El período clásico fue una era de la música clásica entre aproximadamente 1750 y 1820. [1]
El período Clásico se sitúa entre el Barroco y el Romántico . [2] La música clásica tiene una textura más ligera y clara que la música barroca, pero un uso más variado de la forma musical , que es, en términos más simples, el ritmo y la organización de cualquier pieza musical determinada. Es principalmente homofónico , utilizando una línea melódica clara sobre un acompañamiento de acordes subordinado , [3] pero el contrapunto no fue de ninguna manera olvidado, especialmente en la música vocal litúrgica y, más adelante en el período, en la música instrumental secular. También hace uso del estilo galante que enfatizaba la elegancia ligera en lugar de la seriedad digna y la grandeza impresionante del barroco. La variedad y el contraste dentro de una pieza se volvieron más pronunciados que antes y la orquesta aumentó en tamaño, alcance y poder.
El clavecín fue sustituido como principal instrumento de teclado por el piano (o fortepiano ). A diferencia del clavecín, que pulsa las cuerdas con púas, los pianos golpean las cuerdas con martillos cubiertos de cuero cuando se presionan las teclas, lo que permite al intérprete tocar más fuerte o más suave (de ahí el nombre original "fortepiano", literalmente "fuerte suave") y jugar con más expresión; por el contrario, la fuerza con la que un intérprete toca las teclas del clavicémbalo no cambia el sonido. La música instrumental fue considerada importante por los compositores del período clásico. Los principales tipos de música instrumental eran la sonata , el trío , el cuarteto de cuerda , el quinteto , la sinfonía (interpretada por una orquesta) y el concierto solista , en el que un intérprete solista virtuoso tocaba una obra solista para violín, piano, flauta u otro instrumento. acompañado de una orquesta. La música vocal, como las canciones para cantante y piano (en particular, la obra de Schubert), las obras corales y la ópera (una obra dramática escenificada para cantantes y orquesta) también fueron importantes durante este período.
Los compositores más conocidos de este período son Joseph Haydn , Wolfgang Amadeus Mozart , Ludwig van Beethoven y Franz Schubert ; otros nombres de este período incluyen: Carl Philipp Emanuel Bach , Johann Christian Bach , Luigi Boccherini , Domenico Cimarosa , Joseph Martin Kraus , Muzio Clementi , Christoph Willibald Gluck , Carl Ditters von Dittersdorf , André Grétry , Pierre-Alexandre Monsigny , Leopold Mozart , Michael Haydn , Giovanni Paisiello , Johann Baptist Wanhal , François-André Danican Philidor , Niccolò Piccinni , Antonio Salieri , Etienne Nicolas Mehul , Georg Christoph Wagenseil , Johann Simon Mayr , Georg Matthias Monn , Johann Gottlieb Graun , Carl Heinrich Graun , Franz Benda , Georg Anton Benda , Johann Georg Albrechtsberger , Mauro Giuliani , Christian Cannabich y el Caballero de Saint-Georges . Beethoven es considerado un compositor romántico o un compositor del período clásico que formó parte de la transición a la era romántica. Schubert es también una figura de transición, al igual que Johann Nepomuk Hummel , Luigi Cherubini , Gaspare Spontini , Gioachino Rossini , Carl Maria von Weber , Jan Ladislav Dussek y Niccolò Paganini . A veces se hace referencia a este período como la era del clasicismo vienés (en alemán: Wiener Klassik ), ya que Gluck, Haydn, Salieri, Mozart, Beethoven y Schubert trabajaron en Viena .
A mediados del siglo XVIII, Europa comenzó a avanzar hacia un nuevo estilo en la arquitectura , la literatura y las artes, generalmente conocido como Neoclasicismo . Este estilo buscaba emular los ideales de la antigüedad clásica , especialmente los de la Grecia clásica . [4] La música clásica usaba formalidad y énfasis en el orden y la jerarquía, y un estilo "más claro", "más limpio" que usaba divisiones más claras entre las partes (en particular, una melodía única y clara acompañada de acordes), contrastes más brillantes y "colores de tono" ( logrado mediante el uso de cambios dinámicos y modulaciones a más tonalidades). En contraste con la música rica en capas de la época barroca, la música clásica avanzó hacia la simplicidad en lugar de la complejidad. Además, el tamaño típico de las orquestas comenzó a aumentar, [4] dándoles un sonido más potente.
El notable desarrollo de las ideas en la " filosofía natural " ya se había consolidado en la conciencia pública. En particular, se tomó como paradigma la física de Newton : las estructuras debían estar bien fundamentadas en axiomas y estar bien articuladas y ordenadas. Este gusto por la claridad estructural comenzó a afectar a la música, que se alejó de la polifonía en capas del período barroco hacia un estilo conocido como homofonía , en el que la melodía se toca sobre una armonía subordinada . [4] Este movimiento significó que los acordes se convirtieron en una característica mucho más frecuente de la música, incluso si interrumpían la suavidad melódica de una sola parte. Como resultado, la estructura tonal de una pieza musical se volvió más audible .
El nuevo estilo también fue alentado por cambios en el orden económico y la estructura social. A medida que avanzaba el siglo XVIII, la nobleza se convirtió en la principal mecenas de la música instrumental, mientras que el gusto del público prefería cada vez más las óperas cómicas más ligeras y divertidas . Esto llevó a cambios en la forma en que se interpretaba la música, el más crucial de los cuales fue el paso a grupos instrumentales estándar y la reducción de la importancia del continuo , la base rítmica y armónica de una pieza musical, típicamente tocada por un teclado ( clavecín u órgano ) y generalmente acompañado de un variado grupo de instrumentos bajos, entre ellos violonchelo , contrabajo , viola baja y tiorba . Una forma de rastrear la decadencia del continuo y sus acordes figurados es examinar la desaparición del término obbligato , que significa parte instrumental obligatoria en una obra de música de cámara . En las composiciones barrocas, se podían agregar instrumentos adicionales al grupo de continuo según la preferencia del grupo o del líder; en las composiciones clásicas, todas las partes se anotaban específicamente, aunque no siempre , por lo que el término "obbligato" se volvió redundante. En 1800, el bajo continuo estaba prácticamente extinto, excepto por el uso ocasional de una parte de órgano continuo en una misa religiosa a principios del siglo XIX.
Los cambios económicos también tuvieron el efecto de alterar el equilibrio entre disponibilidad y calidad de los músicos. Mientras que en el Barroco tardío, un compositor importante podía aprovechar todos los recursos musicales de una ciudad, las fuerzas musicales disponibles en un pabellón de caza aristocrático o en una pequeña corte eran más pequeñas y más fijas en su nivel de habilidad. Esto fue un estímulo para tener partes más simples para que las tocaran los músicos de conjunto y, en el caso de un grupo virtuoso residente, un estímulo para escribir partes espectaculares e idiomáticas para ciertos instrumentos, como en el caso de la orquesta de Mannheim , o partes solistas virtuosas para violinistas o flautistas especialmente hábiles. Además, el apetito del público por un suministro continuo de nueva música era heredado del Barroco. Esto significaba que las obras debían poder interpretarse con, en el mejor de los casos, uno o dos ensayos. Incluso después de 1790, Mozart escribe sobre "el ensayo", dando a entender que sus conciertos tendrían sólo un ensayo.
Dado que había un mayor énfasis en una sola línea melódica, hubo un mayor énfasis en anotar esa línea para la dinámica y el fraseo. Esto contrasta con la época barroca, cuando las melodías se escribían típicamente sin dinámicas, marcas de fraseo ni adornos, ya que se suponía que el intérprete improvisaría estos elementos en el acto. En la era clásica, se volvió más común que los compositores indicaran dónde querían que los intérpretes tocaran adornos como trinos o giros. La simplificación de la textura hizo que esos detalles instrumentales fueran más importantes, y también hizo que el uso de ritmos característicos, como las fanfarrias iniciales que llaman la atención, el ritmo de la marcha fúnebre o el género del minueto, fueran más importantes para establecer y unificar el tono de un solo movimiento. .
El período clásico también vio el desarrollo gradual de la forma sonata , un conjunto de principios estructurales de la música que reconciliaba la preferencia clásica por el material melódico con el desarrollo armónico, que podía aplicarse a todos los géneros musicales. La sonata en sí continuó siendo la forma principal de música solista y de cámara, mientras que más tarde, en el período clásico, el cuarteto de cuerda se convirtió en un género destacado. En este período se creó la forma sinfónica para orquesta (popularmente se atribuye a Joseph Haydn ). El concerto grosso (un concierto para más de un músico), una forma muy popular en la época barroca, comenzó a ser reemplazado por el concierto solista , en el que participaba un solo solista. Los compositores comenzaron a darle más importancia a la capacidad del solista en particular para mostrar habilidades virtuosas, con escalas y arpegios desafiantes y rápidos. No obstante, quedaron algunos concerti grossi , el más famoso de los cuales fue la Sinfonía Concertante para violín y viola en mi bemol mayor de Mozart .
En el período clásico, el tema consta de frases con figuras melódicas y ritmos contrastantes . Estas frases son relativamente breves, normalmente de cuatro compases de longitud y, en ocasiones, pueden parecer escasas o concisas. La textura es principalmente homofónica , [3] con una melodía clara sobre un acompañamiento de acordes subordinado , por ejemplo un bajo Alberti . Esto contrasta con la práctica de la música barroca , donde una pieza o movimiento normalmente tendría un solo tema musical, que luego se elaboraría en varias voces de acuerdo con los principios del contrapunto , manteniendo un ritmo o métrica constante en todo momento. Como resultado, la música clásica tiende a tener una textura más ligera y clara que la barroca. El estilo clásico se basa en el estilo galant , un estilo musical que enfatizaba la elegancia ligera en lugar de la seriedad digna y la grandeza impresionante del barroco.
Estructuralmente, la música clásica generalmente tiene una forma musical clara , con un contraste bien definido entre tónica y dominante [ cita requerida ] , introducido por cadencias claras . Se utiliza la dinámica para resaltar las características estructurales de la pieza. En particular, la forma sonata y sus variantes se desarrollaron durante el período clásico temprano y se utilizaron con frecuencia. El enfoque clásico de la estructura nuevamente contrasta con el Barroco, donde una composición normalmente se movería entre tónica y dominante y viceversa [ cita necesaria ] , pero a través de un progreso continuo de cambios de acordes y sin una sensación de "llegada" a la nueva clave. Si bien el contrapunto recibió menos énfasis en el período clásico, de ninguna manera se olvidó, especialmente más adelante en el período, y los compositores todavía lo usaban en obras "serias" como sinfonías y cuartetos de cuerda, así como en piezas religiosas, como las misas.
El estilo musical clásico se vio respaldado por avances técnicos en los instrumentos. La adopción generalizada del temperamento igual hizo posible la estructura musical clásica, al garantizar que las cadencias en todas las tonalidades sonaran similares. El fortepiano y luego el pianoforte reemplazaron al clavicémbalo , permitiendo un contraste más dinámico y melodías más sostenidas. Durante el período clásico, los instrumentos de teclado se volvieron más ricos, más sonoros y más poderosos.
La orquesta aumentó en tamaño y alcance y se volvió más estandarizada. La función de bajo continuo del clavicémbalo u órgano de tubos en la orquesta dejó de utilizarse entre 1750 y 1775, quedando la sección de cuerdas. Los instrumentos de viento de madera se convirtieron en una sección autónoma, formada por clarinetes , oboes , flautas y fagotes .
Si bien la música vocal, como la ópera cómica , era popular, se le dio gran importancia a la música instrumental. Los principales tipos de música instrumental eran la sonata , el trío , el cuarteto de cuerdas , el quinteto , la sinfonía , el concierto (normalmente para un instrumento solista virtuoso acompañado de una orquesta) y piezas ligeras como serenatas y divertimentos . La forma sonata se desarrolló y se convirtió en la forma más importante. Se utilizó para construir el primer movimiento de la mayoría de las obras de gran escala en sinfonías y cuartetos de cuerda . La forma sonata también se utilizó en otros movimientos y en piezas individuales e independientes, como las oberturas .
En su libro The Classical Style , el autor y pianista Charles Rosen afirma que entre 1755 y 1775, los compositores buscaron a tientas un nuevo estilo que fuera más efectivamente dramático. En el período del Alto Barroco, la expresión dramática se limitaba a la representación de afectos individuales (la "doctrina de los afectos", o lo que Rosen denomina "sentimiento dramático"). Por ejemplo, en el oratorio Jefté de Handel , el compositor representa cuatro emociones por separado, una para cada personaje, en el cuarteto "Oh, perdona a tu hija". Con el tiempo, esta descripción de las emociones individuales llegó a considerarse simplista y poco realista; Los compositores buscaban retratar múltiples emociones, simultánea o progresivamente, dentro de un solo personaje o movimiento ("acción dramática"). Así, en el final del segundo acto de Die Entführung aus dem Serail de Mozart , los amantes pasan "de la alegría, pasando por la sospecha y la indignación, hasta la reconciliación final". [5]
Musicalmente hablando, esta "acción dramática" requería más variedad musical. Mientras que la música barroca se caracterizaba por un flujo continuo dentro de los movimientos individuales y texturas en gran medida uniformes, los compositores posteriores al Alto Barroco buscaron interrumpir este flujo con cambios abruptos en la textura, la dinámica, la armonía o el tempo. Entre los desarrollos estilísticos que siguieron al Alto Barroco, el más dramático llegó a ser llamado Empfindsamkeit (más o menos " estilo sensible "), y su practicante más conocido fue Carl Philipp Emanuel Bach . Los compositores de este estilo emplearon las interrupciones mencionadas anteriormente de la manera más abrupta, y la música a veces puede sonar ilógica. El compositor italiano Domenico Scarlatti llevó estos avances más allá. Sus más de quinientas sonatas para teclado de un solo movimiento también contienen cambios abruptos de textura, pero estos cambios están organizados en períodos, frases equilibradas que se convirtieron en un sello distintivo del estilo clásico. Sin embargo, los cambios de textura de Scarlatti todavía suenan repentinos y desprevenidos. El logro más destacado de los grandes compositores clásicos (Haydn, Mozart y Beethoven) fue su capacidad para hacer que estas sorpresas dramáticas parecieran lógicamente motivadas, de modo que "lo expresivo y lo elegante pudieran unirse". [5]
Entre la muerte de JS Bach y la madurez de Haydn y Mozart (aproximadamente entre 1750 y 1770), los compositores experimentaron con estas nuevas ideas, que pueden verse en la música de los hijos de Bach. Johann Christian desarrolló un estilo que ahora llamamos rococó , que comprende texturas y armonías más simples y que era "encantador, poco dramático y un poco vacío". Como se mencionó anteriormente, Carl Philipp Emmanuel buscó aumentar el dramatismo y su música era "violenta, expresiva, brillante, continuamente sorprendente y, a menudo, incoherente". Y finalmente Wilhelm Friedemann, el hijo mayor de JS Bach, amplió las tradiciones barrocas de una manera idiomática y poco convencional. [6]
Al principio, el nuevo estilo adoptó formas barrocas (el ternario da capo aria , la sinfonía y el concierto ), pero compuesto con partes más simples, ornamentación más anotada, en lugar de los ornamentos improvisados que eran comunes en la época barroca, y una división más enfática de los temas. piezas en secciones. Sin embargo, con el tiempo, la nueva estética provocó cambios radicales en la forma de ensamblar las piezas y cambiaron los diseños formales básicos. Los compositores de este período buscaron efectos dramáticos, melodías llamativas y texturas más claras. Uno de los grandes cambios de textura fue un alejamiento del estilo polifónico complejo y denso del Barroco, en el que se tocaban simultáneamente múltiples líneas melódicas entrelazadas, y hacia la homofonía , una textura más ligera que utiliza una línea melódica única y clara acompañada de acordes.
La música barroca generalmente utiliza muchas fantasías armónicas y secciones polifónicas que se centran menos en la estructura de la pieza musical y se hacía menos énfasis en frases musicales claras. En el período clásico, las armonías se volvieron más simples. Sin embargo, la estructura de la pieza, las frases y pequeños motivos melódicos o rítmicos, adquirieron mucha más importancia que en el periodo barroco.
Otra ruptura importante con el pasado fue la revisión radical de la ópera por parte de Christoph Willibald Gluck , quien eliminó gran parte de las capas y adornos de improvisación y se centró en los puntos de modulación y transición. Al centrar más estos momentos en los que la armonía cambia, permitió cambios dramáticos poderosos en el color emocional de la música. Para resaltar estas transiciones utilizó cambios en la instrumentación ( orquestación ), melodía y modo . Entre los compositores más exitosos de su tiempo, Gluck generó muchos emuladores, incluido Antonio Salieri . Su énfasis en la accesibilidad generó grandes éxitos en la ópera y en otras músicas vocales como canciones, oratorios y coros. Se consideraban los tipos de música más importantes para la interpretación y, por tanto, gozaban de mayor éxito de público.
La fase entre el Barroco y el auge del Clásico (alrededor de 1730) fue el hogar de varios estilos musicales en competencia. La diversidad de caminos artísticos está representada en los hijos de Johann Sebastian Bach : Wilhelm Friedemann Bach , que continuó la tradición barroca de manera personal; Johann Christian Bach , que simplificó las texturas del barroco y que influyó más claramente en Mozart; y Carl Philipp Emanuel Bach , que compuso música apasionada y a veces violentamente excéntrica del movimiento Empfindsamkeit . La cultura musical se encontraba en una encrucijada: los maestros del estilo antiguo tenían la técnica, pero el público ansiaba lo nuevo. Esta es una de las razones por las que CPE Bach gozaba de tanta estima: conocía bastante bien las formas antiguas y sabía cómo presentarlas con ropa nueva, con una mayor variedad de formas.
.jpg/1280px-Haydn_portrait_by_Thomas_Hardy_(small).jpg)
A finales de la década de 1750 florecieron centros del nuevo estilo en Italia, Viena, Mannheim y París; Se compusieron decenas de sinfonías y hubo bandas de intérpretes asociadas a teatros musicales. La ópera u otra música vocal acompañada por una orquesta era la característica de la mayoría de los eventos musicales, con conciertos y sinfonías (que surgían de la obertura ) que servían como interludios instrumentales e introducciones para óperas y servicios religiosos. A lo largo del período clásico, las sinfonías y los conciertos se desarrollaron y se presentaron independientemente de la música vocal.
A finales de la década de 1750 se establecieron en Viena el conjunto orquestal "normal", un cuerpo de cuerdas complementadas con vientos, y movimientos de carácter rítmico particular. Sin embargo, la longitud y el peso de las piezas todavía tenían algunas características barrocas: los movimientos individuales todavía se centraban en un "afecto" (estado de ánimo musical) o tenían sólo una sección central marcadamente contrastante, y su longitud no era significativamente mayor que la de los movimientos barrocos. Todavía no había una teoría claramente enunciada sobre cómo componer en el nuevo estilo. Era un momento propicio para un gran avance.
El primer gran maestro del estilo fue el compositor Joseph Haydn . A finales de la década de 1750 comenzó a componer sinfonías y en 1761 había compuesto un tríptico ( Mañana , Mediodía y Tarde ) sólidamente en el estilo contemporáneo. Como vice- Kapellmeister y más tarde Kapellmeister, su producción se amplió: compuso más de cuarenta sinfonías sólo en la década de 1760. Y mientras su fama crecía, a medida que se ampliaba su orquesta y se copiaban y difundían sus composiciones, su voz era sólo una entre muchas.
Si bien algunos estudiosos sugieren que Haydn fue eclipsado posteriormente por Mozart y Beethoven, sería difícil exagerar la centralidad de Haydn en el nuevo estilo y, por tanto, en el futuro de la música artística occidental en su conjunto. En ese momento, antes de la preeminencia de Mozart o Beethoven, y con Johann Sebastian Bach conocido principalmente por los conocedores de la música para teclados, Haydn alcanzó un lugar en la música que lo colocó por encima de todos los demás compositores, excepto quizás George Frideric Handel de la época barroca . Haydn tomó ideas existentes y alteró radicalmente su funcionamiento, lo que le valió los títulos de "padre de la sinfonía " y "padre del cuarteto de cuerda ".
Una de las fuerzas que impulsó su avance fue el primer movimiento de lo que más tarde se llamaría romanticismo : el Sturm und Drang , o fase de "tormenta y estrés" en las artes, un breve período en el que el emocionalismo obvio y dramático se hizo presente. una preferencia estilística. En consecuencia, Haydn quería un contraste más dramático y melodías más atractivas emocionalmente, con carácter e individualidad agudizados en sus piezas. Este período se desvaneció en la música y la literatura; sin embargo, influyó en lo que vino después y eventualmente sería un componente del gusto estético en décadas posteriores.
La Sinfonía de despedida , n.º 45 en fa ♯ menor, ejemplifica la integración que hace Haydn de las diferentes exigencias del nuevo estilo, con sorprendentes giros bruscos y un adagio largo y lento para finalizar la obra. En 1772, Haydn completó su conjunto Opus 20 de seis cuartetos de cuerda, en el que desplegó las técnicas polifónicas que había reunido de la época barroca anterior para proporcionar una coherencia estructural capaz de mantener unidas sus ideas melódicas. Para algunos, esto marca el comienzo del estilo clásico "maduro", un período de transición en el que la reacción contra la complejidad del Barroco tardío dio paso a la integración de elementos barrocos y clásicos.
Haydn, que había trabajado durante más de una década como director musical de un príncipe, tenía muchos más recursos y posibilidades para componer que la mayoría de los demás compositores. Su posición también le dio la capacidad de dar forma a las fuerzas que tocarían su música, ya que podía seleccionar músicos expertos. Esta oportunidad no fue desperdiciada, ya que Haydn, desde muy temprano en su carrera, buscó impulsar la técnica de construir y desarrollar ideas en su música. Su siguiente avance importante fue en los cuartetos de cuerda Opus 33 (1781), en los que los roles melódicos y armónicos se suceden entre los instrumentos: a menudo no queda claro momentáneamente qué es melodía y qué es armonía. Esto cambia la forma en que el conjunto avanza entre momentos dramáticos de transición y secciones climáticas: la música fluye suavemente y sin interrupciones obvias. Luego tomó este estilo integrado y comenzó a aplicarlo a la música orquestal y vocal.
El don de Haydn para la música fue una manera de componer, una manera de estructurar las obras, que al mismo tiempo estaba de acuerdo con la estética rectora del nuevo estilo. Sin embargo, un contemporáneo más joven, Wolfgang Amadeus Mozart , aportó su genio a las ideas de Haydn y las aplicó a dos de los principales géneros de la época: la ópera y el concierto virtuoso. Mientras que Haydn pasó gran parte de su vida laboral como compositor de la corte, Mozart quería el éxito público en los conciertos de las ciudades, tocando para el público en general. Esto significaba que necesitaba escribir óperas y escribir e interpretar piezas virtuosas. Haydn no era un virtuoso a nivel de giras internacionales; Tampoco buscaba crear obras operísticas que pudieran presentarse durante muchas noches frente a una gran audiencia. Mozart quería lograr ambas cosas. Además, Mozart también tenía gusto por los acordes más cromáticos (y mayores contrastes en el lenguaje armónico en general), un mayor amor por crear una maraña de melodías en una sola obra y una sensibilidad más italiana en la música en su conjunto. Encontró, en la música de Haydn y más tarde en su estudio de la polifonía de JS Bach , los medios para disciplinar y enriquecer sus dotes artísticas.
Mozart rápidamente llamó la atención de Haydn, quien aclamó al nuevo compositor, estudió sus obras y consideró al joven su único verdadero igual en la música. En Mozart, Haydn encontró una mayor gama de instrumentación, efecto dramático y recurso melódico. La relación de aprendizaje avanzó en ambas direcciones. Mozart también sentía un gran respeto por el compositor mayor y más experimentado, y buscó aprender de él.
La llegada de Mozart a Viena en 1780 supuso una aceleración en el desarrollo del estilo clásico. Allí, Mozart absorbió la fusión de brillantez italiana y cohesión germánica que se había estado gestando durante los 20 años anteriores. Su propio gusto por los brillos llamativos, las melodías y figuras rítmicamente complejas, las largas melodías de cantilena y los florecimientos virtuosos se fusionó con un aprecio por la coherencia formal y la conexión interna. Es en este punto que la guerra y la inflación económica detuvieron la tendencia hacia orquestas más grandes y forzaron la disolución o reducción de muchas orquestas de teatro. Esto presionó el estilo clásico hacia adentro: hacia la búsqueda de mayores desafíos técnicos y de conjunto; por ejemplo, dispersar la melodía en instrumentos de viento de madera o usar una melodía armonizada en terceras. Este proceso dio importancia a la música de conjuntos pequeños, llamada música de cámara. También generó una tendencia hacia más presentaciones públicas, dando un impulso adicional al cuarteto de cuerda y otras agrupaciones pequeñas.
Fue durante esta década cuando el gusto del público empezó, cada vez más, a reconocer que Haydn y Mozart habían alcanzado un alto nivel de composición. Cuando Mozart llegó a la edad de 25 años, en 1781, los estilos dominantes de Viena estaban claramente conectados con el surgimiento en la década de 1750 del estilo clásico temprano. A finales de la década de 1780, los cambios en la práctica interpretativa , la posición relativa de la música instrumental y vocal, las exigencias técnicas a los músicos y la unidad estilística se habían establecido en los compositores que imitaban a Mozart y Haydn. Durante esta década, Mozart compuso sus óperas más famosas, sus seis últimas sinfonías que ayudaron a redefinir el género y una serie de conciertos para piano que aún se encuentran en la cima de estas formas.
Un compositor que influyó en la difusión del estilo más serio que habían formado Mozart y Haydn es Muzio Clementi , un talentoso pianista virtuoso que empató con Mozart en un "duelo" musical ante el emperador en el que cada uno improvisó en el piano e interpretó sus composiciones. . Las sonatas para piano de Clementi circularon ampliamente y se convirtió en el compositor de mayor éxito en Londres durante la década de 1780. También en Londres estaba Jan Ladislav Dussek , quien, al igual que Clementi, animó a los fabricantes de pianos a ampliar el rango y otras características de sus instrumentos, y luego explotó plenamente las posibilidades recién abiertas. A menudo se pasa por alto la importancia de Londres en el período clásico, pero sirvió como sede de la fábrica Broadwood para la fabricación de pianos y como base para compositores que, aunque menos notables que la "Escuela de Viena", tuvieron una influencia decisiva en lo que vino. más tarde. Fueron compositores de muchas obras excelentes, notables por derecho propio. El gusto de Londres por el virtuosismo bien pudo haber alentado el complejo trabajo de pasajes y las declaraciones extendidas sobre tónica y dominante.
Cuando Haydn y Mozart comenzaron a componer, las sinfonías se interpretaban como movimientos únicos (antes, entre ellas o como interludios dentro de otras obras) y muchas de ellas duraban sólo diez o doce minutos; Los grupos instrumentales tenían diferentes estándares de interpretación y el continuo era una parte central de la creación musical.
En los años transcurridos, el mundo social de la música había experimentado cambios dramáticos. Las publicaciones y las giras internacionales habían crecido explosivamente y se formaron sociedades de conciertos. La notación se volvió más específica, más descriptiva, y los esquemas de las obras se simplificaron (aunque se volvieron más variados en su elaboración exacta). En 1790, justo antes de la muerte de Mozart, cuando su reputación se extendía rápidamente, Haydn estaba preparado para una serie de éxitos, en particular sus últimos oratorios y sus sinfonías de Londres . Compositores de París, Roma y de toda Alemania recurrieron a Haydn y Mozart en busca de ideas sobre la forma.
En la década de 1790 surgió una nueva generación de compositores, nacida alrededor de 1770. Si bien habían crecido con los estilos anteriores, escucharon en las obras recientes de Haydn y Mozart un vehículo para una mayor expresión. En 1788 Luigi Cherubini se instaló en París y en 1791 compuso Lodoiska , ópera que lo elevó a la fama. Su estilo refleja claramente los Haydn y Mozart maduros, y su instrumentación le dio un peso que aún no se había sentido en la gran ópera . Su contemporáneo Étienne Méhul amplió los efectos instrumentales con su ópera Euphrosine et Coradin de 1790 , a la que siguió una serie de éxitos. El impulso final hacia el cambio provino de Gaspare Spontini , profundamente admirado por futuros compositores románticos como Weber, Berlioz y Wagner. El innovador lenguaje armónico de sus óperas, su refinada instrumentación y sus números cerrados "encadenados" (un patrón estructural que más tarde adoptó Weber en Euryanthe y que de él pasó, a través de Marschner, a Wagner), formaron la base a partir de la cual se desarrollaron las óperas francesas y La ópera romántica alemana tuvo sus inicios.
El más fatídico de la nueva generación fue Ludwig van Beethoven , que lanzó sus obras numeradas en 1794 con un conjunto de tres tríos para piano, que permanecen en el repertorio. Algo más joven que los demás, aunque igualmente exitoso debido a sus estudios juveniles con Mozart y su virtuosismo nativo, era Johann Nepomuk Hummel . Hummel también estudió con Haydn; era amigo de Beethoven y Franz Schubert . Se concentró más en el piano que en cualquier otro instrumento, y su estancia en Londres en 1791 y 1792 generó la composición y publicación en 1793 de tres sonatas para piano, opus 2, que utilizaban idiomáticamente las técnicas de Mozart para evitar la cadencia esperada, y las de Clementi, a veces modalmente. figuración virtuosa incierta. En conjunto, estos compositores pueden considerarse la vanguardia de un amplio cambio de estilo y el centro de la música. Estudiaban las obras de los demás, copiaban sus gestos musicales y, en ocasiones, se comportaban como rivales pendencieros.
Las diferencias cruciales con la ola anterior se pueden ver en el descenso de las melodías, el aumento de la duración de los movimientos, la aceptación de Mozart y Haydn como paradigmáticos, el mayor uso de los recursos del teclado, el paso de la escritura "vocal" a la escritura "pianística". , la creciente atracción de lo menor y de la ambigüedad modal, y la creciente importancia de variar las figuras de acompañamiento para presentar la "textura" como elemento de la música. En resumen, el Clásico tardío buscaba música que fuera internamente más compleja. El crecimiento de las sociedades de conciertos y las orquestas de aficionados, que marcaron la importancia de la música como parte de la vida de la clase media, contribuyó a un mercado en auge para que los pianos, la música para piano y los virtuosos sirvieran como ejemplos. Hummel, Beethoven y Clementi eran famosos por su improvisación.
La influencia directa del barroco siguió desvaneciéndose: el bajo figurado se volvió menos prominente como medio para mantener unida la interpretación, y las prácticas interpretativas de mediados del siglo XVIII continuaron desapareciendo. Sin embargo, al mismo tiempo, comenzaron a estar disponibles ediciones completas de los maestros barrocos y la influencia del estilo barroco siguió creciendo, particularmente en el uso cada vez más amplio del latón. Otra característica de la época es el creciente número de representaciones en las que el compositor no estaba presente. Esto condujo a un mayor detalle y especificidad en la notación; por ejemplo, había menos partes "opcionales" que estaban separadas de la partitura principal.
La fuerza de estos cambios se hizo evidente con la Tercera Sinfonía de Beethoven, a la que el compositor le dio el nombre de Eroica , que en italiano significa "heroico". Al igual que La consagración de la primavera de Stravinsky , puede que no haya sido la primera en todas sus innovaciones, pero su uso agresivo de cada parte del estilo clásico lo distingue de sus obras contemporáneas: en extensión, ambición y recursos armónicos también. convirtiéndola en la primera sinfonía de la época romántica .
La Primera Escuela de Viena es un nombre utilizado principalmente para referirse a tres compositores del período clásico de la Viena de finales del siglo XVIII : Haydn, Mozart y Beethoven. Franz Schubert se añade ocasionalmente a la lista.
En los países de habla alemana, se utiliza el término Wiener Klassik (literalmente, época/arte clásico vienés ). Ese término a menudo se aplica más ampliamente a la era clásica de la música en su conjunto, como un medio para distinguirla de otros períodos a los que coloquialmente se hace referencia como clásica , a saber, la música barroca y romántica .
El término "Escuela vienesa" fue utilizado por primera vez por el musicólogo austriaco Raphael Georg Kiesewetter en 1834, aunque sólo contaba con Haydn y Mozart como miembros de la escuela. Otros escritores siguieron su ejemplo y, finalmente, se añadió Beethoven a la lista. [7] La denominación "primera" se añade hoy para evitar confusiones con la Segunda Escuela de Viena .
Si bien, aparte de Schubert, estos compositores ciertamente se conocían (haydn y Mozart incluso fueron compañeros ocasionales en música de cámara), no hay ningún sentido en el que estuvieran involucrados en un esfuerzo de colaboración en el sentido que uno asociaría con escuelas del siglo XX. como la Segunda Escuela de Viena, o Les Six . Tampoco hay ningún sentido significativo en el que un compositor haya sido "educado" por otro (en la forma en que Schoenberg enseñó a Berg y Webern), aunque es cierto que Beethoven recibió lecciones de Haydn durante un tiempo.
Los intentos de ampliar la Primera Escuela de Viena para incluir figuras posteriores como Anton Bruckner , Johannes Brahms y Gustav Mahler son meramente periodísticos y nunca se encuentran en la musicología académica. Según el erudito James F. Daugherty, el período clásico en sí, aproximadamente entre 1775 y 1825, a veces se denomina "el período clásico vienés". [8]
Las eras musicales y sus estilos, formas e instrumentos predominantes rara vez desaparecen de inmediato; en cambio, las características se reemplazan con el tiempo, hasta que el antiguo enfoque simplemente se siente como "anticuado". El estilo clásico no "murió" repentinamente; más bien, fue desapareciendo gradualmente bajo el peso de los cambios. Para dar sólo un ejemplo, si bien generalmente se afirma que la era clásica dejó de utilizar el clavicémbalo en las orquestas, esto no ocurrió de repente al inicio de la era clásica en 1750. Más bien, las orquestas poco a poco dejaron de utilizar el clavicémbalo para tocar. bajo continuo hasta que la práctica se suspendió a finales del siglo XVIII.
Un cambio crucial fue el cambio hacia armonías centradas en tonalidades "planas": cambios en la dirección subdominante [ se necesita aclaración ] . En el estilo clásico, la tonalidad mayor era mucho más común que la menor, y el cromatismo se moderaba mediante el uso de una modulación "nítida" (por ejemplo, una pieza en do mayor modulada a sol mayor, re mayor o la mayor, todas las cuales son tonalidades). con más objetos punzantes). Además, las secciones en modo menor se utilizaban a menudo para contrastar. A partir de Mozart y Clementi, comenzó una progresiva colonización de la región subdominante (el acorde ii o IV, que en la tonalidad de do mayor serían las tonalidades de re menor o fa mayor). Con Schubert, las modulaciones subdominantes florecieron después de ser introducidas en contextos en los que los compositores anteriores se habrían limitado a cambios de dominante (modulaciones al acorde dominante , por ejemplo, en la tonalidad de do mayor, modulando a sol mayor). Esto introdujo colores más oscuros en la música, fortaleció el modo menor e hizo que la estructura fuera más difícil de mantener. Beethoven contribuyó a esto con su uso cada vez mayor de la cuarta como consonancia y la ambigüedad modal, por ejemplo, la apertura de la Sinfonía n.° 9 en re menor .
Ludwig van Beethoven , Franz Schubert , Carl Maria von Weber , Johann Nepomuk Hummel y John Field se encuentran entre los más destacados de esta generación de "proto-románticos", junto con el joven Felix Mendelssohn . Su sentido de la forma estuvo fuertemente influenciado por el estilo clásico. Si bien todavía no eran compositores "eruditos" (que imitaban reglas codificadas por otros), respondieron directamente a las obras de Haydn, Mozart, Clementi y otros, a medida que las encontraban. Las fuerzas instrumentales a su disposición en las orquestas también eran bastante "clásicas" en número y variedad, lo que permitía similitudes con las obras clásicas.
Sin embargo, las fuerzas destinadas a acabar con el dominio del estilo clásico cobraron fuerza en las obras de muchos de los compositores mencionados anteriormente, en particular Beethoven. La más comúnmente citada es la innovación armónica. También es importante el creciente interés en contar con una figuración acompañante continua y rítmicamente uniforme: la Sonata Claro de luna de Beethoven fue el modelo para cientos de piezas posteriores, donde el movimiento cambiante de una figura rítmica proporciona gran parte del dramatismo y el interés de la obra, mientras que una melodía flota por encima de él. Mayor conocimiento de las obras, mayor conocimiento instrumental, mayor variedad de instrumentos, crecimiento de las sociedades de conciertos y dominio imparable del piano, cada vez más potente (al que avances tecnológicos como el uso de cuerdas de acero le dieron un tono más audaz y fuerte, pesados marcos de hierro fundido y cuerdas que vibraban con simpatía) crearon una gran audiencia para la música sofisticada. Todas estas tendencias contribuyeron al cambio hacia el estilo "romántico" .
Trazar la línea entre estos dos estilos es muy difícil: algunas secciones de las últimas obras de Mozart, tomadas solas, son indistinguibles en armonía y orquestación de la música escrita 80 años después, y algunos compositores continuaron escribiendo en estilos clásicos normativos hasta principios del siglo XX. Incluso antes de la muerte de Beethoven, compositores como Louis Spohr se describían a sí mismos como románticos e incorporaban, por ejemplo, un cromatismo más extravagante en sus obras (por ejemplo, utilizando armonías cromáticas en la progresión de acordes de una pieza ). Por el contrario, obras como la Sinfonía n.º 5 de Schubert , escrita durante el final cronológico de la era clásica y los albores de la era romántica , exhiben un paradigma artístico deliberadamente anacrónico, que se remonta al estilo compositivo de varias décadas antes.
Sin embargo, la caída de Viena como centro musical más importante para la composición orquestal a finales de la década de 1820, precipitada por las muertes de Beethoven y Schubert , marcó el eclipse final del estilo clásico y el fin de su continuo desarrollo orgánico de un compositor que aprendía muy cerca de él. otros. Franz Liszt y Frédéric Chopin visitaron Viena cuando eran jóvenes, pero luego se trasladaron a otras ciudades. Compositores como Carl Czerny , aunque profundamente influenciados por Beethoven, también buscaron nuevas ideas y nuevas formas para contener el mundo más amplio de expresión e interpretación musical en el que vivían.
El renovado interés por el equilibrio formal y la moderación de la música clásica del siglo XVIII condujo a principios del siglo XX al desarrollo del llamado estilo neoclásico , que contaba con Stravinsky y Prokofiev entre sus defensores, al menos en ciertos momentos de sus carreras.
La guitarra barroca, con cuatro o cinco juegos de cuerdas dobles o "hiladas" y una boca elaboradamente decorada, era un instrumento muy diferente de la guitarra clásica temprana , que se parece más al instrumento moderno con las seis cuerdas estándar. A juzgar por el número de manuales de instrucciones publicados para el instrumento (más de trescientos textos fueron publicados por más de doscientos autores entre 1760 y 1860), el período clásico marcó una época dorada para la guitarra. [9]
En la época barroca, había más variedad en los instrumentos de cuerda frotados utilizados en los conjuntos, con instrumentos como la viola d'amore y una variedad de violas con trastes , que iban desde violas pequeñas hasta violas bajas grandes. En el período clásico, la sección de cuerdas de la orquesta estaba estandarizada en sólo cuatro instrumentos:
En la época barroca, a los contrabajistas no se les solía asignar un papel separado; en cambio, normalmente tocaban la misma línea de bajo continuo que los violonchelos y otros instrumentos de tono bajo (por ejemplo, tiorba , instrumento de viento de serpiente , violas ), aunque una octava por debajo de los violonchelos, porque el contrabajo es un instrumento de transposición que suena una octava. más bajo de lo que está escrito. En la era clásica, algunos compositores continuaron escribiendo sólo una parte de bajo para su sinfonía, denominada "bassi"; esta parte del bajo fue interpretada por violonchelistas y contrabajistas. Durante la época clásica, algunos compositores comenzaron a darle su propia parte a los contrabajos.
Era común que todas las orquestas tuvieran al menos dos vientos, generalmente oboes, flautas, clarinetes o, a veces, cornos ingleses (ver Sinfonía n.° 22 (Haydn) . Los patrocinadores también solían emplear un conjunto exclusivamente de vientos, llamado armonía , que ser empleado para ciertos eventos. La armonía a veces se uniría a la orquesta de cuerdas más grande para servir como sección de viento.
