La improvisación musical (también conocida como improvisación musical ) es la actividad creativa de composición musical inmediata ("en el momento") , que combina la interpretación con la comunicación de emociones y técnica instrumental así como la respuesta espontánea a otros músicos . [1] A veces, las ideas musicales en la improvisación son espontáneas, pero pueden basarse en cambios de acordes en la música clásica [1] y muchos otros tipos de música. Una definición es una "actuación dada improvisadamente sin planificación ni preparación". [2] Otra definición es "tocar o cantar (música) extemporáneamente, inventando variaciones de una melodía o creando nuevas melodías, ritmos y armonías". [2] Encyclopædia Britannica lo define como "la composición extemporánea o interpretación libre de un pasaje musical, generalmente de una manera conforme a ciertas normas estilísticas pero sin las restricciones de las características prescriptivas de un texto musical específico". [3] La improvisación a menudo se realiza dentro (o basándose en) un marco armónico preexistente o una progresión de acordes . La improvisación es una parte importante de algunos tipos de música del siglo XX, como el blues , el rock , el jazz y el jazz fusión , en los que los intérpretes instrumentales improvisan solos, líneas melódicas y partes de acompañamiento.
A lo largo de las épocas de la tradición musical artística occidental , incluidos los períodos medieval , renacentista , barroco , clásico y romántico , la improvisación fue una habilidad valorada. JS Bach , Handel , Mozart , Beethoven , Chopin , Liszt y muchos otros compositores y músicos famosos fueron conocidos especialmente por sus habilidades de improvisación. La improvisación podría haber jugado un papel importante en el período monofónico. Los primeros tratados sobre polifonía , como la Musica enchiriadis (siglo IX), indican que las partes añadidas se improvisaron durante siglos antes de los primeros ejemplos anotados. Sin embargo, no fue hasta el siglo XV que los teóricos comenzaron a hacer una clara distinción entre música improvisada y escrita. [4]
Algunas formas de música clásica contenían secciones para la improvisación, como la cadenza en conciertos solistas , o los preludios de algunas suites para teclado de Bach y Handel, que consisten en elaboraciones de una progresión de acordes, que los intérpretes deben utilizar como base para su improvisación. . Handel y Bach improvisaban con frecuencia con el clavecín o el órgano de tubos . En la época barroca, los intérpretes improvisaban adornos y los teclistas de bajo continuo improvisaban voces de acordes basadas en notación de bajo figurado . Sin embargo, en el siglo XX y principios del XXI, a medida que la práctica común de interpretación de música artística occidental se institucionalizó en orquestas sinfónicas, teatros de ópera y ballets, la improvisación ha jugado un papel menor. Al mismo tiempo, algunos compositores contemporáneos de los siglos XX y XXI han incluido cada vez más la improvisación en su trabajo creativo.
En la música clásica india , la improvisación es un componente central y un criterio esencial de las interpretaciones. En la música clásica india , afgana , paquistaní y bangladesí , el raga es el "marco tonal para la composición y la improvisación". [5] La Encyclopædia Britannica define un raga como "un marco melódico para la improvisación y la composición". [6]
Aunque la improvisación melódica fue un factor importante en la música europea desde los primeros tiempos, la primera información detallada sobre la técnica de improvisación aparece en tratados del siglo IX que instruían a los cantantes sobre cómo añadir otra melodía a un canto litúrgico preexistente, en un estilo llamado organum . [4] A lo largo de la Edad Media y el Renacimiento, el contrapunto improvisado sobre un cantus firmus (una práctica que se encuentra tanto en la música religiosa como en la música de baile popular) constituyó una parte de la educación de todo músico y se considera el tipo de música no escrita más importante antes. el periodo barroco. [7] [8]
Tras la invención de la imprenta musical a principios del siglo XVI, existe documentación más detallada de la práctica de la improvisación, en forma de manuales de instrucciones publicados, principalmente en Italia. [9] Además de improvisar contrapunto sobre un cantus firmus, cantantes e instrumentistas improvisaron melodías sobre patrones de acordes ostinato , hicieron elaborados adornos de líneas melódicas e inventaron música extemporáneamente sin ningún esquema predeterminado. [10] Los teclistas también interpretaron piezas improvisadas y de forma libre. [11]
Los tipos de improvisación practicados durante el Renacimiento (principalmente el embellecimiento de una parte existente o la creación de una o varias partes completamente nuevas) continuaron hasta principios del Barroco, aunque se introdujeron modificaciones importantes. La ornamentación comenzó a estar más bajo el control de los compositores, en algunos casos escribiendo adornos y, más ampliamente, introduciendo símbolos o abreviaturas para ciertos patrones ornamentales. Dos de las primeras fuentes importantes de ornamentación vocal de este tipo son Regole, passaggi di musica (1594) de Giovanni Battista Bovicelli y el prefacio de la colección de Giulio Caccini , Le nuove musiche (1601/2) [12] [13]
Los manuales del siglo XVIII dejan claro que se esperaba que los intérpretes de flauta, oboe, violín y otros instrumentos melódicos no sólo adornaran piezas previamente compuestas, sino que también improvisaran espontáneamente preludios. [14]
El bajo continuo (acompañamiento) era principalmente improvisado y el compositor generalmente no proporcionaba más que un boceto armónico llamado bajo figurado . El proceso de improvisación se llamó realización .
Según la Encyclopædia Britannica , las "texturas monódicas que se originaron alrededor de 1600... estaban listas para usar, de hecho en gran medida destinadas a mejorar la improvisación, no sólo de las partes agudas sino también, casi por definición, de los graves, que eran Pensé que no sugería más que un mínimo esquema de acordes." [3] El acompañamiento improvisado sobre un bajo figurado era una práctica común durante la época barroca y, hasta cierto punto, en los períodos siguientes. La improvisación sigue siendo una característica del órgano en algunos servicios religiosos y también se realiza regularmente en conciertos.
Dieterich Buxtehude y Johann Sebastian Bach fueron considerados en el período barroco improvisadores de órgano altamente cualificados. Durante el siglo XX, algunos músicos conocidos como grandes improvisadores como Marcel Dupré , Pierre Cochereau y Pierre Pincemaille continuaron esta forma de música, en la tradición de la escuela de órgano francesa . Maurice Duruflé , un gran improvisador, transcribió improvisaciones de Louis Vierne y Charles Tournemire . Olivier Latry más tarde escribió sus improvisaciones como composiciones, por ejemplo Salve Regina .
La música clásica se aleja del estilo barroco en el sentido de que a veces varias voces pueden moverse juntas como acordes que involucran ambas manos, para formar frases breves sin tonos pasajeros. Aunque Mozart utilizó estos motivos con moderación, Beethoven y Schubert los adoptaron de manera mucho más liberal. Estos acordes también aparecieron hasta cierto punto en la música barroca para teclado, como el tema del tercer movimiento del Concierto italiano de Bach . Pero en aquella época ese acorde a menudo aparecía sólo en una clave a la vez (o con una mano en el teclado) y no formaba las frases independientes que se encuentran más en la música posterior. Adorno menciona este movimiento del Concierto italiano como una forma de improvisación más flexible, en comparación con Mozart, sugiriendo la disminución gradual de la improvisación mucho antes de que su declive se hiciera evidente. [15]
Sin embargo, el gesto introductorio de tónica, subdominante, dominante, tónica , al igual que su forma barroca, continúa apareciendo al comienzo de piezas para piano clásicas y románticas (y mucha otra música), como en la Sonata para piano Hob de Haydn. XVI/52 y la Sonata n.º 24 de Beethoven , op. 78 .
Beethoven y Mozart cultivaron marcas de humor como con amore , appassionato , cantabile y expressivo . De hecho, tal vez sea porque la improvisación es espontánea que es similar a la comunicación del amor. [dieciséis]
Beethoven y Mozart dejaron excelentes ejemplos de cómo eran sus improvisaciones, en los conjuntos de variaciones y sonatas que publicaron, y en sus cadencias escritas (que ilustran cómo habrían sonado sus improvisaciones). Como teclista, Mozart compitió al menos una vez en improvisación, con Muzio Clementi . [17] Beethoven ganó muchas duras batallas de improvisación sobre rivales como Johann Nepomuk Hummel , Daniel Steibelt y Joseph Woelfl . [18]
La improvisación, tanto en forma de introducciones a las piezas como de vínculos entre piezas, siguió siendo una característica de la concertación para teclados hasta principios del siglo XX. Entre los que practicaron este tipo de improvisación se encontraban Franz Liszt , Felix Mendelssohn , Anton Rubinstein , Paderewski , Percy Grainger y Pachmann . La improvisación en el ámbito de la música artística parece haber disminuido con el crecimiento de la grabación. [19]
Después de estudiar más de 1.200 grabaciones tempranas de Verdi , Will Crutchfield concluye que "el solo de cavatina fue el lugar más obvio y duradero de discreción solista en la ópera del siglo XIX". [20] Continúa identificando siete tipos principales de improvisación vocal utilizados por los cantantes de ópera en este repertorio: [21]
La improvisación es uno de los elementos básicos que diferencia al jazz de otros tipos de música. Se entiende que los momentos unificadores en la improvisación que tienen lugar en la interpretación en vivo abarcan al intérprete, al oyente y al espacio físico en el que tiene lugar la interpretación. [22] Incluso si la improvisación también se encuentra fuera del jazz, puede ser que no Otra música se basa en gran medida en el arte de "componer en el momento", exigiendo que cada músico alcance un cierto nivel de creatividad que pueda poner al intérprete en contacto con sus estados conscientes e inconscientes. [23] El uso educativo de grabaciones de jazz improvisadas es ampliamente reconocido. Ofrecen un valor claro como documentación de actuaciones a pesar de sus limitaciones percibidas. Con estos disponibles, generaciones de músicos de jazz pueden implicar estilos e influencias en sus nuevas improvisaciones interpretadas. [24] En la improvisación se pueden utilizar muchas escalas variadas y sus modos . A menudo no se escriben en el proceso, pero ayudan a los músicos a practicar el lenguaje del jazz.
Una visión común de lo que hace un solista de jazz podría expresarse así: a medida que pasan las armonías , selecciona notas de cada acorde , a partir de las cuales crea una melodía . Es libre de embellecer mediante tonos pasajeros y vecinos, y puede añadir extensiones a los acordes, pero un buen improvisador debe seguir en todo momento los cambios . ... [Sin embargo], un músico de jazz realmente tiene varias opciones: puede reflejar exactamente la progresión de acordes, puede "hojear" la progresión y simplemente decorarla con notas de la tonalidad de la pieza (escala musical principal ) , o puede crear su propia voz , utilizando su intuición y experiencia auditiva, que puede chocar en algunos puntos con los acordes que toca la sección rítmica . [25]
Con la notable excepción de la improvisación litúrgica en órgano, la primera mitad del siglo XX está marcada por una ausencia casi total de improvisación real en la música clásica contemporánea. [26] Desde la década de 1950, algunos compositores contemporáneos han impuesto menos restricciones al intérprete improvisador, utilizando técnicas como la notación vaga (por ejemplo, indicando sólo que un cierto número de notas deben sonar dentro de un período de tiempo definido). Se fundaron conjuntos de Nueva Música formados en torno a la improvisación, como la Scratch Orchestra en Inglaterra; Música Elettronica Viva en Italia; el Conjunto de Cámara de Improvisación Lukas Foss de la Universidad de California, Los Ángeles; el New Music Ensemble de Larry Austin en la Universidad de California, Davis; el Grupo ONCE en Ann Arbor; el Grupo de Artes Sonic; y Sonics , los tres últimos se financian a través de conciertos, giras y subvenciones. Entre las piezas importantes se incluyen Foss Time Cycles (1960) y Echoi (1963). [27]
Otros compositores que trabajan con la improvisación incluyen a Richard Barrett , Benjamin Boretz , Pierre Boulez , Joseph Brent , Sylvano Bussotti , Cornelius Cardew , Jani Christou , Douglas J. Cuomo , Alvin Curran , Stuart Dempster , Hugh Davies , Karlheinz Essl , Mohammed Fairouz , Rolf Gehlhaar , Vinko Globokar , Richard Grayson , Hans-Joachim Hespos , Barton McLean , Priscilla McLean , Stephen Nachmanovitch , Pauline Oliveros , Henri Pousseur , Todd Reynolds , Terry Riley , Frederic Rzewski , Saman Samadi , William O. Smith , Manfred Stahnke , Karlheinz Stockhausen , Tōru Takemitsu , Richard Teitelbaum , Vangelis , Michael Vetter , Christian Wolff , Iannis Xenakis , Yitzhak Yedid , La Monte Young , Frank Zappa , Hans Zender y John Zorn .
Los grupos de rock psicodélico británicos y estadounidenses de las décadas de 1960 y 1970 utilizaron improvisaciones para expresarse en un lenguaje musical. [28] La banda de rock estadounidense Grateful Dead basó su carrera en presentaciones en vivo improvisadas, lo que significa que nunca dos shows sonaron iguales. [29] [30] La improvisación fue una parte clave de la música de Pink Floyd de 1967 a 1972. [31]
En el ámbito de la interpretación musical del cine mudo , había músicos ( organistas de teatro y pianistas ) cuyas interpretaciones improvisadas que acompañaban estas películas han sido reconocidas como excepcionales por la crítica, los académicos y el público por igual. [32] [33] Neil Brand fue un compositor que también interpretó de forma improvisada. [34] Brand, junto con Guenter A. Buchwald, Philip Carli, Stephen Horne, Donald Sosin, John Sweeney y Gabriel Thibaudeau, actuaron en la conferencia anual sobre cine mudo en Pordenone, Italia, Le Giornate del Cinema Muto . Al improvisar para una película muda, los intérpretes deben tocar música que coincida con el estado de ánimo, el estilo y el ritmo de las películas que acompañan. En algunos casos, los músicos tenían que acompañar películas a primera vista , sin preparación. Los improvisadores necesitaban conocer una amplia gama de estilos musicales y tener la resistencia para tocar en secuencias de películas que en ocasiones duraban más de tres horas. Además de las actuaciones, algunos pianistas también impartieron clases magistrales para aquellos que quisieran desarrollar su habilidad en la improvisación para películas. Cuando se introdujo el cine sonoro (películas sonoras), estos talentosos músicos improvisadores tuvieron que buscar otros trabajos . En la década de 2010, hay un pequeño número de sociedades cinematográficas que presentan películas mudas antiguas, utilizando músicos improvisadores en vivo para acompañar la película.
En todo el mundo existen muchos lugares dedicados a apoyar la improvisación en vivo. En Melbourne desde 1998, el Make It Up Club (que se celebra todos los martes por la noche en el Bar Open de Brunswick Street, Melbourne ) ha estado presentando una serie de conciertos semanales dedicados a promover la música improvisada de vanguardia y la interpretación sonora de los más altos estándares conceptuales y performativos ( independientemente del idioma, género o instrumentación). El Make It Up Club se ha convertido en una institución de la música improvisada australiana y presenta constantemente artistas de todo el mundo.
Han surgido varios enfoques para la enseñanza de la improvisación en la pedagogía del jazz , la pedagogía de la música popular , el método Dalcroze , Orff-Schulwerk y la música creativa de Satis Coleman . La investigación actual en educación musical incluye investigar con qué frecuencia se enseña la improvisación, [35] qué confianza tienen los estudiantes y profesores de música al enseñar improvisación, [36] la neurociencia y los aspectos psicológicos de la improvisación, [37] y la improvisación libre como enfoque pedagógico. [38]
Un raga es uno de los modos melódicos utilizados en la música clásica india . Joep Bor del Conservatorio de Música de Rotterdam ha definido a Raga como "un marco tonal para la composición y la improvisación". [5] Nazir Jairazbhoy , presidente del departamento de etnomusicología de UCLA , caracterizó a los ragas como separados por escala, línea de ascenso y descenso, transiliencia, notas y registros enfatizados, y entonación y ornamentos. [39] Un raga utiliza una serie de cinco o más notas musicales sobre las cuales se construye una melodía . Sin embargo, la forma en que se abordan y representan las notas en frases musicales y el estado de ánimo que transmiten son más importantes para definir un raga que las notas mismas. En la tradición musical india, los ragas se asocian con diferentes momentos del día o con las estaciones. La música clásica india siempre se desarrolla en un raga. La música no clásica, como las canciones de películas populares indias y los ghazals , a veces utilizan ragas en sus composiciones.
Según la Encyclopædia Britannica , un raga, también escrito rag (en el norte de la India) o ragam (en el sur de la India), (del sánscrito, que significa "color" o "pasión"), en la música clásica de la India, Bangladesh y Pakistán, es "un marco melódico para la improvisación y la composición. Un raga se basa en una escala con un conjunto determinado de notas, un orden típico en el que aparecen en las melodías y motivos musicales característicos. Los componentes básicos de un raga se pueden escribir en la forma de una escala (en algunos casos difieren en ascenso y descenso). Al usar sólo estas notas, al enfatizar ciertos grados de la escala y al pasar de una nota a otra en formas características del raga, el intérprete se propone crear un estado de ánimo o atmósfera (rasa) que es exclusivo del raga en cuestión. Hay varios cientos de ragas en uso actualmente, y miles son posibles en teoría ". [6]
Alapa (sánscrito: "conversación") son "estructuras melódicas improvisadas que revelan las características musicales de un raga". [6] "Alapa normalmente constituye la primera sección de la interpretación de un raga. Vocal o instrumental, se acompaña de un instrumento de drone (tono sostenido) y, a menudo, también de un instrumento melódico que repite las frases del solista después de un retraso de un unos pocos segundos. La parte principal del alapa no es métrica sino rítmicamente libre; en la música indostánica se mueve gradualmente a una sección conocida como jor, que utiliza un pulso rítmico aunque no tala (ciclo métrico). El intérprete del alapa introduce gradualmente lo esencial notas y giros melódicos del raga que se van a interpretar. Sólo cuando el solista esté satisfecho de haber expuesto toda la gama de posibilidades melódicas del raga y de haber establecido su estado de ánimo y personalidad únicos, procederá, sin interrupción, a la interpretación métricamente organizada. sección de la pieza. Si un baterista está presente, como es habitual en un concierto formal, sus primeros tiempos sirven como señal para el oyente de que el alapa ha concluido." [40]
La improvisación automática utiliza algoritmos informáticos para crear improvisaciones sobre materiales musicales existentes. Esto generalmente se hace mediante una recombinación sofisticada de frases musicales extraídas de música existente, ya sea en vivo o pregrabada. Para lograr una improvisación creíble en un estilo particular, la improvisación automática utiliza algoritmos de aprendizaje automático y coincidencia de patrones para analizar ejemplos musicales existentes. Los patrones resultantes se utilizan luego para crear nuevas variaciones "en el estilo" de la música original, desarrollando una noción de reinyección estilística. Esto es diferente de otros métodos de improvisación con computadoras que utilizan composición algorítmica para generar música nueva sin realizar análisis de ejemplos musicales existentes. [41]
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