante sesiones informales y tardías. -Sesiones improvisadas nocturnas organizadas en pequeños clubes y apartamentos. Las figuras clave de este desarrollo residían en gran medida en Nueva York e incluían a los pianistas Thelonious Monk y Bud Powell , los bateristas Max Roach y Kenny Clarke , el saxofonista Charlie Parker y el trompetista Dizzy Gillespie . [138] Este desarrollo musical se conoció como bebop . [137]
El bebop y los desarrollos posteriores del jazz de posguerra presentaron un conjunto más amplio de notas , tocadas en patrones más complejos y a tempos más rápidos que el jazz anterior. [139] Según Clive James , el bebop fue "el desarrollo musical de la posguerra que intentó garantizar que el jazz ya no fuera el sonido espontáneo de la alegría... Los estudiosos de las relaciones raciales en Estados Unidos están generalmente de acuerdo en que los exponentes del bebop El jazz de guerra estaba decidido, con razón, a presentarse como artistas desafiantes en lugar de artistas mansos". [140] El final de la guerra marcó "un resurgimiento del espíritu de experimentación y pluralismo musical bajo el cual había sido concebido", junto con "el comienzo de un declive en la popularidad de la música jazz en Estados Unidos", según el académico estadounidense Michael H. Burchett. [137]
Con el auge del bebop y el fin de la era del swing después de la guerra, el jazz perdió su prestigio como música pop . Los vocalistas de las famosas big bands pasaron a ser comercializados y actuar como cantantes pop solistas; entre ellos se encontraban Frank Sinatra , Peggy Lee , Dick Haymes y Doris Day . [139] Los músicos mayores que todavía interpretaban su jazz de antes de la guerra, como Armstrong y Ellington, fueron gradualmente vistos en la corriente principal como pasados de moda. Otros intérpretes más jóvenes, como el cantante Big Joe Turner y el saxofonista Louis Jordan , que se sintieron desanimados por la creciente complejidad del bebop, buscaron proyectos más lucrativos en el ritmo y el blues, el jump blues y, finalmente, el rock and roll . [137] Algunos, incluido Gillespie, compusieron piezas intrincadas pero bailables para músicos de bebop en un esfuerzo por hacerlas más accesibles, pero el bebop permaneció en gran medida al margen del alcance del público estadounidense. "La nueva dirección del jazz de posguerra obtuvo una gran cantidad de elogios de la crítica, pero su popularidad disminuyó constantemente a medida que desarrolló una reputación como un género académico que era en gran medida inaccesible para el público general", dijo Burchett. "La búsqueda de hacer que el jazz sea más relevante para el público popular, manteniendo al mismo tiempo su integridad artística, es un tema constante y prevalente en la historia del jazz de posguerra". [137] Durante su período de swing, el jazz había sido una escena musical sencilla; Según Paul Trynka , esto cambió en los años de la posguerra:
De repente, el jazz ya no era sencillo. Hubo bebop y sus variantes, hubo el último suspiro del swing, hubo nuevas y extrañas mezclas como el jazz progresivo de Stan Kenton , y hubo un fenómeno completamente nuevo llamado revivalismo: el redescubrimiento del jazz del pasado, ya sea en discos antiguos. o interpretado en vivo por jugadores veteranos recuperados del retiro. A partir de ahora no servía de nada decir que te gustaba el jazz, había que especificar qué tipo de jazz. Y así ha sido desde entonces, sólo que más. Hoy en día, la palabra "jazz" prácticamente no tiene sentido sin una definición adicional. [139]
A principios de la década de 1940, los intérpretes de estilo bebop comenzaron a trasladar el jazz de una música popular bailable a una "música de músico" más desafiante. Los músicos de bebop más influyentes incluyeron al saxofonista Charlie Parker, los pianistas Bud Powell y Thelonious Monk , los trompetistas Dizzy Gillespie y Clifford Brown , y el baterista Max Roach . Al divorciarse de la música dance, el bebop se estableció más como una forma de arte, disminuyendo así su potencial atractivo popular y comercial.
El compositor Gunther Schuller escribió: "En 1943 escuché a la gran banda de Earl Hines, que tenía a Bird y a todos esos otros grandes músicos. Tocaban todos los acordes de quinta bemol y todas las armonías y sustituciones modernas y Dizzy Gillespie toca en la sección de trompeta. "Trabajo. Dos años más tarde leí que eso era el 'bop' y el comienzo del jazz moderno... pero la banda nunca hizo grabaciones". [141]
Dizzy Gillespie escribió: "La gente habla de que la banda Hines es 'la incubadora del bop' y que los principales exponentes de esa música terminaron en la banda Hines. Pero la gente también tiene la impresión errónea de que la música era nueva. No lo era. La música evolucionó a partir de lo que había antes. Era la misma música básica. La diferencia estaba en cómo llegabas de aquí a aquí... naturalmente, cada época tiene su propia mierda". [142]
Dado que el bebop estaba destinado a ser escuchado, no bailado, podía utilizar tempos más rápidos. La batería cambió a un estilo más esquivo y explosivo, en el que el platillo ride se usaba para mantener el ritmo mientras que la caja y el bombo se usaban para acentuar. Esto dio lugar a una música muy sincopada con una complejidad rítmica lineal. [143]
Los músicos de bebop emplearon varios dispositivos armónicos que antes no eran típicos del jazz, participando en una forma más abstracta de improvisación basada en acordes. Las escalas Bebop son escalas tradicionales con una nota de paso cromática añadida; [144] bebop también utiliza acordes "de paso", acordes sustitutos y acordes alterados . Se introdujeron nuevas formas de cromatismo y disonancia en el jazz, y el intervalo de tritono disonante (o "quinta bemol") se convirtió en el "intervalo más importante del bebop" [145]. Las progresiones de acordes para las melodías de bebop a menudo se tomaban directamente de melodías populares de la era del swing. y reutilizado con una melodía nueva y más compleja o rearmonizado con progresiones de acordes más complejas para formar nuevas composiciones, una práctica que ya estaba bien establecida en el jazz anterior, pero que llegó a ser central en el estilo bebop. Bebop hizo uso de varias progresiones de acordes relativamente comunes, como el blues (en la base, I–IV–V, pero a menudo con movimiento ii–V) y " cambios de ritmo " (I-vi-ii-V): los acordes para el estándar pop de los años 30 " I Got Rhythm ". El bop tardío también avanzó hacia formas extendidas que representaron un alejamiento del pop y las melodías de espectáculos.
El desarrollo armónico en el bebop a menudo se remonta a un momento experimentado por Charlie Parker mientras interpretaba "Cherokee" en Uptown House de Clark Monroe , Nueva York, a principios de 1942. "Me estaba aburriendo de los cambios estereotipados que se estaban utilizando. ...y seguí pensando que seguramente habría algo más. A veces podía escucharlo. No podía tocarlo... Estaba trabajando en 'Cherokee' y, mientras lo hacía, descubrí que al usar los intervalos más altos "Con un acorde como línea melódica y respaldándolo con cambios apropiadamente relacionados, pude tocar lo que había estado escuchando. Cobró vida". [146] Gerhard Kubik postula que el desarrollo armónico en el bebop surgió del blues y de sensibilidades tonales relacionadas con África en lugar de la música clásica occidental del siglo XX. "Las inclinaciones auditivas fueron el legado africano en la vida [de Parker], reconfirmado por la experiencia del sistema tonal del blues, un mundo sonoro en desacuerdo con las categorías de acordes diatónicos occidentales. Los músicos de bebop eliminaron la armonía funcional de estilo occidental en su música, conservando al mismo tiempo la fuerte tonalidad central del blues como base para recurrir a diversas matrices africanas". [146]
Samuel Floyd afirma que el blues fue a la vez la base y la fuerza propulsora del bebop, generando una nueva concepción armónica utilizando estructuras de acordes extendidas que condujeron a una variedad armónica y melódica sin precedentes, una complejidad rítmica lineal desarrollada y aún más altamente sincopada y una angularidad melódica en la cual la nota azul del quinto grado se estableció como un importante recurso melódico-armónico; y restablecimiento del blues como principio organizativo y funcional primario. [143] Kubik escribió:
Mientras que para un observador externo las innovaciones armónicas en el bebop parecerían estar inspiradas en experiencias de la música "seria" occidental, desde Claude Debussy hasta Arnold Schoenberg , tal esquema no puede sustentarse en la evidencia procedente de un enfoque cognitivo. Claude Debussy tuvo cierta influencia en el jazz, por ejemplo, en la forma de tocar el piano de Bix Beiderbecke. Y también es cierto que Duke Ellington adoptó y reinterpretó algunos recursos armónicos de la música contemporánea europea. El jazz de la costa oeste se endeudaría al igual que varias formas de cool jazz, pero el bebop apenas tiene deudas en el sentido de préstamos directos. Por el contrario, ideológicamente, el bebop fue una fuerte declaración de rechazo a cualquier tipo de eclecticismo, impulsada por el deseo de activar algo profundamente enterrado en uno mismo. Luego, Bebop revivió ideas tonal-armónicas transmitidas a través del blues y reconstruyó y expandió otras en un enfoque armónico básicamente no occidental. El significado último de todo esto es que los experimentos del jazz durante la década de 1940 trajeron de vuelta a la música afroamericana varios principios estructurales y técnicas arraigados en las tradiciones africanas. [147]
Estas divergencias con la corriente principal del jazz de la época encontraron una respuesta dividida, a veces hostil, entre los fanáticos y los músicos, especialmente los músicos de swing que se enfadaban ante los nuevos sonidos armónicos. Para los críticos hostiles, el bebop parecía estar lleno de "frases aceleradas y nerviosas". [148] Pero a pesar de la fricción, en la década de 1950 el bebop se había convertido en una parte aceptada del vocabulario del jazz.
El consenso general entre músicos y musicólogos es que la primera pieza original de jazz que se basó abiertamente en clave fue "Tanga" (1943), compuesta por el cubano Mario Bauza y grabada por Machito y sus afrocubanos en la ciudad de Nueva York. "Tanga" comenzó como una descarga espontánea (jam session cubana), con solos de jazz superpuestos. [149]
Este fue el nacimiento del jazz afrocubano . El uso de la clave introdujo la línea de tiempo africana , o patrón clave , en el jazz. La música organizada en torno a patrones clave transmite una estructura bicelular (binaria), que es un nivel complejo de ritmo cruzado africano . [150] En el contexto del jazz, sin embargo, la armonía es el referente principal, no el ritmo. La progresión armónica puede comenzar en cualquier lado de la clave, y el "uno" armónico siempre se entiende como "uno". Si la progresión comienza en el "lado tres" de la clave, se dice que está en la clave 3-2 (que se muestra a continuación). Si la progresión comienza en el "lado doble", es en clave 2-3 . [151]
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Mario Bauzá presentó al innovador del bebop Dizzy Gillespie al baterista y compositor de conga cubano Chano Pozo . La breve colaboración de Gillespie y Pozo produjo algunos de los estándares del jazz afrocubano más duraderos. " Manteca " (1947) es el primer estándar de jazz basado rítmicamente en clave. Según Gillespie, Pozo compuso los guajeos contrapuntísticos en capas ( ostinatos afrocubanos ) de la sección A y la introducción, mientras que Gillespie escribió el puente. Gillespie relató: "Si lo hubiera dejado ir como [Chano] quería, habría sido estrictamente afrocubano en todo momento. No habría habido un puente. Pensé que estaba escribiendo un puente de ocho compases, pero... tuve que seguir adelante y terminé escribiendo un puente de dieciséis compases." [152] El puente le dio a "Manteca" una estructura armónica típica del jazz, diferenciando la pieza del modal "Tanga" de Bauzá de unos años antes.
La colaboración de Gillespie con Pozo introdujo en el bebop ritmos africanos específicos. Si bien traspasó los límites de la improvisación armónica, el cu-bop también se basó en el ritmo africano. Los arreglos de jazz con una sección latina A y una sección B con swing, con todos los coros con swing durante los solos, se convirtieron en una práctica común con muchas melodías latinas del repertorio estándar de jazz. Este enfoque se puede escuchar en grabaciones anteriores a 1980 de "Manteca", " A Night in Tunisia ", "Tin Tin Deo" y " On Green Dolphin Street ".
Otra composición de jazz fundamental para el desarrollo del jazz afrocubano fue " Un Poco Loco " de Bud Powell, grabada con Curley Russell al bajo y Max Roach a la batería. Conocida por su "energía frenética" y su "cencerro resonante y acompañamiento polirrítmico", [153] la composición combinó el ritmo afrocubano con la politonalidad y precedió al uso posterior de la modalidad y la armonía de vanguardia en el jazz latino. [154]
El percusionista cubano Mongo Santamaría grabó por primera vez su composición " Afro Blue " en 1959. [155] "Afro Blue" fue el primer estándar de jazz construido sobre un ritmo cruzado
típico africano de tres contra dos (3:2) , o hemiola . [156] La pieza comienza con el bajo tocando repetidamente 6 tiempos cruzados por cada compás de12
8, o 6 tiempos cruzados por 4 tiempos principales: 6:4 (dos celdas de 3:2).
El siguiente ejemplo muestra la línea de bajo ostinato "Afro Blue" original. Las cabezas de nota cruzadas indican los tiempos principales (no las notas de bajo).
Cuando John Coltrane versionó "Afro Blue" en 1963, invirtió la jerarquía métrica, interpretando la melodía como una3
4Vals de jazz con tiempos cruzados dobles superpuestos (2:3). Originalmente un blues pentatónico en Si ♭ , Coltrane amplió la estructura armónica de "Afro Blue".
Quizás el grupo de jazz afrocubano más respetado de finales de los años cincuenta fue la banda del vibrafonista Cal Tjader . Tjader contó con Mongo Santamaría , Armando Peraza y Willie Bobo en sus primeras fechas de grabación.
A finales de la década de 1940, hubo un resurgimiento de Dixieland , que se remonta al estilo contrapuntístico de Nueva Orleans. Esto fue impulsado en gran parte por las reediciones de clásicos del jazz de las bandas de Oliver, Morton y Armstrong de la década de 1930 por parte de las compañías discográficas. Hubo dos tipos de músicos involucrados en el resurgimiento: el primer grupo estaba formado por aquellos que habían comenzado su carrera tocando en el estilo tradicional y regresaban a él (o continuaban con lo que habían estado tocando desde siempre), como Bob Crosby. Bobcats, Max Kaminsky , Eddie Condon y Wild Bill Davison . [157] La mayoría de estos músicos eran originalmente del Medio Oeste, aunque hubo un pequeño número de músicos de Nueva Orleans involucrados. El segundo grupo de revivalistas estaba formado por músicos más jóvenes, como los de la banda Lu Watters , Conrad Janis y Ward Kimball y su Firehouse Five Plus Two Jazz Band. A finales de la década de 1940, la banda Allstars de Louis Armstrong se convirtió en un conjunto líder. Durante las décadas de 1950 y 1960, Dixieland fue uno de los estilos de jazz más populares comercialmente en Estados Unidos, Europa y Japón, aunque los críticos le prestaron poca atención. [157]
Hard bop es una extensión de la música bebop (o "bop") que incorpora influencias del blues, el ritmo y el blues y el gospel, especialmente en el saxofón y el piano. El hard bop se desarrolló a mediados de la década de 1950 y se fusionó en 1953 y 1954; Se desarrolló en parte como respuesta a la moda del cool jazz a principios de la década de 1950 y fue paralelo al auge del Rhythm and Blues. Ha sido descrito como "funky" y puede considerarse un pariente del soul jazz . [158] Algunos elementos del género se simplificaron a partir de sus raíces bebop. [159]
La interpretación de Miles Davis de "Walkin'" en 1954 en el primer Festival de Jazz de Newport introdujo el estilo en el mundo del jazz. [160] Otros líderes del desarrollo del hard bop incluyeron al Clifford Brown /Max Roach Quintet, los Jazz Messengers de Art Blakey , el Horace Silver Quintet y los trompetistas Lee Morgan y Freddie Hubbard . Desde finales de la década de 1950 hasta principios de la de 1960, los hard boppers formaron sus propias bandas a medida que una nueva generación de músicos influenciados por el blues y el bebop ingresaban al mundo del jazz, desde los pianistas Wynton Kelly y Tommy Flanagan [161] hasta los saxofonistas Joe Henderson y Hank Mobley . Coltrane, Johnny Griffin , Mobley y Morgan participaron en el álbum A Blowin' Session (1957), considerado por Al Campbell como uno de los puntos culminantes de la era del hard bop. [162]
El hard bop prevaleció en el jazz durante aproximadamente una década que abarca desde 1955 hasta 1965, [161] pero ha seguido siendo muy influyente en el jazz convencional [159] o "directo". Entró en declive a finales de los años 1960 y durante los años 1970 debido al surgimiento de otros estilos como el jazz fusión, pero volvió a ser influyente tras el movimiento Young Lions y el surgimiento del neo-bop . [159]
El jazz modal es un desarrollo que comenzó a finales de la década de 1950 y que toma el modo , o escala musical, como base de la estructura musical y la improvisación. Anteriormente, un solo debía encajar en una progresión de acordes determinada , pero con el jazz modal, el solista crea una melodía utilizando uno (o un pequeño número de) modos. Así, el énfasis se desplaza de la armonía a la melodía: [163] "Históricamente, esto provocó un cambio sísmico entre los músicos de jazz, lejos de pensar verticalmente (el acorde) y hacia un enfoque más horizontal (la escala)", [164] explicó el pianista Mark Levine .
La teoría modal surge de un trabajo de George Russell . Miles Davis introdujo el concepto en el mundo del jazz con Kind of Blue (1959), una exploración de las posibilidades del jazz modal que se convertiría en el álbum de jazz más vendido de todos los tiempos. En contraste con el trabajo anterior de Davis con hard bop y su compleja progresión de acordes e improvisación, Kind of Blue se compuso como una serie de bocetos modales en los que a los músicos se les daban escalas que definían los parámetros de su improvisación y estilo. [165]
"No escribí la música para Kind of Blue , pero traje bocetos de lo que se suponía que todos debían tocar porque quería mucha espontaneidad", [166] recordó Davis. La pista "So What" tiene sólo dos acordes: D-7 y E ♭ -7. [167]
Otros innovadores en este estilo incluyen a Jackie McLean , [168] y dos de los músicos que también habían tocado en Kind of Blue : John Coltrane y Bill Evans.
El free jazz, y la forma relacionada del jazz de vanguardia , irrumpieron en un espacio abierto de "tonalidad libre" en el que la métrica, el ritmo y la simetría formal desaparecieron, y una variedad de músicas del mundo de la India, África y Arabia fueron fusionado en un estilo de juego intenso, incluso religiosamente extático u orgiástico. [169] Aunque ligeramente inspiradas en el bebop, las melodías de free jazz dieron a los músicos mucha más libertad; La armonía y el tempo relajados se consideraron controvertidos cuando se desarrolló este enfoque por primera vez. El bajista Charles Mingus también se asocia frecuentemente con la vanguardia del jazz, aunque sus composiciones se basan en innumerables estilos y géneros.
Los primeros acontecimientos importantes se produjeron en la década de 1950 con los primeros trabajos de Ornette Coleman (cuyo álbum de 1960 Free Jazz: A Collective Improvisation acuñó el término) y Cecil Taylor . En la década de 1960, entre los exponentes se encontraban Albert Ayler , Gato Barbieri , Carla Bley , Don Cherry , Larry Coryell , John Coltrane , Bill Dixon , Jimmy Giuffre , Steve Lacy , Michael Mantler , Sun Ra , Roswell Rudd , Pharoah Sanders y John Tchicai . Al desarrollar su último estilo, Coltrane estuvo especialmente influenciado por la disonancia del trío de Ayler con el bajista Gary Peacock y el baterista Sunny Murray , una sección rítmica perfeccionada con Cecil Taylor como líder. En noviembre de 1961, Coltrane dio un concierto en el Village Vanguard, del que resultó el clásico Chasin' the 'Trane , que la revista DownBeat calificó de "anti-jazz". En su gira de 1961 por Francia, fue abucheado, pero perseveró y firmó con el nuevo Impulse! Records en 1960 y convirtiéndola en "la casa que construyó Trane", al tiempo que defendía a muchos músicos de free jazz más jóvenes, en particular Archie Shepp , que a menudo tocaba con el trompetista Bill Dixon , quien organizó la " Revolución de Octubre en el Jazz " de cuatro días en Manhattan en 1964, primer festival de free jazz.
Una serie de grabaciones con el Classic Quartet en la primera mitad de 1965 muestran que la forma de tocar de Coltrane se vuelve cada vez más abstracta, con una mayor incorporación de dispositivos como multifónicos , utilización de armónicos y ejecución en el registro altissimo , así como un regreso mutado a las hojas de Coltrane. sonido . En el estudio, prácticamente abandonó su soprano para concentrarse en el saxofón tenor. Además, el cuarteto respondió al líder tocando con cada vez más libertad. La evolución del grupo se puede rastrear a través de las grabaciones The John Coltrane Quartet Plays , Living Space and Transition (ambas de junio de 1965), New Thing at Newport (julio de 1965), Sun Ship (agosto de 1965) y First Meditations (septiembre de 1965).
En junio de 1965, Coltrane y otros 10 músicos grabaron Ascension , una pieza de 40 minutos de duración sin interrupciones que incluía solos aventureros de jóvenes músicos de vanguardia y de Coltrane, y fue controvertida principalmente por las secciones de improvisación colectiva que separaban los solos. Dave Liebman lo llamó más tarde "la antorcha que encendió el free jazz". Después de grabar con el cuarteto durante los siguientes meses, Coltrane invitó a Pharoah Sanders a unirse a la banda en septiembre de 1965. Mientras que Coltrane usaba la exageración con frecuencia como un signo de exclamación emocional, Sanders optaba por exagerar todo su solo, lo que resultaba en una constante Gritos y chirridos en el rango altissimo del instrumento.
El free jazz se tocó en Europa en parte porque músicos como Ayler, Taylor, Steve Lacy y Eric Dolphy pasaron largos períodos de tiempo allí, y músicos europeos como Michael Mantler y John Tchicai viajaron a los Estados Unidos para experimentar la música estadounidense de primera mano. El jazz contemporáneo europeo fue moldeado por Peter Brötzmann , John Surman , Krzysztof Komeda , Zbigniew Namysłowski , Tomasz Stanko , Lars Gullin , Joe Harriott , Albert Mangelsdorff , Kenny Wheeler , Graham Collier , Michael Garrick y Mike Westbrook . Estaban ansiosos por desarrollar enfoques de la música que reflejaran su herencia.
Desde la década de 1960 se han desarrollado centros creativos del jazz en Europa, como la escena del jazz creativo en Ámsterdam. Siguiendo el trabajo del baterista Han Bennink y el pianista Misha Mengelberg , los músicos comenzaron a explorar improvisando colectivamente hasta encontrar una forma (melodía, ritmo, una canción famosa). El crítico de jazz Kevin Whitehead documentó la escena del free jazz en Ámsterdam y algunos de sus principales exponentes. como la orquesta ICP (Instant Composers Pool) en su libro New Dutch Swing . Desde la década de 1990, Keith Jarrett ha defendido el free jazz de las críticas. El escritor británico Stuart Nicholson ha argumentado que el jazz contemporáneo europeo tiene una identidad diferente a la del jazz estadounidense y sigue una trayectoria diferente. [170]
El jazz latino es jazz que emplea ritmos latinoamericanos y generalmente se entiende que tiene un significado más específico que simplemente el jazz de América Latina. Un término más preciso podría ser jazz afrolatino , ya que el subgénero del jazz suele emplear ritmos que tienen un análogo directo en África o exhiben una influencia rítmica africana más allá de lo que normalmente se escucha en otros tipos de jazz. Las dos categorías principales del jazz latino son el jazz afrocubano y el jazz brasileño.
En las décadas de 1960 y 1970, muchos músicos de jazz sólo tenían un conocimiento básico de la música cubana y brasileña, y las composiciones de jazz que utilizaban elementos cubanos o brasileños a menudo se denominaban "melodías latinas", sin hacer distinción entre un son montuno cubano y un brasileño. Bossa Nova . Incluso en 2000, en Jazz Styles: History and Analysis de Mark Gridley , una línea de bajo bossa nova se conoce como una "figura de bajo latino". [171] No era raro durante las décadas de 1960 y 1970 escuchar una conga tocando un tumbao cubano mientras la batería y el bajo tocaban un patrón de bossa nova brasileño. Muchos estándares de jazz como "Manteca", "On Green Dolphin Street" y "Song for My Father" tienen una sección A "latina" y una sección B con swing. Por lo general, la banda solo tocaba una sensación "latina" de un octavo par en la sección A del parche y hacía swing en todos los solos. Los especialistas del jazz latino como Cal Tjader solían ser la excepción. Por ejemplo, en una grabación en vivo de Tjader de 1959 de "A Night in Tunisia", el pianista Vince Guaraldi realizó un solo durante toda la forma sobre un mambo auténtico . [172]
Durante la mayor parte de su historia, el jazz afrocubano había consistido en superponer frases de jazz a ritmos cubanos. Pero a finales de la década de 1970, había surgido una nueva generación de músicos de la ciudad de Nueva York que dominaban tanto la salsa como el jazz, lo que llevó a un nuevo nivel de integración del jazz y los ritmos cubanos. Esta era de creatividad y vitalidad está mejor representada por los hermanos González, Jerry (congas y trompeta) y Andy (bajo). [173] Durante 1974-1976, fueron miembros de uno de los grupos de salsa más experimentales de Eddie Palmieri : la salsa era el medio, pero Palmieri estaba ampliando la forma de nuevas maneras. Incorporó cuartas paralelas, con vampiros tipo McCoy Tyner. Las innovaciones de Palmieri, los hermanos González y otros llevaron a un renacimiento del jazz afrocubano en la ciudad de Nueva York.
Esto ocurrió en paralelo con los acontecimientos en Cuba [174] La primera banda cubana de esta nueva ola fue Irakere . Su "Chékere-son" (1976) introdujo un estilo de líneas de trompeta "cubanizadas" con sabor a bebop que se alejaban de las líneas más angulares basadas en guajeo que eran típicas de la música popular cubana y el jazz latino hasta ese momento. Se basó en la composición de Charlie Parker "Billie's Bounce", mezclada de una manera que fusionaba líneas de clave y trompa de bebop. [175] A pesar de la ambivalencia de algunos miembros de la banda hacia la fusión folklórica/jazz afrocubana de Irakere, sus experimentos cambiaron para siempre el jazz cubano: sus innovaciones todavía se escuchan en el alto nivel de complejidad armónica y rítmica en el jazz cubano y en el estilo jazzístico. y compleja forma contemporánea de música popular bailable conocida como timba .
El jazz brasileño, como la bossa nova , se deriva de la samba , con influencias del jazz y otros estilos de música clásica y popular del siglo XX. La bossa suele tener un ritmo moderado, con melodías cantadas en portugués o inglés, mientras que la jazz-samba relacionada es una adaptación de la samba callejera al jazz.
El estilo bossa nova fue iniciado por los brasileños João Gilberto y Antônio Carlos Jobim y se hizo popular con la grabación de Elizete Cardoso de " Chega de Saudade " en el LP Canção do Amor Demais . Los estrenos iniciales de Gilberto, y la película Black Orpheus de 1959 , alcanzaron una importante popularidad en América Latina ; esto se extendió a América del Norte a través de músicos de jazz estadounidenses visitantes. Las grabaciones resultantes de Charlie Byrd y Stan Getz consolidaron la popularidad de la bossa nova y condujeron a un auge mundial, con Getz/Gilberto de 1963 , numerosas grabaciones de famosos intérpretes de jazz como Ella Fitzgerald y Frank Sinatra , y el eventual afianzamiento del estilo bossa nova como una influencia duradera en la música mundial.
Percusionistas brasileños como Airto Moreira y Naná Vasconcelos también influyeron en el jazz a nivel internacional al introducir instrumentos y ritmos folclóricos afrobrasileños en una amplia variedad de estilos de jazz, atrayendo así a una mayor audiencia. [176] [177] [178]
Si bien los críticos musicales, es decir, los de fuera de Brasil, han etiquetado la bossa nova como jazz, ha sido rechazada por muchos músicos destacados de bossa nova como Jobim, quien una vez dijo: "La bossa nova no es jazz brasileño". [179] [180]
El primer estándar de jazz compuesto por un no latino que utiliza un africano abierto12
8El ritmo cruzado fue " Footprints " de Wayne Shorter (1967). [181] En la versión grabada en Miles Smiles por Miles Davis , el bajo cambia a un4
4 figura de tresillo a las 2:20. "Footprints" no es, sin embargo, una melodía de jazz latino : Ron Carter (bajo) y Tony Williams (batería) acceden directamente a las estructuras rítmicas africanas a través de la sensibilidad rítmica del swing . A lo largo de la pieza, los cuatro tiempos, sonados o no, se mantienen como referente temporal. El siguiente ejemplo muestra la12
8y4
4Formas de la línea de bajo. Las cabezas de nota cortadas indican los tiempos principales (no las notas de bajo), donde normalmente se golpea con el pie para "mantener el ritmo".
El uso de escalas pentatónicas fue otra tendencia asociada con África. El uso de escalas pentatónicas en África probablemente se remonta a miles de años atrás. [182]
McCoy Tyner perfeccionó el uso de la escala pentatónica en sus solos [183] y también utilizó quintas y cuartas paralelas, que son armonías comunes en África occidental. [184]
La escala pentatónica menor se usa a menudo en la improvisación de blues y, al igual que una escala de blues, se puede tocar una escala pentatónica menor sobre todos los acordes de un blues. Joe Henderson tocó el siguiente lick pentatónico sobre cambios de blues en "African Queen" de Horace Silver (1965). [185]
El pianista, teórico y educador de jazz Mark Levine se refiere a la escala generada al comenzar en el quinto paso de una escala pentatónica como la escala pentatónica V. [186]
Levine señala que la escala pentatónica V funciona para los tres acordes de la progresión de jazz estándar II-V-I. [187] Esta es una progresión muy común, utilizada en piezas como "Tune Up" de Miles Davis. El siguiente ejemplo muestra la escala pentatónica V en una progresión II – V – I. [188]
En consecuencia, " Giant Steps " de John Coltrane (1960), con sus 26 acordes por 16 compases, se puede tocar utilizando sólo tres escalas pentatónicas. Coltrane estudió el Tesauro de escalas y patrones melódicos de Nicolas Slonimsky , que contiene material prácticamente idéntico a partes de "Giant Steps". [189] La complejidad armónica de "Giant Steps" está al nivel de la música artística más avanzada del siglo XX. Superponer la escala pentatónica sobre "Giant Steps" no es simplemente una cuestión de simplificación armónica, sino también una especie de "africanización" de la pieza, que proporciona un enfoque alternativo para los solos. Mark Levine observa que cuando se mezclan con "tocar los cambios" más convencional, las escalas pentatónicas proporcionan "estructura y una sensación de mayor espacio". [190]
Como se señaló anteriormente, el jazz ha incorporado desde sus inicios aspectos de la música sacra afroamericana, incluidos espirituales e himnos. Los músicos de jazz seculares a menudo interpretaban canciones espirituales e himnos como parte de su repertorio o composiciones aisladas como "Come Sunday", parte de "Black and Beige Suite" de Duke Ellington . Más tarde, muchos otros artistas de jazz tomaron prestado de la música gospel negra . Sin embargo, no fue hasta después de la Segunda Guerra Mundial que algunos músicos de jazz comenzaron a componer e interpretar obras extensas destinadas a entornos religiosos o como expresión religiosa. Desde la década de 1950, muchos compositores y músicos de jazz destacados han interpretado y grabado música sacra y litúrgica. [191] The "Abyssinian Mass" de Wynton Marsalis (Blueengine Records, 2016) es un ejemplo reciente.
Se ha escrito relativamente poco sobre el jazz sacro y litúrgico. En una tesis doctoral de 2013, Angelo Versace examinó el desarrollo del jazz sagrado en la década de 1950 utilizando disciplinas de la musicología y la historia. Señaló que las tradiciones de la música gospel negra y el jazz se combinaron en la década de 1950 para producir un nuevo género, el "jazz sagrado". [192] Versace sostuvo que la intención religiosa separa el jazz sagrado del secular. Los más destacados en el inicio del movimiento del jazz sagrado fueron la pianista y compositora Mary Lou Williams , conocida por sus misas de jazz en la década de 1950, y Duke Ellington . Antes de su muerte en 1974, en respuesta a contactos de Grace Cathedral en San Francisco, Duke Ellington escribió tres Conciertos Sagrados: 1965 – Un Concierto de Música Sacra; 1968 – Segundo Concierto Sagrado; 1973 – Tercer Concierto Sagrado.
La forma más destacada de jazz sacro y litúrgico es la misa de jazz. Aunque la mayoría de las veces se realiza en un concierto en lugar de en un lugar de adoración en una iglesia, esta forma tiene muchos ejemplos. Un ejemplo eminente de compositoras de jazz masivo fue Mary Lou Williams . Williams se convirtió al catolicismo en 1957 y procedió a componer tres misas en el idioma del jazz. [193] Uno fue compuesto en 1968 en honor al recientemente asesinado Martin Luther King Jr. y el tercero fue encargado por una comisión pontificia. Se representó una vez en 1975 en la Catedral de San Patricio en la ciudad de Nueva York. Sin embargo, la Iglesia católica no ha adoptado el jazz como apropiado para el culto. En 1966, Joe Masters grabó "Jazz Mass" para Columbia Records. A un conjunto de jazz se unieron solistas y coro utilizando el texto en inglés de la Misa Católica Romana. [194] Otros ejemplos incluyen "Jazz Mass in Concert" de Lalo Schiffrin (Aleph Records, 1998, UPC 0651702632725) y "Jazz Mass" de Vince Guaraldi (Registros de fantasía, 1965). En Inglaterra, el compositor clásico Will Todd grabó su "Jazz Missa Brevis" con un conjunto de jazz, solistas y St Martin's Voices en un lanzamiento de Signum Records de 2018, "Passion Music/Jazz Missa Brevis", también lanzado como "Mass in Blue", y El organista de jazz James Taylor compuso "The Rochester Mass" (Cherry Red Records, 2015). [195] En 2013, Versace presentó al bajista Ike Sturm y a la compositora neoyorquina Deanna Witkowski como ejemplos contemporáneos del jazz sagrado y litúrgico. [192]
A finales de los años 1960 y principios de los 1970, se desarrolló la forma híbrida de fusión jazz-rock combinando la improvisación del jazz con ritmos de rock, instrumentos eléctricos y el sonido escénico altamente amplificado de músicos de rock como Jimi Hendrix y Frank Zappa . El jazz fusión a menudo utiliza métricas mixtas, compases impares, síncopas, acordes complejos y armonías.
Según Toda la música :
...hasta alrededor de 1967, los mundos del jazz y el rock estaban casi completamente separados. [Sin embargo,...] a medida que el rock se volvió más creativo y su musicalidad mejoró, y algunos en el mundo del jazz se aburrieron del hard bop y no quisieron tocar música estrictamente de vanguardia , los dos idiomas diferentes comenzaron a intercambiar ideas y ocasionalmente combinan fuerzas. [196]
En 1969, Davis abrazó plenamente el enfoque del jazz con instrumentos eléctricos con In a Silent Way , que puede considerarse su primer álbum de fusión. Compuesto por dos suites laterales editadas en gran medida por el productor Teo Macero , este álbum tranquilo y estático sería igualmente influyente para el desarrollo de la música ambiental .
Como recuerda Davis:
La música que realmente escuchaba en 1968 era James Brown , el gran guitarrista Jimi Hendrix , y un nuevo grupo que acababa de lanzar un disco exitoso, " Dance to the Music ", Sly and the Family Stone ... Quería hacerlo más parecido al rock. Cuando grabamos In a Silent Way, tiré todas las hojas de acordes y les dije a todos que tocaran con ellas. [197]
Dos colaboradores de In a Silent Way también se unieron al organista Larry Young para crear uno de los primeros álbumes de fusión aclamados: Emergency! (1969) de La vida de Tony Williams .
El álbum debut homónimo, electrónico y psicodélico, de Weather Report causó sensación en el mundo del jazz a su llegada en 1971, gracias al pedigrí de los miembros del grupo (incluido el percusionista Airto Moreira ) y su enfoque poco ortodoxo de la música. El álbum presentaba un sonido más suave que el de años posteriores (utilizando predominantemente el bajo acústico y Shorter tocando exclusivamente el saxofón soprano y sin sintetizadores involucrados), pero todavía se considera un clásico de la fusión temprana. Se basó en los experimentos de vanguardia en los que Joe Zawinul y Shorter habían sido pioneros con Miles Davis en Bitches Brew , incluida la evitación de la composición de cabeza y coro en favor de un ritmo y movimiento continuos, pero llevó la música más allá. Para enfatizar el rechazo del grupo a la metodología estándar, el álbum se abrió con la inescrutable pieza atmosférica de vanguardia "Milky Way", que presentaba el saxofón extremadamente apagado de Shorter que inducía vibraciones en las cuerdas del piano de Zawinul mientras este último pedaleaba el instrumento. DownBeat describió el álbum como "música más allá de toda categoría" y lo otorgó Álbum del Año en las encuestas de la revista ese año.
Los lanzamientos posteriores de Weather Report fueron trabajos creativos de funk-jazz. [198]
Aunque algunos puristas del jazz protestaron contra la mezcla de jazz y rock, muchos innovadores del jazz pasaron de la escena del hard bop contemporáneo a la fusión. Además de los instrumentos eléctricos del rock (como la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico, el piano eléctrico y los teclados sintetizadores), la fusión también utilizó la potente amplificación, los pedales "fuzz" , los pedales wah-wah y otros efectos que se utilizaban en la década de 1970. bandas de rock. Entre los intérpretes notables de jazz fusión se encuentran Miles Davis, Eddie Harris , los teclistas Joe Zawinul , Chick Corea y Herbie Hancock, el vibrafonista Gary Burton , el baterista Tony Williams , el violinista Jean-Luc Ponty , los guitarristas Larry Coryell , Al Di Meola , John McLaughlin , Ryo Kawasaki. y Frank Zappa , el saxofonista Wayne Shorter y los bajistas Jaco Pastorius y Stanley Clarke . El jazz fusión también fue popular en Japón, donde la banda Casiopea lanzó más de treinta álbumes de fusión.
Según el escritor de jazz Stuart Nicholson, "así como el free jazz apareció a punto de crear un lenguaje musical completamente nuevo en la década de 1960... el jazz-rock sugirió brevemente la promesa de hacer lo mismo" con álbumes como Emergency de Williams. (1970) y Agharta (1975) de Davis , que según Nicholson "sugería el potencial de evolucionar hacia algo que eventualmente podría definirse como un género totalmente independiente, muy aparte del sonido y las convenciones de todo lo que había existido antes". Este desarrollo fue sofocado por el comercialismo, dijo Nicholson, ya que el género "mutó en una especie peculiar de música pop con influencias de jazz que eventualmente se instaló en la radio FM" a fines de la década de 1970. [199]
Aunque la fusión jazz-rock alcanzó la cima de su popularidad en la década de 1970, el uso de instrumentos electrónicos y elementos musicales derivados del rock en el jazz continuó en las décadas de 1990 y 2000. Los músicos que utilizan este enfoque incluyen a Pat Metheny , John Abercrombie , John Scofield y el grupo sueco est . Desde principios de la década de 1990, la música electrónica tuvo importantes mejoras técnicas que popularizaron y crearon nuevas posibilidades para el género. Elementos del jazz como la improvisación, las complejidades rítmicas y las texturas armónicas se introdujeron en el género y, en consecuencia, tuvieron un gran impacto en los nuevos oyentes y de alguna manera mantuvieron la versatilidad del jazz identificable para una nueva generación que no necesariamente se relacionaba con lo que los tradicionalistas llaman real. jazz (bebop, cool y jazz modal). [200] Artistas como Squarepusher , Aphex Twin , Flying Lotus y subgéneros como IDM , drum 'n' bass , Jungle y techno terminaron incorporando muchos de estos elementos. [201] Squarepusher es citado como una gran influencia para los intérpretes de jazz, el baterista Mark Guiliana y el pianista Brad Mehldau , lo que muestra que las correlaciones entre el jazz y la música electrónica son una calle de doble sentido. [202]
A mediados de la década de 1970, se había desarrollado el sonido conocido como jazz-funk, caracterizado por un fuerte back beat ( groove ), sonidos electrificados [203] y, a menudo, la presencia de sintetizadores electrónicos analógicos . El jazz-funk también obtiene influencias de la música tradicional africana, los ritmos afrocubanos y el reggae jamaicano , en particular el líder de la banda de Kingston, Sonny Bradshaw . Otra característica es el cambio de énfasis de la improvisación a la composición: los arreglos, la melodía y la escritura en general adquirieron importancia. La integración de la música funk , soul y R&B en el jazz dio como resultado la creación de un género cuyo espectro es amplio y abarca desde una fuerte improvisación de jazz hasta soul, funk o disco con arreglos de jazz, riffs de jazz y solos de jazz y, en ocasiones, voces de soul. [204]
Los primeros ejemplos son la banda Headhunters de Herbie Hancock y el álbum On the Corner de Miles Davis , que, en 1972, inició la incursión de Davis en el jazz-funk y fue, afirmó, un intento de reconectarse con el público joven negro que había abandonado en gran medida el jazz por rock y funk. Si bien hay una influencia discernible del rock y el funk en los timbres de los instrumentos empleados, otras texturas tonales y rítmicas, como la tambora y las tablas indias y las congas y bongos cubanos, crean un paisaje sonoro de múltiples capas. El álbum fue una especie de culminación del enfoque de música concreta que Davis y el productor Teo Macero habían comenzado a explorar a finales de los años sesenta.
La década de 1980 vio una especie de reacción contra la fusión y el free jazz que habían dominado la década de 1970. El trompetista Wynton Marsalis surgió a principios de la década y se esforzó por crear música dentro de lo que él creía que era la tradición, rechazando tanto la fusión como el free jazz y creando extensiones de las formas grandes y pequeñas iniciadas inicialmente por artistas como Louis Armstrong y Duke Ellington , como así como el hard bop de los años cincuenta. Es discutible si el éxito comercial y de crítica de Marsalis fue una causa o un síntoma de la reacción contra la fusión y el free jazz y el resurgimiento del interés en el tipo de jazz pionero en la década de 1960 (particularmente el jazz modal y el post-bop ); sin embargo, hubo muchas otras manifestaciones de un resurgimiento del tradicionalismo, incluso si la fusión y el free jazz no fueron abandonados en modo alguno y continuaron desarrollándose y evolucionando.
Por ejemplo, varios músicos que habían destacado en el género de fusión durante la década de 1970 comenzaron a grabar jazz acústico una vez más, entre ellos Chick Corea y Herbie Hancock . Otros músicos que habían experimentado con instrumentos electrónicos en la década anterior los habían abandonado en la década de 1980; por ejemplo, Bill Evans , Joe Henderson y Stan Getz . Incluso la música de Miles Davis de los años 1980 , aunque ciertamente sigue siendo fusión, adoptó un enfoque mucho más accesible y reconocible orientado al jazz que su obra abstracta de mediados de los años 1970, como un retorno a un enfoque de temas y solos.
Una reacción similar [ vaga ] tuvo lugar contra el free jazz. Según Ted Gioia :
Los propios líderes de la vanguardia comenzaron a señalar una retirada de los principios fundamentales del free jazz. Anthony Braxton comenzó a grabar estándares sobre cambios de acordes familiares. Cecil Taylor tocó duetos en concierto con Mary Lou Williams y le permitió establecer armonías estructuradas y un vocabulario familiar de jazz bajo su abrasador ataque al teclado. Y la próxima generación de actores progresistas sería aún más complaciente y se movería dentro y fuera de los cambios sin pensarlo dos veces. Es posible que músicos como David Murray o Don Pullen sintieran la llamada del jazz de forma libre, pero nunca olvidaron todas las otras formas en que se podía tocar música afroamericana para divertirse y obtener ganancias. [205]
El pianista Keith Jarrett —cuyas bandas de la década de 1970 habían tocado sólo composiciones originales con destacados elementos de free jazz—estableció su llamado 'Standards Trio' en 1983, que, aunque también explora ocasionalmente la improvisación colectiva, principalmente ha interpretado y grabado estándares de jazz. De manera similar, Chick Corea comenzó a explorar los estándares del jazz en la década de 1980, habiéndolos descuidado durante la década de 1970.
En 1987, la Cámara de Representantes y el Senado de los Estados Unidos aprobaron un proyecto de ley propuesto por el representante demócrata John Conyers Jr. para definir el jazz como una forma única de música estadounidense, afirmando que "por la presente se designa al jazz como un raro y valioso tesoro nacional estadounidense al que debemos "Deberíamos dedicar nuestra atención, apoyo y recursos para asegurarnos de que sea preservado, comprendido y promulgado". Fue aprobado en la Cámara el 23 de septiembre de 1987 y en el Senado el 4 de noviembre de 1987. [206]
En 2001, se estrenó en PBS el documental Jazz de Ken Burns , en el que Wynton Marsalis y otros expertos repasan toda la historia del jazz estadounidense hasta esa época. Sin embargo, recibió algunas críticas por no reflejar las muchas tradiciones y estilos distintivos no estadounidenses que se habían desarrollado en el jazz, y por su limitada representación de los desarrollos estadounidenses en el último cuarto del siglo XX.
El surgimiento de jóvenes talentos del jazz que comenzaron a actuar en grupos de músicos más antiguos y establecidos impactó aún más el resurgimiento del tradicionalismo en la comunidad del jazz. En la década de 1970, los grupos de Betty Carter y Art Blakey and the Jazz Messengers mantuvieron sus enfoques conservadores del jazz en medio de la fusión y el jazz-rock, y además de las dificultades para reservar sus actuaciones, lucharon por encontrar generaciones más jóvenes de personal que tocaran auténticamente. Estilos tradicionales como el hard bop y el bebop . Sin embargo, a finales de la década de 1970, comenzó a producirse un resurgimiento de músicos de jazz más jóvenes en la banda de Blakey. Este movimiento incluyó a músicos como Valery Ponomarev y Bobby Watson , Dennis Irwin y James Williams . En la década de 1980, además de Wynton y Branford Marsalis , surgieron pianistas de los Jazz Messengers como Donald Brown , Mulgrew Miller y, más tarde, Benny Green, bajistas como Charles Fambrough , Lonnie Plaxico (y más tarde, Peter Washington y Essiet). Essiet), trompetistas como Bill Pierce , Donald Harrison y más tarde Javon Jackson y Terence Blanchard emergieron como talentosos músicos de jazz, todos los cuales hicieron importantes contribuciones en las décadas de 1990 y 2000.
Los contemporáneos de los jóvenes Jazz Messengers, incluidos Roy Hargrove , Marcus Roberts , Wallace Roney y Mark Whitfield, también fueron influenciados por el énfasis de Wynton Marsalis hacia la tradición del jazz. Estas jóvenes estrellas en ascenso rechazaron los enfoques vanguardistas y, en cambio, defendieron el sonido del jazz acústico de Charlie Parker, Thelonious Monk y las primeras grabaciones del primer quinteto de Miles Davis . Este grupo de "Young Lions" buscó reafirmar el jazz como una alta tradición artística comparable a la disciplina de la música clásica. [207]
Además, la rotación de jóvenes músicos de Betty Carter en su grupo presagió a muchos de los músicos de jazz tradicional más destacados de Nueva York en etapas posteriores de sus carreras. Entre estos músicos se encontraban los ex alumnos de Jazz Messenger Benny Green , Branford Marsalis y Ralph Peterson Jr. , así como Kenny Washington , Lewis Nash , Curtis Lundy , Cyrus Chestnut , Mark Shim , Craig Handy , Greg Hutchinson y Marc Cary , Taurus Mateen y Geri Allen. . El conjunto OTB incluía una rotación de jóvenes músicos de jazz como Kenny Garrett , Steve Wilson , Kenny Davis , Renee Rosnes , Ralph Peterson Jr. , Billy Drummond y Robert Hurst . [208]
A partir de la década de 1990, como resultado del auge del jazz neotradicionalista, surgieron varios músicos de orígenes en gran medida directos o post-bop, incluidos los pianistas Jason Moran y Vijay Iyer , el guitarrista Kurt Rosenwinkel , el vibrafonista Stefon Harris , los trompetistas Roy Hargrove y Terence Blanchard , los saxofonistas Chris Potter y Joshua Redman , el clarinetista Ken Peplowski y el bajista Christian McBride .
A principios de la década de 1980, una forma comercial de jazz fusión llamada "pop fusión" o "smooth jazz" tuvo éxito, obteniendo una importante difusión radiofónica en franjas horarias de " tormenta silenciosa " en estaciones de radio de mercados urbanos de todo Estados Unidos. las carreras de vocalistas como Al Jarreau , Anita Baker , Chaka Khan y Sade , así como de saxofonistas como Grover Washington Jr. , Kenny G , Kirk Whalum , Boney James y David Sanborn . En general, el jazz suave es downtempo (las pistas más reproducidas son de 90 a 105 pulsaciones por minuto ) y tiene un instrumento principal que toca la melodía (el saxofón, especialmente el soprano y el tenor, y la guitarra eléctrica legato son populares).
En su artículo de Newsweek "El problema con la crítica del jazz", [209] Stanley Crouch considera que la interpretación de la fusión por parte de Miles Davis es un punto de inflexión que condujo al smooth jazz. El crítico Aaron J. West ha contrarrestado las percepciones a menudo negativas del smooth jazz, afirmando:
Desafío la marginalización y difamación predominantes del jazz suave en la narrativa del jazz estándar. Además, cuestiono la suposición de que el smooth jazz sea un resultado evolutivo desafortunado y no bienvenido de la era del jazz-fusión. En cambio, sostengo que el smooth jazz es un estilo musical de larga vida que merece análisis multidisciplinarios de sus orígenes, diálogos críticos, práctica interpretativa y recepción. [210]
El acid jazz se desarrolló en el Reino Unido en las décadas de 1980 y 1990, influenciado por el jazz-funk y la música electrónica de baile . El acid jazz a menudo contiene varios tipos de composición electrónica (a veces incluye muestreo o corte y scratching de DJ en vivo ), pero es muy probable que sea tocado en vivo por músicos, quienes a menudo presentan interpretación de jazz como parte de su interpretación. Richard S. Ginell de AllMusic considera a Roy Ayers "uno de los profetas del acid jazz". [211]
El nu jazz está influenciado por la armonía y las melodías del jazz y, por lo general, no hay aspectos de improvisación. Puede ser de naturaleza muy experimental y puede variar ampliamente en sonido y concepto. Abarca desde la combinación de instrumentación en vivo con los ritmos del jazz house (como lo ejemplifican St Germain , Jazzanova y Fila Brazillia ) hasta jazz improvisado más basado en bandas con elementos electrónicos (por ejemplo, The Cinematic Orchestra , Kobol y el "Noruego"). estilo "jazz del futuro" iniciado por Bugge Wesseltoft , Jaga Jazzist y Nils Petter Molvær ).
El jazz rap se desarrolló a finales de los 80 y principios de los 90 e incorpora influencias del jazz al hip hop . En 1988, Gang Starr lanzó el sencillo debut "Words I Manifest", que incluía una muestra de "Night in Tunisia" de Dizzy Gillespie de 1962, y Stetsasonic lanzó "Talkin' All That Jazz", que incluía una muestra de Lonnie Liston Smith . El LP debut de Gang Starr, No More Mr. Nice Guy (1989) y su tema de 1990, "Jazz Thing", incluyeron muestras de Charlie Parker y Ramsey Lewis . Los grupos que formaban Native Tongues Posse tendían hacia lanzamientos de jazz: estos incluyen el debut de los Jungle Brothers , Straight Out the Jungle (1988), y People's Instinctive Travels and the Paths of Rhythm (1990) de A Tribe Called Quest y The Low. Teoría del fin (1991). El dúo de rap Pete Rock & CL Smooth incorporó influencias del jazz en su debut de 1992, Mecca and the Soul Brother . La serie Jazzmatazz del rapero Guru comenzó en 1993 utilizando músicos de jazz durante las grabaciones de estudio.
Aunque el jazz rap había logrado poco éxito en la corriente principal, el último álbum de Miles Davis, Doo-Bop (lanzado póstumamente en 1992) se basó en ritmos de hip hop y colaboraciones con el productor Easy Mo Bee . El ex compañero de banda de Davis, Herbie Hancock, también absorbió influencias del hip-hop a mediados de la década de 1990, lanzando el álbum Dis Is Da Drum en 1994.
A mediados de la década de 2010 se produjo una mayor influencia del R&B, el hip-hop y la música pop en el jazz. En 2015, Kendrick Lamar lanzó su tercer álbum de estudio, To Pimp a Butterfly . El álbum contó con destacados artistas de jazz contemporáneo como Thundercat [212] y redefinió el rap de jazz con un mayor enfoque en la improvisación y los solos en vivo en lugar del simple muestreo. Ese mismo año, el saxofonista Kamasi Washington lanzó su debut de casi tres horas de duración, The Epic . Sus ritmos inspirados en el hip-hop y sus interludios vocales de R&B no sólo fueron aclamados por los críticos por ser innovadores a la hora de mantener la relevancia del jazz, [213] sino que también provocaron un pequeño resurgimiento del jazz en Internet.
La relajación de la ortodoxia que coincidió con el post-punk en Londres y Nueva York condujo a una nueva apreciación del jazz. En Londres, el grupo pop comenzó a mezclar free jazz y dub reggae en su estilo de punk rock. [214] En Nueva York, No Wave se inspiró directamente tanto en el free jazz como en el punk. Ejemplos de este estilo incluyen Queen of Siam de Lydia Lunch , [215] Gray, el trabajo de James Chance and the Contortions (que mezclaron Soul con free jazz y punk ) [215] y los Lounge Lizards [215] (el primer grupo llamarse a sí mismos " punk jazz ").
John Zorn tomó nota del énfasis en la velocidad y la disonancia que prevalecía en el punk rock y lo incorporó al free jazz con el lanzamiento del álbum Spy vs. Spy en 1986, una colección de melodías de Ornette Coleman realizadas en el estilo thrashcore contemporáneo. . [216] En el mismo año, Sonny Sharrock , Peter Brötzmann , Bill Laswell y Ronald Shannon Jackson grabaron el primer álbum bajo el nombre Last Exit , una mezcla igualmente agresiva de thrash y free jazz. [217] Estos desarrollos son los orígenes del jazzcore , la fusión del free jazz con el hardcore punk .
El movimiento M-Base comenzó en la década de 1980, cuando un colectivo informal de jóvenes músicos afroamericanos en Nueva York, que incluía a Steve Coleman , Greg Osby y Gary Thomas , desarrolló un sonido complejo pero vibrante [218] .
En la década de 1990, la mayoría de los participantes de M-Base recurrieron a música más convencional, pero Coleman, el participante más activo, continuó desarrollando su música de acuerdo con el concepto de M-Base. [219]
La audiencia de Coleman disminuyó, pero su música y sus conceptos influyeron en muchos músicos, según el pianista Vijay Iver y el crítico Ben Ratlifff de The New York Times . [220] [221]
M-Base pasó de ser un movimiento de un colectivo informal de músicos jóvenes a una especie de "escuela" informal de Coleman, [222] con un concepto muy avanzado pero ya implícito originalmente. [223] La música de Steve Coleman y el concepto M-Base ganaron reconocimiento como "el siguiente paso lógico" después de Charlie Parker, John Coltrane y Ornette Coleman. [224]
Desde la década de 1990, el jazz se ha caracterizado por un pluralismo en el que ningún estilo domina, sino que son populares una amplia gama de estilos y géneros. Los intérpretes individuales suelen tocar en una variedad de estilos, a veces en la misma actuación. El pianista Brad Mehldau y The Bad Plus han explorado la música rock contemporánea dentro del contexto del trío de piano acústico de jazz tradicional, grabando versiones instrumentales de jazz de canciones de músicos de rock. The Bad Plus también ha incorporado elementos del free jazz a su música. Algunos músicos han mantenido una firme postura vanguardista o de free jazz, como los saxofonistas Greg Osby y Charles Gayle , mientras que otros, como James Carter , han incorporado elementos de free jazz en un marco más tradicional.
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Harry Connick Jr. comenzó su carrera tocando el piano stride y el jazz Dixieland de su casa, Nueva Orleans, comenzando con su primera grabación cuando tenía 10 años. [225] Algunas de sus primeras lecciones fueron en la casa del pianista Ellis Marsalis . [226] Connick tuvo éxito en las listas de éxitos después de grabar la banda sonora de la película Cuando Harry conoció a Sally , que vendió más de dos millones de copias. [225] Diana Krall , Norah Jones , Cassandra Wilson , Kurt Elling y Jamie Cullum también han logrado un éxito cruzado .
Además, la época vio el lanzamiento de grabaciones y vídeos del siglo anterior, como una cinta de Just Jazz transmitida por una banda liderada por Gene Ammons [227] y archivos de estudio como Just Coolin' de Art Blakey and the Jazz Messengers . [228]
Una tendencia del jazz de 2010 asistida por Internet fue la de la rearmonización extrema , inspirada tanto por músicos virtuosos conocidos por su velocidad y ritmo como Art Tatum , como por músicos conocidos por sus voces y acordes ambiciosos como Bill Evans. El supergrupo Snarky Puppy adoptó esta tendencia, permitiendo a músicos como Cory Henry [229] dar forma a los ritmos y armonías de los solos de jazz moderno. El fenómeno de YouTube Jacob Collier también obtuvo reconocimiento por su capacidad para tocar una cantidad increíblemente grande de instrumentos y su capacidad para usar microtonos , polirritmos avanzados y combinar un espectro de géneros en su proceso de producción, en gran parte casero. [230] [231]
Otros músicos de jazz ganaron popularidad a través de las redes sociales durante las décadas de 2010 y 2020. Entre ellos se encontraban Joan Chamorro , bajista y director de orquesta afincado en Barcelona cuyos vídeos de combos de big band y jazz han recibido decenas de millones de visitas en YouTube, [232] y Emmet Cohen , que retransmitió una serie de actuaciones en directo desde Nueva York a partir de marzo de 2020. [233 ]
Se le conoce como el 'padre del jazz blanco'.
{{cite web}}: Mantenimiento CS1: URL no apta ( enlace ){{cite web}}: CS1 maint: bot: original URL status unknown (link), Rhapsody Online - Rhapsody.com (20 de octubre de 2010).{{cite web}}: CS1 maint: bot: original URL status unknown (link)Es difícil exagerar la influencia [de Coleman].
Ha afectado a más de una generación, tanto como a cualquiera desde John Coltrane... No se trata sólo de que puedas conectar los puntos tocando siete u 11 tiempos.
Lo que se esconde detrás de su influencia es esta perspectiva global de la música y la vida.
Tiene un punto de vista de lo que hace y por qué lo hace.
Sus ideas recombinantes sobre el ritmo y la forma y su afán por orientar a los músicos y construir una nueva lengua vernácula han tenido un profundo efecto en el jazz estadounidense.
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