La música noise es un género musical que se caracteriza por el uso expresivo del ruido . Este tipo de música tiende a desafiar la distinción que se hace en las prácticas musicales convencionales entre sonido musical y no musical. [4] La música noise incluye una amplia gama de estilos musicales y prácticas creativas basadas en el sonido que presentan el ruido como aspecto principal .
La música noise puede incluir ruido generado acústica o electrónicamente, e instrumentos musicales tanto tradicionales como no convencionales. Puede incorporar sonidos de máquinas en vivo, técnicas vocales no musicales , medios de audio manipulados físicamente, grabaciones de sonido procesadas , grabaciones de campo , ruido generado por computadora , procesos estocásticos y otras señales electrónicas producidas aleatoriamente como distorsión , retroalimentación , estática , silbidos y zumbidos. . También puede haber énfasis en niveles de volumen altos y piezas largas y continuas. En términos más generales, la música de ruido puede contener aspectos como la improvisación , la técnica extendida , la cacofonía y la indeterminación . En muchos casos, se prescinde del uso convencional de melodía, armonía, ritmo o pulso. [5] [6] [7] [8]
El movimiento artístico futurista (en particular el manifiesto Intonarumori y L'Arte dei Rumori ( El arte de los ruidos ) de Luigi Russolo ) fue importante para el desarrollo de la estética del ruido, al igual que el movimiento artístico dadaísta (un excelente ejemplo es la Antisinfonía) . concierto realizado el 30 de abril de 1919 en Berlín). [9] [10] En la década de 1920, el compositor francés Edgard Varèse , cuando el dadaísmo neoyorquino se asociaba a través de la revista 391 de Marcel Duchamp y Francis Picabia , concebía los elementos de su música en términos de masas sonoras ; escribiendo en la primera mitad de la década de 1920, Offrandes , Hyperprism , Octandre e Intégrales . [11] [12] Varèse pensaba que "para los oídos obstinadamente condicionados, todo lo nuevo en la música siempre se ha llamado ruido ", y planteó la pregunta: "¿qué es la música sino ruidos organizados?" [13]
Las composiciones de música concreta de 1948 de Pierre Schaeffer, Cinq études de bruits ( Cinco estudios de ruido ), que comenzaron con Etude aux Chemins de Fer ( Estudio ferroviario ), son clave para esta historia. [14] Etude aux Chemins de Fer consistió en un conjunto de grabaciones realizadas en la estación de tren Gare des Batignolles de París que incluían seis locomotoras de vapor silbando y trenes acelerando y moviéndose sobre las vías. La pieza se derivó enteramente de sonidos de ruido grabados que no eran musicales, lo que dio cuenta de la convicción de Russolo de que el ruido podía ser una fuente aceptable de música. Cinq études de bruits se estrenó a través de una emisión radiofónica el 5 de octubre de 1948, llamada Concert de bruits ( Concierto de ruido ). [14]
Más tarde, en la década de 1960, el movimiento artístico Fluxus jugó un papel importante, específicamente los artistas Fluxus Joe Jones , Yasunao Tone , George Brecht , Robert Watts , Wolf Vostell , Dieter Roth , Yoko Ono , Nam June Paik , Ocean Music de Walter De Maria. , Broken Music Composition de Milan Knížák , principios de La Monte Young , Takehisa Kosugi , [15] y Analog #1 (Noise Study) (1961) del compositor relacionado con Fluxus, James Tenney . [16] [17]
La música noise contemporánea a menudo se asocia con un volumen y una distorsión extremos. [18] Los géneros notables que explotan tales técnicas incluyen el noise rock y el no wave , la música industrial , el Japanoise y la música posdigital como el glitch . [19] [20] En el ámbito del rock experimental , los ejemplos incluyen Metal Machine Music y Sonic Youth de Lou Reed . [21] Otros ejemplos notables de compositores y bandas que presentan materiales basados en ruido incluyen obras de Iannis Xenakis , Karlheinz Stockhausen , Helmut Lachenmann , Cornelius Cardew , Theatre of Eternal Music , Glenn Branca , Rhys Chatham , Ryoji Ikeda , Survival Research Laboratories , Whitehouse , Coil , Merzbow , Cabaret Voltaire , Psychic TV , las grabaciones de Jean Tinguely de su escultura sonora (específicamente Bascule VII ), la música del Teatro Orgien Mysterien de Hermann Nitsch y las obras de gong inclinado de La Monte Young de finales de los años 1960. [22]
Según el teórico danés del ruido y la música Torben Sangild, no es posible una única definición de ruido en la música. Sangild, en cambio, proporciona tres definiciones básicas de ruido: una definición de acústica musical , una segunda definición comunicativa basada en la distorsión o perturbación de una señal comunicativa, y una tercera definición basada en la subjetividad (lo que es ruido para una persona puede ser significativo para otra; lo que era El sonido que ayer se consideraba desagradable no lo es hoy). [23]
Según Murray Schafer existen cuatro tipos de ruido: ruido no deseado, sonido no musical, cualquier sonido fuerte y una perturbación en cualquier sistema de señalización (como la estática en un teléfono). [24] Las definiciones sobre lo que se considera ruido, en relación con la música, han cambiado con el tiempo. [25] Ben Watson , en su artículo El ruido como revolución permanente , señala que Grosse Fuge (1825) de Ludwig van Beethoven "sonaba como ruido" para su audiencia en ese momento. De hecho, los editores de Beethoven lo persuadieron para que lo eliminara de su configuración original como último movimiento de un cuarteto de cuerda. Así lo hizo, reemplazándolo con un brillante Allegro . Posteriormente lo publicaron por separado. [26]
Al intentar definir la música noise y su valor, Paul Hegarty (2007) cita el trabajo de destacados críticos culturales Jean Baudrillard , Georges Bataille y Theodor Adorno y, a través de su trabajo, rastrea la historia del "ruido". Define el ruido en distintos momentos como "intrusivo, no deseado", "falto de habilidad, no apropiado" y "un vacío amenazante". Él rastrea estas tendencias comenzando con la música de sala de conciertos del siglo XVIII. Hegarty sostiene que es la composición 4'33" de John Cage , en la que el público se sienta durante cuatro minutos y medio de "silencio" (Cage 1973), la que representa el comienzo de la música noise propiamente dicha. Para Hegarty, la "música noise" ", como ocurre con 4'33" , es esa música formada por sonidos incidentales que representan perfectamente la tensión entre el sonido "deseable" (notas musicales bien tocadas) y el "ruido" indeseable que componen toda la música noise desde Erik Satie hasta NON hasta Glenn Branca . Al escribir sobre la música de ruido japonesa, Hegarty sugiere que "no es un género, pero también es un género que es múltiple y se caracteriza por esta misma multiplicidad... La música de ruido japonesa puede presentarse en todos los estilos, refiriéndose a todos los demás géneros". .. pero plantea de manera crucial la cuestión del género: ¿qué significa ser categorizado, categorizable, definible?" (Hegarty 2007:133).
El escritor Douglas Kahn , en su obra Ruido, agua, carne: una historia del sonido en las artes (1999), analiza el uso del ruido como medio y explora las ideas de Antonin Artaud , George Brecht , William Burroughs , Sergei Eisenstein , Fluxus. , Allan Kaprow , Michael McClure , Yoko Ono , Jackson Pollock , Luigi Russolo y Dziga Vertov .
En Ruido: la economía política de la música (1985), Jacques Attali explora la relación entre la música de ruido y el futuro de la sociedad al considerar la música de ruido no simplemente como un reflejo de las transformaciones sociales, sino como una importante prefiguración de ellas. Indica que el ruido en la música es un predictor del cambio social y demuestra cómo el ruido actúa como el subconsciente de la sociedad, validando y probando nuevas realidades sociales y políticas. [27] Su alteración de la historia estándar de la música y su inclusión del ruido en un intento de teorizar la cultura allanaron el camino para muchos estudios teóricos de la música ruidosa.
Como gran parte del arte moderno y contemporáneo, la música noise toma características de los rasgos negativos percibidos del ruido que se mencionan a continuación y los utiliza de manera estética e imaginativa. [28]
En el uso común, la palabra ruido significa contaminación sonora o acústica no deseada . [29] En electrónica, el ruido puede referirse a la señal electrónica correspondiente al ruido acústico (en un sistema de audio) o a la señal electrónica correspondiente al ruido (visual) comúnmente visto como "nieve" en una imagen de televisión o vídeo degradada. [30] En el procesamiento de señales o en la informática se pueden considerar datos sin significado; es decir, datos que no se utilizan para transmitir una señal, sino que simplemente se producen como un subproducto no deseado de otras actividades. El ruido puede bloquear, distorsionar o cambiar el significado de un mensaje tanto en la comunicación humana como electrónica.El ruido blanco es una señal (o proceso) aleatoria con una densidad espectral de potencia plana . [31] En otras palabras, la señal contiene la misma potencia dentro de un ancho de banda fijo en cualquier frecuencia central. El ruido blanco se considera análogo a la luz blanca , que contiene todas las frecuencias. [32] [33]
De la misma manera que los primeros modernistas se inspiraron en el arte ingenuo , algunos músicos de noise del arte digital contemporáneo están entusiasmados con las tecnologías de audio arcaicas, como las grabadoras de cable, el cartucho de 8 pistas y los discos de vinilo . [34] Muchos artistas no sólo construyen sus propios dispositivos generadores de ruido, sino incluso sus propios equipos de grabación especializados y software personalizado (por ejemplo, el software C++ utilizado en la creación de la sinfonía viral de Joseph Nechvatal ). [35] [36]
En "Futurismo y notas musicales", Daniele Lombardi habló sobre la compositora francesa Carol-Bérard; Un alumno de Isaac Albéniz , que compuso una Sinfonía de fuerzas mecánicas en 1910, escribió sobre los problemas de la instrumentación de la música ruidosa. y desarrolló un sistema de notación. [37]
En 1913, el artista futurista Luigi Russolo escribió su manifiesto, L'Arte dei Rumori , traducido como El arte de los ruidos , [38] afirmando que la revolución industrial había dado a los hombres modernos una mayor capacidad para apreciar sonidos más complejos. Russolo encontró que la música melódica tradicional era limitante e imaginó la música noise como su futuro reemplazo. Diseñó y construyó una serie de dispositivos generadores de ruido llamados intonarumori y montó una orquesta de ruido para actuar con ellos. Las obras tituladas Risveglio di una città (El despertar de una ciudad) y Convegno d'aeroplani e d'automobili (El encuentro de aviones y automóviles) se representaron por primera vez en 1914. [39]
Una interpretación de su Gran Concierto Futurístico (1917) fue recibida con una fuerte desaprobación y violencia por parte del público, como el propio Russolo había predicho. Ninguno de sus dispositivos de entonación ha sobrevivido, aunque recientemente algunos han sido reconstruidos y utilizados en actuaciones. Aunque las obras de Russolo guardan poco parecido con la música noise contemporánea como la Japanoise , sus esfuerzos ayudaron a introducir el ruido como una estética musical y ampliar la percepción del sonido como medio artístico. [40] [41]
Al principio el arte de la música buscaba la pureza, la limpidez y la dulzura del sonido. Luego se fusionaron diferentes sonidos, teniendo cuidado, sin embargo, de acariciar el oído con suaves armonías. Hoy en día la música, cada vez más complicada, se esfuerza por amalgamar los sonidos más disonantes, extraños y ásperos. De esta manera nos acercamos cada vez más al ruido-sonido.
— Luigi Russolo El arte de los ruidos (1913) [42]
Antonio Russolo , hermano de Luigi y compañero compositor futurista italiano , produjo una grabación de dos obras con el intonarumori original . El fonógrafo realizado en 1921 con las obras tituladas Corale y Serenata , combinaba música orquestal convencional con las famosas máquinas de ruido y es la única grabación sonora que se conserva. [43]
Una de las primeras obras de Marcel Duchamp , relacionada con el dadaísmo , de 1916, también trabajaba con ruido, pero de forma casi silenciosa. Uno de los objetos Readymades encontrados de Marcel Duchamp , A Bruit Secret (With Hidden Noise), fue un trabajo colaborativo que creó un instrumento de ruido que Duchamp realizó con Walter Arensberg . [44] Lo que suena en el interior cuando se agita A Bruit Secret sigue siendo un misterio. [45]
En el mismo período se comenzaba a explorar la utilización del sonido encontrado como recurso musical. Un ejemplo temprano es Parade , una representación producida en el Teatro Chatelet de París el 18 de mayo de 1917, que fue concebida por Jean Cocteau , con diseño de Pablo Picasso , coreografía de Leonid Massine y música de Eric Satie . Cocteau se refirió a los materiales extramusicales utilizados en la producción como sonidos trompe l'oreille e incluían una dinamo , una máquina de código Morse , sirenas, una máquina de vapor, un motor de avión y máquinas de escribir. [46] La composición de Arseny Avraamov , Sinfonía de sirenas de fábrica , incluía sirenas y silbatos de barcos de la marina, bocinas de autobuses y automóviles, sirenas de fábricas, cañones, sirenas de niebla, cañones de artillería, ametralladoras, hidroaviones y una máquina de silbatos de vapor especialmente diseñada que genera ruidos. Representaciones de la Internacional y la Marsellesa para una pieza dirigida por un equipo que utiliza banderas y pistolas cuando se representó en la ciudad de Bakú en 1922. [47] En 1923, Arthur Honegger creó Pacific 231 , una composición musical modernista que imita el sonido de una locomotora de vapor. . [48] Otro ejemplo es la pieza orquestal de Ottorino Respighi de 1924 Pinos de Roma , que incluía la reproducción fonográfica de una grabación de ruiseñor. [46] También en 1924, George Antheil creó una obra titulada Ballet Mécanique con instrumentación que incluía 16 pianos , 3 hélices de avión y 7 campanas eléctricas . La obra fue concebida originalmente como música para la película dadaísta del mismo nombre, de Dudley Murphy y Fernand Léger , pero en 1926 se estrenó de forma independiente como pieza de concierto. [49] [50]
En 1930 Paul Hindemith y Ernst Toch reciclaron discos para crear montajes sonoros y en 1936 Edgard Varèse experimentó con discos, reproduciéndolos al revés y a diferentes velocidades. [51] Varese había utilizado anteriormente sirenas para crear lo que llamó una "curva de flujo continuo" de sonido que no podía lograr con instrumentos acústicos. En 1931, Ionización de Varese para 13 intérpretes presentaba 2 sirenas, el rugido de un león y utilizó 37 instrumentos de percusión para crear un repertorio de sonidos sin tono, lo que la convirtió en la primera obra musical organizada únicamente sobre la base del ruido. [52] [53] Al comentar las contribuciones de Varese, el compositor estadounidense John Cage afirmó que Varese había "establecido la naturaleza actual de la música" y que se había "entrado en el campo del sonido mismo mientras otros todavía discriminaban los 'tonos musicales' de los ruidos". [54]
En un ensayo escrito en 1937, Cage expresó interés en utilizar materiales extramusicales [55] y llegó a distinguir entre sonidos encontrados, a los que llamó ruido, y sonidos musicales, ejemplos de los cuales incluían: lluvia, estática entre canales de radio y "un camión a ochenta kilómetros por hora". En esencia, Cage no hizo ninguna distinción; en su opinión, todos los sonidos tienen el potencial de ser utilizados de forma creativa. Su objetivo era capturar y controlar elementos del entorno sonoro y emplear un método de organización del sonido, un término tomado de Varese, para dar significado a los materiales sonoros. [56] Cage comenzó en 1939 a crear una serie de obras que exploraban sus objetivos declarados, siendo el primero Imaginary Landscape #1 para instrumentos que incluían dos tocadiscos de velocidad variable con grabaciones de frecuencia. [57]
En 1961, James Tenney compuso Analogue #1: Noise Study (para cinta) usando ruido sintetizado por computadora y Collage No.1 (Blue Suede) (para cinta) muestreando y manipulando una famosa grabación de Elvis Presley . [58]
Creo que el uso del ruido para hacer música continuará y aumentará hasta que alcancemos una música producida con la ayuda de instrumentos eléctricos que pondrán a disposición para fines musicales todos y cada uno de los sonidos que se puedan escuchar.
— John Cage El futuro de la música: Credo (1937)
En 1932, los artistas de la Bauhaus László Moholy-Nagy , Oskar Fischinger y Paul Arma experimentaron modificando el contenido físico de los ritmos de los discos. [58]
Bajo la influencia de Henry Cowell en San Francisco a finales de la década de 1940, [59] Lou Harrison y John Cage comenzaron a componer música para conjuntos de percusión basura ( desechos ), recorriendo depósitos de chatarra y tiendas de antigüedades de Chinatown en busca de tambores de freno, macetas, gongs, etc. y más.
En Europa, a finales de la década de 1940, Pierre Schaeffer acuñó el término música concreta para referirse a la naturaleza peculiar de los sonidos grabados en cinta, separados de la fuente que los generó inicialmente. [60] Pierre Schaeffer ayudó a formar el Studio d'Essai de Radiodiffusion-Télévision Française en París durante la Segunda Guerra Mundial. Inicialmente al servicio de la Resistencia francesa , Studio d'Essai se convirtió en un centro de desarrollo musical centrado en la implementación de dispositivos electrónicos en las composiciones. Fue a partir de este grupo que se desarrolló la música concreta. Un tipo de música electroacústica , la musique concrète se caracteriza por el uso de sonido grabado, electrónica, cintas, fuentes de sonido animadas e inanimadas y diversas técnicas de manipulación. El primero de los Cinq études de bruits ( Cinco estudios de ruido ) de Schaeffer , llamado Étude aux chemins de fer (1948), consistía en sonidos de locomotoras transformados. [14] El último estudio, Étude pathétique (1948), utiliza sonidos grabados de cacerolas y barcos de canal. Cinq études de bruits se estrenó a través de una transmisión radiofónica el 5 de octubre de 1948, titulada Concert de bruits .
Siguiendo la música concreta, otros compositores de música artística modernista como Richard Maxfield , Karlheinz Stockhausen , Gottfried Michael Koenig , Pierre Henry , Iannis Xenakis , La Monte Young y David Tudor , compusieron importantes obras electrónicas, vocales e instrumentales, a veces utilizando sonidos encontrados. [58] A finales de 1947, Antonin Artaud grabó Pour en Finir avec le Jugement de dieu ( Haber terminado con el juicio de Dios ), una pieza de audio llena de la cacofonía aparentemente aleatoria de sonidos xilófonos mezclados con varios elementos de percusión , mezclados con la ruido de alarmantes llantos, alaridos, gruñidos, onomatopeyas y glosolalia humanas . [61] [62] En 1949, el artista del Nouveau Réalisme Yves Klein escribió The Monotone Symphony (formalmente The Monotone-Silence Symphony , concebida entre 1947 y 1948), una pieza orquestal de 40 minutos que consistía en un solo acorde sostenido de 20 minutos (seguido por un silencio de 20 minutos) [63] , que muestra cómo el sonido de un dron podría producir música. También en 1949, Pierre Boulez se hizo amigo de John Cage , que estaba de visita en París para investigar sobre la música de Erik Satie . John Cage había estado impulsando la música en direcciones aún más sorprendentes durante los años de la guerra, escribiendo para piano preparado, percusión de chatarra y aparatos electrónicos. [64]
En 1951 se estrenó en Nueva York Imaginary Landscape #4 de Cage , una obra para doce receptores de radio. La interpretación de la composición requirió el uso de una partitura que contenía indicaciones para varias longitudes de onda, duraciones y niveles dinámicos, todos los cuales habían sido determinados mediante operaciones aleatorias . [65] [66] Un año más tarde, en 1952, Cage aplicó sus métodos aleatorios a la composición basada en cintas. También en 1952, Karlheinz Stockhausen completó una modesta pieza estudiantil de música concreta titulada Etude . El trabajo de Cage dio como resultado su famosa obra Williams Mix , que estaba compuesta por unos seiscientos fragmentos de cinta ordenados según las exigencias del I Ching . La primera fase radical de Cage alcanzó su apogeo ese verano de 1952, cuando dio a conocer el primer " howto " artístico en el Black Mountain College , y 4'33" , la llamada controvertida "pieza muda". El estreno de 4'33" fue interpretada por David Tudor . El público lo vio sentarse al piano y cerrar la tapa del piano. Algún tiempo después, sin haber tocado ninguna nota, abrió la tapa. Un rato después, al no haber jugado otra vez, cerró la tapa. Y después de un rato, abrió la tapa una vez más y se levantó del piano. La pieza había transcurrido sin que se tocara una sola nota, de hecho, sin que Tudor ni nadie en el escenario hubiera emitido ningún sonido deliberado, aunque cronometró la duración con un cronómetro mientras pasaba las páginas de la partitura. Sólo entonces el público pudo reconocer en qué insistía Cage: que no existe el silencio. Siempre hay ruido que produce un sonido musical. [67] En 1957, Edgard Varèse creó en cinta una pieza ampliada de música electrónica utilizando ruidos creados al raspar, golpear y soplar, titulada Poème électronique . [68] [69]
En 1960, John Cage completó su composición de ruido " Cartucho Music" para cápsulas fonográficas con objetos extraños reemplazando el "stylus" y pequeños sonidos amplificados por micrófonos de contacto. También en 1960, Nam June Paik compuso Fluxusobjekt para cinta fija y cabezal de reproducción de cinta controlado manualmente. [58] El 8 de mayo de 1960, seis jóvenes músicos japoneses, entre ellos Takehisa Kosugi y Yasunao Tone , formaron el Grupo Ongaku con dos grabaciones de música noise: Automatism y Object . Estas grabaciones utilizaron una mezcla de instrumentos musicales tradicionales junto con una aspiradora, una radio, un bidón de aceite, una muñeca y una vajilla. Además, se manipuló la velocidad de la grabación, distorsionando aún más los sonidos que se estaban grabando. [70] Nihilist Spasm Band de Canadá , el grupo de noise más antiguo del mundo, se formó en 1965 en London, Ontario, y continúa actuando y grabando hasta el día de hoy, habiendo sobrevivido para trabajar con muchos miembros de la nueva generación en los que ellos mismos habían influido. , como Thurston Moore de Sonic Youth y Jojo Hiroshige de Hijokaidan . En 1967, Musica Elettronica Viva , un grupo de improvisación acústica/electrónica en vivo formado en Roma, hizo una grabación titulada SpaceCraft [71] usando micrófonos de contacto sobre objetos "no musicales" como paneles de vidrio y latas de aceite de motor que se grabó en el Akademie der Kunste de Berlín. [72] A finales de los años sesenta, participaron en la acción colectiva de ruido llamada Lo Zoo iniciada por el artista Michelangelo Pistoletto .
La crítica de arte Rosalind Krauss argumentó que en 1968 artistas como Robert Morris , Robert Smithson y Richard Serra habían "entrado en una situación cuyas condiciones lógicas ya no pueden describirse como modernistas". [73] El arte sonoro se encontró en la misma condición, pero con un énfasis añadido en la distribución . [74] El arte procesal antiforme se convirtió en los términos utilizados para describir esta cultura postindustrial posmoderna y el proceso mediante el cual se elabora. [75] La música artística seria respondió a esta coyuntura en términos de ruido intenso, por ejemplo, la composición de La Monte Young Fluxus 89 VI 8 C. 1:42–1:52 AM Paris Encore de Poem For Chairs, Tables, Benches, Etc. La composición de Young Two Sounds (1960) fue compuesta para percusión amplificada y cristales de ventanas y su Poem for Tables, Chairs and Benches, Etc. (1960) utilizó los sonidos de los muebles raspando el suelo. AllMusic evaluó al grupo experimental inglés de la década de 1960 AMM como creador de la electrónica , la improvisación libre y la música noise, y escribió que "las bandas de noise se deben a sí mismas comprobar su fuente principal". [76]
¡Asustarse! , el álbum debut de 1966 de Mothers of Invention hizo uso de un collage sonoro de vanguardia, en particular el tema final " The Return of the Son of Monster Magnet ". [77] El mismo año, el grupo de art rock Velvet Underground hizo su primera grabación bajo la producción de Andy Warhol , una canción titulada "Noise". [78] AllMusic evaluó a Godz como una de las primeras bandas de ruido: "los tres fragmentos chillones de ruido/basura de vanguardia que grabaron entre 1966 y 1968. Suena como un prototipo de Half Japanese o the Shaggs ". [79]
" Tomorrow Never Knows " es la última canción del álbum de estudio de 1966 de los Beatles, Revolver ; Acreditada como una canción de Lennon-McCartney , fue escrita principalmente por John Lennon con importantes contribuciones al arreglo de Paul McCartney . La pista incluía efectos de cinta en bucle . Para la canción, McCartney suministró una bolsa con bucles de cintas de audio de 1⁄4 de pulgada que había hecho en casa después de escuchar Gesang der Jünglinge de Stockhausen . Al desactivar el cabezal de borrado de una grabadora y luego pasar un bucle continuo de cinta a través de la máquina mientras se grababa, la cinta se sobregrababa constantemente , creando un efecto de saturación, una técnica también utilizada en la música concreta . [80] Los Beatles continuarían estos esfuerzos con " Revolution 9 ", un tema producido en 1968 para The White Album . Hizo uso exclusivo del collage sonoro , acreditado a Lennon-McCartney , pero creado principalmente por John Lennon con la ayuda de George Harrison y Yoko Ono . [81]
En 1975, Ned Lagin lanzó un álbum de música electrónica noise lleno de ruidos espaciales y atmósferas llenas de eructos y pitidos titulado Seastones on Round Records . [82] El álbum fue grabado en sonido cuadrafónico estéreo y contó con actuaciones invitadas de miembros de Grateful Dead , incluido Jerry García tocando la guitarra tratada y Phil Lesh tocando el bajo electrónico Alembic . [83] David Crosby , Grace Slick y otros miembros de Jefferson Airplane también aparecen en el álbum. [84]
Se cita el doble LP de Lou Reed , Metal Machine Music (1975), por contener las características principales de lo que con el tiempo se convertiría en un género conocido como música noise. [85] El álbum, grabado en una máquina Uher de tres velocidades y masterizado/diseñado por Bob Ludwig , [86] es un ejemplo temprano y bien conocido de música de ruido de estudio comercial que el crítico musical Lester Bangs ha llamado sarcásticamente el "mejor álbum". jamás realizado en la historia del tímpano humano ". [87] También ha sido citado como uno de los " peores álbumes de todos los tiempos ". [88] En 1975, RCA también lanzó una versión cuadrafónica de la grabación de Metal Machine Music que se produjo reproduciendo la cinta maestra hacia adelante y hacia atrás, y volteando la cinta. [89] Reed era muy consciente de la música drone de La Monte Young y lo cita como una gran influencia en Metal Machine Music . [86] [90] [91] Young's Theatre of Eternal Music fue un grupo de ruido musical proto- minimal de mediados de los años 60 con John Cale , Marian Zazeela , Henry Flynt , Angus Maclise , Tony Conrad y otros. [92] Las notas discordantes sostenidas y la fuerte amplificación del Theatre of Eternal Music habían influido en la contribución posterior de Cale al Velvet Underground en su uso tanto de la discordancia como de la retroalimentación. [93] Cale y Conrad han lanzado grabaciones de música noise que hicieron a mediados de los años sesenta, como la serie Inside the Dream Syndicate de Cale ( siendo The Dream Syndicate el nombre alternativo dado por Cale y Conrad a su trabajo colectivo con Young). [94] Bandas de krautrock como Neu! [95] y Fausto [96] incorporarían ruido a sus composiciones. Roni Sarig, autor de La historia secreta del rock, calificó el segundo álbum de Can, Tago Mago, como "lo más cercano que jamás estuvo a la música noise de vanguardia". [97]
El acertadamente llamado noise rock fusiona rock con ruido, generalmente con instrumentación "rock" reconocible, pero con un mayor uso de distorsión y efectos electrónicos, diversos grados de atonalidad , improvisación y ruido blanco . Una banda notable de este género es Sonic Youth , que se inspiró en los compositores de No Wave Glenn Branca y Rhys Chatham (él mismo alumno de La Monte Young ). [98] Marc Masters, en su libro sobre No Wave, señala que los primeros grupos de dark noise agresivamente innovadores como Mars y DNA se basaron en el punk rock , el minimalismo de vanguardia y el arte escénico . [99] Importantes en esta trayectoria del ruido son las nueve noches de música noise llamadas Noise Fest que fueron organizadas por Thurston Moore de Sonic Youth en el espacio artístico de Nueva York White Columns en junio de 1981 [100] [101] seguidas por el noise rock Speed Trials. Serie organizada por miembros de Live Skull en mayo de 1983.
En la década de 1970, el concepto de arte en sí se expandió y grupos como Survival Research Laboratories , Borbetomagus y Elliott Sharp abrazaron y ampliaron los aspectos más disonantes y menos accesibles de estos conceptos musicales/espaciales. Casi al mismo tiempo, apareció la primera ola posmoderna de música noise industrial con el grupo pop, [102] Throbbing Gristle , Cabaret Voltaire y NON (también conocido como Boyd Rice ). [103] Estos lanzamientos de cultura en casete a menudo incluían una edición de cinta estrafalaria, una percusión marcada y bucles repetitivos distorsionados hasta el punto de degradarse hasta convertirse en un ruido áspero. [104] En las décadas de 1970 y 1980, grupos de ruido industrial como Killing Joke , Throbbing Gristle , Mark Stewart & the Mafia, Coil , Laibach , Thee Temple ov Psychick Youth , Smegma , Nurse with Wound y Einstürzende Neubauten interpretaron música de ruido industrial mezclando metal a todo volumen. percusión, guitarras e "instrumentos" poco convencionales (como martillos neumáticos y huesos) en elaboradas representaciones teatrales. Estos artistas industriales experimentaron con diversos grados de técnicas de producción de ruido. [105] El interés en el uso de la radio de onda corta también se desarrolló en este momento, particularmente evidente en las grabaciones y presentaciones en vivo de John Duncan . Otros movimientos artísticos posmodernos que influyen en el arte del ruido posindustrial son el arte conceptual y el uso neodadá de técnicas como el ensamblaje , el montaje , el bricolaje y la apropiación . Pronto siguieron bandas como Test Dept , Clock DVA , Factrix , Autopsia , Nocturnal Emissions , Whitehouse , Severed Heads , Sutcliffe Jügend y SPK . La repentina asequibilidad postindustrial de la tecnología de grabación de casetes doméstica en la década de 1970, combinada con la influencia simultánea del punk rock , estableció la estética No Wave e instigó lo que hoy se conoce comúnmente como música noise. [105]
Desde principios de la década de 1980, [106] Japón ha producido una producción significativa de artistas y bandas característicamente duros, a veces denominados Japanoise , con nombres como Government Alpha , Alienlovers in Amagasaki y Koji Tano, y quizás el más conocido sea Merzbow (seudónimo). para el artista de ruido japonés Masami Akita , quien a su vez se inspiró en el proyecto artístico de collage psicológico Merz del artista dadaísta Kurt Schwitters ). [107] [108] A finales de la década de 1970 y principios de la de 1980, Akita tomó Metal Machine Music como punto de partida y abstrajo aún más la estética del ruido al liberar el sonido de la retroalimentación basada únicamente en la guitarra. Según Hegarty (2007), "en muchos sentidos sólo tiene sentido hablar de música noise desde la aparición de varios tipos de ruido producidos en la música japonesa, y en términos de cantidad esto realmente tiene que ver con la década de 1990 en adelante... Con el gran crecimiento del ruido japonés, finalmente la música noise se convierte en un género". [109] Otros artistas de ruido japoneses clave que contribuyeron a este aumento de actividad incluyen Hijokaidan , Boredoms , CCCC , Incapacitants , KK Null , Yamazaki Maso 's Masonna , Solmania , K2, Gerogerigegege y Hanatarash . [108] [110] Nick Cain de The Wire identifica la "primacía de los artistas de ruido japoneses como Merzbow, Hijokaidan e Incapacitants" como uno de los principales avances en la música de ruido desde 1990. [111]
Siguiendo la estela del ruido industrial, el noise rock, el no wave y el ruido áspero, ha habido una avalancha de músicos de noise cuyo trabajo ambiental , microsonido , Vaporwave o basado en glitch es a menudo más sutil para el oído. [112] Kim Cascone se refiere a este desarrollo como un movimiento posdigital y lo describe como una "estética del fracaso". [113] Parte de esta música ha tenido una amplia distribución gracias a los servicios de intercambio de archivos entre pares y a los netlabels que ofrecen lanzamientos gratuitos. Steve Goodman caracteriza esta avalancha generalizada de medios gratuitos basados en ruido como un "virus del ruido". [114] [115]
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