La música electrónica es un género musical que emplea instrumentos musicales electrónicos , instrumentos digitales o tecnología musical basada en circuitos en su creación. Incluye tanto la música realizada mediante medios electrónicos como electromecánicos ( música electroacústica ). Los instrumentos electrónicos puros dependían completamente de la generación de sonido basada en circuitos, por ejemplo utilizando dispositivos como un oscilador electrónico , un theremin o un sintetizador . Los instrumentos electromecánicos pueden tener partes mecánicas como cuerdas, martillos y elementos eléctricos incluyendo pastillas magnéticas , amplificadores de potencia y altavoces . Estos dispositivos electromecánicos incluyen el telarmonio , el órgano Hammond , el piano eléctrico y la guitarra eléctrica . [3] [4]
Los primeros aparatos musicales electrónicos se desarrollaron a finales del siglo XIX. Durante las décadas de 1920 y 1930, se introdujeron algunos instrumentos electrónicos y se escribieron las primeras composiciones con ellos. En la década de 1940, la cinta de audio magnética permitía a los músicos grabar sonidos y luego modificarlos cambiando la velocidad o la dirección de la cinta, lo que llevó al desarrollo de la música en cinta electroacústica en la década de 1940, en Egipto y Francia. La Musique concrète , creada en París en 1948, se basó en la edición conjunta de fragmentos grabados de sonidos naturales e industriales. La música producida únicamente a partir de generadores electrónicos fue producida por primera vez en Alemania en 1953 por Karlheinz Stockhausen . La música electrónica también se creó en Japón y Estados Unidos a partir de la década de 1950 y la composición algorítmica con computadoras se demostró por primera vez en la misma década.
Durante la década de 1960, se inició la música digital por computadora , se produjo innovación en la electrónica en vivo y los instrumentos musicales electrónicos japoneses comenzaron a influir en la industria musical . A principios de la década de 1970, los sintetizadores y cajas de ritmos Moog ayudaron a popularizar la música electrónica sintetizada. La década de 1970 también vio a la música electrónica comenzar a tener una influencia significativa en la música popular , con la adopción de sintetizadores polifónicos , baterías electrónicas , cajas de ritmos y tocadiscos , a través de la aparición de géneros como disco , krautrock , new wave , synth-pop , hip hop y música electrónica . A principios de la década de 1980, los sintetizadores digitales producidos en masa , como el Yamaha DX7 , se hicieron populares y se desarrolló el MIDI (Musical Instrument Digital Interface). En la misma década, con una mayor dependencia de los sintetizadores y la adopción de cajas de ritmos programables, la música popular electrónica pasó a primer plano. Durante la década de 1990, con la proliferación de tecnología musical cada vez más asequible, la producción de música electrónica se convirtió en una parte establecida de la cultura popular. [5] En Berlín, a partir de 1989, el Love Parade se convirtió en la fiesta callejera más grande con más de 1 millón de visitantes, inspirando otras celebraciones populares similares de música electrónica. [6]
La música electrónica contemporánea incluye muchas variedades y abarca desde música artística experimental hasta formas populares como la música electrónica de baile . La música electrónica pop es más reconocible en su forma 4/4 y está más conectada con la corriente principal que las formas anteriores que eran populares en nichos de mercado. [7]
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A principios del siglo XX, la experimentación con la electrónica emergente condujo a los primeros instrumentos musicales electrónicos . [8] Estos inventos iniciales no se vendieron, sino que se utilizaron en manifestaciones y actuaciones públicas. Al público se le presentaron reproducciones de música existente en lugar de nuevas composiciones para los instrumentos. [9] Si bien algunos se consideraban novedosos y producían tonos simples, el Telharmonium sintetizaba el sonido de varios instrumentos orquestales con una precisión razonable. Logró un interés público viable y logró avances comerciales en la transmisión de música a través de redes telefónicas . [10]
Los críticos de las convenciones musicales de la época vieron prometedores estos desarrollos. Ferruccio Busoni impulsó la composición de música microtonal permitida por los instrumentos electrónicos. Predijo el uso de máquinas en la música del futuro y escribió el influyente Bosquejo de una nueva estética de la música (1907). [11] [12] Futuristas como Francesco Balilla Pratella y Luigi Russolo comenzaron a componer música con ruido acústico para evocar el sonido de la maquinaria . Predijeron las expansiones tímbricas permitidas por la electrónica en el influyente manifiesto The Art of Noises (1913). [13] [14]
Los desarrollos del tubo de vacío llevaron a instrumentos electrónicos que eran más pequeños, amplificados y más prácticos para la interpretación. [15] En particular, el theremin , las ondas Martenot y el trautonio se produjeron comercialmente a principios de la década de 1930. [16] [17]
Desde finales de la década de 1920, la creciente practicidad de los instrumentos electrónicos influyó en compositores como Joseph Schillinger y Maria Schuppel para adoptarlos. Por lo general, se usaban en orquestas y la mayoría de los compositores escribían partes para el theremin que de otro modo podrían interpretarse con instrumentos de cuerda . [dieciséis]
Los compositores de vanguardia criticaron el uso predominante de instrumentos electrónicos con fines convencionales. [16] Los instrumentos ofrecieron expansiones en los recursos de tono [18] que fueron explotados por defensores de la música microtonal como Charles Ives , Dimitrios Levidis , Olivier Messiaen y Edgard Varèse . [19] [20] [21] Además, Percy Grainger utilizó el theremin para abandonar por completo la tonalidad fija, [22] mientras que compositores rusos como Gavriil Popov lo trataron como una fuente de ruido en música que de otro modo sería acústica . [23]
Los avances en la tecnología de grabación temprana fueron paralelos a los de los instrumentos electrónicos. El primer medio de grabación y reproducción de audio se inventó a finales del siglo XIX con el fonógrafo mecánico . [24] Los tocadiscos se convirtieron en un artículo doméstico común y, en la década de 1920, los compositores los usaban para reproducir grabaciones breves en sus actuaciones. [25]
A la introducción de la grabación eléctrica en 1925 le siguió una mayor experimentación con tocadiscos. Paul Hindemith y Ernst Toch compusieron varias piezas en 1930 superponiendo grabaciones de instrumentos y voces a velocidades ajustadas. Influenciado por estas técnicas, John Cage compuso Imaginary Landscape No. 1 en 1939 ajustando la velocidad de los tonos grabados. [26]
Los compositores comenzaron a experimentar con la tecnología de sonido en película recientemente desarrollada . Las grabaciones podían unirse para crear collages sonoros , como los de Tristan Tzara , Kurt Schwitters , Filippo Tommaso Marinetti , Walter Ruttmann y Dziga Vertov . Además, la tecnología permitió crear y modificar gráficamente el sonido . Estas técnicas se utilizaron para componer bandas sonoras de varias películas en Alemania y Rusia, además de las populares Dr. Jekyll y Mr. Hyde en Estados Unidos. Norman McLaren continuó los experimentos con sonido gráfico desde finales de la década de 1930. [27]
La primera grabadora de audio práctica se presentó en 1935. [28] Se realizaron mejoras en la tecnología utilizando la técnica de polarización de CA , que mejoró significativamente la fidelidad de la grabación. [29] [30] Ya en 1942, se realizaban grabaciones de prueba en estéreo. [31] Aunque estos desarrollos se limitaron inicialmente a Alemania, las grabadoras y cintas se llevaron a los Estados Unidos después del final de la Segunda Guerra Mundial. [32] Estos fueron la base para la primera grabadora producida comercialmente en 1948. [33]
En 1944, antes del uso de la cinta magnética con fines compositivos, el compositor egipcio Halim El-Dabh , cuando aún era estudiante en El Cairo , utilizó una incómoda grabadora de alambre para grabar los sonidos de una antigua ceremonia del zaar . Utilizando las instalaciones de los estudios de Middle East Radio, El-Dabh procesó el material grabado mediante reverberación, eco, controles de voltaje y regrabación. Se cree que el resultado es la primera composición musical en cinta. [34] La obra resultante se tituló La expresión de Zaar y se presentó en 1944 en un evento de una galería de arte en El Cairo. Si bien sus experimentos iniciales en composición basada en cintas no eran ampliamente conocidos fuera de Egipto en ese momento, El-Dabh también es conocido por su trabajo posterior en música electrónica en el Centro de Música Electrónica Columbia-Princeton a fines de la década de 1950. [35]
Después de su trabajo con Studio d'Essai en Radiodiffusion Française (RDF), a principios de la década de 1940, a Pierre Schaeffer se le atribuye el origen de la teoría y la práctica de la música concreta. A finales de la década de 1940, Schaeffer realizó por primera vez experimentos de composición basada en sonido utilizando tocadiscos de goma laca . En 1950, las técnicas de la música concreta se ampliaron cuando se utilizaron máquinas de cinta magnética para explorar prácticas de manipulación del sonido como la variación de velocidad ( cambio de tono ) y el empalme de cintas . [36] [37]
El 5 de octubre de 1948, RDF transmitió Etude aux chemins de fer de Schaeffer . Este fue el primer " movimiento " de Cinq études de bruits , y marcó el comienzo de las realizaciones de estudio [38] y la música concreta (o arte acusmático). Schaeffer empleó un torno cortador de discos , cuatro tocadiscos, un mezclador de cuatro canales, filtros, una cámara de eco y una unidad de grabación móvil. Poco después, Pierre Henry comenzó a colaborar con Schaeffer, una asociación que tendría efectos profundos y duraderos en la dirección de la música electrónica. Otro asociado de Schaeffer, Edgard Varèse , comenzó a trabajar en Déserts , una obra para orquesta de cámara y cinta. Las partes de la cinta se crearon en el estudio de Pierre Schaeffer y luego fueron revisadas en la Universidad de Columbia.
En 1950, Schaeffer dio el primer concierto público (no retransmitido) de música concreta en la École Normale de Musique de Paris . "Schaeffer utilizó un sistema de megafonía , varios tocadiscos y mezcladores. La actuación no salió bien, ya que nunca antes se había hecho montajes en vivo con tocadiscos". [39] Más tarde, ese mismo año, Pierre Henry colaboró con Schaeffer en Symphonie pour un homme seul (1950), la primera obra importante de música concreta. [40] En París en 1951, en lo que se convertiría en una importante tendencia mundial, RTF estableció el primer estudio para la producción de música electrónica. También en 1951, Schaeffer y Henry produjeron una ópera, Orfeo , para voces y sonidos concretos.
En 1951, el trabajo de Schaeffer, el compositor y percusionista Pierre Henry y el ingeniero de sonido Jacques Poullin había recibido reconocimiento oficial y se estableció el Groupe de Recherches de Musique Concrète , Club d'Essai de la Radiodiffusion-Télévision Française en RTF en París, el antepasado. de la ORTF . [41]
Karlheinz Stockhausen trabajó brevemente en el estudio de Schaeffer en 1952 y luego durante muchos años en el Estudio de Música Electrónica de la WDR de Colonia .
1954 vio la llegada de lo que ahora se considerarían auténticas composiciones eléctricas y acústicas: instrumentación acústica aumentada o acompañada por grabaciones de sonido manipulado o generado electrónicamente. Ese año se estrenaron tres obras importantes: Déserts de Varèse , para conjunto de cámara y sonidos de cinta, y dos obras de Otto Luening y Vladimir Ussachevsky : Variaciones rapsódicas para la Sinfónica de Louisville y Un poema en ciclos y campanas , ambas para orquesta y cinta. Debido a que había estado trabajando en el estudio de Schaeffer, la parte en cinta de la obra de Varèse contiene sonidos mucho más concretos que electrónicos. "Un grupo formado por instrumentos de viento, percusión y piano se alternan con los sonidos mutados de ruidos de fábricas, sirenas de barcos y motores, provenientes de dos altavoces." [42]
En el estreno alemán de Déserts en Hamburgo, dirigido por Bruno Maderna , los controles de la cinta estuvieron a cargo de Karlheinz Stockhausen. [42] El título Déserts sugería a Varèse no sólo "todos los desiertos físicos (de arena, mar, nieve, del espacio exterior, de calles vacías), sino también los desiertos en la mente del hombre; no sólo aquellos aspectos despojados de la naturaleza que "Sugieren desnudez, distanciamiento, atemporalidad, pero también ese remoto espacio interior que ningún telescopio puede alcanzar, donde el hombre está solo, un mundo de misterio y soledad esencial". [43]
En Colonia, lo que se convertiría en el estudio de música electrónica más famoso del mundo, se inauguró oficialmente en los estudios de radio de la NWDR en 1953, aunque ya se encontraba en las etapas de planificación en 1950 y las primeras composiciones se realizaron y transmitieron en 1951. [44] Idea de Werner Meyer-Eppler , Robert Beyer y Herbert Eimert (que se convirtió en su primer director), pronto se unieron al estudio Karlheinz Stockhausen y Gottfried Michael Koenig . En su tesis de 1949 Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik und Synthetische Sprache , Meyer-Eppler concibió la idea de sintetizar música enteramente a partir de señales producidas electrónicamente; de esta manera, la elektronische Musik se diferenciaba marcadamente de la musique concrète francesa , que utilizaba sonidos grabados a partir de fuentes acústicas. [45] [46]
En 1953, Stockhausen compuso su Studie I , seguido en 1954 por Elektronische Studie II , la primera pieza electrónica publicada como partitura. En 1955 comenzaron a aparecer estudios más experimentales y electrónicos. Cabe destacar la creación del Studio di fonologia musicale di Radio Milano , un estudio en la NHK de Tokio fundado por Toshiro Mayuzumi , y el estudio Philips en Eindhoven , Países Bajos, que se trasladó a la Universidad de Utrecht como Instituto de Sonología en 1960. .
"Con Stockhausen y Mauricio Kagel residentes, [Colonia] se convirtió durante todo el año en un hervidero de carismático vanguardia". [47] en dos ocasiones combinando sonidos generados electrónicamente con orquestas relativamente convencionales: en Mixtur (1964) y Hymnen, dritte Region mit Orchester (1967). [48] Stockhausen afirmó que sus oyentes le habían dicho que su música electrónica les brindaba una experiencia del "espacio exterior", sensaciones de volar o estar en un "mundo fantástico de sueños". [49]
En los Estados Unidos, la música electrónica se estaba creando ya en 1939, cuando John Cage publicó Imaginary Landscape, No. 1 , utilizando dos tocadiscos de velocidad variable, grabaciones de frecuencia, piano silenciado y platillos, pero ningún medio electrónico de producción. Cage compuso cinco "Paisajes imaginarios" más entre 1942 y 1952 (uno retirado), principalmente para conjunto de percusión, aunque el número 4 es para doce radios y el número 5, escrito en 1952, utiliza 42 grabaciones y se realizará como un álbum magnético. cinta. Según Otto Luening, Cage también interpretó Williams Mix en Donaueschingen en 1954, utilizando ocho altavoces, tres años después de su supuesta colaboración. [ se necesita aclaración ] Williams Mix fue un éxito en el Festival de Donaueschingen , donde causó una "fuerte impresión". [50]
El Proyecto Música para Cinta Magnética fue formado por miembros de la Escuela de Nueva York ( John Cage , Earle Brown , Christian Wolff , David Tudor y Morton Feldman ), [51] y duró tres años hasta 1954. Cage escribió sobre esta colaboración: " En esta oscuridad social, por lo tanto, el trabajo de Earle Brown, Morton Feldman y Christian Wolff continúa presentando una luz brillante, por la razón de que en los diversos puntos de notación, interpretación y audición, la acción es provocativa". [52]
Cage completó Williams Mix en 1953 mientras trabajaba con Music for Magnetic Tape Project. [53] El grupo no tenía instalaciones permanentes y tuvo que depender del tiempo prestado en estudios de sonido comerciales, incluido el estudio de Bebe y Louis Barron .
Ese mismo año, la Universidad de Columbia compró su primera grabadora, una máquina Ampex profesional , para grabar conciertos. Vladimir Ussachevsky, que estaba en la facultad de música de la Universidad de Columbia, fue puesto a cargo del dispositivo y casi de inmediato comenzó a experimentar con él.
Herbert Russcol escribe: "Pronto quedó intrigado por las nuevas sonoridades que podía lograr grabando instrumentos musicales y luego superponiéndolos unos sobre otros". [54] Ussachevsky dijo más tarde: "De repente me di cuenta de que la grabadora podía tratarse como un instrumento de transformación del sonido". [54] El jueves 8 de mayo de 1952, Ussachevsky presentó varias demostraciones de música/efectos en cinta que creó en su Composers Forum, en el Teatro McMillin de la Universidad de Columbia. Estos incluían Transposición, Reverberación, Experimento, Composición y Valse Submarino . En una entrevista afirmó: "Presenté algunos ejemplos de mi descubrimiento en un concierto público en Nueva York junto con otras composiciones que había escrito para instrumentos convencionales". [54] Otto Luening, que había asistido a este concierto, comentó: "El equipo a su disposición consistía en una grabadora Ampex... y un sencillo dispositivo en forma de caja diseñado por el joven y brillante ingeniero Peter Mauzey, para crear retroalimentación, una forma de reverberación mecánica. Otros equipos fueron prestados o comprados con fondos personales". [55]
Sólo tres meses después, en agosto de 1952, Ussachevsky viajó a Bennington, Vermont, por invitación de Luening para presentar sus experimentos. Allí, los dos colaboraron en varias piezas. Luening describió el evento: "Equipado con auriculares y una flauta, comencé a desarrollar mi primera composición para grabadora. Ambos improvisábamos con fluidez y el medio encendía nuestra imaginación". [55] Tocaron algunas de sus primeras piezas de manera informal en una fiesta, donde "varios compositores nos felicitaron casi solemnemente diciendo: 'Esto es' ('eso' significa la música del futuro)". [55]
La noticia llegó rápidamente a la ciudad de Nueva York. Oliver Daniel llamó por teléfono e invitó a la pareja a "producir un grupo de composiciones cortas para el concierto de octubre patrocinado por American Composers Alliance y Broadcast Music, Inc., bajo la dirección de Leopold Stokowski en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Después de algunos Aunque dudamos, aceptamos... Henry Cowell puso a nuestra disposición su casa y su estudio en Woodstock, Nueva York. Con el equipo prestado en la parte trasera del auto de Ussachevsky, salimos de Bennington hacia Woodstock y nos quedamos dos semanas... En A finales de septiembre de 1952, el laboratorio ambulante llegó al salón de Ussachevsky en Nueva York, donde finalmente completamos las composiciones. [55]
Dos meses después, el 28 de octubre, Vladimir Ussachevsky y Otto Luening presentaron el primer concierto de Tape Music en Estados Unidos. El concierto incluyó Fantasy in Space (1952) de Luening , "una pieza virtuosa impresionista" [55] que utiliza grabaciones manipuladas de flauta, y Low Speed (1952), una "composición exótica que llevó la flauta muy por debajo de su rango natural". [55] Ambas piezas fueron creadas en la casa de Henry Cowell en Woodstock, Nueva York. Después de que varios conciertos causaran sensación en la ciudad de Nueva York, Ussachevsky y Luening fueron invitados a una transmisión en vivo del Today Show de NBC para hacer una demostración de entrevista: la primera actuación electroacústica televisada. Luening describió el evento: "Improvisé algunas secuencias [de flauta] para la grabadora. Ussachevsky en ese momento las sometió a transformaciones electrónicas". [56]
La partitura de Forbidden Planet , de Louis y Bebe Barron , [57] fue compuesta íntegramente utilizando circuitos electrónicos y grabadoras hechos a medida en 1956 (pero sin sintetizadores en el sentido moderno de la palabra). [ se necesita aclaración ]
En 1929, Nikolai Obukhov inventó la "cruz sonora" (la croix sonore), comparable al principio del theremin . [58] En la década de 1930, Nikolai Ananyev inventó el "sónar", y el ingeniero Alexander Gurov — neoviolena, I. Ilsarov — ilston., [59] A. Rimsky-Korsakov y A. Ivanov — emiriton . [58] El compositor e inventor Arseny Avraamov se dedicó al trabajo científico sobre síntesis de sonido y llevó a cabo una serie de experimentos que más tarde formarían la base de los instrumentos electromusicales soviéticos. [60]
En 1956 Vyacheslav Mescherin creó el Conjunto de instrumentos electromusicales , que utilizaba theremins, arpas eléctricas, órganos eléctricos, el primer sintetizador de la URSS "Ekvodin", [58] y también creó la primera máquina de reverberación soviética. El estilo en el que tocaba el conjunto de Meshcherin se conoce como " pop de la era espacial ". [60] En 1957, el ingeniero Igor Simonov montó un modelo funcional de una grabadora de ruido (electroeolifono), con la ayuda del cual era posible extraer varios timbres y consonancias de naturaleza sonora. [58] En 1958, Evgeny Murzin diseñó el sintetizador ANS , uno de los primeros sintetizadores musicales polifónicos del mundo.
Fundado por Murzin en 1966, el Estudio Experimental de Música Electrónica de Moscú se convirtió en la base para una nueva generación de experimentadores: Eduard Artemyev , Alexander Nemtin , Sándor Kallós , Sofia Gubaidulina , Alfred Schnittke y Vladimir Martynov . [58] [60] A finales de la década de 1960, aparecieron en la URSS grupos musicales que tocaban música electrónica ligera. A nivel estatal, esta música comenzó a utilizarse para atraer turistas extranjeros al país y para transmitirla al extranjero. [61] A mediados de la década de 1970, el compositor Alexander Zatsepin diseñó una "orchestrolla", una modificación del mellotron. [62]
Las Repúblicas Soviéticas del Báltico también tuvieron sus propios pioneros: en la RSS de Estonia , Sven Grunberg , en la RSS de Lituania , Gedrus Kupriavicius, en la RSS de Letonia , Opus y Zodiac . [60]
La primera computadora del mundo que reprodujo música fue CSIRAC , que fue diseñada y construida por Trevor Pearcey y Maston Beard. El matemático Geoff Hill programó el CSIRAC para reproducir melodías musicales populares de principios de los años cincuenta. En 1951 interpretó públicamente la Marcha del Coronel Bogey , de la que no existen grabaciones conocidas, sólo la reconstrucción exacta. [63] Sin embargo, CSIRAC tocaba un repertorio estándar y no se utilizaba para ampliar el pensamiento musical o la práctica de composición. CSIRAC nunca se grabó, pero la música reproducida se reconstruyó con precisión. Las grabaciones más antiguas conocidas de música generada por computadora fueron reproducidas por la computadora Ferranti Mark 1 , una versión comercial de Baby Machine de la Universidad de Manchester en el otoño de 1951. [64] El programa musical fue escrito por Christopher Strachey .
El primer grupo de instrumentos musicales electrónicos en Japón, el Yamaha Magna Organ, se construyó en 1935. [65] sin embargo, después de la Segunda Guerra Mundial, compositores japoneses como Minao Shibata conocían el desarrollo de instrumentos musicales electrónicos. A finales de la década de 1940, los compositores japoneses comenzaron a experimentar con música electrónica y el patrocinio institucional les permitió experimentar con equipos avanzados. Su infusión de música asiática en el género emergente eventualmente respaldaría la popularidad de Japón en el desarrollo de la tecnología musical varias décadas después. [66]
Tras la fundación de la empresa de electrónica Sony en 1946, los compositores Toru Takemitsu y Minao Shibata exploraron de forma independiente posibles usos de la tecnología electrónica para producir música. [67] Takemitsu tenía ideas similares a la música concreta , que desconocía, mientras que Shibata previó el desarrollo de los sintetizadores y predijo un cambio drástico en la música. [68] Sony comenzó a producir grabadoras de cinta magnética populares para uso público y gubernamental. [66] [69]
Sony ofreció al colectivo de vanguardia Jikken Kōbō (Taller Experimental), fundado en 1950, acceso a la tecnología de audio emergente. La compañía contrató a Toru Takemitsu para demostrar sus grabadoras con composiciones e interpretaciones de música electrónica en cinta. [70] Las primeras piezas en cinta electrónica del grupo fueron "Toraware no Onna" ("Mujer encarcelada") y "Pieza B", compuestas en 1951 por Kuniharu Akiyama. [71] Muchas de las piezas de cintas electroacústicas que produjeron se utilizaron como música incidental para la radio, el cine y el teatro. También realizaron conciertos empleando una presentación de diapositivas sincronizada con una banda sonora grabada. [72] Compositores fuera del Jikken Kōbō, como Yasushi Akutagawa , Saburo Tominaga y Shirō Fukai , también estaban experimentando con música en cinta radiofónica entre 1952 y 1953. [69]
La música concreta fue introducida en Japón por Toshiro Mayuzumi , quien fue influenciado por un concierto de Pierre Schaeffer. A partir de 1952, compuso piezas musicales en cintas para una película de comedia, una emisión de radio y un drama radiofónico. [71] [73] Sin embargo, el concepto de objeto sonoro de Schaeffer no fue influyente entre los compositores japoneses, quienes estaban principalmente interesados en superar las restricciones de la interpretación humana. [74] Esto llevó a que varios músicos electroacústicos japoneses hicieran uso del serialismo y técnicas dodecafónicas , [74] evidente en la pieza dodecafónica de 1951 de Yoshirō Irino "Concerto da Camera", [73] en la organización de los sonidos electrónicos en "De Mayuzumi" X, Y, Z for Musique Concrète", y más tarde en la música electrónica de Shibata en 1956. [75]
Modelando el estudio NWDR en Colonia, estableció un estudio de música electrónica NHK en Tokio en 1954, que se convirtió en una de las instalaciones de música electrónica líderes en el mundo. El estudio de música electrónica NHK estaba equipado con tecnologías tales como equipos de generación de tonos y procesamiento de audio, grabación y equipos radiofónicos, ondas Martenot, Monochord y Melochord , osciladores de onda sinusoidal , grabadoras, moduladores en anillo , filtros paso banda y mezcladores de cuatro y ocho canales . Los músicos asociados con el estudio incluyeron a Toshiro Mayuzumi, Minao Shibata, Joji Yuasa, Toshi Ichiyanagi y Toru Takemitsu. Las primeras composiciones electrónicas del estudio se completaron en 1955, incluidas las piezas de cinco minutos de Mayuzumi "Studie I: Music for Sine Wave by Proportion of Prime Number", "Music for Modulated Wave by Proportion of Prime Number" e "Invention for Square Wave and Sawtooth". Wave" producida utilizando las diversas capacidades de generación de tonos del estudio y la pieza estéreo de 20 minutos de Shibata "Musique Concrète for Stereophonic Broadcast". [76] [77]
El impacto de las computadoras continuó en 1956. Lejaren Hiller y Leonard Isaacson compusieron Illiac Suite para cuarteto de cuerda , la primera obra completa de composición asistida por computadora utilizando composición algorítmica . "... Hiller postuló que a una computadora se le podían enseñar las reglas de un estilo particular y luego pedirle que compusiera en consecuencia". [78] Los desarrollos posteriores incluyeron el trabajo de Max Mathews en Bell Laboratories , quien desarrolló el influyente programa MUSIC I en 1957, uno de los primeros programas de computadora en reproducir música electrónica. La tecnología de vocoder también fue un desarrollo importante en esta era temprana. En 1956, Stockhausen compuso Gesang der Jünglinge , la primera obra importante del estudio de Colonia, basada en un texto del Libro de Daniel . Un importante avance tecnológico de ese año fue la invención del sintetizador Clavivox por Raymond Scott con subensamblaje de Robert Moog .
En 1957, Kid Baltan ( Dick Raaymakers ) y Tom Dissevelt lanzaron su álbum debut, Song Of The Second Moon , grabado en el estudio de Philips en los Países Bajos. [79] El público siguió interesado en los nuevos sonidos que se estaban creando en todo el mundo, como se puede deducir por la inclusión del Poème électronique de Varèse , que se reprodujo sobre cuatrocientos altavoces en el Pabellón Philips de la Exposición Universal de Bruselas de 1958 . Ese mismo año, Mauricio Kagel , compositor argentino , compuso Transición II . El trabajo fue realizado en el estudio WDR de Colonia. Dos músicos tocaron el piano, uno a la manera tradicional y el otro tocando las cuerdas, la estructura y el estuche. Otros dos intérpretes utilizaron cintas para unir la presentación de sonidos en vivo con el futuro de materiales pregrabados posteriores y su pasado de grabaciones realizadas anteriormente en la actuación.
En 1958, Columbia-Princeton desarrolló el sintetizador de sonido RCA Mark II , el primer sintetizador programable. [80] Compositores destacados como Vladimir Ussachevsky, Otto Luening, Milton Babbitt , Charles Wuorinen , Halim El-Dabh, Bülent Arel y Mario Davidovsky utilizaron ampliamente el sintetizador RCA en varias composiciones. [81] Uno de los compositores más influyentes asociados con los primeros años del estudio fue el egipcio Halim El-Dabh quien, [82] después de haber desarrollado la música electrónica en cinta más antigua conocida en 1944, [34] se hizo más famoso por Leiyla y el Poet , una serie de composiciones electrónicas de 1959 que destacó por su inmersión y perfecta fusión de música electrónica y folk , en contraste con el enfoque más matemático utilizado por compositores seriales de la época como Babbitt. Leiyla and the Poet de El-Dabh , lanzado como parte del álbum Columbia-Princeton Electronic Music Center en 1961, sería citado como una fuerte influencia por varios músicos, desde Neil Rolnick , Charles Amirkhanian y Alice Shields hasta los músicos de rock Frank. Zappa y la banda experimental de arte pop de la costa oeste . [83]
Tras la aparición de diferencias dentro del GRMC (Groupe de Recherche de Musique Concrète), Pierre Henry, Philippe Arthuys y varios de sus colegas dimitieron en abril de 1958. Schaeffer creó un nuevo colectivo, llamado Groupe de Recherches Musicales (GRM) y se dedicó a reclutando nuevos miembros, incluidos Luc Ferrari , Beatriz Ferreyra , François-Bernard Mâche , Iannis Xenakis , Bernard Parmegiani y Mireille Chamass-Kyrou. Las llegadas posteriores incluyeron a Ivo Malec , Philippe Carson, Romuald Vandelle, Edgardo Canton y François Bayle . [84]
Fueron años fértiles para la música electrónica, no sólo para el mundo académico, sino también para los artistas independientes a medida que la tecnología de los sintetizadores se volvió más accesible. En ese momento, se había establecido y estaba creciendo una fuerte comunidad de compositores y músicos que trabajaban con nuevos sonidos e instrumentos. 1960 fue testigo de la composición de las Gárgolas de Luening para violín y cinta, así como del estreno de Kontakte de Stockhausen para sonidos electrónicos, piano y percusión. Esta pieza existía en dos versiones: una para cinta de 4 canales y otra para cinta con intérpretes humanos. "En Kontakte , Stockhausen abandonó la forma musical tradicional basada en el desarrollo lineal y el clímax dramático. Este nuevo enfoque, que denominó 'forma de momento', se asemeja a las técnicas de 'empalme cinematográfico' del cine de principios del siglo XX". [85]
El theremin se había utilizado desde la década de 1920, pero alcanzó cierto grado de reconocimiento popular gracias a su uso en bandas sonoras de películas de ciencia ficción en la década de 1950 (por ejemplo, la partitura clásica de Bernard Herrmann para El día que la Tierra se detuvo ). [86]
En el Reino Unido durante este período, el Taller Radiofónico de la BBC (establecido en 1958) saltó a la fama, gracias en gran medida a su trabajo en la serie de ciencia ficción de la BBC Doctor Who . Uno de los artistas electrónicos británicos más influyentes en este período [87] fue Delia Derbyshire , miembro del personal de Workshop , quien ahora es famosa por su realización electrónica en 1963 del icónico tema Doctor Who , compuesto por Ron Grainer .
Durante el período de la beca de la UNESCO para estudios de música electrónica (1958), Josef Tal realizó un viaje de estudios por Estados Unidos y Canadá. [88] Resumió sus conclusiones en dos artículos que presentó a la UNESCO. [89] En 1961, estableció el Centro de Música Electrónica en Israel en la Universidad Hebrea de Jerusalén. En 1962, Hugh Le Caine llegó a Jerusalén para instalar su grabadora creativa en el centro. [90] En la década de 1990, Tal llevó a cabo, junto con el Dr. Shlomo Markel, en cooperación con el Technion – Instituto de Tecnología de Israel , y la Fundación Volkswagen , un proyecto de investigación ('Talmark') destinado al desarrollo de un novedoso sistema de notación musical para música electrónica. [91]
Milton Babbitt compuso su primera obra electrónica utilizando el sintetizador: su Composición para sintetizador (1961), que creó utilizando el sintetizador RCA en el Columbia-Princeton Electronic Music Center.
Para Babbitt, el sintetizador RCA fue un sueño hecho realidad por tres razones. En primer lugar, la capacidad de identificar y controlar con precisión cada elemento musical. En segundo lugar, el tiempo necesario para realizar sus elaboradas estructuras en serie estuvo al alcance de la práctica. En tercer lugar, la pregunta ya no era "¿Cuáles son los límites del actor humano?" sino más bien "¿Cuáles son los límites del oído humano?" [92]
Las colaboraciones también se produjeron a través de océanos y continentes. En 1961, Ussachevsky invitó a Varèse al Columbia-Princeton Studio (CPEMC). A su llegada, Varese se embarcó en una revisión de Déserts . Lo ayudaron Mario Davidovsky y Bülent Arel . [93]
La intensa actividad que tuvo lugar en CPEMC y en otros lugares inspiró el establecimiento del San Francisco Tape Music Center en 1963 por Morton Subotnick , con miembros adicionales Pauline Oliveros , Ramon Sender , Anthony Martin y Terry Riley . [94]
Posteriormente, el Centro se trasladó al Mills College , dirigido por Pauline Oliveros , y desde entonces pasó a llamarse Centro de Música Contemporánea. [95] Pietro Grossi fue un pionero italiano de la composición por ordenador y la música en cinta, que experimentó por primera vez con técnicas electrónicas a principios de los años sesenta. Grossi fue violonchelista y compositor, nacido en Venecia en 1917. Fundó el S 2F M (Studio de Fonologia Musicale di Firenze) en 1963 para experimentar con el sonido y la composición electrónicos.
Simultáneamente en San Francisco, el compositor Stan Shaff y el diseñador de equipos Doug McEachern presentaron el primer concierto "Audium" en el San Francisco State College (1962), al que siguió un trabajo en el Museo de Arte Moderno de San Francisco (1963), concebido como en el tiempo. , movimiento controlado del sonido en el espacio. Doce oradores rodearon al público, cuatro de ellos estaban montados encima de una estructura giratoria similar a un móvil. [96] En una actuación de SFMOMA al año siguiente (1964), el crítico musical del San Francisco Chronicle, Alfred Frankenstein, comentó: "las posibilidades del continuo espacio-sonido rara vez se han explorado tan ampliamente". [96] En 1967, se inauguró el primer Audium , un "continuo espacio-sonido", que celebró presentaciones semanales hasta 1970. En 1975, gracias al capital inicial del Fondo Nacional de las Artes , se abrió un nuevo Audium, diseñado desde el piso hasta el techo para Composición y rendimiento del sonido espacial. [97] "Por el contrario, hay compositores que manipularon el espacio sonoro ubicando múltiples altavoces en varios lugares en un espacio de interpretación y luego cambiando o panoramizando el sonido entre las fuentes. En este enfoque, la composición de la manipulación espacial depende de la ubicación. de los altavoces y normalmente explota las propiedades acústicas del recinto. Los ejemplos incluyen el Poeme Electronique de Varese (cinta musical interpretada en el Pabellón Philips de la Exposición Universal de 1958, Bruselas) y la instalación Audium de Stan Schaff , actualmente activa en San Francisco." [98] [99] A través de programas semanales (más de 4.500 en 40 años), Shaff "esculpe" el sonido, interpretando obras espaciales ahora digitalizadas en vivo a través de 176 parlantes. [100]
Jean-Jacques Perrey experimentó con las técnicas de Schaeffer en bucles de cinta y fue uno de los primeros en utilizar el sintetizador Moog desarrollado recientemente por Robert Moog. Con este instrumento compuso algunas obras con Gershon Kingsley y en solitario. [101] Un ejemplo bien conocido del uso del sintetizador modular Moog de tamaño completo de Moog es el álbum Switched-On Bach de 1968 de Wendy Carlos , que desencadenó una locura por la música de sintetizador. [102] En 1969, David Tudor trajo un sintetizador modular Moog y máquinas de cinta Ampex al Instituto Nacional de Diseño en Ahmedabad con el apoyo de la familia Sarabhai , formando la base del primer estudio de música electrónica de la India. Aquí, un grupo de compositores Jinraj Joshipura, Gita Sarabhai, SC Sharma, IS Mathur y Atul Desai desarrollaron composiciones sonoras experimentales entre 1969 y 1973. [103]
Las melodías musicales fueron generadas por primera vez por la computadora CSIRAC en Australia en 1950. Hubo informes periodísticos de Estados Unidos e Inglaterra (temprano y recientemente) de que las computadoras pueden haber reproducido música antes, pero una investigación exhaustiva ha desacreditado estas historias ya que no hay evidencia que respalde la informes periodísticos (algunos de los cuales eran obviamente especulativos). Las investigaciones han demostrado que la gente especulaba acerca de que las computadoras reprodujeran música, posiblemente porque las computadoras harían ruidos, [104] pero no hay evidencia de que realmente lo hicieran. [105] [106]
La primera computadora del mundo que reprodujo música fue CSIRAC , diseñada y construida por Trevor Pearcey y Maston Beard en la década de 1950. El matemático Geoff Hill programó el CSIRAC para reproducir melodías musicales populares de principios de los años cincuenta. En 1951 interpretó públicamente la " Marcha del Coronel Bogey " [107] de la que no existen grabaciones conocidas. Sin embargo, CSIRAC tocaba un repertorio estándar y no se utilizaba para ampliar el pensamiento musical o la práctica de composición, que es la práctica actual de la música por ordenador.
La primera música que se interpretó en Inglaterra fue una interpretación del Himno Nacional Británico que fue programada por Christopher Strachey en el Ferranti Mark I, a fines de 1951. Más tarde ese año, una unidad de transmisión externa de la BBC grabó allí breves extractos de tres piezas. : el Himno Nacional, " Ba, Ba Black Sheep " y " In the Mood " y esta se reconoce como la primera grabación de una computadora para reproducir música. Esta grabación se puede escuchar en este sitio de la Universidad de Manchester. Investigadores de la Universidad de Canterbury , Christchurch, eliminaron los clics y restauraron esta grabación en 2016 y los resultados se pueden escuchar en SoundCloud . [108] [109] [64]
A finales de los años 50, 60 y 70 también se desarrolló la síntesis por computadora central de gran tamaño. A partir de 1957, Max Mathews de Bell Labs desarrolló los programas MUSIC, culminando en MUSIC V , un lenguaje de síntesis digital directa. [110] Laurie Spiegel desarrolló el software algorítmico de composición musical " Music Mouse " (1986) para computadoras Macintosh , Amiga y Atari .
Una novedad importante fue la llegada de las computadoras para componer música, en lugar de manipular o crear sonidos. Iannis Xenakis inició lo que se llama musique stochastique , o música estocástica , que es un método de composición que utiliza sistemas matemáticos de probabilidad. Se utilizaron diferentes algoritmos de probabilidad para crear una pieza bajo un conjunto de parámetros. Xenakis utilizó computadoras para componer piezas como ST/4 para cuarteto de cuerdas y ST/48 para orquesta (ambas de 1962), [111] Morsima-Amorsima , ST/10 y Atrées . Desarrolló el sistema informático UPIC para traducir imágenes gráficas en resultados musicales y con él compuso Mycènes Alpha (1978).
En Europa, en 1964, Karlheinz Stockhausen compuso Mikrophonie I para tam-tam , micrófonos de mano, filtros y potenciómetros, y Mixtur para orquesta, cuatro generadores de onda sinusoidal y cuatro moduladores en anillo . En 1965 compuso Mikrophonie II para coro, órgano Hammond y moduladores en anillo. [112]
En 1966-1967, Reed Ghazala descubrió y comenzó a enseñar el " circuit bending ", la aplicación del cortocircuito creativo, un proceso de cortocircuito aleatorio, creando instrumentos electrónicos experimentales, explorando elementos sonoros principalmente de timbre y con menos atención al tono. o ritmo, e influenciado por el concepto de música aleatoria [ sic ] de John Cage . [113]
La carrera artística y musical de Cosey Fanni Tutti exploró el concepto de música "aceptable" y luego exploró el uso del sonido como medio de deseo o malestar. [114] [ verificación fallida ]
Wendy Carlos interpretó selecciones de su álbum Switched-On Bach en el escenario con un sintetizador con la Orquesta Sinfónica de St. Louis ; otra presentación en vivo fue con el Kurzweil Barroco Ensemble para "Bach at the Beacon" en 1997. [115] En junio de 2018, Suzanne Ciani lanzó LIVE Quadraphonic , un álbum en vivo que documenta su primera actuación en solitario con un sintetizador Buchla en 40 años. Fue uno de los primeros lanzamientos en vinilo cuadrafónico en más de 30 años. [116]
En la década de 1950, [117] [118] los instrumentos musicales electrónicos japoneses comenzaron a influir en la industria musical internacional . [119] [120] Ikutaro Kakehashi , quien fundó Ace Tone en 1960, desarrolló su propia versión de percusión electrónica que ya había sido popular en el órgano electrónico extranjero. [121] En el NAMM Show de 1964 , lo reveló como el R-1 Rhythm Ace, un dispositivo de percusión manual que reproducía sonidos de batería electrónica manualmente mientras el usuario presionaba botones, de manera similar a los pads de batería electrónica modernos. [121] [122] [123]
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En 1963, Korg lanzó la Donca-Matic DA-20 , una caja de ritmos electromecánica . [124] En 1965, Nippon Columbia patentó una caja de ritmos totalmente electrónica. [125] Korg lanzó la caja de ritmos electrónica Donca-Matic DC-11 en 1966, a la que siguieron con el Korg Mini Pops , que se desarrolló como una opción para el órgano eléctrico Yamaha Electone . [124] Las series Stageman y Mini Pops de Korg se destacaron por los sonidos de "percusión metálica natural" y la incorporación de controles para " pausas y rellenos " de batería. [120]
En 1967, el fundador de Ace Tone, Ikutaro Kakehashi, patentó un generador de patrones de ritmo preestablecidos que utilizaba un circuito de matriz de diodos [126] similar a la patente estadounidense anterior 3.358.068 de Seeburg presentada en 1964 (ver Caja de ritmos#Historia ), que lanzó como FR- 1 caja de ritmos Rhythm Ace el mismo año. [121] Ofrecía 16 patrones preestablecidos y cuatro botones para tocar manualmente el sonido de cada instrumento ( platillo , claves , cencerro y bombo ). Los patrones rítmicos también se podían conectar en cascada presionando varios botones de ritmo simultáneamente, y la posible combinación de patrones rítmicos era más de cien. [121] Las cajas de ritmos Rhythm Ace de Ace Tone encontraron su camino en la música popular a partir de finales de la década de 1960, seguidas por las cajas de ritmos Korg en la década de 1970. [120] Más tarde, Kakehashi dejó Ace Tone y fundó Roland Corporation en 1972, y los sintetizadores y cajas de ritmos de Roland se volvieron muy influyentes durante las siguientes décadas. [121] La compañía tendría un gran impacto en la música popular y haría más para dar forma a la música electrónica popular que cualquier otra compañía. [123]
El tocadiscos tiene su origen en la invención de los tocadiscos de accionamiento directo . Los primeros tocadiscos con transmisión por correa no eran adecuados para el tocadiscos, ya que tenían un tiempo de arranque lento y eran propensos a desgastarse y romperse, ya que la correa se rompía por el retroceso o los rayones. [127] El primer tocadiscos de accionamiento directo fue inventado por Shuichi Obata, un ingeniero de Matsushita (ahora Panasonic ), [128] con sede en Osaka , Japón. Eliminó las correas y en su lugar empleó un motor para accionar directamente un plato sobre el que descansa un disco de vinilo. [129] En 1969, Matsushita lo lanzó como SP-10 , [129] el primer tocadiscos de accionamiento directo del mercado, [130] y el primero de su influyente serie de tocadiscos Technics . [129] Fue sucedido por Technics SL-1100 y SL-1200 a principios de la década de 1970, y fueron ampliamente adoptados por los músicos de hip hop , [129] y el SL-1200 siguió siendo el tocadiscos más utilizado en la cultura de los DJ durante varios años. décadas. [131]
En Jamaica , surgió en la década de 1960 una forma de música electrónica popular, la música dub , arraigada en la cultura sound system . La música dub fue iniciada por ingenieros de estudio, como Sylvan Morris, King Tubby , Errol Thompson , Lee "Scratch" Perry y Scientist , que produjeron música experimental con influencias del reggae con tecnología de sonido electrónico, en estudios de grabación y en fiestas con sistemas de sonido. [132] Sus experimentos incluyeron formas de composición basada en cintas comparables a aspectos de la música concreta , un énfasis en estructuras rítmicas repetitivas (a menudo despojadas de sus elementos armónicos) comparables al minimalismo , la manipulación electrónica de la espacialidad, la manipulación electrónica sónica de la pre- materiales musicales grabados de los medios de comunicación, deejays brindando con música pregrabada comparable a la música electrónica en vivo , [132] remezclas de música, [133] turntablismo , [134] y la mezcla y scratching de vinilos. [135]
A pesar del limitado equipo electrónico disponible para los pioneros del doblaje como King Tubby y Lee "Scratch" Perry, sus experimentos en la cultura del remix fueron musicalmente de vanguardia. [133] King Tubby, por ejemplo, era propietario de un sistema de sonido y técnico en electrónica, cuyo pequeño estudio en el gueto de Waterhouse, en el oeste de Kingston , era un lugar clave para la creación de música dub. [136]
A finales de la década de 1960, los músicos de pop y rock, incluidos los Beach Boys y los Beatles , comenzaron a utilizar instrumentos electrónicos, como el theremin y el Mellotron , para complementar y definir su sonido. Las primeras bandas en utilizar el sintetizador Moog serían Doors on Strange Days [137] , así como Monkees on Pisces, Aquarius, Capricorn & Jones Ltd. En su libro Electronic and Experimental Music , Thom Holmes reconoce la grabación de 1966 de los Beatles " Tomorrow Never Knows " como la canción que "marcó el comienzo de una nueva era en el uso de la música electrónica en el rock y la música pop" debido a la incorporación por parte de la banda de la cinta. loops y sonidos de cinta invertidos y manipulados en velocidad. [138]
También a finales de la década de 1960, los dúos musicales Silver Apples , Beaver y Krause , y bandas de rock experimental como White Noise , United States of America , Fifty Foot Hose y Gong son considerados pioneros en los géneros de rock electrónico y electrónica por su trabajo. en fusionar rock psicodélico con osciladores y sintetizadores. [139] [140] [141] [142] [143] [144] El instrumental " Popcorn " de 1969 escrito por Gershon Kingsley para Music To Moog By se convirtió en un éxito mundial debido a la versión de 1972 realizada por Hot Butter . [145] [146]
El sintetizador Moog se hizo popular en 1968 con Switched-On Bach , un álbum superventas de composiciones de Bach arregladas para sintetizador Moog por la compositora estadounidense Wendy Carlos . El álbum logró un éxito comercial y de crítica, ganando los premios Grammy de 1970 al Mejor Álbum de Música Clásica , Mejor Interpretación Clásica - Solista o Solistas Instrumentales (con o sin orquesta) y Mejor Ingeniería de Grabación Clásica .
En 1969, David Borden formó el primer conjunto de sintetizadores del mundo llamado Mother Mallard's Portable Masterpiece Company en Ithaca, Nueva York. [147]
A finales de la década de 1960, el sintetizador Moog tomó un lugar destacado en el sonido del rock progresivo emergente con bandas como Pink Floyd , Yes , Emerson, Lake & Palmer y Genesis haciéndolos parte de su sonido. El rock progresivo instrumental fue particularmente significativo en Europa continental, permitiendo a bandas como Kraftwerk , Tangerine Dream , Cluster , Can , Neu! y Fausto para sortear la barrera del idioma. [148] Su " krautrock " cargado de sintetizadores, junto con el trabajo de Brian Eno (durante un tiempo, el teclista de Roxy Music ), sería una gran influencia en el rock electrónico posterior . [149]
El dub ambiental fue iniciado por King Tubby y otros artistas sonoros jamaicanos , utilizando electrónica ambiental inspirada en DJ , completa con abandonos, eco, ecualización y efectos electrónicos psicodélicos . Presentaba técnicas de capas e incorporaba elementos de músicas del mundo , líneas de bajo profundas y sonidos armónicos. [150] También se utilizaron técnicas como un largo retardo del eco. [151] Otros artistas notables dentro del género incluyen Dreadzone , Higher Intelligence Agency , The Orb , Ott , Loop Guru , Woob y Transglobal Underground . [152]
La música dub influyó en las técnicas musicales electrónicas adoptadas más tarde por la música hip hop cuando el inmigrante jamaicano DJ Kool Herc a principios de la década de 1970 introdujo la cultura del sistema de sonido de Jamaica y las técnicas de la música dub en Estados Unidos. Una de esas técnicas que se hizo popular en la cultura hip hop fue reproducir dos copias del mismo disco en dos tocadiscos de forma alternada, ampliando la sección favorita de los bailarines b . [153] El tocadiscos finalmente se convirtió en el instrumento musical electrónico más visible, y ocasionalmente en el más virtuoso , en las décadas de 1980 y 1990. [134]
El rock electrónico también fue producido por varios músicos japoneses, incluido Electric Samurai: Switched on Rock (1972) de Isao Tomita , que incluía interpretaciones con sintetizador Moog de canciones pop y rock contemporáneas, [154] y el álbum de rock progresivo Benzaiten ( 1974). [155] A mediados de la década de 1970 se produjo el surgimiento de músicos de música artística electrónica como Jean Michel Jarre , Vangelis , Tomita y Klaus Schulze , que fueron influencias significativas en el desarrollo de la música new-age . [150] El atractivo de alta tecnología de estas obras creó durante algunos años la tendencia de incluir el equipo musical electrónico empleado en las carátulas de los álbumes, como una característica distintiva. La música electrónica empezó a entrar habitualmente en la programación radiofónica y en las listas de éxitos de ventas, como la banda francesa Space con su álbum de estudio debut Magic Fly [156] o Jarre con Oxygène . [157] Entre 1977 y 1981, Kraftwerk lanzó álbumes como Trans-Europe Express , The Man-Machine o Computer World , que influyeron en subgéneros de la música electrónica. [158]
En esta era, el sonido de músicos de rock como Mike Oldfield y The Alan Parsons Project (a quien se le atribuye la primera canción de rock que incluyó un vocoder digital en 1975, The Raven ) solía ser arreglado y mezclado con efectos electrónicos y/o música como bueno, que se hizo mucho más prominente a mediados de los años 1980. Jeff Wayne logró un éxito duradero [159] con su versión musical de rock electrónico de 1978 de La guerra de los mundos .
Las bandas sonoras de películas también se benefician del sonido electrónico. Durante las décadas de 1970 y 1980, Wendy Carlos compuso la partitura de La Naranja Mecánica , El Resplandor y Tron . [160] En 1977, Gene Page grabó una versión disco del exitoso tema de John Williams de la película de Steven Spielberg Close Encounters of the Third Kind . La versión de Page alcanzó su punto máximo en la lista de R&B en el puesto 30. [ cita necesaria ] La música de la película de 1978 Midnight Express compuesta por el pionero italiano de los sintetizadores Giorgio Moroder ganó el Premio de la Academia a la Mejor Música Original en 1979 , al igual que lo hizo nuevamente en 1981 la música de Vangelis para Chariots of Fire . [161] Después de la llegada del punk rock , surgió una forma de rock electrónico básico, que utilizaba cada vez más la nueva tecnología digital para reemplazar otros instrumentos. El dúo estadounidense Suicide , que surgió de la escena punk de Nueva York, utilizó cajas de ritmos y sintetizadores en un híbrido entre electrónica y punk en su álbum homónimo de 1977 . [162]
Las bandas pioneras del synth-pop que disfrutaron de éxito durante años incluyeron a Ultravox con su tema de 1977 "Hiroshima Mon Amour" en Ha!-Ha!-Ha! , [163] Yellow Magic Orchestra con su álbum homónimo (1978), The Buggles con su destacado sencillo debut de 1979 Video Killed the Radio Star , [164] Gary Numan con su álbum debut en solitario The Pleasure Principle y el sencillo Cars en 1979, [165] Orchestral Maneuvers in the Dark con su sencillo Electricity de 1979 incluido en su álbum debut homónimo , Depeche Mode con su primer sencillo Dreaming of Me grabado en 1980 y lanzado en el álbum Speak & Spell de 1981 , [166] A Flock of Seagulls con su El sencillo de 1981 Talking , [167] New Order con Ceremony [168] en 1981, y The Human League con su éxito de 1981 Don't You Want Me de su tercer álbum Dare . [169]
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La definición de MIDI y el desarrollo del audio digital facilitaron mucho el desarrollo de sonidos puramente electrónicos, [170] y los ingenieros de audio , productores y compositores exploraban con frecuencia las posibilidades de prácticamente todos los nuevos modelos de equipos de sonido electrónicos lanzados por los fabricantes. El synth-pop a veces usaba sintetizadores para reemplazar todos los demás instrumentos, pero era más común que las bandas tuvieran uno o más teclistas en sus formaciones junto con guitarristas, bajistas y/o bateristas. Estos desarrollos llevaron al crecimiento del synth-pop, que después de ser adoptado por el movimiento Nuevo Romántico , permitió que los sintetizadores dominaran la música pop y rock de principios de la década de 1980 hasta que el estilo comenzó a perder popularidad a mediados y finales. de la década. [169] Junto con los pioneros exitosos antes mencionados, los actos clave incluyeron a Yazoo , Duran Duran , Spandau Ballet , Culture Club , Talk Talk , Japan y Eurythmics .
El pop sintético se extendió por todo el mundo, con éxitos internacionales para artistas como Men Without Hats , Trans-X y Lime de Canadá, Telex de Bélgica, Peter Schilling , Sandra , Modern Talking , Propaganda y Alphaville de Alemania, Yello de Suiza y Azul y Negro de España. Además, el sonido del sintetizador es una característica clave del italo-disco .
Algunas bandas de synth-pop crearon estilos visuales futuristas de sí mismas para reforzar la idea de que los sonidos electrónicos estaban vinculados principalmente con la tecnología, como los estadounidenses Devo y los españoles Aviador Dro .
Los sintetizadores de teclado se volvieron tan comunes que incluso las bandas de heavy metal rock, un género a menudo considerado como lo opuesto en estética, sonido y estilo de vida al de los artistas de pop electrónico por parte de fanáticos de ambos lados, lograron éxito mundial con temas como 1983 Jump [171] de Van Halen y 1986 The Final Countdown [172] de Europa , que destacan los sintetizadores.
Elektronmusikstudion [sv] (EMS), anteriormente conocido como Música Electroacústica en Suecia, es el centro nacional sueco de música electrónica y arte sonoro . La organización de investigación comenzó en 1964 y tiene su sede en Estocolmo.
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STEIM es un centro de investigación y desarrollo de nuevos instrumentos musicales en las artes escénicas electrónicas, ubicado en Ámsterdam, Países Bajos. STEIM existe desde 1969. Fue fundada por Misha Mengelberg , Louis Andriessen , Peter Schat , Dick Raaymakers , Jan van Vlijmen [nl] , Reinbert de Leeuw y Konrad Boehmer . Este grupo de compositores holandeses había luchado por la reforma de las estructuras musicales feudales de Ámsterdam; insistieron en el nombramiento de Bruno Maderna como director musical de la Orquesta del Concertgebouw y aprobaron las primeras subvenciones públicas para la música electrónica experimental e improvisada en los Países Bajos.
IRCAM en París se convirtió en un importante centro para la investigación y realización de música por computadora y el desarrollo del sistema informático Sogitec 4X , [173] que presentaba el entonces revolucionario procesamiento de señales digitales en tiempo real. Répons (1981) de Pierre Boulez para 24 músicos y 6 solistas utilizó el 4X para transformar y dirigir a los solistas a un sistema de altavoces.
Barry Vercoe describe una de sus experiencias con los primeros sonidos de computadora:
En el IRCAM de París en 1982, el flautista Larry Beauregard conectó su flauta al procesador de audio 4X de DiGiugno , lo que le permitió seguir el tono en tiempo real. En aquel momento, en un Guggenheim , amplié este concepto al seguimiento de partituras en tiempo real con acompañamiento sincronizado automático, y durante los dos años siguientes, Larry y yo hicimos numerosas demostraciones del ordenador como músicos de cámara, tocando sonatas para flauta de Handel , Boulez . s Sonatine para flauta y piano y en 1984 mi propio Synapse II para flauta y computadora, la primera pieza compuesta expresamente para tal configuración. Un desafío importante fue encontrar las construcciones de software adecuadas para respaldar un acompañamiento altamente sensible y receptivo. Todo esto era pre-MIDI, pero los resultados fueron impresionantes a pesar de que fuertes dosis de tempo rubato sorprendían continuamente a mi Synthetic Performer . En 1985 resolvimos el problema del tempo rubato incorporando el aprendizaje de los ensayos (cada vez que tocabas de esta manera la máquina mejoraba). Ahora también estábamos siguiendo el violín, ya que nuestro joven y brillante flautista había contraído un cáncer mortal. Además, esta versión usaba un nuevo estándar llamado MIDI, y aquí me ayudó hábilmente el ex alumno Miller Puckette, cuyos conceptos iniciales para esta tarea luego amplió en un programa llamado MAX . [175]
Lanzado en 1970 por Moog Music , el Mini-Moog fue uno de los primeros sintetizadores ampliamente disponibles, portátiles y relativamente asequibles. Alguna vez se convirtió en el sintetizador más utilizado en ese momento tanto en la música popular como en la artística electrónica. [176] Patrick Gleeson , tocando en vivo con Herbie Hancock a principios de la década de 1970, fue pionero en el uso de sintetizadores en un contexto de gira, donde estaban sujetos a tensiones para las que las primeras máquinas no fueron diseñadas. [177] [178]
En 1974, el estudio WDR de Colonia adquirió un sintetizador EMS Synthi 100 , que muchos compositores utilizaron para producir obras electrónicas destacadas, entre ellas Fünf deutsche Tänze (1975) de Rolf Gehlhaar , Sirius (1975-1976) de Karlheinz Stockhausen y Sirius (1975-1976 ) de John McGuire . s Pulso Música III (1978). [179]
Gracias a la miniaturización de la electrónica en la década de 1970, a principios de la década de 1980, los sintetizadores de teclado se volvieron más livianos y asequibles, integrando en una sola unidad delgada toda la electrónica de síntesis de audio necesaria y el propio teclado estilo piano, en marcado contraste con la voluminosa maquinaria. y " cable spaguetty " empleado durante las décadas de 1960 y 1970. Primero, con los sintetizadores analógicos, la tendencia siguió también con los sintetizadores y samplers digitales (ver más abajo).
En 1975, la empresa japonesa Yamaha obtuvo la licencia de los algoritmos para la síntesis de modulación de frecuencia (síntesis FM) de John Chowning , quien había experimentado con ellos en la Universidad de Stanford desde 1971. [180] [181] Los ingenieros de Yamaha comenzaron a adaptar el algoritmo de Chowning para su uso en un sistema digital. sintetizador, añadiendo mejoras como el método "key scaling" para evitar la introducción de distorsión que normalmente se producía en los sistemas analógicos durante la modulación de frecuencia . [182]
En 1980, Yamaha finalmente lanzó el primer sintetizador digital FM, el Yamaha GS-1, pero a un precio elevado. [183] En 1983, Yamaha presentó el primer sintetizador digital independiente, el DX7 , que también utilizaba síntesis FM y se convertiría en uno de los sintetizadores más vendidos de todos los tiempos. [180] El DX7 era conocido por sus reconocibles tonalidades brillantes, que se debía en parte a una frecuencia de muestreo superior a 57 kHz. [184]
El Korg Poly-800 es un sintetizador lanzado por Korg en 1983. Su precio de lista inicial de 795 dólares lo convirtió en el primer sintetizador totalmente programable que se vendió por menos de 1000 dólares. Tenía polifonía de 8 voces con un oscilador controlado digitalmente (DCO) por voz.
El Casio CZ-101 fue el primer y más vendido sintetizador de distorsión de fase de la línea Casio CZ . Lanzado en noviembre de 1984, fue uno de los primeros (si no el primero) sintetizadores polifónicos totalmente programables que estuvo disponible por menos de 500 dólares.
El Roland D-50 es un sintetizador digital producido por Roland y lanzado en abril de 1987. Sus características incluyen síntesis sustractiva , efectos integrados, un joystick para manipulación de datos y un diseño de diseño de estilo síntesis analógica. El programador externo Roland PG-1000 (1987-1990) también se podría conectar al D-50 para una manipulación más compleja de sus sonidos.
Un sampler es un instrumento musical electrónico o digital que utiliza grabaciones de sonido (o " muestras ") de sonidos de instrumentos reales (p. ej., un piano, violín o trompeta), extractos de canciones grabadas (p. ej., un riff de bajo de cinco segundos de un canción funk ) o sonidos encontrados (p. ej., sirenas y olas del océano). Las muestras son cargadas o registradas por el usuario o por un fabricante. Estos sonidos luego se reproducen utilizando el propio programa sampler, un teclado MIDI , un secuenciador u otro dispositivo activador (por ejemplo, una batería electrónica ) para interpretar o componer música. Debido a que estas muestras generalmente se almacenan en una memoria digital, se puede acceder rápidamente a la información. A menudo se puede cambiar el tono de una sola muestra a diferentes tonos para producir escalas y acordes musicales .
Antes de los samplers basados en memoria de computadora, los músicos usaban teclados de reproducción de cinta, que almacenan grabaciones en cintas analógicas. Cuando se presiona una tecla, el cabezal de la cinta entra en contacto con la cinta en movimiento y reproduce un sonido. El Mellotron fue el modelo más notable, utilizado por muchos grupos a finales de los años 1960 y 1970, pero tales sistemas eran caros y pesados debido a los múltiples mecanismos de cinta involucrados, y el rango del instrumento estaba limitado a tres octavas como máximo. Para cambiar los sonidos fue necesario instalar un nuevo juego de cintas en el instrumento. La aparición del muestreador digital hizo que el muestreo fuera mucho más práctico.
El primer muestreo digital se realizó en el sistema EMS Musys, desarrollado por Peter Grogono (software), David Cockerell (hardware e interfaz) y Peter Zinovieff (diseño y operación del sistema) en su estudio c de Londres (Putney). 1969.
El primer sintetizador de muestreo disponible comercialmente fue el Computer Music Melodian de Harry Mendell (1976).
Lanzado por primera vez en 1977-1978, [185] el Synclavier I que utiliza síntesis FM , con nueva licencia de Yamaha , [186] y vendido principalmente a universidades, demostró ser muy influyente tanto entre los compositores como entre los productores de música electrónica, incluido Mike Thorne . uno de los primeros en adoptarlo en el mundo comercial, debido a su versatilidad, su tecnología de vanguardia y sus sonidos distintivos.
El primer sintetizador de muestreo digital polifónico fue el Fairlight CMI de producción australiana , disponible por primera vez en 1979. Estos primeros sintetizadores de muestreo utilizaban síntesis basada en muestras de tabla de ondas . [187]
En 1980, un grupo de músicos y comerciantes de música se reunieron para estandarizar una interfaz que los nuevos instrumentos pudieran utilizar para comunicar instrucciones de control con otros instrumentos y computadoras. Este estándar se denominó Interfaz digital de instrumentos musicales ( MIDI ) y fue el resultado de una colaboración entre fabricantes líderes, inicialmente Sequential Circuits , Oberheim , Roland y, más tarde, otros participantes que incluían a Yamaha , Korg y Kawai . [188] Dave Smith de Sequential Circuits escribió un artículo y lo propuso a la Audio Engineering Society en 1981. Luego, en agosto de 1983, se finalizó la Especificación MIDI 1.0.
La tecnología MIDI permite que una sola pulsación de tecla, el movimiento de la rueda de control, el movimiento del pedal o un comando desde una microcomputadora activen todos los dispositivos en el estudio de forma remota y sincrónica, y cada dispositivo responda de acuerdo con las condiciones predeterminadas por el compositor.
Los instrumentos y el software MIDI hicieron que muchos estudios e individuos pudieran acceder fácilmente a un control potente de instrumentos sofisticados. Los sonidos acústicos se reintegraron en los estudios mediante muestreo e instrumentos basados en ROM muestreados.
Miller Puckette desarrolló un software de procesamiento de señales gráficas para 4X llamado Max (después de Max Mathews ) y luego lo portó a Macintosh (con Dave Zicarelli extendiéndolo para Opcode ) [189] para control MIDI en tiempo real, brindando disponibilidad de composición algorítmica a la mayoría de los compositores con modesta experiencia en programación de computadoras.
A principios de la década de 1980 se produjo el auge de los sintetizadores de bajo , siendo el más influyente el Roland TB-303 , un sintetizador y secuenciador de bajo lanzado a finales de 1981 que más tarde se convirtió en un elemento fijo de la música electrónica de baile , [190] particularmente del acid house . [191] Uno de los primeros en usarlo fue Charanjit Singh en 1982, aunque no se popularizaría hasta " Acid Tracks " de Phuture en 1987. [191] Los secuenciadores musicales comenzaron a usarse a mediados del siglo XX, y los álbumes de Tomita a mediados de la década de 1970, siendo ejemplos posteriores. [154] En 1978, Yellow Magic Orchestra estaba utilizando tecnología basada en computadora junto con un sintetizador para producir música popular, [192] haciendo su primer uso del secuenciador Roland MC-8 Microcomposer basado en microprocesador . [193] [194] [ verificación fallida ]
Las cajas de ritmos , también conocidas como cajas de ritmo, también comenzaron a utilizarse a finales de la década de 1950, siendo un ejemplo posterior el álbum de rock progresivo Benzaiten (1974) de Osamu Kitajima , que utilizaba una caja de ritmos junto con baterías electrónicas y un sintetizador. [155] En 1977, " Hiroshima Mon Amour " de Ultravox fue uno de los primeros sencillos en utilizar la percusión tipo metrónomo de una caja de ritmos Roland TR-77 . [163] En 1980, Roland Corporation lanzó la TR-808 , una de las primeras y más populares cajas de ritmos programables . La primera banda que lo utilizó fue Yellow Magic Orchestra en 1980, y más tarde ganaría gran popularidad con el lanzamiento de " Sexual Healing " de Marvin Gaye y " Planet Rock " de Afrika Bambaataa en 1982. [195] The TR- 808 fue una herramienta fundamental en la escena techno de Detroit de finales de la década de 1980, y fue la caja de ritmos elegida por Derrick May y Juan Atkins . [196]
El característico sonido de baja fidelidad de la música con chip fue inicialmente el resultado de las limitaciones técnicas de los primeros chips de sonido y tarjetas de sonido de las computadoras; sin embargo, desde entonces el sonido se ha vuelto buscado por derecho propio.
Los chips de sonido populares y baratos de las primeras computadoras domésticas de la década de 1980 incluyen el SID de las series Commodore 64 y General Instrument AY y clones (como el Yamaha YM2149) utilizados en los modelos ZX Spectrum , Amstrad CPC , compatibles con MSX y Atari ST , entre otros. otros.
El synth-pop continuó hasta finales de los años 1980, con un formato que se acercaba a la música dance, incluyendo el trabajo de grupos como los dúos británicos Pet Shop Boys , Erasure y The Communards , logrando éxito durante gran parte de los años 1990.
La tendencia ha continuado hasta el día de hoy, con clubes nocturnos modernos de todo el mundo que tocan regularmente música electrónica de baile (EDM). Hoy en día, la música electrónica de baile cuenta con estaciones de radio, [197] sitios web, [198] y publicaciones como Mixmag dedicadas exclusivamente al género. A pesar del intento de la industria de crear una marca EDM específica, las iniciales siguen utilizándose como término general para múltiples géneros, incluidos dance-pop , house , techno , electro y trance , así como sus respectivos subgéneros. [199] [200] [201] Además, el género ha encontrado importancia comercial y cultural en los Estados Unidos y América del Norte, gracias al muy popular sonido big room house /EDM que se ha incorporado a la música pop estadounidense [202] y el auge de raves comerciales a gran escala como Electric Daisy Carnival , Tomorrowland y Ultra Music Festival .
Por otro lado, un amplio grupo de estilos musicales de base electrónica destinados a escuchar más que estrictamente a bailar se conocieron bajo el paraguas de " electrónica " [203] [204] que también fue una escena musical a principios de la década de 1990 en el Reino Unido. . [204] Según un artículo de Billboard de 1997 , "la unión de la comunidad de clubes y los sellos independientes " proporcionó el entorno experimental y creador de tendencias en el que los actos de electrónica se desarrollaron y finalmente alcanzaron la corriente principal, citando sellos estadounidenses como Astralwerks ( The Chemical Brothers). , Fatboy Slim , Future Sound of London , Fluke ), Moonshine ( DJ Keoki ), Sims y City of Angels ( the Crystal Method ) por popularizar la última versión de la música electrónica. [ cita necesaria ]
La categoría "indie electrónica" (o "indietrónica") [205] se ha utilizado para referirse a una ola de grupos con raíces en el rock independiente que adoptaron elementos electrónicos (como sintetizadores, samplers, cajas de ritmos y programas de computadora) e influencias. como la composición electrónica temprana, el krautrock, el synth-pop y la música dance. [206] Las grabaciones se realizan comúnmente en computadoras portátiles utilizando estaciones de trabajo de audio digital . [205]
La primera ola de artistas electrónicos independientes comenzó en la década de 1990 con grupos como Stereolab (que usaba equipos antiguos) y Disco Inferno (que adoptó la tecnología de muestreo moderna), y el género se expandió en la década de 2000 cuando las grabaciones caseras y los sintetizadores de software se volvieron de uso común. . [206] Otros actos incluyeron Broadcast , Lali Puna , Múm , el Servicio Postal , Esqueletos y Escuela de Siete Campanas . [206] Los sellos independientes asociados con el estilo incluyen Warp , Morr Music , Sub Pop y Ghostly International . [206]
A medida que la tecnología informática se ha vuelto más accesible y el software musical ha avanzado, ahora es posible interactuar con la tecnología de producción musical utilizando medios que no guardan relación con las prácticas tradicionales de interpretación musical : [207] por ejemplo, interpretación con computadora portátil ( laptronica ), [208] codificación en vivo [209] [210] y Algorave . En general, el término Live PA se refiere a cualquier interpretación en vivo de música electrónica, ya sea con computadoras portátiles, sintetizadores u otros dispositivos.
A partir del año 2000, surgieron algunos entornos de estudio virtuales basados en software, y productos como Propellerhead's Reason y Ableton Live encontraron un atractivo popular. [211] Estas herramientas proporcionan alternativas viables y rentables a los típicos estudios de producción basados en hardware y, gracias a los avances en la tecnología de microprocesadores , ahora es posible crear música de alta calidad utilizando poco más que una sola computadora portátil. Estos avances han democratizado la creación musical, [212] dando lugar a un aumento masivo de la cantidad de música electrónica producida en casa disponible para el público en general a través de Internet. Los instrumentos basados en software y las unidades de efectos (los llamados "plugins") se pueden incorporar en un estudio basado en computadora utilizando la plataforma VST. Algunos de estos instrumentos son réplicas más o menos exactas de hardware existente (como el Roland D-50, ARP Odyssey, Yamaha DX7 o Korg M1). [ cita necesaria ]
La flexión de circuitos es la modificación de juguetes y sintetizadores que funcionan con baterías para crear nuevos efectos de sonido no deseados. Fue iniciado por Reed Ghazala en la década de 1960 y Reed acuñó el nombre de "flexión de circuito" en 1992. [213]
Siguiendo la cultura del circuito bending, los músicos también comenzaron a construir sus propios sintetizadores modulares, lo que provocó un renovado interés en los diseños de principios de la década de 1960. Eurorack se convirtió en un sistema popular.
1935
製造のクロダトーン...の販売、設置をおこなってきましたが、[2007 ]クロダオルガン株式会社廃業...[Kuroda Organ Co., Ltd. (fundada en 1955, disuelta en 2007) ha estado vendiendo e instalando su propio Kurodatone fabricado... durante unos 50 años de historia, pero [en 2007] el Órgano Croda cerró el negocio...]
[JVC] Desarrolló el primer órgano electrónico de Japón, 1958. Nota : el primer modelo de JVC fue el "EO-4420" en 1958. Véase también el artículo de Wikipedia en japonés: "w:ja:ビクトロン#機種".
el desarrollo [y lanzamiento] en 1959 de un órgano electrónico Electone totalmente de transistores, el primero de una exitosa serie de instrumentos electrónicos Yamaha. Fue un hito para la industria musical japonesa.. Nota : el primer modelo de Yamaha fue el "D-1" en 1959."
Sí, como en el caso del Doctor Bernie Krause, más conocido hoy en día como el decano del campo emergente de la ecología del paisaje sonoro y uno de los principales curadores de la propia música de la naturaleza. Pocos hoy recuerdan que también jugó un papel fundamental en el inicio de la era de los sintetizadores. Krause y su compañero musical, Paul Beaver, resultaron ser pioneros en el género musical que ahora llamamos "electrónica".
La cantante y poeta Gilli Smyth, fallecida a los 83 años, cofundó la banda Gong en 1967 con su socio Daevid Allen. El estilo vocal de Smith, de forma libre, a menudo atonal, que salta de tono, que ella describió como "paisaje musical", se convirtió en un componente integral del sonido cósmico de Gong y, con el tiempo, demostró ser influyente en la electrónica y la música tecno.
L'ordinateur nous permet de franchir une nouvelle étape quant à la définition et au codage des sons, et permet de créer des particiones qui dépassent en complexité et en précision les possibilités d'antan. El método de composición que propongo comprende más fases y requiere un empleo de una terminología simple que definimos au fur et à mesure: Trames, paves, briques et module.
La técnica para sintetizar música electrónica, inventada por el profesor de música John Chowning, recaudó más de 20 millones de dólares gracias a una licencia exclusiva a Yamaha Corporation de Japón, que utilizó la tecnología en su sintetizador DX-7, enormemente popular en los años 1980.
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Medios relacionados con la música electrónica en Wikimedia Commons