El rock es un género amplio de música popular que se originó como " rock and roll " en los Estados Unidos a fines de la década de 1940 y principios de la de 1950, y se desarrolló en una gama de estilos diferentes a partir de mediados de la década de 1960, particularmente en los Estados Unidos y el Reino Unido. [3] Tiene sus raíces en el rock and roll de las décadas de 1940 y 1950, un estilo que se inspiró directamente en los géneros del blues , el rhythm and blues y la música country . El rock también se basó fuertemente en géneros como el blues eléctrico y el folk , e incorporó influencias del jazz y otros estilos musicales. Para la instrumentación, el rock se centra en la guitarra eléctrica , generalmente como parte de un grupo de rock con bajo eléctrico , batería y uno o más cantantes. Por lo general, el rock es música basada en canciones con un4 4El rock es un género musical que utiliza una forma de verso-estribillo , pero se ha vuelto extremadamente diverso. Al igual que la música pop , las letras a menudo enfatizan el amor romántico, pero también abordan una amplia variedad de otros temas que con frecuencia son sociales o políticos. El rock fue el género musical más popular en los EE. UU. y gran parte del mundo occidental desde la década de 1950 hasta la década de 2010.
Los músicos de rock de mediados de los años 1960 comenzaron a hacer avanzar el álbum por delante del sencillo como la forma dominante de expresión y consumo de música grabada, con los Beatles a la vanguardia de este desarrollo. Sus contribuciones le dieron al género una legitimidad cultural en el mainstream e iniciaron una era de álbumes con influencia del rock en la industria musical durante las siguientes décadas. A finales de los años 1960, el período del " rock clásico " [3] , habían surgido algunos subgéneros de música rock distintos, incluidos híbridos como el blues rock , el folk rock , el country rock , el rock sureño , el raga rock y el jazz rock , que contribuyeron al desarrollo del rock psicodélico , influenciado por la escena psicodélica e hippie contracultural . Los nuevos géneros que surgieron incluyeron el rock progresivo , que amplió los elementos artísticos, y el glam rock , que destacó el espectáculo y el estilo visual. En la segunda mitad de los años 1970, el punk rock reaccionó produciendo críticas sociales y políticas despojadas y enérgicas. El punk influyó en la década de 1980 en el new wave , el post-punk y, finalmente, el rock alternativo .
A partir de la década de 1990, el rock alternativo comenzó a dominar la música rock e irrumpir en la corriente principal en forma de grunge , britpop y rock indie . Desde entonces han surgido otros subgéneros de fusión, incluidos el pop-punk , el rock electrónico , el rap rock y el rap metal . Algunos movimientos fueron intentos conscientes de revisar la historia del rock, incluido el resurgimiento del garage rock / post-punk en la década de 2000. Desde la década de 2010, el rock ha perdido su posición como el género musical popular preeminente en la cultura mundial, pero sigue siendo comercialmente exitoso. La creciente influencia del hip-hop y la música electrónica de baile se puede ver en la música rock, especialmente en la escena techno-pop de principios de la década de 2010 y el resurgimiento del pop-punk-hip-hop de la década de 2020.
El rock también ha encarnado y servido como vehículo para movimientos culturales y sociales, dando lugar a importantes subculturas, entre ellas los mods y los rockeros en el Reino Unido, el movimiento hippie y el movimiento de contracultura occidental más amplio que se extendió desde San Francisco en los EE. UU. en la década de 1960, el último de los cuales continúa hasta nuestros días. De manera similar, la cultura punk de la década de 1970 engendró las subculturas gótica , punk y emo . Heredera de la tradición folclórica de la canción de protesta , la música rock se ha asociado con el activismo político , así como con los cambios en las actitudes sociales hacia la raza, el sexo y el consumo de drogas, y a menudo se la considera una expresión de la revuelta juvenil contra el consumismo y la conformidad de los adultos . Al mismo tiempo, ha tenido un gran éxito comercial, lo que ha dado lugar a acusaciones de traición .
Una buena definición del rock, de hecho, es que es música popular a la que, hasta cierto punto, no le importa si es popular.
— Bill Wyman en Vulture (2016) [4]
El sonido del rock se centra tradicionalmente en la guitarra eléctrica amplificada , que surgió en su forma moderna en la década de 1950 con la popularidad del rock and roll. [5] También estuvo muy influenciado por los sonidos de los guitarristas de blues eléctrico . [6] El sonido de una guitarra eléctrica en la música rock suele estar respaldado por un bajo eléctrico, que fue pionero en la música jazz en la misma época, [7] y por la percusión producida por una batería que combina tambores y platillos. [8] Este trío de instrumentos a menudo se ha complementado con la inclusión de otros instrumentos, en particular teclados como el piano, el órgano Hammond y el sintetizador. [9] La instrumentación básica del rock se derivó de la instrumentación básica de la banda de blues (guitarra principal prominente, segundo instrumento de acordes, bajo y batería). [6] Un grupo de músicos que interpretan música rock se denomina banda de rock o grupo de rock. Además, normalmente consta de entre tres (el trío de potencia ) y cinco miembros. Clásicamente, una banda de rock toma la forma de un cuarteto cuyos miembros cubren uno o más roles, incluyendo vocalista, guitarrista principal, guitarrista rítmico, bajista, baterista y, a menudo, teclista u otro instrumentista. [10]
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La música rock se construye tradicionalmente sobre una base de ritmos sincopados simples en un4
4 compás , con un contragolpe repetitivo de caja en los tiempos dos y cuatro. [11] Las melodías a menudo se originan en modos musicales más antiguos como el dórico y el mixolidio , así como en modos mayores y menores . Las armonías van desde la tríada común hasta cuartas y quintas perfectas paralelas y progresiones armónicas disonantes. [11] Desde finales de la década de 1950, [12] y particularmente desde mediados de la década de 1960 en adelante, la música rock a menudo utilizó la estructura verso-estribillo derivada del blues y la música folk, pero ha habido una variación considerable de este modelo. [13] Los críticos han enfatizado el eclecticismo y la diversidad estilística del rock. [14] Debido a su compleja historia y su tendencia a tomar prestado de otras formas musicales y culturales, se ha argumentado que "es imposible vincular la música rock a una definición musical rígidamente delineada". [15] En opinión del periodista musical Robert Christgau , "el mejor rock traslada las virtudes del arte popular (directividad, utilidad, audiencia natural) al presente con dosis de tecnología moderna y disociación modernista ". [16]
El rock and roll fue concebido como una salida para los anhelos adolescentes... Hacer rock and roll es también una forma ideal de explorar las intersecciones del sexo, el amor, la violencia y la diversión, de difundir los placeres y las limitaciones de lo regional y de abordar las depredaciones y los beneficios de la propia cultura de masas .
— Robert Christgau en Guía de registros de Christgau (1981) [17]
A diferencia de muchos estilos anteriores de música popular, las letras del rock han tratado una amplia gama de temas, incluido el amor romántico, el sexo, la rebelión contra " The Establishment ", las preocupaciones sociales y los estilos de vida. [11] Estos temas fueron heredados de una variedad de fuentes como la tradición pop de Tin Pan Alley , la música folk y el rhythm and blues . [18] Christgau caracteriza las letras del rock como un "medio cool" con dicción simple y estribillos repetidos, y afirma que la "función" principal del rock "pertenece a la música o, más generalmente, al ruido ". [19] A menudo se ha señalado el predominio de músicos blancos, hombres y, a menudo, de clase media en la música rock, [20] y el rock ha sido visto como una apropiación de formas musicales negras para un público joven, blanco y en gran parte masculino. [21] Como resultado, también se ha visto que articula las preocupaciones de este grupo tanto en el estilo como en las letras. [22] Christgau, escribiendo en 1972, dijo que a pesar de algunas excepciones, "el rock and roll generalmente implica una identificación de la sexualidad y la agresión masculinas". [23]
Desde que el término "rock" comenzó a usarse en lugar de "rock and roll" a fines de la década de 1960, generalmente se lo ha contrastado con la música pop, con la que comparte muchas características, pero de la que a menudo se distancia por un énfasis en la musicalidad, la interpretación en vivo y un enfoque en temas serios y progresivos como parte de una ideología de autenticidad que a menudo se combina con una conciencia de la historia y el desarrollo del género. [24] Según Simon Frith , el rock era "algo más que pop, algo más que rock and roll" y "los músicos de rock combinaban un énfasis en la habilidad y la técnica con el concepto romántico del arte como expresión artística, original y sincera". [24]
En el nuevo milenio, el término rock se ha utilizado ocasionalmente como un término general que incluye formas como la música pop, la música reggae , la música soul e incluso el hip hop , con el que ha sido influenciado pero a menudo contrastado a lo largo de gran parte de su historia. [25] Christgau ha utilizado el término de manera amplia para referirse a la música popular y semipopular que satisface su sensibilidad como "un rockero", incluida una afición por un buen ritmo, una letra significativa con algo de ingenio y el tema de la juventud, que tiene una "atracción eterna" tan objetiva "que toda la música juvenil participa de la sociología y el informe de campo ". Escribiendo en Christgau's Record Guide: The '80s (1990), dijo que esta sensibilidad es evidente en la música de la cantautora folk Michelle Shocked , el rapero LL Cool J y el dúo de synth-pop Pet Shop Boys —"todos jóvenes trabajando en sus identidades"— tanto como en la música de Chuck Berry , los Ramones y los Replacements . [26]
Los cimientos de la música rock están en el rock and roll, que se originó en Estados Unidos a fines de la década de 1940 y principios de la de 1950, y se extendió rápidamente a gran parte del resto del mundo. Sus orígenes inmediatos se encuentran en una fusión de varios géneros musicales negros de la época, incluido el rhythm and blues y la música gospel , con el country y el western . [27]
El debate rodea las muchas grabaciones que se han sugerido como "el primer disco de rock and roll ". Entre los contendientes se incluyen " Strange Things Happening Every Day " de Sister Rosetta Tharpe (1944); [28] " That's All Right " de Arthur Crudup (1946), [29] que luego fue versionada por Elvis Presley en 1954; " The House of Blue Lights " de Ella Mae Morse y Freddie Slack (1946); [30] " Good Rocking Tonight " de Wynonie Harris (1948); [31] "Rock Awhile" de Goree Carter (1949); [32] " Rock the Joint " de Jimmy Preston (1949), también versionada por Bill Haley & His Comets en 1952; [33] y « Rocket 88 » de Jackie Brenston y sus Delta Cats (en realidad, Ike Turner y su banda Kings of Rhythm ), grabada por Sam Phillips para Chess Records en 1951. [34]
En 1951, el disc jockey de Cleveland, Ohio, Alan Freed, comenzó a tocar música rhythm and blues (en aquel entonces denominada " música racial ") para un público multirracial, y se le atribuye el uso por primera vez de la frase "rock and roll" para describir la música. [35] Cuatro años más tarde, " Rock Around the Clock " (1954) de Bill Haley se convirtió en la primera canción de rock and roll en encabezar las listas de ventas y reproducción de la revista Billboard , y abrió la puerta a nivel mundial para esta nueva ola de cultura popular. [36] [37] Otros artistas con éxitos tempranos de rock and roll fueron Chuck Berry , Bo Diddley , Fats Domino , Little Richard , Jerry Lee Lewis y Gene Vincent . [34] Pronto el rock and roll se convirtió en la principal fuerza en las ventas de discos estadounidenses y los cantantes , como Eddie Fisher , Perry Como y Patti Page , que habían dominado la década anterior de la música popular, vieron su acceso a las listas de éxitos del pop significativamente restringido. [38]
El rock and roll ha sido visto como el origen de varios subgéneros distintos, incluido el rockabilly, que combina el rock and roll con la música country "hillbilly", que generalmente era tocada y grabada a mediados de la década de 1950 por cantantes blancos como Carl Perkins , Jerry Lee Lewis, Buddy Holly y, con el mayor éxito comercial, Elvis Presley . [39] Los movimientos hispanoamericanos y latinoamericanos en el rock and roll, que eventualmente conducirían al éxito del rock latino y el rock chicano en los EE. UU., Comenzaron a surgir en el suroeste ; con el músico estándar de rock and roll Ritchie Valens e incluso aquellos dentro de otros géneros heredados, como Al Hurricane junto con sus hermanos Tiny Morrie y Baby Gaby, cuando comenzaron a combinar el rock and roll con el country- western dentro de la música tradicional de Nuevo México . [40] Además, la década de 1950 vio el crecimiento de la popularidad de la guitarra eléctrica y el desarrollo de un estilo de interpretación específicamente rock and roll a través de exponentes como Chuck Berry, Link Wray y Scotty Moore . [41] El uso de la distorsión , iniciado por guitarristas de swing occidental como Junior Barnard [42] y Eldon Shamblin, fue popularizado por Chuck Berry a mediados de la década de 1950. [43] El uso de acordes de potencia , iniciado por Francisco Tárrega y Heitor Villa-Lobos en el siglo XIX y más tarde por Willie Johnson y Pat Hare a principios de la década de 1950, fue popularizado por Link Wray a fines de la década de 1950. [44]
Los comentaristas han percibido tradicionalmente un declive del rock and roll a finales de los años 50 y principios de los 60. En 1959, la muerte de Buddy Holly, Big Bopper y Ritchie Valens en un accidente aéreo, la marcha de Elvis al ejército, el retiro de Little Richard para convertirse en predicador, los procesos contra Jerry Lee Lewis y Chuck Berry y el estallido del escándalo de los sobornos (que implicaba a importantes figuras, entre ellas Alan Freed, en sobornos y corrupción en la promoción de actos o canciones individuales), dieron la sensación de que la era del rock and roll establecida en ese momento había llegado a su fin. [45]
El rock se extendió rápidamente desde sus orígenes en los EE. UU., asociado con la rápida americanización que se estaba produciendo a nivel mundial después de la Segunda Guerra Mundial . [46] A Cliff Richard se le atribuye uno de los primeros éxitos del rock and roll fuera de América del Norte con " Move It " (1959), que marcó el comienzo del sonido del rock británico . [47] Varios artistas, el más destacado Tommy Steele del Reino Unido, encontraron el éxito con versiones de los principales éxitos del rock and roll estadounidense antes de que las grabaciones pudieran difundirse internacionalmente, a menudo traduciéndolas a los idiomas locales cuando era necesario. [48] [49] Steele, en particular, realizó giras por Gran Bretaña, Escandinavia, Australia, la URSS y Sudáfrica de 1955 a 1957, influyendo en la globalización del rock. [48] El disco de Johnny O'Keefe de 1958, " Wild One ", fue uno de los primeros éxitos del rock and roll australiano. [50] A finales de la década de 1950, así como en el mundo occidental influenciado por Estados Unidos, el rock era popular en estados comunistas como Yugoslavia, [51] y la URSS, [52] así como en regiones como Sudamérica. [49]
A finales de los años 1950 y principios de los 1960, los artistas de blues y blues rock estadounidenses , que habían sido superados por el auge del rock and roll en los EE. UU., encontraron nueva popularidad en el Reino Unido, visitando con giras exitosas. [53] El éxito de 1955 de Lonnie Donegan " Rock Island Line " fue una gran influencia y ayudó a desarrollar la tendencia de los grupos de música skiffle en todo el país, muchos de los cuales, incluidos los Quarrymen de John Lennon (más tarde los Beatles ), pasaron a tocar rock and roll. [54] Mientras que el antiguo mercado del rock and roll en los EE. UU. estaba dominado por el pop ligero y las baladas, los grupos de rock británicos en clubes y bailes locales estaban desarrollando un estilo más fuertemente influenciado por los pioneros del blues-rock, y estaban comenzando a tocar con una intensidad y un impulso que rara vez se encuentran en los actos estadounidenses blancos; [55] esta influencia continuaría dando forma al futuro de la música rock a través de la Invasión Británica . [53]
Los primeros cuatro años de la década de 1960 se han considerado tradicionalmente como una era de pausa para el rock and roll. [56] Más recientemente, algunos autores [ palabras equívocas ] han enfatizado importantes innovaciones y tendencias en este período sin las cuales los desarrollos futuros no habrían sido posibles. [57] [58] Si bien el rock and roll temprano, particularmente a través del advenimiento del rockabilly, vio el mayor éxito comercial para los intérpretes masculinos y blancos, en esta era, el género estaba dominado por artistas negros y femeninos. El rock and roll no había desaparecido por completo de la música a fines de la década de 1950 y algo de su energía se puede ver en las diversas modas de baile de principios de la década de 1960, iniciadas por el disco de Chubby Checker " The Twist " (1960). [58] [nb 1] Algunos historiadores de la música también han señalado importantes e innovadores desarrollos técnicos que se basaron en el rock and roll en este período, incluido el tratamiento electrónico del sonido por parte de innovadores como Joe Meek y los elaborados métodos de producción del Muro del Sonido aplicados por Phil Spector . [58]
El rock and roll instrumental de artistas como Duane Eddy , Link Wray y The Ventures fue desarrollado por Dick Dale , quien agregó una distintiva reverberación "húmeda" , punteo alternativo rápido e influencias de Medio Oriente y México . Produjo el éxito regional " Let's Go Trippin ' " en 1961 y lanzó la locura de la música surf, siguiendo con canciones como " Misirlou " (1962). [62] Al igual que Dale y sus Del-Tones , la mayoría de las primeras bandas de surf se formaron en el sur de California, incluidos los Bel-Airs , los Challengers y Eddie & the Showmen . [62] Los Chantays obtuvieron un éxito nacional entre los diez primeros con " Pipeline " en 1963 y probablemente la melodía de surf más conocida fue " Wipe Out " de 1963, de los Surfaris , que alcanzó el número 2 y el número 10 en las listas de Billboard en 1965. [63] El surf rock también fue popular en Europa durante este tiempo, con el grupo británico The Shadows logrando éxitos a principios de la década de 1960 con instrumentales como " Apache " y " Kon-Tiki ", mientras que el grupo de surf sueco Spotnicks tuvo éxito tanto en Suecia como en Gran Bretaña.
La música surf alcanzó su mayor éxito comercial como música pop vocal, en particular el trabajo de los Beach Boys , formados en 1961 en el sur de California. Sus primeros álbumes incluían tanto surf rock instrumental (entre ellos versiones de música de Dick Dale) como canciones vocales, basándose en el rock and roll y el doo wop y las armonías cercanas de grupos de pop vocal como Four Freshmen . [64] El primer éxito de los Beach Boys, " Surfin ' ", en 1961 alcanzó el top 100 de Billboard y ayudó a hacer de la locura de la música surf un fenómeno nacional. [65] A menudo se argumenta que la locura de la música surf y las carreras de casi todos los grupos de surf terminaron efectivamente con la llegada de la Invasión Británica a partir de 1964, porque la mayoría de los éxitos de la música surf se grabaron y lanzaron entre 1960 y 1965. [66] [nb 2]
A finales de 1962, lo que se convertiría en la escena del rock británico había comenzado con grupos beat como los Beatles , Gerry & the Pacemakers y los Searchers de Liverpool y Freddie and the Dreamers , Herman's Hermits y los Hollies de Manchester. Se basaron en una amplia gama de influencias estadounidenses, incluido el rock and roll de los años 50, el soul, el rhythm and blues y la música surf, [67] inicialmente reinterpretando melodías estadounidenses estándar y tocando para bailarines. Bandas como los Animals de Newcastle y Them de Belfast , [68] y particularmente las de Londres como los Rolling Stones y los Yardbirds , fueron influenciadas mucho más directamente por el rhythm and blues y más tarde por la música blues. [69] Pronto estos grupos estaban componiendo su propio material, combinando formas de música estadounidenses e infundiéndoles un ritmo de alta energía. Las bandas beat tendían a producir "melodías alegres e irresistibles", mientras que los primeros grupos de blues británicos tendían a producir canciones menos sexualmente inocentes y más agresivas, adoptando a menudo una postura antisistema. Sin embargo, hubo, particularmente en las primeras etapas, un cruce musical considerable entre las dos tendencias. [70] En 1963, liderados por los Beatles, los grupos beat habían comenzado a lograr un éxito nacional en Gran Bretaña, y pronto fueron seguidos en las listas por los grupos más centrados en el rhythm and blues. [71]
« I Want to Hold Your Hand » fue el primer éxito número uno de los Beatles en el Billboard Hot 100 , [72] permaneciendo siete semanas en la cima y un total de 15 semanas en la lista. [73] [74] Su primera aparición en The Ed Sullivan Show el 9 de febrero de 1964, atrayendo a un estimado de 73 millones de espectadores (en ese momento un récord para un programa de televisión estadounidense) se considera un hito en la cultura pop estadounidense. Durante la semana del 4 de abril de 1964, los Beatles ocuparon 12 posiciones en la lista de sencillos Billboard Hot 100 , incluidos los cinco primeros puestos. Los Beatles se convirtieron en la banda de rock con mayores ventas de todos los tiempos y fueron seguidos en las listas estadounidenses por numerosas bandas británicas. [70] Durante los dos años siguientes, los artistas británicos dominaron sus propias listas y las de Estados Unidos con Peter and Gordon , The Animals, [75] Manfred Mann , Petula Clark , [75] Freddie and the Dreamers, Wayne Fontana and the Mindbenders , Herman's Hermits, The Rolling Stones, [76] The Troggs y Donovan [77] todos con uno o más sencillos número uno. [73] Otros artistas importantes que fueron parte de la invasión incluyeron a The Kinks y Dave Clark Five . [78] [79]
La Invasión Británica ayudó a internacionalizar la producción de rock and roll, abriendo la puerta para que los intérpretes británicos (e irlandeses) posteriores lograran el éxito internacional. [80] En Estados Unidos, podría decirse que supuso el fin de la música surf instrumental, los grupos vocales de chicas y (por un tiempo) los ídolos adolescentes , que habían dominado las listas estadounidenses a finales de los años 1950 y 1960. [81] Afectó las carreras de actos establecidos de R&B como Fats Domino y Chubby Checker e incluso descarriló temporalmente el éxito en las listas de los actos de rock and roll sobrevivientes, incluido Elvis. [82] La Invasión Británica también jugó un papel importante en el surgimiento de un género distinto de música rock y consolidó la primacía del grupo de rock, basado en guitarras y batería y produciendo su propio material como cantautores. [83] Siguiendo el ejemplo del LP Rubber Soul de los Beatles de 1965 en particular, otros grupos de rock británicos lanzaron álbumes de rock concebidos como declaraciones artísticas en 1966, incluidos Aftermath de los Rolling Stones , Revolver de los Beatles y A Quick One de los Who , así como grupos estadounidenses como los Beach Boys ( Pet Sounds ) y Bob Dylan ( Blonde on Blonde ). [84]
El garage rock era una forma cruda de música rock, particularmente frecuente en Norteamérica a mediados de los años 1960 y llamado así debido a la percepción de que se ensayaba en el garaje familiar suburbano. [85] [86] Las canciones de garage rock a menudo giraban en torno a los traumas de la vida en la escuela secundaria, con canciones sobre "chicas mentirosas" y circunstancias sociales injustas siendo particularmente comunes. [87] Las letras y la entrega tendían a ser más agresivas de lo que era común en ese momento, a menudo con voces gruñonas o gritadas que se disolvían en gritos incoherentes. [85] Variaban desde música cruda de un solo acorde (como los Seeds ) hasta calidad de músico de estudio (incluidos los Knickerbockers , los Remains y los Fifth Estate ). También hubo variaciones regionales en muchas partes del país con escenas florecientes particularmente en California y Texas. [87] Los estados del noroeste del Pacífico de Washington y Oregón tenían quizás [ ¿según quién? ] el sonido regional más definido. [88]
El estilo había estado evolucionando desde las escenas regionales ya en 1958. "Tall Cool One" (1959) de los Wailers y " Louie Louie " de los Kingsmen (1963) son ejemplos convencionales del género en sus etapas formativas. [89] En 1963, los sencillos de bandas de garage estaban entrando en las listas nacionales en mayor número, incluidos Paul Revere and the Raiders (Boise), [90] the Trashmen (Minneapolis) [91] y the Rivieras (South Bend, Indiana). [92] Otras bandas de garage influyentes, como los Sonics (Tacoma, Washington), nunca llegaron al Billboard Hot 100. [ 93]
La invasión británica influyó enormemente en las bandas de garage, proporcionándoles una audiencia nacional, lo que llevó a muchas (a menudo grupos de surf o hot rod ) a adoptar una influencia británica y alentó a muchos más grupos a formarse. [87] Miles de bandas de garage existían en los Estados Unidos y Canadá durante la época y cientos produjeron éxitos regionales. [87] A pesar de que decenas de bandas firmaron con importantes sellos regionales, la mayoría fueron fracasos comerciales. En general, se acepta que el garage rock alcanzó su punto máximo tanto comercial como artístico alrededor de 1966. [87] En 1968, el estilo desapareció en gran medida de las listas nacionales y a nivel local, ya que los músicos aficionados se enfrentaron a la universidad, el trabajo o el reclutamiento . [87] Habían surgido nuevos estilos para reemplazar al garage rock. [87] [nb 3]
Aunque el primer impacto de la Invasión Británica en la música popular estadounidense fue a través de actos basados en el beat y el R&B, el impulso fue rápidamente retomado por una segunda ola de bandas que se inspiraron más directamente en el blues estadounidense , incluidos los Rolling Stones y los Yardbirds . [95] Los músicos de blues británicos de finales de la década de 1950 y principios de la de 1960 se habían inspirado en la forma de tocar acústica de figuras como Lead Belly , que fue una gran influencia en la moda del skiffle, y Robert Johnson . [96] Cada vez más adoptaron un sonido amplificado fuerte, a menudo centrado en la guitarra eléctrica, basado en el blues de Chicago , particularmente después de la gira por Gran Bretaña de Muddy Waters en 1958, que impulsó a Cyril Davies y al guitarrista Alexis Korner a formar la banda Blues Incorporated . [97] La banda involucró e inspiró a muchas de las figuras del posterior boom del blues británico , incluidos miembros de los Rolling Stones y Cream , combinando estándares y formas de blues con instrumentación y énfasis de rock. [55]
El otro foco clave del blues británico fue John Mayall ; su banda, los Bluesbreakers , incluía a Eric Clapton (después de la salida de Clapton de los Yardbirds) y más tarde a Peter Green . Particularmente significativo fue el lanzamiento del álbum Blues Breakers with Eric Clapton (Beano) (1966), considerado una de las grabaciones seminales del blues británico y cuyo sonido fue muy emulado tanto en Gran Bretaña como en los Estados Unidos. [98] Eric Clapton formó los supergrupos Cream, Blind Faith y Derek and the Dominos , seguidos de una extensa carrera en solitario que ayudó a llevar el blues rock a la corriente principal. [97] Green, junto con la sección rítmica de Bluesbreaker Mick Fleetwood y John McVie , formaron Fleetwood Mac de Peter Green , que disfrutó de algunos de los mayores éxitos comerciales del género. [97] A finales de los años 1960 Jeff Beck , también ex alumno de los Yardbirds, llevó el blues rock en dirección al heavy rock con su banda, Jeff Beck Group . [97] El último guitarrista de los Yardbirds fue Jimmy Page , quien luego formó The New Yardbirds que rápidamente se convirtió en Led Zeppelin . Muchas de las canciones de sus primeros tres álbumes, y ocasionalmente más tarde en sus carreras, fueron expansiones de canciones de blues tradicionales. [97]
En Estados Unidos, el blues rock fue iniciado a principios de los años 1960 por el guitarrista Lonnie Mack , [99] pero el género comenzó a despegar a mediados de los años 1960 a medida que los grupos desarrollaron un sonido similar al de los músicos de blues británicos. Los actos clave incluyeron a Paul Butterfield (cuya banda actuó como Mayall's Bluesbreakers en Gran Bretaña como punto de partida para muchos músicos exitosos), Canned Heat , los primeros Jefferson Airplane , Janis Joplin , Johnny Winter , la J. Geils Band y Jimi Hendrix con sus power trios , la Jimi Hendrix Experience (que incluía a dos miembros británicos y se fundó en Gran Bretaña) y Band of Gypsys , cuyo virtuosismo de la guitarra y su sentido del espectáculo estarían entre los más emulados de la década. [97] Las bandas de blues rock de los estados del sur, como Allman Brothers Band , Lynyrd Skynyrd y ZZ Top , incorporaron elementos country a su estilo para producir el género distintivo Southern rock . [100]
Las primeras bandas de blues rock solían emularse al jazz, tocando improvisaciones largas y complejas, que luego serían un elemento importante del rock progresivo. Desde aproximadamente 1967, bandas como Cream y Jimi Hendrix Experience se habían alejado de la música puramente basada en el blues hacia la psicodelia . [101] En la década de 1970, el blues rock se había vuelto más pesado y basado más en riffs, ejemplificado por el trabajo de Led Zeppelin y Deep Purple , y las líneas entre el blues rock y el hard rock "eran apenas visibles", [101] a medida que las bandas comenzaron a grabar álbumes de estilo rock. [101] El género fue continuado en la década de 1970 por figuras como George Thorogood y Pat Travers , [97] pero, particularmente en la escena británica (excepto quizás por el advenimiento de grupos como Status Quo y Foghat que se inclinaron por una forma de boogie rock repetitivo y de alta energía ), las bandas se centraron en la innovación del heavy metal , y el blues rock comenzó a salir de la corriente principal. [102]
En la década de 1960, la escena que se había desarrollado a partir del resurgimiento de la música folk estadounidense había crecido hasta convertirse en un movimiento importante, que utilizaba música tradicional y nuevas composiciones en un estilo tradicional, generalmente con instrumentos acústicos. [103] En Estados Unidos, el género fue iniciado por figuras como Woody Guthrie y Pete Seeger y a menudo se lo identificaba con la política progresista o laboral . [103] A principios de los sesenta, figuras como Joan Baez y Bob Dylan habían pasado a primer plano en este movimiento como cantautores. [104] Dylan había comenzado a llegar a un público general con éxitos como " Blowin' in the Wind " (1963) y " Masters of War " (1963), que llevaron las " canciones de protesta " a un público más amplio, [105] pero, aunque comenzaron a influirse mutuamente, el rock y la música folk habían permanecido como géneros en gran medida separados, a menudo con audiencias mutuamente excluyentes. [106]
Los primeros intentos de combinar elementos de folk y rock incluyeron " House of the Rising Sun " (1964) de los Animals, que fue la primera canción folk de éxito comercial grabada con instrumentación de rock and roll [107] y " I'm a Loser " (1964) de los Beatles, posiblemente la primera canción de los Beatles en ser influenciada directamente por Dylan. [108] Se suele pensar que el movimiento folk rock despegó con la grabación de " Mr. Tambourine Man " de Dylan por parte de los Byrds , que encabezó las listas en 1965. [106] Con miembros que habían sido parte de la escena folk de los cafés de Los Ángeles, los Byrds adoptaron la instrumentación de rock, incluyendo tambores y guitarras Rickenbacker de 12 cuerdas , que se convirtieron en un elemento importante en el sonido del género. [106] Más tarde ese año, Dylan adoptó instrumentos eléctricos, para gran indignación de muchos puristas del folk, y su " Like a Rolling Stone " se convirtió en un sencillo de éxito en Estados Unidos. [106] Según Ritchie Unterberger , Dylan (incluso antes de su adopción de instrumentos eléctricos) influyó en músicos de rock como los Beatles, demostrando "a la generación del rock en general que un álbum podía ser una declaración independiente importante sin sencillos exitosos", como en The Freewheelin' Bob Dylan (1963). [109]
El folk rock despegó particularmente en California, donde llevó a grupos como Mamas & the Papas y Crosby, Stills y Nash a pasarse a la instrumentación eléctrica, y en Nueva York, donde engendró a artistas como Lovin' Spoonful y Simon and Garfunkel , con el acústico " The Sounds of Silence " (1965) de este último siendo remezclado con instrumentos de rock para ser el primero de muchos éxitos. [106] Estos actos influyeron directamente en artistas británicos como Donovan y Fairport Convention . [106] En 1969, Fairport Convention abandonó su mezcla de versiones estadounidenses y canciones influenciadas por Dylan para tocar música folclórica tradicional inglesa en instrumentos eléctricos. [110] Este folk-rock británico fue adoptado por bandas como Pentangle , Steeleye Span y Albion Band , lo que a su vez impulsó a grupos irlandeses como Horslips y a grupos escoceses como JSD Band , Spencer's Feat y más tarde Five Hand Reel , a utilizar su música tradicional para crear una marca de rock celta a principios de los años 1970. [111]
El folk-rock alcanzó su pico de popularidad comercial en el período 1967-68, antes de que muchos grupos se desviaran en diversas direcciones, incluidos Dylan y los Byrds, quienes comenzaron a desarrollar el country rock . [112] Sin embargo, se ha visto que la hibridación del folk y el rock ha tenido una gran influencia en el desarrollo de la música rock, incorporando elementos de psicodelia y ayudando a desarrollar las ideas del cantautor, la canción de protesta y los conceptos de "autenticidad". [106] [113]
La onda inspirada en el LSD de la música psicodélica comenzó en la escena folk. [114] El primer grupo en publicitarse como rock psicodélico fueron los 13th Floor Elevators de Texas. [114] Los Beatles introdujeron muchos de los elementos principales del sonido psicodélico al público en este período, como el feedback de guitarra , el sitar indio y los efectos de sonido de backmasking . [115] El rock psicodélico despegó particularmente en la escena musical emergente de California cuando los grupos siguieron el cambio de los Byrds del folk al folk rock a partir de 1965. [115] El estilo de vida psicodélico, que giraba en torno a las drogas alucinógenas, ya se había desarrollado en San Francisco y productos particularmente destacados de la escena fueron Big Brother and the Holding Company , Grateful Dead y Jefferson Airplane . [115] [116] El guitarrista principal de The Jimi Hendrix Experience , Jimi Hendrix, hizo jams extensos, distorsionados y llenos de retroalimentación que se convirtieron en una característica clave de la psicodelia. [115] El rock psicodélico alcanzó su apogeo en los últimos años de la década. En 1967, los Beatles lanzaron su declaración psicodélica definitiva en Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band , que incluía la controvertida canción " Lucy in the Sky with Diamonds ", los Rolling Stones respondieron más tarde ese año con Their Satanic Majesties Request , [115] y Pink Floyd debutó con The Piper at the Gates of Dawn . Las grabaciones clave incluyeron Surrealistic Pillow de Jefferson Airplane y el álbum debut homónimo de los Doors . Estas tendencias alcanzaron su punto máximo en el festival de Woodstock de 1969 , que vio actuaciones de la mayoría de los principales actos psicodélicos. [115]
Sgt. Pepper fue considerado más tarde como el mejor álbum de todos los tiempos y un punto de partida para la era del álbum , durante la cual la música rock pasó del formato de sencillos a álbumes y alcanzó legitimidad cultural en la corriente principal. [117] Liderados por los Beatles a mediados de la década de 1960, [118] los músicos de rock impulsaron el LP como la forma dominante de expresión y consumo de música grabada, iniciando una era de álbumes con influencia del rock en la industria de la música durante las siguientes décadas. [119]
El rock progresivo, un término que a veces se usa indistintamente con el rock artístico , fue más allá de las fórmulas musicales establecidas al experimentar con diferentes instrumentos, tipos de canciones y formas. [120] Desde mediados de la década de 1960 , Left Banke , los Beatles, los Rolling Stones y los Beach Boys fueron pioneros en la inclusión de clavicordios , secciones de viento y cuerdas en sus grabaciones para producir una forma de rock barroco y se puede escuchar en sencillos como " A Whiter Shade of Pale " (1967) de Procol Harum , con su introducción inspirada en Bach . [121] Los Moody Blues utilizaron una orquesta completa en su álbum Days of Future Passed (1967) y posteriormente crearon sonidos orquestales con sintetizadores. [120] La orquestación clásica, los teclados y los sintetizadores fueron una adición frecuente al formato de rock establecido de guitarras, bajo y batería en el rock progresivo posterior. [122]
Los instrumentales eran comunes, mientras que las canciones con letras a veces eran conceptuales, abstractas o basadas en la fantasía y la ciencia ficción. [123] SF Sorrow (1968) de Pretty Things , Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire) (1969) de The Kinks y Tommy (1969) de The Who introdujeron el formato de las óperas rock y abrieron la puerta a los álbumes conceptuales , a menudo contando una historia épica o abordando un gran tema general. [124] El álbum debut de King Crimson de 1969, In the Court of the Crimson King , que mezclaba potentes riffs de guitarra y mellotron , con jazz y música sinfónica , a menudo se toma como la grabación clave en el rock progresivo, lo que ayudó a la adopción generalizada del género a principios de la década de 1970 entre las bandas de blues-rock y psicodélicas existentes, así como entre los actos recién formados. [120] La vibrante escena de Canterbury vio a artistas que siguieron a Soft Machine desde la psicodelia, pasando por influencias del jazz, hacia el hard rock más expansivo, incluidos Caravan , Hatfield and the North , Gong y National Health . [125] El grupo francés Magma alrededor del baterista Christian Vander creó casi por sí solo el nuevo género musical zeuhl con sus primeros álbumes a principios de la década de 1970. [126]
Un mayor éxito comercial lo disfrutó Pink Floyd, que también se alejó de la psicodelia después de la salida de Syd Barrett en 1968, con The Dark Side of the Moon (1973), considerado una obra maestra del género, convirtiéndose en uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos. [127] Hubo un énfasis en el virtuosismo instrumental, con Yes mostrando las habilidades tanto del guitarrista Steve Howe como del teclista Rick Wakeman , mientras que Emerson, Lake & Palmer fue un supergrupo que produjo algunos de los trabajos técnicamente más exigentes del género. [120] Jethro Tull y Genesis persiguieron marcas de música muy diferentes, pero claramente inglesas. [128] Renaissance , formada en 1969 por los ex Yardbirds Jim McCarty y Keith Relf, evolucionó hasta convertirse en una banda de alto concepto que presentaba la voz de tres octavas de Annie Haslam . [129] La mayoría de las bandas británicas dependían de un culto relativamente pequeño, pero un puñado, incluyendo a Pink Floyd, Genesis y Jethro Tull, lograron producir sencillos top ten en casa y abrirse paso en el mercado estadounidense. [130] La marca estadounidense de rock progresivo variaba desde los eclécticos e innovadores Frank Zappa , Captain Beefheart y Blood, Sweat & Tears , [131] hasta bandas más orientadas al pop rock como Boston , Foreigner , Kansas , Journey y Styx . [120] Estas, además de las bandas británicas Supertramp y ELO , demostraron una influencia del rock progresivo y, aunque se encontraban entre los actos de mayor éxito comercial de la década de 1970, anunciaron la era de la pompa o el rock de estadio , que duraría hasta que los costos de los espectáculos complejos (a menudo con puesta en escena teatral y efectos especiales), fueran reemplazados por festivales de rock más económicos como lugares importantes en vivo en la década de 1990. [ cita requerida ]
La vertiente instrumental del género dio lugar a álbumes como Tubular Bells (1973) de Mike Oldfield , el primer disco y éxito mundial del sello Virgin Records , que se convirtió en un pilar del género. [120] El rock instrumental fue particularmente significativo en la Europa continental, lo que permitió a bandas como Kraftwerk , Tangerine Dream , Can y Faust sortear la barrera del idioma. [132] Su " krautrock " cargado de sintetizadores , junto con el trabajo de Brian Eno (durante un tiempo teclista de Roxy Music ), sería una gran influencia en el rock electrónico posterior . [120] Con la llegada del punk rock y los cambios tecnológicos a finales de los años 1970, el rock progresivo fue cada vez más descartado por pretencioso y exagerado. [133] [134] Muchas bandas se separaron, pero algunas, incluidas Genesis, ELP, Yes y Pink Floyd, consiguieron regularmente álbumes entre los diez primeros con exitosas giras mundiales de acompañamiento. [94] Algunas bandas que surgieron después del punk, como Siouxsie and the Banshees , Ultravox y Simple Minds , mostraron la influencia del rock progresivo, así como sus influencias punk más habitualmente reconocidas. [135]
A finales de los años 1960, el jazz-rock surgió como un subgénero diferenciado de las escenas del blues-rock, el rock psicodélico y el rock progresivo, mezclando el poder del rock con la complejidad musical y los elementos improvisados del jazz. AllMusic afirma que el término jazz-rock "puede referirse a las bandas de fusión más ruidosas, salvajes y electrificadas del campo del jazz, pero la mayoría de las veces describe a los intérpretes que vienen del lado del rock de la ecuación". El jazz-rock "... generalmente surgió de los subgéneros del rock más ambiciosos artísticamente de finales de los años 60 y principios de los 70", incluido el movimiento de cantautores. [136] Muchos de los primeros músicos de rock and roll estadounidenses habían comenzado en el jazz y llevaron algunos de estos elementos a la nueva música. En Gran Bretaña, el subgénero del blues rock y muchas de sus figuras principales, como Ginger Baker y Jack Bruce de la banda liderada por Eric Clapton, Cream , habían surgido de la escena del jazz británico . A menudo se destaca como la primera grabación de jazz-rock real el único álbum de los relativamente oscuros Free Spirits , con sede en Nueva York, Out of Sight and Sound (1966). El primer grupo de bandas que utilizó conscientemente la etiqueta fueron bandas de rock blanco orientadas al R&B que hicieron uso de secciones de vientos jazzeros, como Electric Flag , Blood, Sweat & Tears y Chicago , para convertirse en algunos de los actos de mayor éxito comercial de finales de los años 1960 y principios de los años 1970. [137]
Los actos británicos que surgieron en el mismo período de la escena del blues, para hacer uso de los aspectos tonales e improvisados del jazz, incluyeron a Nucleus [138] y el spin-off de Graham Bond y John Mayall, Colosseum . Del rock psicodélico y las escenas de Canterbury surgió Soft Machine, quien, se ha sugerido, produjo una de las fusiones artísticamente exitosas de los dos géneros. Quizás la fusión más aclamada por la crítica vino del lado del jazz de la ecuación, con Miles Davis , particularmente influenciado por el trabajo de Hendrix, incorporando instrumentación de rock en su sonido para el álbum Bitches Brew (1970). Fue una gran influencia en los artistas de jazz con influencia del rock posteriores, incluidos Herbie Hancock , Chick Corea y Weather Report . [137] El género comenzó a desvanecerse a fines de la década de 1970, cuando una forma más suave de fusión comenzó a conquistar a su audiencia, [136] pero artistas como Steely Dan , [136] Frank Zappa y Joni Mitchell grabaron importantes álbumes influenciados por el jazz en este período, y ha seguido siendo una gran influencia en la música rock. [137]
Reflexionando sobre los avances que se produjeron en la música rock a principios de los años 1970, Robert Christgau escribió en Christgau's Record Guide: Rock Albums of the Seventies (1981): [17]
Por supuesto, la década es en sí misma un esquema arbitrario: el tiempo no realiza un giro ordenado hacia el futuro cada diez años. Pero, como muchos conceptos artificiales (como el dinero, por ejemplo), la categoría adquiere una realidad propia una vez que la gente descubre cómo ponerla en práctica. "Los años 60 se acabaron", un eslogan que recién se empezó a escuchar en 1972, movilizó a todos aquellos ansiosos por creer que el idealismo había pasado de moda y, una vez que se movilizaron, así fue. En la música popular, abrazar los años 70 significó tanto una retirada elitista de la desordenada escena de los conciertos y la contracultura como una búsqueda lucrativa del mínimo común denominador en la radio FM y el rock de álbumes .
El rock experimentó una mayor mercantilización durante esta década, convirtiéndose en una industria multimillonaria y duplicando su mercado mientras, como señaló Christgau, sufría una importante "pérdida de prestigio cultural". "Tal vez los Bee Gees se volvieron más populares que los Beatles, pero nunca fueron más populares que Jesús ", dijo. "En la medida en que la música mantuvo algún poder mítico, el mito era autorreferencial : había muchas canciones sobre la vida del rock and roll, pero muy pocas sobre cómo el rock podía cambiar el mundo, excepto como una nueva marca de analgésicos... En los años 70, los poderosos tomaron el poder, ya que los industriales del rock capitalizaron el estado de ánimo nacional para reducir la música potente a una especie de entretenimiento a menudo reaccionario, y para transmutar la base popular del rock de la audiencia al mercado". [17]
El rock de raíces es el término que se utiliza ahora para describir un alejamiento de lo que algunos veían como los excesos de la escena psicodélica, hacia una forma más básica de rock and roll que incorporaba sus influencias originales, en particular el blues, el country y la música folk, lo que llevó a la creación del country rock y el rock sureño. [139] En 1966, Bob Dylan fue a Nashville para grabar el álbum Blonde on Blonde . [140] Este y otros álbumes posteriores con una influencia más clara del country, como Nashville Skyline , han sido vistos como creadores del género country folk , una ruta seguida por varios músicos folk en gran parte acústicos. [140] Otros actos que siguieron la tendencia de regreso a lo básico fueron el grupo canadiense The Band y Creedence Clearwater Revival , con sede en California , que mezclaron rock and roll básico con folk, country y blues, para estar entre las bandas más exitosas e influyentes de finales de los años 1960. [141] El mismo movimiento vio el comienzo de las carreras discográficas de artistas solistas californianos como Ry Cooder , Bonnie Raitt y Lowell George , [142] e influyó en el trabajo de intérpretes consagrados como Beggar's Banquet (1968) de los Rolling Stones y Let It Be (1970) de los Beatles . [115] Reflexionando sobre este cambio de tendencias en la música rock en los últimos años, Christgau escribió en su columna de junio de 1970 en "Consumer Guide" que esta "nueva ortodoxia" y "rezago cultural" abandonaron las producciones improvisadas y ornamentadas en estudio a favor de un énfasis en la "instrumentación ajustada y sobria" y la composición de canciones: "Sus referentes son el rock de los años 50, la música country y el rhythm and blues, y su inspiración clave es The Band". [143]
En 1968, Gram Parsons grabó Safe at Home con la International Submarine Band , posiblemente el primer álbum de country rock verdadero. [144] Más tarde ese año se unió a los Byrds para Sweetheart of the Rodeo (1968), generalmente considerada una de las grabaciones más influyentes del género. [144] Los Byrds continuaron en la misma línea, pero Parsons se fue para que se le uniera otro ex miembro de los Byrds, Chris Hillman, para formar los Flying Burrito Brothers , quienes ayudaron a establecer la respetabilidad y los parámetros del género, antes de que Parsons se fuera para seguir una carrera en solitario. [144] Las bandas en California que adoptaron el country rock incluyeron a Hearts and Flowers, Poco , New Riders of the Purple Sage , [144] Beau Brummels , [144] y Nitty Gritty Dirt Band . [145] Algunos intérpretes también disfrutaron de un renacimiento al adoptar sonidos country, incluidos: los Everly Brothers; el ex ídolo adolescente Rick Nelson, que se convirtió en el líder de Stone Canyon Band; el ex Monkee Mike Nesmith , que formó First National Band ; y Neil Young . [144] Los Dillards fueron, inusualmente, un acto country, que se inclinó hacia la música rock. [144] El mayor éxito comercial del country rock llegó en la década de 1970, con artistas como los Doobie Brothers , Emmylou Harris , Linda Ronstadt and the Eagles (compuesto por miembros de Burritos, Poco y Stone Canyon Band), que emergieron como uno de los actos de rock más exitosos de todos los tiempos, produciendo álbumes que incluían Hotel California (1976). [146]
Los fundadores del rock sureño suelen ser los Allman Brothers Band, que desarrollaron un sonido distintivo, derivado en gran medida del blues rock , pero incorporando elementos de boogie , soul y country a principios de los años 1970. [100] El acto más exitoso que los siguió fue Lynyrd Skynyrd, quien ayudó a establecer la imagen de "Good ol' boy" del subgénero y la forma general del rock de guitarra de los años 1970. [100] Sus sucesores incluyeron a los instrumentistas de fusión/progresivo Dixie Dregs , los Outlaws con más influencia country , Wet Willie con tendencia funk/R&B y (incorporando elementos de R&B y gospel) los Ozark Mountain Daredevils . [100] Después de la pérdida de los miembros originales de los Allmans y Lynyrd Skynyrd, el género comenzó a perder popularidad a fines de la década de 1970, pero se mantuvo en la década de 1980 con actos como .38 Special , Molly Hatchet y Marshall Tucker Band . [100]
El glam rock surgió de las escenas psicodélicas y de rock artístico inglesas de finales de los años 1960 y puede verse como una extensión y una reacción contra esas tendencias. [147] Musicalmente diverso, variando entre el simple resurgimiento del rock and roll de figuras como Alvin Stardust hasta el complejo rock artístico de Roxy Music, y puede verse tanto como una moda como un subgénero musical. [147] Visualmente era una mezcla de varios estilos, que iban desde el glamour de Hollywood de los años 30, pasando por el atractivo sexual de las pin-ups de los años 50, la teatralidad del cabaret de antes de la guerra , los estilos literarios y simbolistas victorianos , la ciencia ficción, hasta el misticismo y la mitología antiguos y ocultos ; manifestándose en ropa escandalosa, maquillaje, peinados y botas con suela de plataforma. [148] El glam es más conocido por su ambigüedad sexual y de género y las representaciones de la androginia , además del uso extensivo de la teatralidad. [149] Fue prefigurado por el espectáculo y la manipulación de la identidad de género de actos estadounidenses como los Cockettes y Alice Cooper . [150]
Los orígenes del glam rock se asocian con Marc Bolan , quien había renombrado su dúo folk a T. Rex y había empezado a tocar instrumentos eléctricos a fines de la década de 1960. A menudo se cita como el momento de inicio su aparición en el programa musical de la BBC Top of the Pops en marzo de 1971 vistiendo purpurina y satenes, para interpretar lo que sería su segundo éxito Top 10 del Reino Unido (y su primer éxito número 1 en el Reino Unido), " Hot Love ". [151] A partir de 1971, ya una estrella menor, David Bowie desarrolló su personaje de Ziggy Stardust, incorporando elementos de maquillaje profesional, mimo y actuación en su acto. [152] Estos intérpretes pronto fueron seguidos en el estilo por actos como Roxy Music, Sweet , Slade , Mott the Hoople , Mud y Alvin Stardust . [152] Si bien tuvieron un gran éxito en las listas de sencillos en el Reino Unido, muy pocos de estos músicos pudieron tener un impacto serio en los Estados Unidos; Bowie fue la principal excepción al convertirse en una superestrella internacional e impulsar la adopción de estilos glam entre grupos como Lou Reed , Iggy Pop , New York Dolls y Jobriath , a menudo conocidos como "glitter rock" y con un contenido lírico más oscuro que sus contrapartes británicas. [153] En el Reino Unido, el término glitter rock se usó con mayor frecuencia para referirse a la versión extrema del glam seguida por Gary Glitter y sus músicos de apoyo Glitter Band , quienes entre ellos lograron dieciocho sencillos entre los diez primeros en el Reino Unido entre 1972 y 1976. [154] Una segunda ola de actos de glam rock, incluidos Suzi Quatro , Roy Wood 's Wizzard y Sparks , dominó las listas de sencillos británicas desde aproximadamente 1974 hasta 1976. [152] Los actos existentes, algunos de los cuales generalmente no se consideran centrales para el género, también adoptaron estilos glam, incluidos Rod Stewart , Elton John , Queen y, durante un tiempo, incluso los Rolling Stones. [152] También fue una influencia directa en los actos que saltaron a la fama más tarde, incluidos Kiss y Adam Ant , y menos directamente en la formación del rock gótico y el glam metal , así como en el punk rock, lo que ayudó a poner fin a la moda del glam desde aproximadamente 1976. [153] Desde entonces, el glam ha disfrutado de resurgimientos modestos esporádicos a través de bandas como Chainsaw Kittens ,la Oscuridad [155] y en el acto crossover de R&B Prince . [156]
Después de los primeros éxitos del rock latino en la década de 1960, músicos chicanos como Carlos Santana y Al Hurricane continuaron teniendo carreras exitosas a lo largo de la década de 1970. Santana abrió la década con éxito en su sencillo de 1970 " Black Magic Woman " en el álbum Abraxas . [157] Su tercer álbum Santana III produjo el sencillo "No One to Depend On", y su cuarto álbum Caravanserai experimentó con su sonido con una recepción mixta. [158] [159] Más tarde lanzó una serie de cuatro álbumes que alcanzaron el estatus de oro: Welcome , Borboletta , Amigos y Festivál . Al Hurricane continuó mezclando su música rock con la música de Nuevo México , aunque también estaba experimentando más intensamente con la música jazz , lo que dio lugar a varios sencillos exitosos, especialmente en su álbum Vestido Mojado , incluido el homónimo "Vestido Mojado", así como "Por una mujer casada" y "Puño de tierra"; Sus hermanos tuvieron sencillos exitosos de música de Nuevo México en "La Del Moño Colorado" de Tiny Morrie y "La Cumbia De San Antone" de Baby Gaby. [160] Al Hurricane Jr. también comenzó su exitosa carrera de grabación de música de Nuevo México con influencias del rock en la década de 1970, con su interpretación de 1976 de "Flor De Las Flores". [161] [162] Los Lobos ganaron popularidad en esta época, con su primer álbum Los Lobos del Este de Los Ángeles en 1977.
Una época extraña, 1971. Aunque la balcanización del rock en géneros ya estaba en marcha, a menudo era difícil distinguir una frase de la siguiente. " Art-rock " podía significar cualquier cosa, desde los Velvet hasta los Moody Blues , y aunque se lanzó Led Zeppelin y se celebró a Black Sabbath , el " heavy metal " siguió siendo un concepto amorfo.
—Robert Christgau [163]
Desde finales de la década de 1960 se hizo común dividir la música rock mainstream en soft rock y hard rock. El soft rock a menudo se derivaba del folk rock, utilizando instrumentos acústicos y poniendo más énfasis en la melodía y las armonías. [164] Los artistas principales incluyeron a Carole King , Cat Stevens y James Taylor . [164] Alcanzó su pico comercial a mediados y finales de la década de 1970 con actos como Billy Joel , America y el reformado Fleetwood Mac , cuyo Rumours (1977) fue el álbum más vendido de la década. [165] Por el contrario, el hard rock se derivaba más a menudo del blues-rock y se tocaba más fuerte y con más intensidad. [166] A menudo enfatizaba la guitarra eléctrica, tanto como un instrumento rítmico usando riffs repetitivos simples y como un instrumento principal solista, y era más probable que se usara con distorsión y otros efectos. [166] Los actos clave incluyeron bandas de la Invasión Británica como los Kinks, así como artistas de la era psicodélica como Cream, Jimi Hendrix y Jeff Beck Group . [166] Las bandas influenciadas por el hard rock que disfrutaron de éxito internacional a finales de la década de 1970 incluyeron a Queen, [167] Thin Lizzy , [168] Aerosmith , AC/DC , [166] y Van Halen .
Desde finales de los años 1960, el término "heavy metal" comenzó a usarse para describir un hard rock tocado con incluso más volumen e intensidad, primero como adjetivo y a principios de los años 1970 como sustantivo. [169] El término se utilizó por primera vez en la música en " Born to Be Wild " (1967) de Steppenwolf y comenzó a asociarse con bandas pioneras como Blue Cheer de San Francisco, James Gang de Cleveland y Grand Funk Railroad de Michigan . [170] Para 1970, tres bandas británicas clave habían desarrollado los sonidos y estilos característicos que ayudarían a dar forma al subgénero. Led Zeppelin agregó elementos de fantasía a su blues-rock cargado de riffs, Deep Purple trajo intereses sinfónicos y medievales de su fase de rock progresivo y Black Sabbath introdujo facetas de la armonía gótica y modal , ayudando a producir un sonido "más oscuro". [171] Estos elementos fueron retomados por una "segunda generación" de bandas de heavy metal a finales de la década de 1970, entre ellas: Judas Priest , UFO , Motörhead y Rainbow de Gran Bretaña; Kiss , Ted Nugent y Blue Öyster Cult de los EE. UU.; Rush de Canadá y Scorpions de Alemania, todas ellas marcando la expansión de la popularidad del subgénero. [171] A pesar de la falta de difusión y muy poca presencia en las listas de sencillos, el heavy metal de finales de la década de 1970 consiguió un número considerable de seguidores, sobre todo entre los adolescentes varones de clase trabajadora de América del Norte y Europa. [172] En la década de 1980, bandas como Bon Jovi , Guns N' Roses , Skid Row y Def Leppard tuvieron un éxito generalizado, con hard rock y una fusión de hard rock con pop. Durante la década de 1990, el hard rock experimentó un ligero descenso en popularidad, a excepción de algunos éxitos importantes como November Rain de Guns N' Roses . Pero a principios de la década de 2000, " It's My Life " de Bon Jovi generó un enorme aumento en la popularidad del rock y el pop rock y ayudó a introducir estos géneros a una nueva base de fans.
El rock, principalmente el género heavy metal, ha sido criticado por algunos líderes cristianos, quienes lo han condenado como inmoral, anticristiano e incluso satánico. [173] Sin embargo, el rock cristiano comenzó a desarrollarse a fines de la década de 1960, particularmente a partir del movimiento de Jesús que comenzó en el sur de California, y surgió como un subgénero en la década de 1970 con artistas como Larry Norman , generalmente visto como la primera "estrella" importante del rock cristiano. [174] El género fue principalmente un fenómeno en los Estados Unidos. [175] Muchos intérpretes de rock cristiano tienen vínculos con la escena de la música cristiana contemporánea . A partir de la década de 1980, los intérpretes de pop cristiano han tenido cierto éxito en la corriente principal. Si bien estos artistas fueron en gran medida aceptables en las comunidades cristianas, la adopción de estilos de heavy rock y glam metal por bandas como Stryper , que lograron un éxito considerable en la corriente principal en la década de 1980, fue más controvertida. [176] [177] A partir de la década de 1990 hubo un número cada vez mayor de actos que intentaron evitar la etiqueta de banda cristiana, prefiriendo ser vistos como grupos que también eran cristianos, incluido POD . [178]
El rock del corazón de Estados Unidos, orientado a la clase trabajadora, caracterizado por un estilo musical sencillo y una preocupación por las vidas de la gente común y trabajadora estadounidense, se desarrolló en la segunda mitad de la década de 1970. El término rock del corazón se utilizó por primera vez para describir a grupos de rock de estadios del Medio Oeste como Kansas , REO Speedwagon y Styx, pero que llegaron a asociarse con una forma de rock de raíces con mayor preocupación social más directamente influenciada por el folk, el country y el rock and roll. [179] Se ha visto como una contraparte del country rock de la Costa Oeste y el Rust Belt de Estados Unidos y el rock sureño del sur de Estados Unidos. [180] Liderado por figuras que inicialmente se habían identificado con el punk y la new wave, estuvo fuertemente influenciado por actos como Bob Dylan, los Byrds, Creedence Clearwater Revival y Van Morrison , y el rock básico del garage de los años 60 y los Rolling Stones. [181]
Ejemplificado por el éxito comercial de los cantautores Bruce Springsteen , Bob Seger y Tom Petty , junto con actos menos conocidos como Southside Johnny and the Asbury Jukes y Joe Grushecky and the Houserockers , fue en parte una reacción al declive urbano posindustrial en el Este y el Medio Oeste, a menudo centrándose en cuestiones de desintegración social y aislamiento, junto a una forma de revivalismo del rock and roll de buenos momentos. [181] El género alcanzó su pico comercial, artístico e influyente a mediados de la década de 1980, con Born in the USA (1984) de Springsteen, encabezando las listas de éxitos en todo el mundo y generando una serie de sencillos entre los diez primeros, junto con la llegada de artistas como John Mellencamp , Steve Earle y cantautores más amables como Bruce Hornsby . [181] También se puede escuchar como una influencia en artistas tan diversos como Billy Joel , [182] Kid Rock [183] y The Killers . [184]
El rock del corazón del país se fue desvaneciendo como género reconocido a principios de los años 1990, a medida que la música rock en general, y los temas de la clase trabajadora blanca y de cuello azul en particular, perdieron influencia entre el público más joven, y los artistas del corazón del país se volcaron hacia obras más personales. [181] Muchos artistas de rock del corazón del país continuaron grabando con éxito crítico y comercial, sobre todo Bruce Springsteen, Tom Petty y John Mellencamp, aunque su producción se volvió más personal y experimental, y ya no encajaba en un género específico. [185]
El punk rock se desarrolló entre 1974 y 1976 en Estados Unidos y el Reino Unido. Con raíces en el garage rock y otras formas de lo que ahora se conoce como música protopunk, las bandas de punk rock evitaron los excesos percibidos del rock convencional de los años 70. [186] Crearon música rápida y contundente, generalmente con canciones cortas, instrumentación simplificada y letras a menudo políticas y antisistema. El punk adopta una ética DIY (hazlo tú mismo) , y muchas bandas autoproducen sus grabaciones y las distribuyen a través de canales informales. [187]
A finales de 1976, grupos como los Ramones y Patti Smith , en la ciudad de Nueva York, y los Sex Pistols y The Clash , en Londres, fueron reconocidos como la vanguardia de un nuevo movimiento musical. [186] El año siguiente, el punk rock se extendió por todo el mundo. El punk rápidamente se convirtió en un fenómeno cultural importante en el Reino Unido. La escaramuza televisiva en vivo de los Sex Pistols con Bill Grundy el 1 de diciembre de 1976 fue el momento decisivo en la transformación del punk británico en un fenómeno mediático importante, incluso cuando algunas tiendas se negaron a almacenar los discos y la difusión radial era difícil de conseguir. [188] En mayo de 1977, los Sex Pistols alcanzaron nuevas cotas de controversia (y el número dos en la lista de sencillos) con una canción que hacía referencia a la reina Isabel II , " God Save the Queen ", durante su Jubileo de Plata . [189] En su mayor parte, el punk se arraigó en escenas locales que tendían a rechazar la asociación con la corriente principal. Surgió una subcultura punk asociada , que expresaba la rebelión juvenil y se caracterizaba por estilos de vestimenta distintivos y una variedad de ideologías antiautoritarias . [190]
A principios de la década de 1980, estilos más rápidos y agresivos como el hardcore y el Oi! se habían convertido en el modo predominante del punk rock. [191] Esto ha dado lugar a varias cepas evolucionadas del hardcore punk, como el D-beat (un subgénero cargado de distorsión influenciado por la banda británica Discharge ), el anarco-punk (como Crass ), el grindcore (como Napalm Death ) y el crust punk . [192] Los músicos que se identificaron con el punk o se inspiraron en él también persiguieron una amplia gama de otras variaciones, dando lugar al new wave , el post-punk y el movimiento del rock alternativo . [186]
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Aunque el punk rock fue un fenómeno social y musical significativo, logró menos en términos de ventas de discos (siendo distribuido por pequeños sellos especializados como Stiff Records ), [193] o difusión en la radio estadounidense (ya que la escena radial continuó estando dominada por formatos mainstream como el disco y el rock orientado a los álbumes ). [194] El punk rock había atraído a devotos del mundo artístico y universitario y pronto bandas con un enfoque más culto y artístico, como Talking Heads y Devo, comenzaron a infiltrarse en la escena punk; en algunos sectores, la descripción "new wave" comenzó a usarse para diferenciar a estas bandas menos abiertamente punk. [195] Los ejecutivos discográficos, que habían estado en su mayoría desconcertados por el movimiento punk, reconocieron el potencial de los actos de new wave más accesibles y comenzaron a contratar y comercializar agresivamente a cualquier banda que pudiera afirmar una conexión remota con el punk o la new wave. [196] Muchas de estas bandas, como The Cars y The Go-Go's, pueden verse como bandas pop comercializadas como new wave; [197] Otros grupos ya existentes, como Police , Pretenders y Elvis Costello , utilizaron el movimiento new wave como trampolín para carreras relativamente largas y exitosas desde el punto de vista crítico, [198] mientras que las bandas de "corbatas delgadas" ejemplificadas por Knack , [199] o los fotogénicos Blondie , comenzaron como grupos punk y se trasladaron a un territorio más comercial. [200]
Entre 1979 y 1985, influenciada por Kraftwerk, Yellow Magic Orchestra , David Bowie y Gary Numan , la nueva ola británica se dirigió hacia nuevos románticos como Spandau Ballet , Ultravox , Japan , Duran Duran , A Flock of Seagulls , Culture Club , Talk Talk y Eurythmics , a veces usando el sintetizador para reemplazar todos los demás instrumentos. [201] Este período coincidió con el auge de MTV y condujo a una gran exposición para esta marca de synth-pop, creando lo que se ha caracterizado como una segunda invasión británica . [202] Algunas bandas de rock más tradicionales se adaptaron a la era del video y se beneficiaron de la difusión de MTV , la más obvia fue Dire Straits , cuyo " Money for Nothing " se burlaba suavemente de la estación, a pesar del hecho de que había ayudado a convertirlos en estrellas internacionales, [203] pero en general, el rock orientado a la guitarra fue eclipsado comercialmente. [204]
Si bien el hardcore perseguía más directamente la estética despojada del punk, y el new wave llegó a representar su ala comercial, el post-punk surgió a finales de los años 1970 y principios de los 1980 como su lado más artístico y desafiante. Las principales influencias además de las bandas punk fueron Velvet Underground , Frank Zappa y Captain Beefheart , y la escena no wave con base en Nueva York que ponía énfasis en la interpretación, incluyendo bandas como James Chance and the Contortions , DNA y Sonic Youth . [205] Los primeros contribuyentes al género incluyeron a las bandas estadounidenses Pere Ubu , Devo, The Residents y Talking Heads . [205]
La primera ola del post-punk británico incluyó a Gang of Four , Siouxsie and the Banshees y Joy Division , quienes pusieron menos énfasis en el arte que sus contrapartes estadounidenses y más en las oscuras cualidades emocionales de su música. [205] Bandas como Siouxsie and the Banshees, Bauhaus , The Cure y Sisters of Mercy , se movieron cada vez más en esta dirección para fundar el rock gótico, que se había convertido en la base de una importante subcultura a principios de la década de 1980. [206] Un territorio emocional similar fue perseguido por actos australianos como Birthday Party y Nick Cave . [205] Los miembros de Bauhaus y Joy Division exploraron un nuevo territorio estilístico como Love and Rockets y New Order respectivamente. [205] Otro movimiento post-punk temprano fue la música industrial [207] desarrollada por las bandas británicas Throbbing Gristle y Cabaret Voltaire , y la neoyorquina Suicide , que utilizaban una variedad de técnicas electrónicas y de muestreo que emulaban el sonido de la producción industrial y que se desarrollarían en una variedad de formas de música post-industrial en la década de 1980. [208]
La segunda generación de bandas post-punk británicas que irrumpieron a principios de los años 1980, incluyendo a The Fall , The Pop Group , The Mekons , Echo and the Bunnymen y The Teardrop Explodes , tendieron a alejarse de los paisajes sonoros oscuros. [205] Podría decirse que la banda más exitosa que surgió del post-punk fue U2 de Irlanda , que incorporó elementos de imaginería religiosa junto con comentarios políticos en su música a menudo himnaria, y a fines de los años 1980 se había convertido en una de las bandas más grandes del mundo. [209] Aunque muchas bandas post-punk continuaron grabando y actuando, decayó como movimiento a mediados de los años 1980 cuando los actos se disolvieron o se mudaron para explorar otras áreas musicales, pero ha seguido influyendo en el desarrollo de la música rock y ha sido visto como un elemento importante en la creación del movimiento de rock alternativo. [210]
El término rock alternativo fue acuñado a principios de los años 1980 para describir a los artistas de rock que no encajaban en los géneros mainstream de la época. Las bandas denominadas "alternativas" no tenían un estilo unificado, pero todas eran vistas como distintas de la música mainstream. Las bandas alternativas estaban vinculadas por su deuda colectiva con el punk rock, a través del hardcore, la new wave o los movimientos post-punk. [211] Las bandas de rock alternativo importantes de la década de 1980 en los EE. UU. incluyeron a REM , Hüsker Dü , Jane's Addiction , Sonic Youth y Pixies , [211] y en el Reino Unido The Cure , New Order , Jesus and Mary Chain y The Smiths . [212] Los artistas se limitaron en gran medida a sellos discográficos independientes , construyendo una extensa escena musical underground basada en la radio universitaria , fanzines, giras y el boca a boca. [213] Rechazaron el synth-pop dominante de principios de los años 1980, marcando un regreso al rock de guitarra basado en grupos. [214] [215] [216]
Pocas de estas primeras bandas lograron un éxito generalizado, aunque las excepciones a esta regla incluyen a REM, The Smiths y The Cure. A pesar de una falta general de ventas espectaculares de álbumes, las bandas originales de rock alternativo ejercieron una influencia considerable en la generación de músicos que alcanzaron la mayoría de edad en la década de 1980 y terminaron abriéndose paso hacia el éxito generalizado en la década de 1990. Los estilos de rock alternativo en los EE. UU. Durante la década de 1980 incluyeron el jangle pop , asociado con las primeras grabaciones de REM, que incorporaban las guitarras resonantes del pop y el rock de mediados de la década de 1960, y el college rock, utilizado para describir a las bandas alternativas que comenzaron en el circuito universitario y la radio universitaria, incluidos actos como 10,000 Maniacs y Feelies . [211] En el Reino Unido, el rock gótico fue dominante a principios de los 80, pero a finales de la década, el indie o dream pop [217] como Primal Scream , Bogshed , Half Man Half Biscuit y Wedding Present , y lo que se denominaron bandas shoegaze como My Bloody Valentine , Slowdive , Ride y Lush entraron. [218] Particularmente vibrante fue la escena de Madchester , produciendo bandas como Happy Mondays , Inspiral Carpets y Stone Roses . [212] [219] La siguiente década vería el éxito del grunge en los EE. UU. y el britpop en el Reino Unido, llevando el rock alternativo a la corriente principal.
Desilusionadas por el pop y el rock comercializados y altamente producidos a mediados de la década de 1980, las bandas en el estado de Washington (particularmente en el área de Seattle ) formaron un nuevo estilo de rock que contrastaba marcadamente con la música mainstream de la época. [220] El género en desarrollo llegó a ser conocido como "grunge", un término descriptivo del sonido sucio de la música y la apariencia descuidada de la mayoría de los músicos, que se rebelaron activamente contra las imágenes sobre arregladas de otros artistas. [220] El grunge fusionó elementos del hardcore punk y el heavy metal en un solo sonido, e hizo un uso intensivo de la distorsión de la guitarra , el fuzz y el feedback . [220] Las letras eran típicamente apáticas y llenas de angustia, y a menudo trataban temas como la alienación social y el entrampamiento, aunque también era conocido por su humor negro y sus parodias del rock comercial. [220]
Bandas como Green River , Soundgarden , Melvins y Skin Yard fueron pioneras en el género, siendo Mudhoney la más exitosa a finales de la década. El grunge siguió siendo en gran medida un fenómeno local hasta 1991, cuando el álbum Nevermind de Nirvana se convirtió en un gran éxito, conteniendo la canción himno « Smells Like Teen Spirit ». [221] Nevermind era más melódico que sus predecesores, al firmar con Geffen Records la banda fue una de las primeras en emplear mecanismos tradicionales de promoción y marketing corporativos como un video de MTV, exhibiciones en tiendas y el uso de «consultores» de radio que promovieron la difusión en las principales estaciones de rock mainstream. Durante 1991 y 1992, otros álbumes de grunge como Ten de Pearl Jam , Badmotorfinger de Soundgarden y Dirt de Alice in Chains , junto con el álbum Temple of the Dog con miembros de Pearl Jam y Soundgarden, se convirtieron en uno de los 100 álbumes más vendidos. [222] Los principales sellos discográficos contrataron a la mayoría de las bandas grunge restantes en Seattle, mientras que una segunda afluencia de actos se trasladó a la ciudad con la esperanza de tener éxito. [223] Sin embargo, con la muerte de Kurt Cobain y la posterior disolución de Nirvana en 1994, los problemas de gira de Pearl Jam y la salida del cantante principal de Alice in Chains, Layne Staley, en 1998, el género comenzó a declinar, en parte para ser eclipsado por el britpop y el post-grunge de sonido más comercial . [224]
El britpop surgió de la escena del rock alternativo británico de principios de los años 1990 y se caracterizó por bandas particularmente influenciadas por la música de guitarra británica de los años 1960 y 1970. [212] The Smiths fueron una influencia importante, al igual que las bandas de la escena Madchester , que se había disuelto a principios de los años 1990. [80] El movimiento ha sido visto en parte como una reacción contra varias tendencias musicales y culturales con base en Estados Unidos a fines de los años 1980 y principios de los años 1990, particularmente el fenómeno grunge y como una reafirmación de una identidad de rock británica. [212] El britpop era variado en estilo, pero a menudo usaba melodías y ganchos pegadizos, además de letras con preocupaciones particularmente británicas y la adopción de la iconografía de la Invasión Británica de los años 1960, incluidos los símbolos de la identidad británica previamente utilizados por los mods. [225] Se lanzó alrededor de 1993 con lanzamientos de grupos como Suede y Blur , a quienes pronto se unieron otros como Oasis , Pulp , Supergrass y Elastica , quienes produjeron una serie de álbumes y sencillos exitosos. [212] Durante un tiempo, la competencia entre Blur y Oasis fue construida por la prensa popular como la "Batalla del Britpop", inicialmente ganada por Blur, pero con Oasis logrando un mayor éxito a largo plazo e internacional, influyendo directamente en bandas de Britpop posteriores, como Ocean Colour Scene y Kula Shaker . [226] Los grupos de Britpop llevaron el rock alternativo británico a la corriente principal y formaron la columna vertebral de un movimiento cultural británico más grande conocido como Cool Britannia . [227] Aunque sus bandas más populares, particularmente Blur y Oasis, pudieron difundir su éxito comercial en el extranjero, especialmente en los Estados Unidos, el movimiento se había desmoronado en gran medida a fines de la década. [212]
El término post-grunge fue acuñado para la generación de bandas que siguieron a la aparición en el mainstream y la posterior pausa de las bandas grunge de Seattle. Las bandas post-grunge emularon sus actitudes y música, pero con un sonido comercial más orientado a la radio. [224] A menudo trabajaron a través de las principales discográficas y llegaron a incorporar diversas influencias del jangle pop, el pop-punk, el metal alternativo o el hard rock. [224] El término post-grunge originalmente tenía la intención de ser peyorativo, sugiriendo que simplemente eran musicalmente derivados, o una respuesta cínica a un movimiento de rock "auténtico". [228] Originalmente, las bandas grunge que surgieron cuando el grunge era mainstream y se sospechaba que emulaban el sonido grunge fueron etiquetadas peyorativamente como post-grunge. [228] A partir de 1994, la nueva banda del ex baterista de Nirvana Dave Grohl , Foo Fighters , ayudó a popularizar el género y definir sus parámetros. [229]
Algunas bandas de post-grunge, como Candlebox , eran de Seattle, pero el subgénero estuvo marcado por una ampliación de la base geográfica del grunge, con bandas como Audioslave de Los Ángeles y Collective Soul de Georgia y más allá de los EE. UU. hasta Silverchair de Australia y Bush de Gran Bretaña , quienes consolidaron el post-grunge como uno de los subgéneros comercialmente más viables de finales de los años 1990. [211] [224] Aunque las bandas masculinas predominaron en el post-grunge, el álbum de 1995 de la artista solista femenina Alanis Morissette , Jagged Little Pill , etiquetado como post-grunge, también se convirtió en un éxito multiplatino. [230] El post-grunge se transformó a finales de los años 1990 cuando surgieron bandas de post-grunge como Creed y Nickelback . [228] Bandas como Creed y Nickelback llevaron el post-grunge al siglo XXI con un éxito comercial considerable, abandonando la mayor parte de la angustia y la ira del movimiento original por himnos, narrativas y canciones románticas más convencionales, y fueron seguidas en esta línea por actos más nuevos como Shinedown , Seether , 3 Doors Down y Puddle of Mudd . [228]
Los orígenes del pop-punk de los años 1990 se pueden ver en las bandas más orientadas a las canciones del movimiento punk de los años 1970 como Buzzcocks y The Clash , actos de new wave comercialmente exitosos como Jam y The Undertones , y los elementos más influenciados por el hardcore del rock alternativo en los años 1980. [231] El pop-punk tiende a usar melodías de power-pop y cambios de acordes con ritmos punk rápidos y guitarras fuertes. [232] La música punk proporcionó la inspiración para algunas bandas con sede en California en sellos independientes a principios de los años 1990, incluidos Rancid y Green Day . [231] En 1994, Green Day se mudó a un sello importante y produjo el álbum Dookie , que encontró una nueva audiencia, en gran parte adolescente, y resultó un éxito sorpresa en ventas de diamantes, lo que llevó a una serie de sencillos exitosos, incluidos dos número uno en los EE. UU. [211] Pronto les siguió el debut homónimo de Weezer , que generó tres sencillos entre los diez primeros en los EE. UU. [233] Este éxito abrió la puerta a las ventas multiplatino de la banda de punk metálico The Offspring con Smash (1994). [211] Esta primera ola de pop punk alcanzó su pico comercial con Nimrod (1997) de Green Day y Americana (1998) de Offspring . [234]
Una segunda ola de pop-punk fue encabezada por Blink-182 , con su exitoso álbum Enema of the State (1999), seguido por bandas como Good Charlotte , Simple Plan y Sum 41 , quienes hicieron uso del humor en sus videos y tenían un tono más radiofónico en su música, al tiempo que conservaban la velocidad, algo de la actitud e incluso el aspecto del punk de los años 70. [231] Las bandas de pop-punk posteriores, incluidas All Time Low , All-American Rejects y Fall Out Boy , tuvieron un sonido que se ha descrito como más cercano al hardcore de los años 80, sin dejar de lograr éxito comercial. [231]
En la década de 1980, los términos indie rock y rock alternativo se usaban indistintamente. [235] A mediados de la década de 1990, cuando los elementos del movimiento comenzaron a atraer el interés general, en particular el grunge y luego el britpop, el post-grunge y el pop-punk, el término alternativo comenzó a perder su significado. [235] Aquellas bandas que seguían los contornos menos comerciales de la escena fueron cada vez más referidas por la etiqueta indie. [235] Característicamente intentaron mantener el control de sus carreras lanzando álbumes en sus propios sellos o en pequeños sellos independientes, mientras dependían de las giras, el boca a boca y la difusión en estaciones de radio independientes o universitarias para la promoción. [235] Vinculado por un ethos más que por un enfoque musical, el movimiento indie rock abarcó una amplia gama de estilos, desde bandas de estilo duro e influenciado por el grunge como Cranberries y Superchunk , pasando por bandas experimentales de bricolaje como Pavement , hasta cantantes de punk-folk como Ani DiFranco . [211] [212] Se ha observado que el indie rock tiene una proporción relativamente alta de artistas femeninas en comparación con los géneros de rock anteriores, una tendencia ejemplificada por el desarrollo de la música Riot grrrl de inspiración feminista . [236] Muchos países han desarrollado una extensa escena indie local , que florece con bandas con suficiente popularidad para sobrevivir dentro del respectivo país, pero virtualmente desconocidas fuera de ellos. [237]
A finales de la década de 1990, muchos subgéneros reconocibles, la mayoría con sus orígenes en el movimiento alternativo de finales de la década de 1980, se incluyeron bajo el paraguas del indie. El lo-fi evitó las técnicas de grabación pulidas para un espíritu DIY y fue encabezado por Beck , Sebadoh y Pavement . [211] El trabajo de Talk Talk y Slint ayudó a inspirar tanto el post rock, un estilo experimental influenciado por el jazz y la música electrónica , iniciado por Bark Psychosis y retomado por actos como Tortoise , Stereolab y Laika , [238] [239] además de conducir a un math rock más denso y complejo, basado en la guitarra, desarrollado por actos como Polvo y Chavez . [240] El space rock miró hacia atrás a las raíces progresivas, con actos minimalistas y pesados con drones como Spacemen 3 , las dos bandas creadas a partir de su separación, Spectrum y Spiritualized , y grupos posteriores como Flying Saucer Attack , Godspeed You! Black Emperor y Quickspace . [241] En contraste, el sadcore enfatizó el dolor y el sufrimiento a través del uso melódico de instrumentación acústica y electrónica en la música de bandas como American Music Club y Red House Painters , [242] mientras que el resurgimiento del pop barroco reaccionó contra la música lo-fi y experimental al poner énfasis en la melodía y la instrumentación clásica, con artistas como Arcade Fire , Belle and Sebastian y Rufus Wainwright . [243]
El metal alternativo surgió de la escena hardcore del rock alternativo en los EE. UU. a fines de la década de 1980, pero ganó una audiencia más amplia después de que el grunge irrumpiera en la corriente principal a principios de la década de 1990. [244] Las primeras bandas de metal alternativo mezclaron una amplia variedad de géneros con sensibilidades hardcore y heavy metal, con actos como Jane's Addiction y Primus usando rock progresivo, Soundgarden y Corrosion of Conformity usando garage punk, Jesus Lizard y Helmet mezclando noise rock , Ministry y Nine Inch Nails influenciados por la música industrial , Monster Magnet moviéndose hacia la psicodelia , Pantera , Sepultura y White Zombie creando groove metal , mientras que Biohazard , Limp Bizkit y Faith No More recurrieron al hip hop y al rap. [244]
El hip hop había ganado atención de los grupos de rock a principios de la década de 1980, incluidos The Clash con " The Magnificent Seven " (1980) y Blondie con " Rapture " (1980). [245] [246] Los primeros actos de crossover incluyeron a Run DMC y Beastie Boys . [247] El rapero de Detroit Esham se hizo conocido por su estilo de "rap ácido", que fusionó el rap con un sonido que a menudo se basaba en el rock y el heavy metal. [248] [249] Los raperos que samplearon canciones de rock incluyeron a Ice-T , Fat Boys , LL Cool J , Public Enemy y Whodini . [250] La mezcla de thrash metal y rap fue iniciada por Anthrax en su sencillo de 1987 con influencia de comedia " I'm the Man ". [250]
En 1990, Faith No More irrumpió en el mainstream con su sencillo « Epic », a menudo visto como la primera combinación verdaderamente exitosa de heavy metal con rap. [251] Esto allanó el camino para el éxito de bandas existentes como 24-7 Spyz y Living Colour , y nuevos actos como Rage Against the Machine y Red Hot Chili Peppers , quienes fusionaron rock y hip hop entre otras influencias. [250] [252] Entre la primera ola de artistas que obtuvieron éxito mainstream como rap rock se encontraban 311 , [253] Bloodhound Gang , [254] y Kid Rock . [255] Un sonido más metálico, el nu metal , fue perseguido por bandas como Limp Bizkit , Korn y Slipknot . [250] Más adelante en la década, este estilo, que contenía una mezcla de grunge, punk, metal, rap y scratching de tocadiscos , generó una ola de bandas exitosas como Linkin Park , POD y Staind , que a menudo fueron clasificadas como rap metal o nu metal, las primeras de las cuales son la banda más vendida del género. [256]
En 2001, el nu metal alcanzó su apogeo con álbumes como Break the Cycle de Staind , Satellite de POD , Iowa de Slipknot y Hybrid Theory de Linkin Park . También surgieron nuevas bandas como Disturbed , Godsmack y Papa Roach , cuyo debut en un sello importante, Infest, se convirtió en un éxito de platino. [257] El esperado quinto álbum de Korn, Untouchables , y el segundo álbum de Papa Roach, Lovehatetragedy , no se vendieron tan bien como sus lanzamientos anteriores, mientras que las bandas de nu metal sonaban con menos frecuencia en las estaciones de radio de rock y MTV comenzó a centrarse en el pop punk y el emo . [258] Desde entonces, muchas bandas han cambiado a un sonido de hard rock, heavy metal o música electrónica más convencional. [258]
Desde aproximadamente 1997, a medida que crecía la insatisfacción con el concepto de Cool Britannia y el Britpop como movimiento comenzaba a disolverse, las bandas emergentes comenzaron a evitar la etiqueta de Britpop mientras seguían produciendo música derivada de ella. [259] [260] Muchas de estas bandas tendían a mezclar elementos del rock tradicional británico (o rock tradicional británico), [261] particularmente los Beatles, Rolling Stones y Small Faces , [262] con influencias estadounidenses, incluido el post-grunge. [263] [264] Procedentes de todo el Reino Unido (con varias bandas importantes surgiendo del norte de Inglaterra, Escocia, Gales e Irlanda del Norte), los temas de su música tendían a estar menos centrados parroquialmente en la vida británica, inglesa y londinense y más introspectivos de lo que había sido el caso del Britpop en su apogeo. [265] [266] Esto, además de una mayor voluntad de interactuar con la prensa y los fanáticos estadounidenses, puede haber ayudado a algunos de ellos a lograr el éxito internacional. [267] Varias bandas alternativas que habían disfrutado de cierto éxito a mediados de los años 1990, pero que no encontraron un gran éxito comercial hasta finales de esa década, incluyeron a The Verve y Radiohead . Después del declive del britpop, comenzaron a ganar más atención crítica y popular. El álbum de The Verve, Urban Hymns (1997), fue un éxito mundial, y Radiohead logró una aclamación crítica casi universal con su tercer álbum experimental OK Computer (1997), así como su siguiente álbum Kid A (2000).
Las bandas post-britpop han sido vistas como presentadoras de la imagen de la estrella de rock como una persona común y su música cada vez más melódica fue criticada por ser insulsa o derivada. [268] Bandas post-britpop como Travis de The Man Who (1999), Stereophonics de Performance and Cocktails (1999), Feeder de Echo Park (2001), y particularmente Coldplay de su álbum debut Parachutes (2000), lograron un éxito internacional mucho más amplio que la mayoría de los grupos de britpop que los habían precedido, y fueron algunos de los actos comercialmente más exitosos de finales de los 90 y principios de los 2000, posiblemente proporcionando una plataforma de lanzamiento para el posterior renacimiento del garage rock y el renacimiento del post-punk , que también ha sido visto como una reacción a su marca introspectiva de rock. [264] [269] [270] [271]
El post-hardcore se desarrolló en los EE. UU., particularmente en las áreas de Chicago y Washington, DC, a principios y mediados de la década de 1980, con bandas que se inspiraron en la ética del "hazlo tú mismo" y la música cargada de guitarras del hardcore punk, pero influenciadas por el post-punk, adoptando formatos de canciones más largos, estructuras musicales más complejas y, a veces, estilos vocales más melódicos. [272]
El emo también surgió de la escena hardcore en Washington, DC en los años 1980, inicialmente como "emocore", usado como un término para describir a las bandas que favorecían las voces expresivas sobre el estilo abrasivo y ladrador más común. [273] La escena emo temprana operó como underground, con bandas de corta duración que lanzaron discos de vinilo de tiradas pequeñas en pequeños sellos independientes. [273 ] El emo irrumpió en la cultura mainstream a principios de la década de 2000 con el éxito de platino de Bleed American (2001) de Jimmy Eat World y The Places You Have Come to Fear the Most (2003) de Dashboard Confessional . [274] El nuevo emo tenía un sonido mucho más mainstream que en la década de 1990 y un atractivo mucho mayor entre los adolescentes que sus encarnaciones anteriores. [274] Al mismo tiempo, el uso del término emo se expandió más allá del género musical, asociándose con la moda, un peinado y cualquier música que expresara emoción. [275] En 2003, las bandas de post-hardcore también habían llamado la atención de los principales sellos discográficos y comenzaron a disfrutar de un éxito generalizado en las listas de álbumes. [ cita requerida ] Varias de estas bandas fueron vistas como una rama más agresiva del emo y se les dio la etiqueta a menudo vaga de screamo . [276]
A principios de la década de 2000, un nuevo grupo de bandas que tocaban una versión simplificada y básica del rock de guitarra surgió en el mainstream. Se caracterizaron de diversas formas como parte de un garage rock, post-punk o revival de new wave . [277] [278] [279] [280] Debido a que las bandas provenían de todo el mundo, citaban diversas influencias (desde el blues tradicional, pasando por el new wave hasta el grunge) y adoptaban diferentes estilos de vestimenta, su unidad como género ha sido cuestionada. [281] Hubo intentos de revivir el garage rock y elementos del punk en las décadas de 1980 y 1990 y para el año 2000 las escenas habían crecido en varios países. [282]
El avance comercial de estas escenas fue liderado por cuatro bandas: The Strokes , que emergió de la escena de clubes de Nueva York con su álbum debut Is This It (2001); The White Stripes , de Detroit, con su tercer álbum White Blood Cells (2001); The Hives de Suecia después de su álbum recopilatorio Your New Favourite Band (2001); y The Vines de Australia con Highly Evolved (2002). [283] Fueron bautizados por los medios como "Las" bandas, y apodados "Los salvadores del rock 'n' roll", lo que llevó a acusaciones de exageración. [284] Una segunda ola de bandas que ganaron reconocimiento internacional debido al movimiento incluyó a Black Rebel Motorcycle Club , The Killers , Interpol y Kings of Leon de los EE. UU., [285] The Libertines , Arctic Monkeys , Bloc Party , Kaiser Chiefs y Franz Ferdinand del Reino Unido, [286] Jet y Wolfmother de Australia, [287] y los Datsuns y los D4 de Nueva Zelanda. [288]
En la década de 2000, a medida que la tecnología informática se hizo más accesible y el software musical avanzó, se hizo posible crear música de alta calidad utilizando poco más que una sola computadora portátil. [289] Esto resultó en un aumento masivo en la cantidad de música electrónica producida en casa disponible para el público en general a través de Internet en expansión, [290] y nuevas formas de interpretación como laptronica [289] y la codificación en vivo . [291] Estas técnicas también comenzaron a ser utilizadas por bandas existentes y por géneros en desarrollo que mezclaban rock con técnicas y sonidos digitales, incluyendo electrónica indie , electroclash , dance-punk y new rave . [ cita requerida ]
Durante la década de 2010, la música rock declinó de su posición como el principal género musical popular, ahora compartiendo con el dance electrónico y el hip hop , este último lo había superado como el género musical más consumido en los Estados Unidos en 2017. [292] [293] [294] El auge del streaming y la llegada de la tecnología, que cambió los enfoques hacia la creación musical, fueron citados como factores principales. [295] Ken Partridge de Genius sugirió que el hip-hop se hizo más popular porque es un género más transformador y no necesita depender de sonidos pasados, y que existe una conexión directa con el estancamiento de la música rock y el cambio de actitudes sociales durante la década de 2010. [293] Bill Flanagan, en un artículo de opinión de 2016 para The New York Times , comparó el estado del rock durante este período con el estado del jazz a principios de la década de 1980, "desacelerando y mirando hacia atrás". [296]
Las bandas de rock que tuvieron éxito en las listas en la década de 2010 se asociaron principalmente con las tendencias que habían sido populares en la década de 2000 y décadas anteriores en lugar de reflejar nuevas escenas y sonidos. [297] Algunas bandas de pop rock y hard rock continuaron teniendo éxito comercial durante este período, incluyendo Ghost , Maroon 5 , Twenty One Pilots , Fall Out Boy , Imagine Dragons , Halestorm , Panic! at the Disco , Black Veil Brides , Greta Van Fleet y The Black Keys . [298] [299] [300] Fuera de las listas, la comercialización de los festivales de rock fue un tema importante de la década, con megafestivales globales como Coachella , Glastonbury y Roskilde , y festivales locales de menor escala en expansión. [301]
En 2020, la pandemia de COVID-19 trajo cambios extremos a la escena del rock en todo el mundo. Las restricciones, como las reglas de cuarentena , causaron cancelaciones y aplazamientos generalizados de conciertos, giras, festivales, lanzamientos de álbumes, ceremonias de premios y competiciones. [302] [303] [304] [305] [306] Algunos artistas recurrieron a dar actuaciones en línea para mantener activas sus carreras. [307] Otro esquema para eludir las limitaciones de la cuarentena se utilizó en un concierto del músico de rock danés Mads Langer : el público vio la actuación desde el interior de sus coches, como en un autocine . [308] Musicalmente, la pandemia provocó un aumento de nuevos lanzamientos de los subgéneros más lentos, menos enérgicos y más acústicos de la música rock. [309] [310] La industria recaudó fondos para ayudarse a sí misma a través de esfuerzos como Crew Nation, un fondo de ayuda para equipos de música en vivo organizado por Livenation . [311]
Los estilos psicodélicos y progresivos en el rock verían un importante resurgimiento en popularidad durante las décadas de 2010 y 2020. Algunos de los actos más notables en la neo-psicodelia se originaron en Australia; Tame Impala de Kevin Parker lanzó el sencillo " Elephant " en 2012, que se convirtió en un éxito en la radio alternativa en varios países, y sería seguido por el lanzamiento de álbumes aclamados por la crítica de Parker como Lonerism (2012) y Currents (2015). [312] [313] [314] Este nuevo estilo de música psicodélica australiana no solo se basó en los actos de rock psicodélico y progresivo de los años 60 y 70, sino que también incorporó influencias musicales nuevas y únicas de varios subgéneros de rock, heavy metal , EDM y música del mundo . [315] Un artículo de 2014 en The Guardian describió a Australia como un lugar donde "las bandas de rock de mentalidad independiente son libres de desarrollarse a su propio ritmo". [316] Otros actos australianos de resurgimiento psicodélico y progresivo de las décadas de 2010 y 2020 incluyen a King Gizzard & the Lizard Wizard , Psychedelic Porn Crumpets , Rolling Blackouts Coastal Fever , Bananagun , Jay Watson , The Murlocs , Stonefield y Tropical Fuck Storm . [317] [318]
Las tendencias psicodélicas en el rock también han experimentado un resurgimiento en Europa, con grupos de stoner rock europeos y estadounidenses como Uncle Acid & the Deadbeats , Graveyard , Kadavar , All Them Witches y True Widow interpretando una versión más pesada y basada en riffs de la neo-psicodelia que contiene influencias más fuertes de blues y metal. [319] Se ha descrito a Europa como "realmente buena" para la nueva música psicodélica, y muchas bandas de stoner rock estadounidenses eligen hacer giras en Europa en lugar de América del Norte. [320]
A principios de la década de 2020, los artistas de grabación tanto de música pop como de rap lanzaron grabaciones populares con influencia del pop-punk, muchas de ellas producidas o asistidas por el baterista de Blink-182, Travis Barker . Representando un resurgimiento comercial para el género, estos actos incluyeron a Machine Gun Kelly , Willow Smith , Trippie Redd , Halsey , Yungblud y Olivia Rodrigo . La popularidad de la plataforma de redes sociales TikTok ayudó a despertar la nostalgia por el estilo musical impulsado por la angustia entre los oyentes jóvenes durante la pandemia. Entre los más exitosos de estos lanzamientos se encuentran el álbum de 2020 de Machine Gun Kelly, Tickets to My Downfall , que encabezó el Billboard 200, y el sencillo número uno de Rodrigo " Good 4 U " (2021). [321]
A mediados y finales de la década de 2010 y principios de la de 2020, surgió una nueva ola de bandas de post-punk de Gran Bretaña e Irlanda. Los grupos de esta escena han sido descritos con el término "Crank Wave" por NME y The Quietus en 2019, y como "Post- Brexit New Wave" por el escritor de NPR Matthew Perpetua en 2021. [322] [323] [324] Los artistas que han sido identificados como parte de este estilo incluyen a Black Midi , Wet Leg , Squid , Black Country, New Road , Dry Cleaning , Shame , Sleaford Mods , Fontaines DC , The Murder Capital , Idles y Yard Act . [322] [323] [324] [325] Los artistas post-punk que alcanzaron prominencia en la década de 2010 y principios de la de 2020 de otros países además del Reino Unido incluyeron a Parquet Courts , Protomartyr y Geese (Estados Unidos), Preoccupations (Canadá), Iceage (Dinamarca) y Viagra Boys (Suecia). [326] [327] [328]
A mediados y finales de la década de 2010, algunas bandas de rock mainstream comenzaron a ganar notoriedad por tocar en un estilo de música rock de regreso a lo básico destinado a emular el sonido de los actos heredados populares en la radio de rock clásico . El lanzamiento de Anthem of the Peaceful Army (2018) de Greta Van Fleet vio un renovado interés general en los estilos de rock anteriores de las décadas de 1960 y 1970, y Revolver describió este sonido de resurgimiento del rock clásico como "rock 'n' roll contundente, arrogante, impulsado por riffs construido alrededor de una configuración central de voz-guitarra-bajo-batería". [329] Otros grupos considerados parte de esta tendencia incluyen Rival Sons , The Struts , Dirty Honey , Crown Lands , Larkin Poe y White Reaper . [330]
Diferentes subgéneros del rock fueron adoptados y se volvieron centrales para la identidad de un gran número de subculturas . En las décadas de 1950 y 1960, respectivamente, los jóvenes británicos adoptaron las subculturas Teddy Boy y Rocker , que giraban en torno al rock and roll estadounidense. [331] La contracultura de la década de 1960 estuvo estrechamente asociada con el rock psicodélico . [331] La subcultura punk de mediados y finales de la década de 1970 comenzó en los EE. UU., pero la diseñadora británica Vivienne Westwood le dio un aspecto distintivo , un aspecto que se extendió por todo el mundo. [332] Fuera de la escena punk, crecieron las subculturas Goth y Emo , las cuales presentaban estilos visuales distintivos. [333]
Cuando se desarrolló una cultura rock internacional, suplantó al cine como la principal fuente de influencia de la moda. [334] Paradójicamente, los seguidores de la música rock a menudo han desconfiado del mundo de la moda, que se ha visto como una elevación de la imagen por encima de la sustancia. [334] Las modas del rock han sido vistas como una combinación de elementos de diferentes culturas y períodos, además de expresar puntos de vista divergentes sobre la sexualidad y el género, y la música rock en general ha sido señalada y criticada por facilitar una mayor libertad sexual. [334] [335] El rock también se ha asociado con varias formas de consumo de drogas, incluidas las anfetaminas tomadas por los mods a principios y mediados de la década de 1960, pasando por el LSD , la mescalina , el hachís y otras drogas alucinógenas vinculadas con el rock psicodélico a mediados y finales de la década de 1960 y principios de la de 1970; y, a veces, con el cannabis , la cocaína y la heroína, todas las cuales han sido elogiadas en canciones. [336] [337]
Se le ha atribuido al rock el cambio de actitudes hacia la raza al abrir la cultura afroamericana al público blanco; pero al mismo tiempo, se ha acusado al rock de apropiarse y explotar esa cultura. [338] [339] Si bien la música rock ha absorbido muchas influencias y ha presentado al público occidental diferentes tradiciones musicales, [340] la difusión global de la música rock ha sido interpretada como una forma de imperialismo cultural . [341] La música rock heredó la tradición folclórica de la canción de protesta , haciendo declaraciones políticas sobre temas como la guerra, la religión, la pobreza, los derechos civiles, la justicia y el medio ambiente. [342] El activismo político alcanzó un pico generalizado con el sencillo " Do They Know It's Christmas? " (1984) y el concierto Live Aid para Etiopía en 1985, que, si bien aumentaron la conciencia sobre la pobreza mundial y los fondos para la ayuda, también han sido criticados (junto con eventos similares), por proporcionar un escenario para el autoengrandecimiento y el aumento de las ganancias para las estrellas de rock involucradas. [343]
Desde sus inicios, la música rock ha estado asociada con la rebelión contra las normas sociales y políticas, sobre todo en el rechazo del rock and roll temprano a una cultura dominada por los adultos, el rechazo de la contracultura al consumismo y la conformidad y el rechazo del punk a todas las formas de convención social, [344] sin embargo, también puede verse como un medio para la explotación comercial de tales ideas y para desviar a los jóvenes de la acción política. [345] [346]
Las mujeres instrumentistas profesionales son poco comunes en géneros de rock como el heavy metal, aunque bandas como Within Temptation han presentado mujeres como cantantes principales con hombres tocando instrumentos. Según Schaap y Berkers, "tocar en una banda es una actividad homosocial masculina, es decir, aprender a tocar en una banda es una experiencia basada en pares..., moldeada por las redes de amistad segregadas por sexo existentes. [347] Señalan que la música rock "a menudo se define como una forma de rebelión masculina frente a la cultura femenina del dormitorio". [348] (La teoría de la "cultura del dormitorio" sostiene que la sociedad influye en las niñas para que no participen en delitos y desviaciones atrapándolas virtualmente en su dormitorio; fue identificada por una socióloga llamada Angela McRobbie ). En la música popular, ha habido una "distinción de género entre la participación pública (masculina) y privada (femenina)" en la música. [348] "Varios académicos han argumentado que los hombres excluyen a las mujeres de las bandas o de los ensayos, grabaciones, actuaciones y otras actividades sociales de las bandas". [349] "Las mujeres son consideradas consumidoras pasivas y privadas de música pop elegante, prefabricada -por lo tanto, inferior-..., excluyendo [349] Una de las razones por las que existen bandas mixtas es que "las bandas funcionan como unidades muy unidas en las que la solidaridad homosocial -lazos sociales entre personas del mismo sexo...- juega un papel crucial". [ 349] En la escena de la música rock de los años 1960, "cantar era a veces un pasatiempo aceptable para una chica, pero tocar un instrumento... simplemente no se hacía". [350 ]
"La rebelión de la música rock fue una rebelión masculina; las mujeres -a menudo, en los años 1950 y 1960, chicas en sus adolescencias- en el rock cantaban canciones como personas dependientes de sus novios machos...". Philip Auslander dice que "aunque había muchas mujeres en el rock a finales de los años 1960, la mayoría actuaba sólo como cantantes, una posición femenina en la música popular". Aunque algunas mujeres tocaban instrumentos en bandas de rock de garaje estadounidenses formadas exclusivamente por mujeres , ninguna de estas bandas logró más que un éxito regional. Por lo tanto, "no proporcionaron modelos viables para la participación continua de las mujeres en el rock". [351] En relación con la composición de género de las bandas de heavy metal , se ha dicho que "[l]os intérpretes de heavy metal son casi exclusivamente hombres" [352] "...al menos hasta mediados de los años 1980" [353] aparte de "... excepciones como Girlschool ". [352] Sin embargo, "...ahora [en la década de 2010] quizás más que nunca, las mujeres del metal fuertes se han puesto las pilas y se han puesto manos a la obra", [354] "forjándose un lugar considerable para [sí] mismas". [355] Cuando Suzi Quatro surgió en 1973, "ninguna otra música femenina prominente trabajaba en el rock simultáneamente como cantante, instrumentista, compositora y líder de banda". [351] Según Auslander, ella estaba "derribando la puerta masculina en el rock and roll y demostrando que una música femenina ... y este es un punto que me preocupa muchísimo... podía tocar tan bien, si no mejor, que los chicos". [351]
Una banda exclusivamente femenina es un grupo musical de géneros como el rock y el blues que está compuesto por músicas femeninas . Esto se distingue de un grupo de chicas, en el que las integrantes femeninas son vocalistas, aunque esta terminología no se sigue universalmente. [356]
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