Estados Unidos de América fue una banda estadounidense de rock experimental fundada en Los Ángeles en 1967 por el compositor Joseph Byrd y la vocalista Dorothy Moskowitz , con el violinista eléctrico Gordon Marron, el bajista Rand Forbes y el baterista Craig Woodson. Su álbum homónimo de 1968 , a menudo citado como un escaparate temprano para el uso de dispositivos electrónicos en la música rock , fue recibido con elogios de la crítica y un éxito menor en las listas. [2] Se disolvieron poco después de su lanzamiento.
El sonido del grupo se basaba tanto en la psicodelia como en la vanguardia . Inusualmente, la banda no tenía guitarrista; en su lugar, utilizaron cuerdas, teclados y electrónica, incluidos sintetizadores primitivos , y varios procesadores de audio, incluido el modulador en anillo . Muchas de las letras de las canciones reflejaban las opiniones políticas de izquierda de Byrd . AllMusic los describió como "una de las bandas más revolucionarias de finales de los 60". [2]
El compositor Joseph Byrd y la letrista y cantante Dorothy Moskowitz se conocieron en la ciudad de Nueva York a principios de 1963, cuando Byrd estaba trabajando en una grabación de música del período de la Guerra Civil para Time-Life . Devoto del compositor Charles Ives , Byrd ya se había convertido en un compositor respetado e innovador, involucrado en la música experimental como parte del movimiento Fluxus con John Cage , Morton Feldman , La Monte Young , David Tudor , Yoko Ono y otros. [5] [6] Moskowitz estaba estudiando música en Barnard College , donde fue enseñada por Otto Luening ; también cantó en un grupo vocal con Art Garfunkel y trabajó con David Rubinson en una producción de teatro musical , así como en el proyecto Time-Life. Byrd y Moskowitz comenzaron una relación – él se ha referido a su "profunda relación musical y personal", [6] y ella lo ha descrito como su "gurú estético" [7] - y él la ayudó a obtener un puesto en Capitol Records ; cuando ella se fue, fue reemplazada a su vez por Rubinson. [6] [8]
Más tarde, en 1963, Byrd y Moskowitz se mudaron juntos a Los Ángeles , donde Byrd comenzó un doctorado en etnomusicología en UCLA . [7] Según Moskowitz: "Joe trajo consigo un prestigio de vanguardia de Nueva York ... experiencia en música electrónica ... y habilidades de composición ... Atrajo la atención inmediata. Músicos, bailarines y artistas visuales emocionantes buscaron colaboración con él. El grupo de talentos para lo que eventualmente se convirtió en Estados Unidos provino de este grupo". [8] Byrd cofundó el New Music Workshop en Los Ángeles con el trompetista de jazz Don Ellis y, después de que Ellis se fue, comenzó a incorporar elementos de arte escénico en sus eventos. Moskowitz ayudó a montar las actuaciones de Byrd y actuó en algunas de ellas. [9] Tanto Byrd como Moskowitz también contribuyeron a un álbum de música raga india de Gayathri Rajapur y Harihar Rao , grabado en 1965 [10] y publicado por Folkways Records en 1968. [11] En una ocasión en 1965, como parte final Después de una serie de conciertos y eventos llamados "Steamed Spring Vegetal Pie" (título tomado al azar de The Alice B. Toklas Cookbook ), Byrd organizó una banda de blues encabezada por su amiga Linda Ronstadt , para tocar durante un " hating ". Byrd dijo que "de ese concierto surgió la comprensión de que el rock era un acceso a un público más amplio y la idea de formar una banda comenzó a tomar forma". [6]
Byrd se sintió cada vez más atraído por la política radical y se convirtió en miembro del Partido Comunista , explicando que era "el único grupo que tenía disciplina, una agenda y estaba dispuesto a trabajar dentro de las instituciones existentes para educar y radicalizar la sociedad estadounidense". Dejó la UCLA, pero continuó organizando eventos de artes escénicas, aunque con un presupuesto reducido. Después de que su relación personal se rompió en 1966, Moskowitz regresó a Nueva York, pero ella y Byrd permanecieron en contacto. A principios de 1967, Byrd comenzó a formar una banda de rock con otro compositor políticamente radical, Michael Agnello, junto con Moskowitz, el bajista Stuart Brotman (anteriormente de Canned Heat y más tarde de Kaleidoscope ) y el experto en batería africano Craig Woodson, que también había estado involucrado en la banda. Taller de Música Nueva. Las grabaciones de audiciones de esta versión de la banda, de septiembre de 1967, se incluyen en algunas reediciones de CD posteriores. [12] Sin embargo, Agnello abandonó el proyecto por una cuestión de principios cuando se estaba considerando un contrato de grabación comercial con Columbia Records , y Brotman también se fue. [7]
La primera formación pública de la banda incluía a Byrd, Moskowitz, Woodson y dos músicos clásicos contemporáneos con quienes Byrd había trabajado en proyectos experimentales anteriores en el New Music Workshop: Gordon Marron (violín) y Rand Forbes (bajo). Más tarde, para algunas de sus grabaciones y actuaciones, agregaron al amigo y compañero de escritura de Marron, Ed Bogas (teclados). [6] [7] Byrd inicialmente encargó al ingeniero eléctrico Tom Oberheim que le construyera un modulador en anillo , luego reemplazado por osciladores electrónicos en un sintetizador monofónico construido por el ingeniero aeroespacial Richard Durrett. [11] [13] Entre otros efectos, Marron usó un divisor de octava en su violín eléctrico , y Woodson conectó micrófonos de contacto a su batería y colgó slinkies de sus platillos para lograr un efecto de música concreta . [10] [13]
Como fundador y líder del grupo, Byrd declaró que sus objetivos estéticos para la banda y el álbum eran formar "un grupo de rock político/musical de vanguardia con la idea de combinar sonido electrónico (no música electrónica ) ... radicalismo musical/político ... [y] arte escénico." [11] Según Moskowitz, la elección del nombre de la banda "Estados Unidos de América" fue intencionadamente provocativa: "Usar el nombre completo del país para algo tan común como un grupo de rock era una forma de expresar desdén por la política gubernamental. Fue como colgar la bandera al revés". [8] Además de acreditar la influencia de la banda inspirada en el dadaísmo The Red Crayola , [14] Byrd dijo:
Éramos muy conscientes de que nos estábamos sumergiendo en la roca sin ningún conocimiento o experiencia real en el medio. Habíamos tocado a Cage y Stockhausen , música africana e india , y pensé que simplemente podríamos llevar todo eso al rock. Pero no sabíamos casi nada sobre las raíces del rock and roll . Todos improvisamos, por supuesto, pero al estilo de la "música contemporánea". En retrospectiva, crear una banda de rock sin músicos de rock fue una mala decisión de mi parte. Aún así, como me consideraba el compositor más ecléctico del planeta, tenía confianza en que todo lo que los demás no podían hacer, yo podría escribirlo. [6]
La demo grabada por la banda despertó el interés de Clive Davis en Columbia. A través de su amigo David Rubinson, que había empezado a trabajar para Columbia como productor discográfico , para bandas y músicos como Moby Grape y Taj Mahal , consiguieron un contrato discográfico. [7]
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La banda realizó sus primeras presentaciones en vivo a finales de 1967, en el Ash Grove de Los Ángeles, cuando Agnello todavía actuaba con la banda. [15] Byrd explicó:
Los dos compromisos en The Ash Grove ayudaron a definirnos como una combinación de rock experimental y arte escénico. Todo lo que hicimos en el álbum lo hicimos en vivo, mediante la adición de dos magnetófonos en el escenario. Viajamos con un montón de equipo, incluido un calíope, una bandera estadounidense de neón de 3' x 4' (que tenía franjas rojas y blancas intermitentes alternativamente) y una monja de yeso de tamaño completo. Quizás fuimos los primeros en utilizar máquinas de humo : la niebla baja y la bandera parpadeante crearon un ambiente sorprendente. Solíamos usar iluminación baja en el escenario cuando podíamos, con solo un punto para el vocalista. Y como a menudo tocábamos a partir de partituras escritas, utilizábamos luces de pie, que también añadían una especie de efecto de iluminación desde abajo de otro mundo. [6]
Se utilizaron dispositivos electrónicos tanto en vivo como en el álbum, para procesar otros instrumentos y la voz de Moskowitz, además de proporcionar sus propias texturas musicales. [11] Las actuaciones de la banda tuvieron recepciones mixtas. Realizaron una breve gira por la Costa Este , con Richie Havens y The Troggs , siendo especialmente bien recibidas sus actuaciones en Boston y Greenwich Village . [6] [7] Byrd dijo más tarde sobre sus espectáculos: "El público en general era positivo, más o menos ... era un nuevo tipo de experiencia, y no era sólo la música, era arte escénico". [6]
Grabaron su primer y único álbum en diciembre de 1967, producido por Rubinson, con Byrd acreditado como proveedor de música electrónica , clavecín eléctrico , órgano , calíope , piano y sintetizador de música electrónica Durrett . Además de Byrd, Moskowitz (voz principal), Marron ( violín eléctrico , modulador en anillo), Forbes (bajo eléctrico sin trastes) y Woodson (batería y percusión), varias de las pistas también acreditan a Bogas. Moskowitz y Byrd colaboraron en la escritura de la mayoría de las canciones, con Byrd responsable de la letra y la música de tres temas, "The American Metaphysical Circus", "Love Song for the Dead Ché" y "The American Way of Love". Byrd describió "The American Metaphysical Circus" y "The American Way of Love" como "comentarios sobre los medios de comunicación como medio de control del pensamiento y el sentimentalismo burgués del "Verano del amor" de los hippies comparado con las realidades del amor bajo capitalismo." [15]
En "Garden of Earthly Delights", Byrd escribió la letra del primer verso y el coro; Moskowitz vino con el título de la canción y parte de la melodía y la letra. En "Coming Down", Moskowitz contribuyó a la línea melódica y también escribió el segundo y tercer verso. En " Hard Coming Love ", Byrd escribió el título y el primer verso, y Moskowitz contribuyó con lo que ella llamó la "tontería tonta que sigue". [8] La canción de Byrd "Love Song for the Dead Ché" refleja sus puntos de vista izquierdistas; Columbia Records originalmente quería que se cambiara el título debido a sus implicaciones políticas. [11] Marron y Bogas escribieron dos temas, "Where Is Yesterday" y "Stranded in Time". Más tarde, Byrd describió "Stranded in Time", arreglado por Marron, como "una copia débil al estilo Beatle de ' Eleanor Rigby ', [que] no se pudo interpretar en vivo porque requería un cuarteto de cuerda . Nunca debería haberse incluido [en el álbum], pero a Dave Rubinson le encantó". [6]
El disco fue lanzado a principios de 1968, en un momento en que había un público receptivo a la “ música underground ” que combinaba el experimentalismo musical con letras sociales y/o políticas radicales (otros ejemplos, en formas muy diferentes, incluyen a Velvet Underground (que compartían un trasfondo común en la escena musical experimental de Nueva York; según Moskowitz, Nico en un momento intentó unirse a los EE. UU.), [10] Frank Zappa (a quien Byrd no le agradaba, considerándolo un vendedor de nicho "subsumido en un mundo autorreferencial loop"), [11] Love 's Forever Changes , Country Joe and the Fish y Jefferson Airplane .
El álbum está plagado de referencias a la obsesión de Byrd por la música estadounidense antigua, como la introducción de jazz de Dixieland en "I Won't Leave My Wooden Wife for You, Sugar". "The American Metaphysical Circus" comienza con cinco capas de sonido que se escuchan en un collage : un calíope tocando " National Emblem ", un piano ragtime tocando "At a Georgia Camp Meeting", dos bandas de música tocando " Marching Through Georgia " y " El rojo, blanco y azul" cambiando entre los canales izquierdo y derecho. Los otros dos temas son de sonidos electrónicos. [11] Las bandas de música fueron organizadas y dirigidas por Byrd, en lugar de tomarse de grabaciones existentes. [14]
Ya sea intencionado o no, el disco tomó la forma de un ciclo de canciones coherente , un comentario radical sobre la sociedad estadounidense contemporánea. Las palabras iban desde sátiras sobre la decadencia ("The American Metaphysical Circus", "... Wooden Wife..." (siendo este título una parodia de la canción del music hall de 1905 " I Wouldn't Leave My Little Wooden Hut for You " de Tom Mellor y Charles Collins )) hasta expresiones líricas de anhelo (la pastoral "Cloud Song", la política "Love Song for the Dead Che "). Musicalmente, las canciones iban desde la elegancia pseudoclásica ("Stranded in Time" y "Where Is Yesterday") hasta la discordancia agresiva y el hard rock ("The Garden of Earthly Delights" y "Hard Coming Love"), con fuerte distorsión electrónica y collages de música como bandas de música, en línea con Byrd fuertemente influenciado por Charles Ives . La suite final , "The American Way of Love", integra la mayoría de estos elementos, con un final onírico que contiene un collage de temas anteriores. Según Lillian Roxon , la suite de tres partes "trataba más explícitamente sobre las actividades de las prostitutas homosexuales en la famosa calle 42 de Nueva York ". [dieciséis]
La banda se desmoronó poco después del lanzamiento de su álbum. Un factor fue el desacuerdo entre Byrd, Marron y Bogas sobre la dirección musical, con la promoción de Marron de material más ligero " McCartney " [12] entrando en conflicto con la visión original de Byrd para la banda y, a la inversa, Marron y Bogas se sintieron descontentos con la prioridad dada a Byrd. canciones. [6] El desacuerdo llevó a una pelea entre bastidores entre Marron y Byrd después de la actuación de la banda apoyando a los Troggs en el Fillmore East , cuando los fans de la banda inglesa habían abucheado a los Estados Unidos de América y Byrd y Marron compitieron entre sí para subir el tono. volúmenes en sus amplificadores . [7] En otro show en el condado de Orange , los miembros de la banda fueron arrestados por fumar marihuana durante el show, lo que llevó a que solo Moskowitz y Byrd tuvieran que completarlo, quienes luego se quejaron de que Marron, Forbes y Woodson eran "a menudo descuidados en su interpretación". como resultado de su consumo de drogas. [6]
Había tensiones entre Byrd, por un lado, y Moskowitz y Rubinson, por el otro. Byrd comentó que "mientras intentaba hacer nuestro sonido más duro , Dorothy intentaba hacerlo más suave, tal vez respondiendo a una influencia inconsciente de compositoras autobiográficas de la época: Janis Ian , Laura Nyro y Joni Mitchell ". [12] Según Byrd, había una falta de entusiasmo por la banda por parte de la compañía discográfica, que se sentía desafiada tanto por la música de la banda como por la política de Byrd. [7] Por el contrario, Moskowitz ha dicho que la empresa "sólo estaba tratando de comercializarnos", y "nosotros éramos los que estábamos siendo mojigatos ... [y] rígidos ...", afirmando también que el productor Rubinson perdió interés. en la banda después de que Agnello se fuera. [8] Un factor adicional fue el descontento de otros miembros de la banda con la mezcla inicial del álbum en la ciudad de Nueva York por Byrd y Rubinson, que, cuando se reprodujo en Los Ángeles, según Byrd, sonó "completamente débil y aburrido". Me culparon y tenían razón. Mi credibilidad ante mis propios músicos sufrió enormemente". [12]
Moskowitz se ha referido a los "conflictos internos, puñetazos y luchas de poder" de la banda. [8] Byrd ha afirmado que "Columbia me echó de la banda"; [6] específicamente, que Rubinson y el manager de la banda, Malcolm Terrence, maniobraron para eliminarlo y promover a Moskowitz como figura decorativa de la banda y potencial estrella solista. [6] [11] Aunque Moskowitz cuestiona esa afirmación, [7] también dijo que "aunque estéticamente no estaba de acuerdo con David [Rubinson], me sentía leal a él. Después de todo, él era quien había puesto nosotros en el mapa." [10] En cualquier caso, Byrd anunció que se marchaba y, según Moskowitz, cuando cambió de opinión, "el gerente me suplicó que lo aceptara de nuevo, pero no lo hice. Nunca hubo una conspiración hacia una carrera en solitario o alguna 'historia de fondo' entre Rubinson y yo. Fue principalmente la intransigencia y la ira por la dirección de la banda de mi parte lo que impulsó el choque final". [7]
Byrd comentó posteriormente: "La idea era crear una experiencia radical. No tuvo éxito. Por un lado, había reunido demasiadas personalidades; cada ensayo se convirtió en una terapia de grupo. Una banda que quiere tener éxito necesita una identidad única y mutuamente aceptable". Intenté hacerlo democráticamente y no tuve éxito". [10] Rubinson dijo: "Joe Byrd fue uno de los ejemplos más locos de fanático del control que he experimentado hasta el día de hoy ... era realmente extraño y una persona muy, muy difícil de tratar. Así que Había constantes conflictos de personalidad dentro y entre la banda. La gente renunciaba, la gente era reemplazada, las discusiones, los gritos sobre la entonación, etc. Eran personas muy talentosas, y no creo que les gustara que les dictaran. visión de lo que quería." [10]
Marron, Forbes y Bogas dejaron la banda después de su gira por la costa este en la primavera de 1968. [7] Después de que Byrd también se fue, Rubinson y Moskowitz intentaron mantener vivo el nombre de la banda, y Moskowitz grabó varias pistas en julio de 1968 con un nuevo y más convencional. banda de músicos de Los Ángeles: Jeff Marinell (guitarra), Richard Grayson (teclado), Carmie Simon (bajo) y Dennis Wood (batería). Sus grabaciones aparecieron en la reedición en CD de 2004 de Estados Unidos de América . [12] Sin embargo, los planes para continuar con la banda pronto fracasaron. [7]
El álbum fue descrito por el crítico Richie Unterberger como "casi un clásico", [17] "un tour de force (aunque no exento de defectos) de rock experimental que mezclaba sensibilidades sorprendentemente melódicas con explosiones inquietantes de sintetizadores primitivos y letras que podían variar desde Del romanticismo brumoso a la ironía dura. Para los relativamente pocos que lo escucharon, el disco fue una señal hacia el futuro con su colisión de elementos rockeros y clásicos, aunque el material crepitaba con una tensión que reflejaba a los propios Estados Unidos de América. finales de los años 60." [10] Al describir la voz de Moskowitz como "una reminiscencia de una Grace Slick más helada ", también dijo que las texturas electrónicas creadas por Byrd "no eran simulaciones de cuerdas y trompetas, sino emocionantes y aterradores golpes y pitidos que daban un crujido feroz a los más rápidos. números y una seductora serenidad en las baladas". [10]
Según Unterberger, "el hecho mismo de que el equipo fuera tan primitivo... le dio una resonancia espontánea y una calidez que rara vez se ha logrado con la tecnología de sintetizadores posterior". [10] El productor David Rubinson comentó:
El modulador en anillo, los osciladores de control de voltaje y los filtros de control de voltaje no venían en un conjunto, como sí lo hacían en un Moog . Había que construir cada uno de ellos (lo cual hicieron ellos) y, de hecho, conectarlos entre sí. Era un álbum de ocho pistas. Así que todo ese material sintetizado fue minuciosamente superpuesto, sonido por sonido, un oscilador a la vez. Ahora puedes conseguir un banco de osciladores y puedes ejecutar seis, ocho, doce de ellos seguidos y crear todo tipo de ondas y formas maravillosas, y puede ser muy complicado. Pero en aquel momento no fue posible. Tenía un oscilador, un modulador en anillo, un filtro de control de voltaje, eso es todo. Parecía gracioso. Eran como cajas de aluminio, pequeñas perillas que sobresalían y cables de conexión. Y fue muy emocionante para mí, porque era una unión de mucho de lo que estaba sucediendo en lo que la gente llamaba música clásica en ese momento. Cuando la gente piensa en lo que Steve Reich estaba haciendo entonces, Terry Riley entonces, y lo que Joe Byrd estaba haciendo entonces, era muy, muy similar en diferentes áreas. [10]
Según el crítico Kevin Holm-Hudson, "lo que distingue a los Estados Unidos de América de algunos de sus contemporáneos ... es la seriedad y habilidad con la que incorporaron influencias de vanguardia y otras influencias en su música". [11]
A pesar del apoyo generalizado de los críticos musicales, el álbum se vendió mal y pronto desapareció, al menos en los EE. UU., aunque en el Reino Unido siguió siendo recordado con cariño, en parte debido a que una pista ("Wooden Wife") se utilizó con un presupuesto popular. Precio del álbum de muestra de CBS , The Rock Machine Turns You On . Más tarde, la banda fue descrita como una influencia de varias bandas británicas, incluidas Portishead y Broadcast . El álbum de la banda fue reeditado por primera vez en CD en 1997 y en una edición ampliada por Sundazed Records en 2004.
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