Un instrumento musical electrónico o electrófono es un instrumento musical que produce sonido utilizando circuitos electrónicos . Un instrumento de este tipo suena emitiendo una señal de audio eléctrica, electrónica o digital que finalmente se conecta a un amplificador de potencia que acciona un altavoz , creando el sonido que escuchan el intérprete y el oyente.
Un instrumento electrónico puede incluir una interfaz de usuario para controlar su sonido, a menudo ajustando el tono , la frecuencia o la duración de cada nota . Una interfaz de usuario común es el teclado musical , que funciona de manera similar al teclado de un piano acústico , donde cada una de las teclas está vinculada mecánicamente a martillos de cuerda oscilantes, mientras que en un teclado electrónico, la interfaz del teclado está vinculada a un módulo de sintetizador , computadora u otro Generador de sonido electrónico o digital, que luego crea un sonido. Sin embargo, es cada vez más común separar la interfaz de usuario y las funciones de generación de sonido en un controlador de música ( dispositivo de entrada ) y un sintetizador de música , respectivamente, comunicándose los dos dispositivos a través de un lenguaje de descripción de interpretación musical como MIDI o Open Sound Control . La naturaleza de estado sólido de los teclados electrónicos también ofrece diferentes "sensaciones" y "respuestas", ofreciendo una experiencia novedosa al tocar en comparación con el funcionamiento de un teclado de piano vinculado mecánicamente.
Todos los instrumentos musicales electrónicos pueden verse como un subconjunto de aplicaciones de procesamiento de señales de audio . Los instrumentos musicales electrónicos simples a veces se denominan efectos de sonido ; La frontera entre los efectos de sonido y los instrumentos musicales reales a menudo no está clara.
En el siglo XXI, los instrumentos musicales electrónicos se utilizan ampliamente en la mayoría de los estilos musicales. En los estilos de música popular, como la música electrónica de baile , casi todos los sonidos de instrumentos utilizados en las grabaciones son instrumentos electrónicos (p. ej., sintetizador de bajo , sintetizador , caja de ritmos ). El desarrollo de nuevos instrumentos musicales electrónicos, controladores y sintetizadores sigue siendo un campo de investigación muy activo e interdisciplinario. Se han organizado conferencias especializadas, como la Conferencia Internacional sobre Nuevas Interfaces para la Expresión Musical , para informar sobre trabajos de vanguardia, así como para brindar un escaparate para los artistas que interpretan o crean música con nuevos instrumentos, controladores y sintetizadores de música electrónica.
En musicología, los instrumentos musicales electrónicos se conocen como electrófonos. Los electrófonos son la quinta categoría de instrumentos musicales según el sistema Hornbostel-Sachs . Los musicólogos normalmente sólo clasifican la música como electrófonos si el sonido es producido inicialmente por electricidad, excluyendo los instrumentos acústicos controlados electrónicamente, como los órganos de tubos , y los instrumentos amplificados , como las guitarras eléctricas .
La categoría fue agregada al sistema de clasificación de instrumentos musicales Hornbostel-Sachs por Sachs en 1940, en su libro de 1940 La historia de los instrumentos musicales ; [1] la versión original de 1914 del sistema no lo incluía. Sachs dividió los electrófonos en tres subcategorías:
En la última categoría se incluían instrumentos como los theremins o los sintetizadores , a los que llamó instrumentos radioeléctricos.
Francis William Galpin proporcionó un grupo de este tipo en su propio sistema de clasificación, que está más cerca de Mahillon que de Sachs-Hornbostel. Por ejemplo, en el libro de Galpin de 1937, Un libro de texto sobre instrumentos musicales europeos , enumera electrófonos con tres divisiones de segundo nivel para la generación de sonido ("por oscilación", "electromagnética" y "electrostática"), así como de tercer nivel. -Categorías de nivel y cuarto nivel basadas en el método de control. [2]
Los etnomusicólogos actuales , como Margaret Kartomi [3] y Terry Ellingson, [4] sugieren que, de acuerdo con el espíritu del esquema de clasificación original de Hornbostel Sachs, si uno clasifica los instrumentos por lo que primero produce el sonido inicial en el instrumento, que sólo la subcategoría 53 debería permanecer en la categoría de electrófonos. Así, más recientemente se ha propuesto, por ejemplo, que el órgano de tubos (incluso si utiliza la acción de una tecla eléctrica para controlar las válvulas solenoides ) permanezca en la categoría de aerófonos , y que la guitarra eléctrica permanezca en la categoría de cordófonos , y así sucesivamente.
En el siglo XVIII, músicos y compositores adaptaron varios instrumentos acústicos para aprovechar la novedad de la electricidad. Así, en el sentido más amplio, el primer instrumento musical electrificado fue el teclado Denis d'or , que data de 1753, seguido poco después por la clavecin électrique del francés Jean-Baptiste de Laborde en 1761. El Denis d'or consistía en un teclado. Instrumento de más de 700 cuerdas, electrificado temporalmente para mejorar las cualidades sonoras. La clavecin électrique era un instrumento de teclado con púas (púas) activadas eléctricamente. Sin embargo, ninguno de los instrumentos utilizó electricidad como fuente de sonido.
El primer sintetizador eléctrico fue inventado en 1876 por Elisha Gray . [5] [6] El "Musical Telegraph" fue un subproducto casual de su tecnología telefónica cuando Gray descubrió que podía controlar el sonido desde un circuito electromagnético autovibrante y así inventó un oscilador básico . El Musical Telegraph utilizaba cañas de acero osciladas por electroimanes y transmitidas a través de una línea telefónica. Gray también construyó un dispositivo de altavoz simple en modelos posteriores, que consistía en un diafragma que vibraba en un campo magnético.
Un invento significativo, que luego tuvo un profundo efecto en la música electrónica, fue el audion en 1906. Fue la primera válvula termoiónica o tubo de vacío y que condujo a la generación y amplificación de señales eléctricas, la radiodifusión y la computación electrónica, entre otros. otras cosas. Otros sintetizadores tempranos incluyeron el Telharmonium (1897), el Theremin (1919), el Spharophon (1924) y el Partiturophone de Jörg Mager, el Electronde similar de Taubmann (1933), las ondes Martenot de Maurice Martenot ("Martenot Waves", 1928), el Trautonium de Trautwein ( 1930). El Mellertion (1933) utilizaba una escala no estándar, el Dynaphone de Bertrand podía producir octavas y quintas perfectas, mientras que el Emicon era un instrumento estadounidense controlado por teclado construido en 1930 y el Hellertion alemán combinaba cuatro instrumentos para producir acordes. También aparecieron tres instrumentos rusos, la Croix Sonore (1934) de Oubouhof , el microtonal 'Electronic Keyboard Oboe' (1937) de Ivor Darreg y el sintetizador ANS , construido por el científico ruso Evgeny Murzin de 1937 a 1958. Sólo dos modelos de este último fueron construido y el único ejemplar superviviente se conserva actualmente en la Universidad Lomonosov de Moscú . Se ha utilizado en muchas películas rusas, como Solaris , para producir sonidos "cósmicos" inusuales. [7] [8]
Hugh Le Caine , John Hanert, Raymond Scott , el compositor Percy Grainger (con Burnett Cross) y otros construyeron una variedad de controladores automatizados de música electrónica a finales de los años 1940 y 1950. En 1959, Daphne Oram produjo un novedoso método de síntesis, su técnica " Oramics ", impulsada por dibujos sobre una tira de película de 35 mm; Se utilizó durante varios años en el Taller Radiofónico de la BBC . [9] Este taller también fue responsable del tema de la serie de televisión Doctor Who , una pieza, en gran parte creada por Delia Derbyshire , que más que ninguna otra aseguró la popularidad de la música electrónica en el Reino Unido.
En 1897 Thaddeus Cahill patentó un instrumento llamado Telharmonium (o Teleharmonium, también conocido como Dynamaphone). Utilizando ruedas fónicas para generar sonidos musicales como señales eléctricas mediante síntesis aditiva , era capaz de producir cualquier combinación de notas y armónicos, en cualquier nivel dinámico. Esta tecnología se utilizó posteriormente para diseñar el órgano Hammond . Entre 1901 y 1910 Cahill hizo fabricar tres versiones cada vez más grandes y complejas, la primera pesaba siete toneladas y la última superaba las 200 toneladas. La portabilidad se gestionaba únicamente por ferrocarril y con el uso de treinta vagones. En 1912, el interés público había decaído y la empresa de Cahill estaba en quiebra. [10]
Otro acontecimiento que despertó el interés de muchos compositores se produjo en 1919-1920. En Leningrado, León Theremin construyó y demostró su Etherophone, que más tarde pasó a llamarse Theremin . Esto llevó a las primeras composiciones para instrumentos electrónicos, a diferencia de matracas y máquinas reutilizadas. El Theremin se destacó por ser el primer instrumento musical que se tocó sin tocarlo. En 1929, Joseph Schillinger compuso la Primera Suite Aerofónica para Theremin y Orquesta , estrenada con la Orquesta de Cleveland y con Leon Theremin como solista. Al año siguiente, Henry Cowell encargó a Theremin la creación de la primera máquina de ritmo electrónica, llamada Rhythmicon . Cowell escribió algunas composiciones para él, que él y Schillinger estrenaron en 1932.
Las ondas Martenot se tocan con un teclado o moviendo un anillo a lo largo de un alambre, creando sonidos "vacilantes" similares a los de un theremin . [11] Fue inventado en 1928 por el violonchelista francés Maurice Martenot , quien se inspiró en las superposiciones accidentales de tonos entre osciladores de radio militares, y quiso crear un instrumento con la expresividad del violonchelo . [11] [12]
El compositor francés Olivier Messiaen utilizó las ondas Martenot en piezas como su sinfonía Turangalîla-Symphonie de 1949 , y su cuñada Jeanne Loriod fue una intérprete célebre. [13] Aparece en numerosas bandas sonoras de cine y televisión, particularmente películas de ciencia ficción y terror . [14] Los usuarios contemporáneos de las ondas Martenot incluyen a Tom Waits , Daft Punk y el guitarrista de Radiohead Jonny Greenwood . [15]
El Trautonium se inventó en 1928. Se basaba en la escala subarmónica , y los sonidos resultantes se usaban a menudo para emular sonidos de campana o gong, como en las producciones de Parsifal de Bayreuth en la década de 1950 . En 1942, Richard Strauss lo utilizó para la parte de campana y gong en el estreno en Dresde de su Japanese Festival Music . Esta nueva clase de instrumentos, microtonales por naturaleza, fue adoptada lentamente por los compositores al principio, pero a principios de la década de 1930 hubo una explosión de nuevas obras que incorporaban estos y otros instrumentos electrónicos.
En 1929 Laurens Hammond fundó su empresa para la fabricación de instrumentos electrónicos. Luego produjo el órgano Hammond , que se basó en los principios del Telharmonium , junto con otros desarrollos, incluidas las primeras unidades de reverberación. [16] El órgano Hammond es un instrumento electromecánico, ya que utilizaba tanto elementos mecánicos como partes electrónicas. Un órgano Hammond utilizaba ruedas fónicas de metal giratorias para producir diferentes sonidos. Se utiliza una pastilla magnética de diseño similar a las pastillas de una guitarra eléctrica para transmitir los tonos de las ruedas fónicas a un amplificador y una caja de altavoz. Si bien el órgano Hammond fue diseñado para ser una alternativa de menor costo a un órgano de tubos para música religiosa, los músicos pronto descubrieron que el Hammond era un excelente instrumento para blues y jazz ; de hecho, se desarrolló todo un género musical construido en torno a este instrumento, conocido como trío de órgano (típicamente órgano Hammond, batería y un tercer instrumento, ya sea saxofón o guitarra).
El primer sintetizador fabricado comercialmente fue el Novachord , construido por Hammond Organ Company de 1938 a 1942, que ofrecía polifonía de 72 notas utilizando 12 osciladores que accionaban circuitos de división monoestables, control de envolvente básico y filtros de paso bajo resonantes . El instrumento presentaba 163 tubos de vacío y pesaba 500 libras. El uso del control de envolvente por parte del instrumento es significativo, ya que esta es quizás la distinción más significativa entre el sintetizador moderno y otros instrumentos electrónicos.
Los instrumentos electrónicos más utilizados son los sintetizadores , llamados así porque generan sonido artificialmente mediante diversas técnicas. Todas las primeras síntesis basadas en circuitos implicaban el uso de circuitos analógicos, en particular amplificadores, osciladores y filtros controlados por voltaje. Un avance tecnológico importante fue la invención del sintetizador Clavivox en 1956 por Raymond Scott con el subensamblaje de Robert Moog . El compositor e ingeniero francés Edgard Varèse creó una variedad de composiciones utilizando trompetas, silbatos y cintas electrónicas. En particular, escribió Poème électronique para el pabellón Phillips en la Exposición Universal de Bruselas en 1958.
RCA produjo dispositivos experimentales para sintetizar voz y música en la década de 1950. El sintetizador musical Mark II , ubicado en el Columbia-Princeton Electronic Music Center en la ciudad de Nueva York . Diseñado por Herbert Belar y Harry Olson en RCA, con contribuciones de Vladimir Ussachevsky y Peter Mauzey , se instaló en la Universidad de Columbia en 1957. Constaba de una serie de componentes de síntesis de sonido interconectados del tamaño de una habitación y solo era capaz de producir música mediante programación. , [6] utilizando un secuenciador de cinta de papel perforado con agujeros para controlar las fuentes de tono y los filtros, similar a un piano mecánico pero capaz de generar una amplia variedad de sonidos. El sistema de válvulas de vacío tuvo que ser parcheado para crear timbres.
En la década de 1960, los sintetizadores todavía estaban confinados a los estudios debido a su tamaño. Por lo general, tenían un diseño modular, sus fuentes de señal y procesadores independientes estaban conectados con cables de conexión o por otros medios y controlados por un dispositivo de control común. Harald Bode , Don Buchla , Hugh Le Caine , Raymond Scott y Paul Ketoff estuvieron entre los primeros en construir tales instrumentos, a finales de los años cincuenta y principios de los sesenta. Posteriormente, Buchla produjo un sintetizador modular comercial, el Buchla Music Easel . [17] Robert Moog , que había sido alumno de Peter Mauzey y uno de los ingenieros de RCA Mark II, creó un sintetizador que los músicos podían utilizar razonablemente y diseñó los circuitos mientras estaba en Columbia-Princeton. El sintetizador Moog se mostró por primera vez en la convención de la Audio Engineering Society en 1964. [18] Requería experiencia para configurar sonidos, pero era más pequeño y más intuitivo que los anteriores, menos como una máquina y más como un instrumento musical. Moog estableció estándares para la interfaz de control, utilizando un logarítmico de 1 voltio por octava para el control del tono y una señal de disparo separada. Esta estandarización permitió que sintetizadores de diferentes fabricantes funcionaran simultáneamente. El control de tono generalmente se realizaba con un teclado estilo órgano o un secuenciador musical que producía una serie cronometrada de voltajes de control. A finales de la década de 1960, cientos de grabaciones populares utilizaban sintetizadores Moog. Otros de los primeros fabricantes de sintetizadores comerciales fueron ARP , que también comenzó con sintetizadores modulares antes de producir instrumentos todo en uno, y la firma británica EMS .
En 1970, Moog diseñó el Minimoog , un sintetizador no modular con teclado incorporado. Los circuitos analógicos estaban interconectados con interruptores en una disposición simplificada llamada "normalización". Aunque menos flexible que un diseño modular, la normalización hizo que el instrumento fuera más portátil y más fácil de usar. Del Minimoog se vendieron 12.000 unidades. [19] Estandarizó aún más el diseño de los sintetizadores posteriores con su teclado integrado, ruedas de modulación y tono y flujo de señal VCO->VCF->VCA. Se ha vuelto famoso por su sonido "gordo" y sus problemas de afinación. Los componentes miniaturizados de estado sólido permitieron que los sintetizadores se convirtieran en instrumentos autónomos y portátiles que pronto aparecieron en presentaciones en vivo y rápidamente se usaron ampliamente en la música popular y la música artística electrónica. [20]
Muchos de los primeros sintetizadores analógicos eran monofónicos y producían sólo un tono a la vez. Los sintetizadores monofónicos populares incluyen el Moog Minimoog . Algunos, como Moog Sonic Six, ARP Odyssey y EML 101, podían producir dos tonos diferentes al mismo tiempo que se presionaban dos teclas. La polifonía (múltiples tonos simultáneos, que permiten acordes ) al principio solo se podía obtener con diseños de órganos electrónicos. Los teclados electrónicos populares que combinan circuitos de órganos con procesamiento de sintetizador incluyen el ARP Omni y el Polymoog y Opus 3 de Moog.
En 1976 comenzaron a aparecer sintetizadores polifónicos asequibles, como el Yamaha CS-50, CS-60 y CS-80 , el Sequential Circuits Prophet-5 y el Oberheim Four-Voice. Estas seguían siendo complejas, pesadas y relativamente costosas. La grabación de configuraciones en la memoria digital permitió el almacenamiento y recuperación de sonidos. El primer sintetizador polifónico práctico, y el primero en utilizar un microprocesador como controlador, fue el Sequential Circuits Prophet-5 , presentado a finales de 1977. [21] Por primera vez, los músicos disponían de un sintetizador polifónico práctico que podía guardar todos los ajustes de los mandos en memoria de la computadora y recuperarlos con solo tocar un botón. El paradigma de diseño del Prophet-5 se convirtió en un nuevo estándar, impulsando lentamente diseños modulares más complejos y recónditos.
En 1935 se produjo otro acontecimiento significativo en Alemania. Allgemeine Elektricitäts Gesellschaft (AEG) demostró la primera grabadora de cinta magnética producida comercialmente , llamada Magnetophon . La cinta de audio , que tenía la ventaja de ser bastante liviana y de tener una buena fidelidad de audio, finalmente reemplazó a las grabadoras de cable más voluminosas.
El término " música electrónica " (que se empezó a utilizar durante la década de 1930) pasó a incluir la grabadora como elemento esencial: "sonidos producidos electrónicamente, grabados en cinta y arreglados por el compositor para formar una composición musical". [25] También era indispensable para la Musique concrète .
La cinta también dio lugar a los primeros teclados analógicos de reproducción de muestras, el Chamberlin y su sucesor más famoso, el Mellotron , un teclado polifónico electromecánico desarrollado y construido originalmente en Birmingham, Inglaterra, a principios de la década de 1960.
Durante las décadas de 1940 y 1960, Raymond Scott , un compositor estadounidense de música electrónica, inventó varios tipos de secuenciadores musicales para sus composiciones eléctricas. Los secuenciadores de pasos tocaban patrones rígidos de notas usando una cuadrícula de (generalmente) 16 botones, o pasos, siendo cada paso 1/16 de un compás . Estos patrones de notas luego se encadenaron para formar composiciones más largas. Los secuenciadores de software se utilizaron continuamente desde la década de 1950 en el contexto de la música por computadora , incluida la música reproducida por computadora (secuenciador de software), la música compuesta por computadora ( síntesis de música ) y la generación de sonido por computadora ( síntesis de sonido ).
Los primeros sintetizadores digitales fueron experimentos académicos de síntesis de sonido utilizando computadoras digitales. La síntesis FM se desarrolló para este propósito; como una forma de generar sonidos complejos digitalmente con el menor número de operaciones computacionales por muestra de sonido. En 1983, Yamaha presentó el primer sintetizador digital autónomo, el DX-7 . Utilizaba síntesis de modulación de frecuencia (síntesis FM), desarrollada por primera vez por John Chowning en la Universidad de Stanford a finales de los años sesenta. [26] Chowning otorgó la licencia exclusiva de su patente de síntesis FM a Yamaha en 1975. [27] Posteriormente, Yamaha lanzó sus primeros sintetizadores FM, el GS-1 y GS-2, que eran costosos y pesados. Siguieron un par de versiones más pequeñas y preestablecidas, los conjuntos combinados CE20 y CE25, dirigidos principalmente al mercado de órganos domésticos y con teclados de cuatro octavas. [28] La tercera generación de sintetizadores digitales de Yamaha fue un éxito comercial; Estaba formado por el DX7 y el DX9 (1983). Ambos modelos eran compactos, tenían un precio razonable y dependían de circuitos integrados digitales personalizados para producir tonalidades FM. El DX7 fue el primer sintetizador totalmente digital del mercado masivo. [29] Se volvió indispensable para muchos artistas musicales de la década de 1980, y la demanda pronto superó la oferta. [30] El DX7 vendió más de 200.000 unidades en tres años. [31]
La serie DX no fue fácil de programar, pero ofrecía un sonido de percusión detallado que llevó a la desaparición del piano electromecánico Rhodes , que era más pesado y más grande que un sintetizador DX. Tras el éxito de la síntesis FM, Yamaha firmó un contrato con la Universidad de Stanford en 1989 para desarrollar la síntesis de guía de ondas digital , lo que llevó al primer sintetizador de modelado físico comercial , el VL-1 de Yamaha, en 1994. [32] El DX-7 era lo suficientemente asequible para los aficionados. y bandas jóvenes para comprar, a diferencia de los costosos sintetizadores de generaciones anteriores, que eran utilizados principalmente por los mejores profesionales.
El Fairlight CMI (Computer Musical Instrument), el primer sampler digital polifónico , fue el presagio de los sintetizadores basados en samples. [33] Diseñado en 1978 por Peter Vogel y Kim Ryrie y basado en una computadora con microprocesador dual diseñado por Tony Furse en Sydney, Australia, el Fairlight CMI brindó a los músicos la capacidad de modificar el volumen, atacar, decaer y usar efectos especiales como el vibrato. Las formas de onda de muestra podrían mostrarse en pantalla y modificarse utilizando un lápiz óptico . [34] El Synclavier de New England Digital era un sistema similar. [35] Jon Appleton (con Jones y Alonso) inventó el sintetizador digital Dartmouth, que más tarde se convertiría en el Synclavier de New England Digital Corp. El Kurzweil K250 , producido por primera vez en 1983, también fue un exitoso sintetizador de música digital polifónico, [36] destacado por su capacidad para reproducir varios instrumentos de forma sincrónica y por tener un teclado sensible a la velocidad. [37]
Una novedad importante fue la llegada de las computadoras con el propósito de componer música, en lugar de manipular o crear sonidos. Iannis Xenakis inició lo que se llama musique stochastique, o música estocástica , que es un método de composición que emplea sistemas matemáticos de probabilidad. Se utilizaron diferentes algoritmos de probabilidad para crear una pieza bajo un conjunto de parámetros. Xenakis utilizó papel cuadriculado y una regla para calcular las trayectorias de velocidad del glissando en su composición orquestal Metastasis (1953-1954), pero más tarde recurrió al uso de computadoras para componer piezas como ST/4 para cuarteto de cuerda y ST/48 para orquesta (ambas de 1962).
El impacto de las computadoras continuó en 1956. Lejaren Hiller y Leonard Issacson compusieron Illiac Suite para cuarteto de cuerda , la primera obra completa de composición asistida por computadora utilizando composición algorítmica . [38]
En 1957, Max Mathews en Bell Lab escribió la serie MUSIC-N , una primera familia de programas informáticos para generar formas de onda de audio digital mediante síntesis directa. Luego, Barry Vercoe escribió MUSIC 11 basado en MUSIC IV-BF , un programa de síntesis musical de próxima generación (que luego evolucionó a csound , que todavía se usa ampliamente).
A mediados de los 80, Miller Puckette en IRCAM desarrolló un software de procesamiento de señales gráficas para 4X llamado Max (en honor a Max Mathews), y luego lo portó a Macintosh (con Dave Zicarelli extendiéndolo para Opcode [39] ) para control MIDI en tiempo real , brindando Disponibilidad de composición algorítmica para la mayoría de los compositores con una modesta experiencia en programación informática.
En 1980, un grupo de músicos y comerciantes de música se reunieron para estandarizar una interfaz mediante la cual los nuevos instrumentos pudieran comunicar instrucciones de control con otros instrumentos y con el microordenador predominante. Este estándar fue denominado MIDI ( Musical Instrument Digital Interface ). Dave Smith de Sequential Circuits escribió un artículo y lo propuso a la Audio Engineering Society en 1981. Luego, en agosto de 1983, se finalizó la Especificación MIDI 1.0.
La llegada de la tecnología MIDI permite que una sola pulsación de tecla, el movimiento de la rueda de control, el movimiento del pedal o un comando desde una microcomputadora activen todos los dispositivos en el estudio de forma remota y en sincronía, y cada dispositivo responda de acuerdo con las condiciones predeterminadas por el compositor.
Los instrumentos y el software MIDI hicieron que muchos estudios e individuos pudieran acceder fácilmente a un control potente de instrumentos sofisticados. Los sonidos acústicos se reintegraron en los estudios mediante muestreo e instrumentos basados en ROM muestreados.
La creciente potencia y el costo decreciente de la electrónica generadora de sonido (y especialmente de la computadora personal), combinados con la estandarización de los lenguajes de descripción de interpretaciones musicales MIDI y Open Sound Control , han facilitado la separación de los instrumentos musicales en controladores musicales y sintetizadores musicales.
Con diferencia, el controlador musical más común es el teclado musical . Otros controladores incluyen el radiodrum , los controladores de viento EWI de Akai y WX de Yamaha , el SynthAxe con forma de guitarra , el BodySynth, [40] el Buchla Thunder , el Continuum Fingerboard , el Roland Octapad , varios teclados isomórficos , incluidos el Thummer y el Kaossilator Pro , y kits como I-CubeX .
Reactable es una mesa redonda translúcida con una pantalla interactiva retroiluminada . Al colocar y manipular bloques llamados tangibles en la superficie de la mesa, mientras se interactúa con la pantalla visual mediante gestos con los dedos, se opera un sintetizador modular virtual , que crea música o efectos de sonido.
AudioCubes son cubos inalámbricos autónomos alimentados por un sistema informático interno y una batería recargable. Tienen iluminación RGB interna y son capaces de detectar la ubicación, orientación y distancia de cada uno. Los cubos también pueden detectar distancias hasta las manos y los dedos del usuario. Mediante la interacción con los cubos se pueden utilizar diversos programas de música y sonido. AudioCubes tiene aplicaciones en diseño de sonido, producción musical, DJ y presentaciones en vivo.
Kaossilator y Kaossilator Pro son instrumentos compactos donde la posición de un dedo en el panel táctil controla dos características de nota; normalmente el tono se cambia con un movimiento de izquierda a derecha y la propiedad tonal, el filtro u otros parámetros cambian con un movimiento de arriba a abajo. El panel táctil se puede configurar en diferentes escalas y claves musicales. El instrumento puede grabar un bucle repetido de longitud ajustable, ajustado a cualquier tempo, y se pueden superponer nuevos bucles de sonido sobre los existentes. Esto se presta a la música electrónica de baile, pero es más limitado para secuencias controladas de notas, ya que el pad de un Kaossilator normal no tiene características.
El Eigenharp es un instrumento grande que se asemeja a un fagot , con el que se puede interactuar a través de botones grandes, un secuenciador de batería y una boquilla. El procesamiento del sonido se realiza en una computadora separada.
AlphaSphere es un instrumento esférico que consta de 48 almohadillas táctiles que responden tanto a la presión como al tacto. El software personalizado permite programar indefinidamente los pads de forma individual o por grupos en términos de función, nota y parámetro de presión, entre muchas otras configuraciones. El concepto principal de AlphaSphere es aumentar el nivel de expresión disponible para los músicos electrónicos, permitiendo el estilo de ejecución de un instrumento musical.
Chiptune , chipmusic o chip music es música escrita en formatos de sonido donde muchas de las texturas de sonido se sintetizan o secuencian en tiempo real mediante un chip de sonido de computadora o consola de videojuegos , incluyendo a veces síntesis basada en muestras y reproducción de muestras de bits bajos. Muchos dispositivos de música con chip presentaban sintetizadores junto con reproducción de muestras a baja velocidad.
A finales de la década de 1970 y principios de la de 1980, se publicaron diseños de bricolaje en revistas de electrónica de aficionados (como el sintetizador modular Formant, un clon de bricolaje del sistema Moog, publicado por Elektor ) y empresas como Paia suministraron kits en la década de 1980. Estados Unidos y Maplin Electronics en el Reino Unido.
En 1966, Reed Ghazala descubrió y comenzó a enseñar matemáticas el " circuit bending ", la aplicación del cortocircuito creativo, un proceso de cortocircuito aleatorio, creando instrumentos electrónicos experimentales, explorando elementos sonoros principalmente de timbre y con menos atención al tono o ritmo e influenciado por el concepto de música aleatoria de John Cage . [41]
Gran parte de esta manipulación directa de circuitos, especialmente hasta el punto de su destrucción, fue iniciada por Louis y Bebe Barron a principios de la década de 1950, como su trabajo con John Cage en el Williams Mix y especialmente en la banda sonora de Forbidden Planet .
La flexión de circuitos moderna es la personalización creativa de los circuitos dentro de dispositivos electrónicos como efectos de guitarra de bajo voltaje que funcionan con baterías , juguetes para niños y pequeños sintetizadores digitales para crear nuevos instrumentos musicales o visuales y generadores de sonido. Haciendo hincapié en la espontaneidad y la aleatoriedad, las técnicas de curvatura de circuitos se han asociado comúnmente con la música de ruido , aunque se sabe que muchos músicos y grupos musicales contemporáneos más convencionales experimentan con instrumentos "doblados". La curvatura de circuitos generalmente implica desmantelar la máquina y agregar componentes como interruptores y potenciómetros que alteran el circuito. Con el renovado interés por el circuito de sintetizador analógico, la flexión se convirtió en una solución económica para que muchos músicos experimentales crearan sus propios generadores de sonido analógicos individuales. Hoy en día se pueden encontrar muchos esquemas para construir generadores de ruido como la consola Atari Punk o la Dub Siren, así como modificaciones simples para juguetes infantiles como el Speak & Spell que a menudo son modificados por circuitos dobladores.
El sintetizador modular es un tipo de sintetizador que consta de módulos intercambiables separados. También están disponibles como kits para constructores aficionados al bricolaje. Muchos diseñadores aficionados también ponen a disposición de otros aficionados placas PCB desnudas y paneles frontales.
Tecnologías
Instrumentos individuales (modernos)
En la música tradicional india y asiática
En 1969, una versión portátil del estudio Moog, llamada Minimoog, se convirtió en el sintetizador más utilizado tanto en la música popular como en la música artística electrónica.
El panel de control del Mellotron M4000 es idéntico al del M400, excepto por la adición de cuatro botones y una pantalla LED para operar el mecanismo de ciclismo.
La interfaz de usuario del panel frontal tiene 2 pantallas TFT de alta calidad y son capaces de mostrar imágenes de los instrumentos reales.
Este elemento de aceptar errores está en el centro de Circuit Bending, se trata de crear sonidos que se supone que no deben suceder y que no se deben escuchar (Gard, 2004).
En términos de musicalidad, al igual que con la música artística electrónica, se ocupa principalmente del timbre y tiene poca consideración por el tono y el ritmo en un sentido clásico.
... .
En una línea similar a la música aleatoria de Cage, el arte del Bending depende del azar, cuando una persona se prepara para doblarse no tiene idea del resultado final.